Art Pepper

El 1 de septiembre de 1925 nació en Gardena (California) Art Pepper, uno de los grandes saxofonistas de jazz de los cuarenta y cincuenta. Junto a Lee Konitz y Paul Desmond fue uno de los que desarrolló un sonido estrictamente personal que prácticamente no recibió influencias de Charlie Parker.

Muy joven ya participaba en jams con los grandes de la escena (Ben Webster, Dexter Gordon y Art Tatum) en los clubes negros de la Central Avenue en Los Ángeles. En 1943 se unió a Stan Kenton, a cuya banda volvió en 1947 tras cumplir con el servicio militar (1944-46). En sus filas grabó 'Summer of 51' (1951) y un año después dejó la banda para seguir tocando en pequeñas formaciones. Tomó parte en las famosas primeras grabaciones West Coast de Shorty Rogers en diciembre de1951, lo que le facilitó la ocasión de crecer como solista. También publicó con su propio nombre, como los magníficos 'Meets the Rhythm Section' (1957),  'Art Pepper + Eleven: Modern Jazz Classics' (1959), 'Gettin' Together' y 'Smack Up' (1960) y grabó dos álbumes con Chet Baker.

Ficha policial de Pepper

Pero a principios de los cincuenta Blakey ya sufría fuertes dependencias al alcohol, las pastillas y la heroína, lo que le llevó a un estilo de vida errático y a tener problemas con la ley. Estos comenzaron en 1952 con la primera de sus entradas en prisión, las cuales se repitieron a lo largo de los años sesenta (cuatro años en San Quentin), que culminaron en tres años de rehabilitación voluntaria en el centro de drogodependientes Synanon a partir de 1969.

En 1975, tras una terapia con metadona y con la ayuda de su tercera esposa Laurie, Pepper pudo regresar a su carrera musical y grabó una serie de discos muy elogiados. Sus primeras apariciones en la costa Este y en Japón atrajeron nueva atención sobre él y fue aclamado como una leyenda viviente. En 1978 firmó con el sello Galaxy, donde publicó una serie de grandes trabajos en los que demostraba que los años de sufrimiento físico y emocional habían hecho madurar excelentemente el tono de Pepper, como 'Landscape' (1979), 'Winter Moon' y 'Straight Life' (1980).

Su autobiografía, también llamada 'Straight Life' (Una vida ejemplar) (1980), co-escrita con Laurie Pepper, es una excepcional exploración en el mundo del jazz y en las subculturas de las drogas y lo criminal de la California de mediados del siglo XX. Tampoco su publicación logró alejar del todo los demonios interiores de Art pero continuó liderando las listas y encuestas, así como acometiendo ambiciosos proyectos con orquesta de cuerdas o dúos íntimos con su acompañante favorito, el pianista George Cables. Murió a los 56 años de una apoplejía en junio de 1982.

Alton Ellis

El 1 de septiembre de 1938 nació en Kingston el músico jamaicano Alton Ellis, conocido como 'el padrino del rock-steady', estilo sucesor del ska, y precursor directo del reggae.

Creció en el barrio de Trench Town en una familia muy aficionada a la música, por lo que aprendió a tocar el piano muy joven. Sus inicios como artista fueron de bailarín, ganando varios concursos de talentos, pero en 1959 se pasó a la música junto a Eddy Perkins, como parte del dúo Alton and Eddy. Con un estilo R&B cosecharon éxitos locales como 'Muriel', 'My heaven', 'Lullaby angel', 'I am never gonna cry' y 'Yours'. Perkins dejó el dúo para seguir en solitario en Estados Unidos y Ellis permaneció en Jamaica reemplazando a Perkins por John Holt.

Cuando este se unió a The Paragons a principios de los años sesenta, Ellis formó un nuevo grupo, The Flames, justo cuando el ska empezaba a dominar la música jamaicana. Le redujo el tempo y el ritmo y grabó un tema llamado 'Rock steady'. Así fue bautizado el nuevo estilo que acababa de nacer. En 1967 grabó su álbum debut, 'Mr Soul of Jamaica', con temas como 'If I could rule this world', 'You make me happy', 'Why birds follow spring' y 'Sun of Man', considerado el álbum de rocksteady definitivo.

En 1967 grabó el tema 'Mad mad', que incluía unos vientos ejecutando una línea descendente de tres notas, que se convirtió en una constante en más de un centenar de temas reggae que le siguieron. También aparece de nuevo en temas hip hop de Tupac Shakur, KRS-One, y Notorious B.I.G.. Ellis continuó activo hasta que su salud comenzó a deteriorarse en 2005. Murió en octubre de 2008 a los 70 años.

EL ROCKSTEADY

El rocksteady utiliza varios elementos musicales típicos del rhythm and blues y del ska. Uno de esos elementos son los ritmos offbeat: dos o tres acordes mayores tocados a la guitarra que crean un sonido claro, vibrante y típicamente alto. El rocksteady es más lento y relajado que el ska.

La caja en la batería juega un rol esencial en el mantenimiento del tempo, y se caracteriza por un poderoso golpe en el tercer tiempo de cada compás ('one drop'). El bajo es pesado y más prominente que en el ska, y las líneas de bajo reemplazaron el estilo 'caminante' (walking style) del ska por figuras más rotas y sincopadas. En el rocksteady se reducía (pero no eliminaba) el uso de vientos. A cambio, la guitarra eléctrica, el bajo y el piano cobraron más protagonismo. La guitarra eléctrica toca la principal melodía, generalmente imitando la línea de bajo, en el estilo característico de Lynn Taitt. El bajo eléctrico es el principal instrumento rítmico, ayudando a crear un sonido más percusivo.

Bailando el rocksteady

Hubo varios factores que influyeron en la evolución del Rocksteady al Reggae a finales de los años 60. La migración de los músicos y productores Jackie Mittoo y Lynn Taitt - y el proceso de modernización tecnológica de los estudios jamaicanos - tuvo un efecto marcado en el sonido y el estilo de las grabaciones. Los patrones de bajo se volvieron más complejos, los arreglos incrementaron su dominio y el piano dio paso al órgano eléctrico. Otros desarrollos incluyen instrumentos de viento velados como fondo; una guitarra más 'rascada' y percusiva; y un estilo más preciso e intrincado del uso de la batería.

Para inicios de los años 70, conforme el movimiento Rastafari ganaba popularidad, las canciones se enfocaron menos en los temas románticos que en la conciencia racial, la política y la protesta. Pese al hecho de que el Rocksteady fue una fase transitoria muy corta dentro de la música popular jamaicana, tuvo una gran influencia en los estilos Reggae y Dancehall que le sucedieron. Muchas líneas de bajo siguen siendo utilizadas en la música jamaicana contemporánea.

Conway Twitty

El 1 de septiembre de 1933 nació en Friars Point (Mississippi) el cantante country Harold Lloyd Jenkins, conocido como Conway Twitty. Fue uno de los artistas de mayor éxito en la música country consiguiendo 40 nº1, ostentando el récord hasta el año 2000.

De adolescente ya cantaba en emisoras de radio locales, y tras servir en el ejército y escuchar 'Mystery Train' de Elvis, comenzó a escribir temas de rock'n'roll. Viajó a Memphis para adquirir el sonido adecuado junto a Sam Phillips. Su primer single 'It's only make believe' (1958) -que muchos creían que estaba grabado por Elvis bajo otro nombre- alcanzó el nº1 y vendió nada menos que ocho millones de copias. Le siguieron hits como 'Lonely blue boy', 'Danny boy' (1959) y 'C'est si bon' (1960). A partir de 1966 ya sólo se le podía encontrar en las listas country, donde publicó hasta 1986 más de un centenar de discos, entre ellos, cuarenta nº1, como 'Next in line' (1968), 'To see my angel cry' (1969), 'Hello darlin' (1970), 'You've never been this far before' (1973), 'Touch the hand' (1975), 'Happy birthday darlin' (1979) o 'Slow hand' (1982).

Conway Twitty y Loretta Lynn

En los años setenta fue elegido seis años consecutivos como parte del dúo vocal del año, por sus grabaciones junto a Loretta Lynn, como 'After the fire is gone', 'Lead me on' (1971), 'Louisiana woman, Mississippi man' (1973) y 'Feelings' (1975). En 1982 Jenkins inauguró 'Twitty City', un parque temático del country en Hendersonville, al norte de Nashville, que se ha convertido en una de las mayores atracciones turísticas del estado. Conway Twitty murió en junio de 1993 tras sentirse mal durante una gira a los 59 años.

Othmar Schoeck

El 1 de septiembre de 1886, nació en Brunnen, cerca de Lucerna, el compositor y director de orquesta suizo Othmar Schoeck. Hijo del pintor Alfred Schoeck, Othmar se dedicó a la música después de haber realizado estudios de pintura durante un breve periodo de tiempo.

Trabajó en el Conservatorio de Zurich, y posteriormente pasó algún tiempo en Leipzig donde estudió con Max Reger, organista, pianista y profesor alemán. A su regreso a Suiza, emprendió una intensa actividad práctica en el campo musical: dirigió diferentes coros en Zurich y fue sobre todo fue el director de orquesta de los «Conciertos sinfónicos de Saint Gall», título que conservó durante muchos años. Esta ocupación sustituyó poco a poco su actividad creadora.

Para su ópera “El castillo”, durante 1943 viajó a Berlín en plena guerra lo que le provocó problemas por posibles asociaciones con el régimen nazi, pero Schoeck ni siquiera fue simpatizante. Tuvo el honor de recibir, en 1945, el Premio de los compositores de la «Association des Musiciens suisses». Schoeck, gran maestro del “lied” en lengua alemana, fue el representante de un género que expresa musicalmente los sentimientos y las atmósferas más sutiles e íntimas de un poema. Compuso mas de 100 canciones. Falleció en Zúrich, el 8 de marzo de 1957.

• Obras para escena y óperas
- “Erwin und Elmire” op. 25, cantos para la opereta de Goethe (1916);
- “Don Ranudo de Colibrados” (primera representación: 16 de abril de 1919, Zurich).
- “Venus” op. 32, ópera en tres actos Armin Rüeger, inspirada por la novela de Mérimée (primera representación: 10 de mayo de 1922, Stadttheater Zurich).

- “Penthesilea” op. 39, ópera en un acto según la tragedia de Heinrich von Kleist (primera representación: 8 de enero de 1927, Staatsoper Dresden).

- “Vom Fischer und syner Fru” (primera representación: 3 de octubre de 1930, Staatsoper Dresden).
- “Massimilla Doni” op. 50, opéra en 4 actos (6 escenas), texto d'Armin Rüeger según la novela del mismo título de Honoré de Balzac (primera representación: 2 de marzo de 1937, Staatsoper Dresden).
- “Das Schloss Dürande” op. 53, ópera en 4 actos; poema de Hermann Burte según la novela de Joseph von Eichendorff (primera representación: 1 de abril de 1943, Staatsoper Berlin).
- Recientemente han sido descubiertos fragmentos de una obra de juventud “Der Schatz im Silbersee”, una ópera según Karl May.

• Música de cámara
“Sonata para violín en Re mayor”, Op. 16; “Sonata para violín en Mi mayor”, Op. 46; “Sonata para violín en Re mayor”, WoO 22; “Sonata para violonchelo”, WoO 47; “Cuarteto de cuerdas #1 en Re mayor”, Op. 23; “Cuarteto de cuerdas #2 en Do mayor”, Op. 37; “Cuarteto de cuerdas movimiento en Re mayor”, WoO 75; “Sonata para Clarinete bajo y Piano”, Op. 41; “Andante para Clarinete y Piano”.

• Música sinfónica
“Concierto para violín en Si bemol mayor”, Op. 21; “Serenata para pequeña orquesta”, Op. 1; “Serenata para Oboe, cuerno inglés (trompa) y cuerdas”, Op. 27; “Preludio para Orquesta”, Op. 48; “Summernight” para Orquesta de cuerdas, Op. 58; “Suite en La bemol mayor para orquesta de cuerdas”, Op. 59; “Concierto para Violonchelo y orquesta de cuerdas”, Op. 61; “Festlicher Hymnus” para orquesta, Op. 64; “Concierto para Trompa y orquesta de cuerdas”, Op. 65

• Música incidental
“Eichendorff Lieder", para barítono e pianoforte op. 20 (1905/1914); “Erwin and Elmire”, canciones & música incidental para 4 voces y Orquesta, Op. 25; “Das Wandbild”, Op. 28
“Der Schatz im Silbersee”.

• Obra para piano
“Zwei Klavierstücke”, Op. 29
“Ritornelle und Fughetten”, Op. 68

• Música coral
“Der Postillon” (Lenau), Coro, tenor y Orquesta, Op.18 (1909); “Vom Fischer un syner fru” (Cantata), Op. 43; “Eichendorf Cantana”, Op. 49; “Maschinenschlacht”, Op. 67ª; “Seeli for Men’s Choir”; “Zimmerspruch for Men’s Choir”

• Ciclos de Lieder
“Lebendig begraben” para barítono y orquesta (1927) “Nachklang” de Goethe, «Alle meine Wünsche schweigen» de «Sechs Lieder op.6» - tocada por violoncello y piano, o “Notturno” para barítono y cuarteto de cuerda  (1933).

LP 'Goats Head Soup'

El 31 de agosto de 1973 se publicó el decimotercer álbum de la banda británica The Rolling Stones. 'Goats Head Soup', marcó para muchos el fin de la época dorada de los Stones, el momento en el que Mick ascendió a los ambientes de la jet-set y Keith sucumbía lentamente a sus adicciones. Abanderado por el single 'Angie', el álbum fue nº1 en las listas americanas e inglesas y sigue siendo uno de los discos más populares de la banda, con cerca de cuatro millones de copias vendidas.

Keith y Mick en Jamaica

En noviembre de 1972, el grupo se instaló en Kingston (Jamaica) para grabar su nuevo álbum en los Dynamic Sound Studios. Keith lo recordaba en 2002: "Jamaica fue el único país que nos dejó entrar a todos!. Para entonces, el único país en el que se me permitía existir era Suiza, un lugar tremendamente aburrido para mí, por lo menos el primer año, ya que no me gusta esquiar... Nueve países me prohibieron la entrada, así que tuvimos que encontrar soluciones para que la banda continuara funcionando."

Mick Jagger

Sobre el proceso de grabación, Marchall Chess, presidente de Rolling Stones Records por aquel entonces, manifestó: "Solíamos reservar el estudio para un mes completo, 24 horas al día. De este modo, la dispocisión de los instrumentos en el estudio permanecía inalterable y los chicos podían desarrollar sus canciones a su modo acostumbrado, empezando con unas frases de una letra y un ritmo para -a base de improvisaciones y ensayos- crear el sonido final. Temí el hecho de que llevaran seis o siete meses sin tocar juntos, pero tras media hora de ensayo, la sinergia que generaban juntos salió a relucir y de nuevo sonaban al grupo compacto que habían sido siempre."

Keith Richards

Keith Richards añade: "Los temas que configuraron el álbum en sí no tardaron mucho en grabarse, pero grabamos una gran cantidad de tomas." Entre ellos se encontraban 'Tops', 'Waiting on a friend' (ambas recuperadas en 1981, en 'Tatoo You') y 'Through the lonely nights', cara B del single 'It's Only Rock 'n Roll (But I Like It)'. Las sesiones se llevaron a cabo en dos etapas: la primera desde el 25 de noviembre hasta el 21 de diciembre de 1972; la segunda se realizó entre el 23 de mayo y el 20 de junio de 1973.

Glyn Johns

Glyn Johns, el ingeniero de grabación y también responsable de la mezcla, recuerda las sesiones en Jamaica: "El álbum sufrió por el excesos de drogas y alcohol. Se puede percibir en la música. Prácticamente todo el mundo (con la excepción de Bill Wyman y Charlie Watts) estaban colocados. La heroína comenzó a jugar un papel más importante que en ocasiones anteriores, lo que fue muy negativo para el álbum. El principal consumidor era Keith, pero los demás tampoco nos podíamos considerar unos angelitos". Keith además se enfrentaba a acusaciones de tenencia y tráfico de cannabis en un tribunal de Niza en Francia y Astrid, la mujer de Wyman, fue violada en su hotel de Jamaica. "Todo aquello también influyó. Pero hubo una actitud general de 'OK, hagámoslo', que permitió que aquello llegara a buen puerto"

La elección del single, 'Angie', no fue del agrado de Atlantic Records, que preferían otro 'Brown Sugar' a una balada. El tema no estaba dedicado a la primera mujer de David Bowie, Angela, como cree la mayoría.

Otras versiones -también erróneas- atribuyen el origen de la canción a la primera hija de Keith, Dandelion Angela. Richards lo explica en su autobiografía 'Life': "Yo estaba en una clínica en Suiza desintoxicándome y Anita un poco más abajo, en la misma calle, trayendo al mundo a nuestra hija Angela. Una vez que pasó el trauma habitual de los primeros días, agarré una guitarra que tenía por ahí y escribí 'Angie' sentado en la cama en una tarde, porque por fin podía mover los dedos otra vez y ponerlos donde se suponía que iban, y ya no sentía que me cagaba encima en la cama, ni me subía por las paredes, ni estaba frenético...

Anita y Keith

Así que empezé a cantar 'Angie, Angie'. No era sobre nadie en particular, no era más que un nombre, podía haber sido 'ooooh, Diana'. De hecho no sabía que mi hija se iba a llamar Angela cuando la compuse. Entonces no se sabía el sexo del bebé hasta que nacía; lo que es más, Anita le puso Dandelion... Le cayó Angela de segundo porque nació en un hospital católico donde insistieron en que se le añadiera un nombre 'como Dios manda'. En cuanto creció, la propia Angela dijo que no la llamáramos Dandy en la vida"

El segundo single que se extrajo del álbum fue 'Doo doo doo doo doo (Heartbreaker)' en el que critican a la policía de Nueva York que mató por error a un niño de diez años. Otra de las canciones memorables del álbum fue 'Star, Star', una pieza de rock'n'roll a lo Chuck Berry, que en su versión original se llamó 'Starfucker'. No sólo trajo controversia por el nombre, que Ahmet Ertegün, presidente de Atlantic, les instó a cambiar, también había alusiones de sexo explícito y se mencionaban nombres de celebridades como Steve McQueen y John Wayne, que Atlantic se encargó de enmascarar cuando el tema se incluyó en el álbum en directo 'Love You Live' en 1977.

La recepción del álbum por la crítica estuvo dividida. Mientras unos lo consideraban "una de las experiencias musicales más satisfactorias del año", otros evidenciaban la crisis creativa por la que pasaba su música debido al consumo de drogas y otros motivos extramusicales. Fue el último álbum de los Stones producido por Jimmy Miller, que había trabajado con ellos desde las sesiones de 'Beggar's Banquet'.  La cubierta del álbum fue idea de Ray Lawrence y la fotografía la realizó David Bailey, un buen amigo de Jagger que había trabajado con los Stones desde 1964. En la versión vinilo, la imagen de Jagger de la portada está a tamaño real.

1. 'Dancing with Mr. D.'

2. '100 years ago'

3. 'Coming down again'

4. 'Doo doo doo doo doo (Heartbreaker)'

5. 'Angie'

6. 'Silver train'

7. 'Hide your love'

8. 'Winter'

9. 'Can you hear the music'

10. 'Star star' 

Mick Jagger – voz solista y coros, guitarra (8), armónica (6) y piano (7)

Keith Richards – guitarra acústica y eléctrica, coros, voz solista (3), bajo (4 y 6)

Mick Taylor – guitarra acústica, eléctrica y slide, bajo (1 y 3), coros

Charlie Watts – batería

Bill Wyman – bajo

Músicos adicionales:

Nicky Hopkins – piano (1,3,5,8 y 9)

Billy Preston – piano, clavinet (2 y 4)

Ian Stewart – piano (6 y 10)

Bobby Keys – saxos tenor y barítono

Jim Horn – flauta y saxo alto

Chuck Findley – trompeta

Jim Price – arreglos de viento (4)

Nicky Harrison  – arreglos de cuerda (5 y 8)

Anthony "Rebop" Kwaku Baah – percusión (1 y 9)

Pascal (Nicolas Pascal Raicevic) – percusión (1 y 9)

Jimmy Miller – percusión (9)

Ingeniero jefe y mezclas: Glyn Johns

Asistentes de grabación: Carlton Lee, Howard Kilgour y Doug Bennett

Bob Welch

El 31 de agosto de 1945 nació en Los Angeles el guitarrista y compositor Bob Welch. Fue invitado en 1971 a formar parte de Fleetwood Mac, que en el curso de un par de meses había perdido a dos de sus guitarristas, Peter Green y Jeremy Spencer. Junto a Christine Perfect (futura McVie) -que se había incorporado al mismo tiempo que Bob- ayudó a dirigir el estilo de la banda de blues británica hacia una línea musical más pop-rock, que recibiera mayor difusión radiofónica.

Hijo de un productor de la Paramount y de una actriz/cantante de teatro, Bob comenzó sus estudios musicales con el clarinete. En la adolescencia se cambió a la guitarra y se interesó por el jazz y el R&B. En 1964 se unió a The Seven Souls, un grupo vocal que publicó en 1967 el single 'I'm no stranger', que en el momento de su aparición no tuvo éxito alguno. Sin embargo, la cara B. 'I still love you', se ha convertido durante los últimos treinta años en un himno del Northern Soul, y los coleccionistas pagan hasta 500€ por una copia original aparecida en los sellos Okeh (Inglaterra), CBS (Francia) o Epic (Italia).

Bob, Mick, John y Christine

En 1969 se trasladó a Paris para estudiar en la Sorbona, pero abandonó poco después para dedicarse de lleno a la música. Tras pasar por diversos grupos marginales, en 1971 es invitado a formar parte de Fleetwood Mac, en la que únicamente quedaban el batería Mick Fleetwood y el bajista John McVie, colaborando en la composición y grabación de cinco álbumes, 'Future Games' (1971), 'Bare Trees' (1972), 'Penguin', 'Mystery to me' (1973) y 'Heroes are hard to find' (1974). Entre otros, los temas con los que contribuyó Welch fueron: 'The ghost', 'Bright fire', 'Revelation', 'Sentimental lady', 'Emerald eyes', 'The city', 'Miles away' y  'Hypnotized'.

Paris: Mooney, Welch y Cornick

'Mystery to me' contenía un 50% de composiciones de Welch. A pesar de ello, cuando se planteó la incorporación de Lyndsey Buckingham y Stevie Nicks, Bob decidió abandonar, alegando estar exhausto de tanta gira. Tras esta etapa, Welch formó el trio de hardrock Paris junto a Glenn Cornick, ex-bajista de Jethro Tull y el batería Thorn Mooney. Con ellos publica dos álbumes, 'Paris' y 'Big Towne 2061', pero el grupo se disuelve poco después.

En 1977 por fin publica su primer álbum en solitario, 'French Kiss' en el que colaboraron sus ex-compañeros Mick Fleetwood y Christine McVie. Logra un disco de platino y se editan tres singles que logran ser hits, una nueva versión de 'Sentimental lady', 'Ebony eyes' y 'Hot love, cold world'. Le siguió el álbum 'Three Hearts', con el que repetía la fórmula disco-rock del álbum anterior y que contenía dos nuevos hits, 'Precious love' y 'Church'.

Cntinuó grabando álbumes hasta comienzos de los ochenta, como 'The Other One' (1979), 'Man Overboard' (1980) y 'Bob Welch' (1981), pero la venta decreciente de sus discos y una adicción a la heroína le apartan de la vida pública. Desintoxicado, en 1986 vuelve al trabajo, pero abandona los estudios de grabación y los escenarios para dedicarse a componer para otros. En 2006 Bob publicó dos álbumes con nuevas versiones de los temas que tocaba en Fleetwood Mac, 'His Fleetwood Mac Years & Beyond' volúmenes 1 y 2.
El 7 de junio de 2012, Bob, que sufría problemas de salud, se suicidó a los 66 años.