Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 16 de septiembre de 1925 nació en Suffolk (Virginia) el guitarrista estadounidense Charlie Byrd. Charlie fue el guitarrista americano que mejor supo entender e interpretar la música brasileña, especialmente la bossa nova.
Su padre le enseñó a tocar la guitarra a los diez años. Destinado en Europa durante la guerra, entró en contacto con la música de Django Reinhardt, que le marcaría para siempre. De vuelta en Nueva York trabajó en primer lugar con el clarinetista Sol Yagged, después con Joe Marsala y Barbara Carroll. A finales de los años cuarenta recibió clases de Sophocles Papas y se interesó por la guitarra clásica. En 1954 viajó a Siena para estudiar con Andrés Segovia. No volvió al jazz hasta 1957 y trabajó dos años después con Woody Herman.
Tras una gira realizada por Sudamérica en 1961, se sintió atraído por la música brasileña y junto a Stan Getz grabó el álbum 'Jazz/Samba' (1962), que colocó a la bossa nova en el panorama musical americano y mundial. Desde 1973 actuaba casi todas la noches con su grupo en un club de Annapolis, y apareció en varias agrupaciones de All Stars. En 1980 formó el trío Great Guitars junto a Herb Ellis y Barney Kessel.
En los últimos años se le pudo oír con Laurindo Almeida, Bud Shank, Scott Hamilton y Steve Wilson en'For Louis', publicado tras su muerte a los 74 años en noviembre de 1999.
El 15 de septiembre de 1965 se publicó en el sello Stax de Estados Unidos 'Otis Blue: Otis Redding Sings Soul', el tercer álbum de estudio de Otis Redding, considerado por muchos la mejor obra del cantante y el mejor álbum de soul de los años sesenta grabado en estudio.
Una de sus canciones, 'Ive been loving you too long' había aparecido en versión mono en un single publicado en 1965. El resto del material del álbum, que consistía mayoritariamente en versiones de temas populares de soul y R&B, se grabó en un periodo de 24 horas entre el 9 y el 10 de julio. Dos temas originales, 'Ole man trouble' y 'Respect', se compusieron durante las sesiones en los estudios Stax de Memphis (Tennessee). Redding grabó el disco con la banda residente de Stax, es decir: el guitarrista Steve Cropper, el bajista Donald 'Duck' Dunn, el baterista Al Jackson Jr, el pianista Isaac Hayes y una sección de viento que consistía en miembros de los Mar-Keys y los Memphis Horns.
El álbum abre con 'Ole man trouble', que fue una de las primeras en grabarse y se editó como cara B del single 'Respect'. Esta había sido escrita por Redding para el cantante de R&B Speedo Slim, que no terminaba de encontrar el tratamiento adecuado. Redding decidió grabarla él mismo y Speedo accedió. Según Otis, 'Respect' tomó "un día para escribirla, 20 minutos de arreglos y una toma para grabarla". Dos años después Aretha Franklin grabaría una versión significativa del tema. En la canción original, Otis solicita con soberbia más respeto de su mujer. La versión de Franklin, cantada con más rabia, se convirtió en un himno feminista.
'Otis Blue' contiene tres temas de Sam Cooke, que había sido asesinado unos meses antes, en diciembre de 1964 y una serie de versiones de canciones conocidas de soul y R&B como 'My girl' de Smokey Robinson, 'Down in the valley' de Solomon Burke, 'Rock me baby' de B.B. King, 'You don't miss you water' de William Bell y 'Satisfaction' de los Stones, que Otis interpretó con tanta convicción y la hizo tan suya, que algunos periodistas llegaron a creer que la versión de los Rolling fue posterior.
Fue su primer álbum en aparecer en el mercado pop. Aunque sólo alcanzó el puesto 75 del Billboard 200 en 1966, tres de sus singles lograron entrar en el Hot100: 'Ive been loving you too long' (nº 21), 'Respect' (nº35) y 'Shake' (nº47). También en el Reino Unido logró entrar en las listas con los singles 'My girl' y 'Satisfaction'. Fue el disco que puso a Redding en el camino hacia la fama, refrendada en el Festival Pop de Monterey de 1967, donde conquistó a un público predominantemente blanco.
El 22 de abril de 2008 se publicó en Rhino Records una edición especial para coleccionistas. El doble CD contiene las versiones en mono y estéreo del álbum, y temas extra, que incluyen las caras B, actuaciones en vivo y mezclas alternativas no publicadas anteriormente.
El 15 de septiembre de 1928 nació en Tampa (Florida) el saxofonista de jazz Julian Edwin Adderley, cuyo nombre artístico era 'Cannonball' (bola de cañón) Adderley. Considerado el heredero más renovador de Charlie Parker, junto a su hermano el trompetista Nat Adderley, presidió una de las bandas de hard bop más modernas con el pianista Joe Zawinul.
Hijo de un cornetista de jazz, con catorce años ya tocaba el saxo y, dos años después, mientras completaba sus estudios en la high school, lideró su propia banda con la que dio sus primeros shows profesionales. Apodado 'cannibal' por sus compañeros de estudios debido a su voraz apetito, el sobrenombre evolucionó más tarde a 'Cannonball'. Estudió en la universidad A&M de Florida, donde aprendió a tocar trompeta y otros instrumentos de viento. En 1948 comenzó a impartir clases en la Dillard High School de Fort Lauderdale, un trabajo que retomaría de forma intermitente hasta 1956. Llamado a filas en 1950, el sargento Adderley se convirtió en el director de la 36th Army Dance Band, que contaba entre sus músicos al trombonista Curtis Fuller, el pianista Junior Mance y el hermano menor de Adderley, el cornetista Nat Adderley. Este recordaba en Down Beat: "Julian hizo algún tipo de arreglo con el general, ya que básicamente tocábamos música de baile y rara vez ensayábamos marchas militares". Instalado en Washington D.C., siguió con sus estudios musicales en la Academia Naval de Maryland y entre 1952 y 1953 dirigió otra banda militar en Fort Knox (Kentucky).
Liberado Julian del ejército y animados por el saxofonista de blues Eddie 'Cleanhead' Vinson, los hermanos Adderley viajaron a Nueva York en 1955. El entonces desconocido Cannonball entró una noche en el popular club Café Bohemia del Greenwich Village donde tocaba el bajista Oscar Pettiford y su banda. Julian, temeroso de que le robaran el saxo, lo llevaba siempre consigo y aquella noche fue invitado a subir al escenario con el grupo de Pettiford, debido al retraso de Jerome Richardson, el saxofonista titular de la banda. El bajista lo puso a prueba con una intensa versión de 'I'll remember april', pero gracias al estudio que Cannonball había hecho de los solos de Charlie Parker, salió airoso del brete, realizando un solo que dejó a Pettiford sin habla. Seguidamente firmó un contrato con el sello Savoy -donde grabó su álbum debut 'Presenting Cannonball Adderley'- y se convirtió en miembro fijo de la banda de Pettiford.
Uno de los que asistían a menudo a las actuaciones del voluminoso saxofonista en el Café Bohemia, era Miles Davis. Este, en su autobiografía, comentaba: "Todo el mundo tenia claro por entonces que Cannonball era uno de los mejores músicos de la zona. Hasta los críticos blancos estaban entusiasmados con él y los sellos discográficos se disputaban sus servicios. Su ascenso al estrellato fue fulgurante".
Sin embargo, ante el estupor de la mayoría de los músicos, Adderley volvió a su labor docente en otoño de 1955. Pero las numerosas críticas positivas y una creciente demanda de su música en Nueva York, le animaron a volver a la ciudad en 1956 para formar su propio quinteto con su hermano Nat, el pianista Junior Mance y el bajista Sam Jones. No obstante, problemas financieros llevaron a la disolución de la banda en otoño de 1957. El mes de octubre de ese mismo año, Cannonball sustituyó a Bobby Jaspar en el quinteto de Miles Davis. Adderley lo recordaba así: "Me habían ofrecido un puesto en la banda de Dizzy Gillespie. Estaba con Miles en el Bohemia y se lo dije, a lo que él me preguntó por qué no me unía a él. Le contesté que nunca me lo había ofrecido". Unos meses después Adderley le acompañó en el tour Jazz for Moderns y poco después Miles amplió la banda a sexteto, incorporando al también saxofonista John Coltrane. Como explicaba Miles en su autobiografía: "Sentí que el saxo alto con raíces blues de Cannonball, combinado con el estilo armónico de acordes y libre de formas de Coltrane, crearían un nuevo tipo de sensación".
Coltrane, Adderley, Davis y Evans en 1959
Durante dos años los saxos de Adderley y Coltrane acompañados de la batería de 'Philly' Joe Jones y el bajo de Paul Chambers, alimentaron el fuego creativo de la banda de Miles, generando una serie de magníficos álbumes como 'Milestones' (1958) y 'Kind of Blue' (1959), con temas legendarios como 'So What' y 'All blues'. En marzo de 1958, Davis, en un hecho poco usual en él, apareció como músico invitado en el álbum de Adderley en solitario, 'Somethin' Else', publicado por Blue Note, en el que también participaron el pianista Hank Jones, el bajista Sam Jones y el baterista Art Blakey.
Cannon y Nat Adderley
En septiembre de 1959, Cannonball abandonó la banda de Miles para reformar su quinteto, reuniendo a su hermano Nat y al bajista Sam Jones con Bobby Timmons al piano y Louis Hayes a la batería. Bajo un nuevo contrato con Riverside Records, el quinteto practicaba hard bop que, segun contaba Dizzie Gillespie en su To be or not to be bop: "reafirmó la primacía del ritmo y del blues en nuestra música y te hacía sudar tocándolo. El hardbop, gracias a su sonido más terrenal, atrajo numerosos aficionados negros hacia nuestra música".David Rosenthal, en su ensayo Hard Bop anotó que "sin renunciar a los descubrimientos del bop, el hard se ganó pronto un apoyo popular y el jazz volvió a sonar en las juke-boxes de los ghettos".
Con Bobby Timmons, un músico clave para el desarrollo del quinteto y que aportó
con sus composiciones la marca de fábrica del llamado soul-jazz, Adderley tuvo su etapa de mayor estrellato con álbumes como 'Cannonball Adderley Quintet in San Francisco' (1959) . Esta formación en quinteto, ampliado
ocasionalmente a sexteto con las incorporaciones de Charles Lloyd y
Yusef Lateef, fue el vehículo fundamental para la música de Julian
Adderley para el resto de su vida. Su magnífico gusto eligiendo pianistas creativos le llevó a trabajar con Bill Evans (1958-61), Wynton Kelly (1959-61), Victor Feldman (1960-61) y, sobre todo,
el austríaco Joe Zawinul, que se incorporó a la banda en septiembre de 1961.
"No hacíamos otra cosa que trabajar unas 47 semanas al año", recordaba Zawinul en Down Beat, "la mayoría de las veces en óptimas circunstancias. Lo pasamos realmente bien tocando juntos". En las notas que aparecen en la cubierta del álbum 'The Cannonball Adderley Sextet in New York' (1963), redactadas por el productor Orrin Keepnews se puede leer: "La historia del grupo de Cannonball Adderly ha sido sin lugar a dudas uno de los más deslumbrantes éxitos de la historia del jazz moderno."
En 1964, el cierre de Riverside Records, le llevó a firmar con Capitol, por lo que sus álbumes se volvieron algo más comerciales. De hecho, al contrario que la mayoría de los grupos de jazz de la época, la banda de Adderly cosechó hits en la radio gracias a las composiciones de Zawinul'Mercy, Mercy, Mercy' en 1967, cuyo álbum homónimo vendió más de un millón de copias, y 'Country Preacher' en 1969. Durante esos años, Cannonball también colaboró con cantantes como Nancy Wilson, Lou Rawlsy Sergio Mendes.
Aunque padecía diabetes. Adderley continuó actuando y participando en talleres de jazz a lo largo de los años setenta. Los talleres consistían en demostraciones prácticas y lecturas concernientes a los aspectos tanto músicales como sociológicos del jazz. En 1970, Zawinul dejó la formación y fue reemplazado por el tecladista George Duke. Según Joe, "La separación fue totalmente amistosa. Le tendré siempre en el corazón. Ha sido una asociación muy bonita."
La muerte de Cannonball Adderley a causa de una apoplejía el 8 de agosto de 1975, puso fin a la carrera de un músico brillante a los 46 años de edad, que dejó una marca indeleble en la comunidad del jazz de postguerra. Su tono auténtico, su poderío rítmico y su capacidad para hacer
evolucionar las conquistas estilísticas del bebop, hicieron de él una de
las figuras fundamentales del jazz moderno. Cuatro meses antes de morir había publicado el doble álbum 'Phenix' (1975), que irónicamente supuso un repaso retrospectivo de su carrera con nuevas versiones de sus éxitos. Le acompañaban su hermano Nat, el tecladista Mike Wollff, el bajista Walter Booker y el baterista Roy McCurdy, a los que se añadieron en parte de la sesión, 'antiguos alumnos' de Adderley como George Duke, Sam Jones y Louis Hayes.
Culto, socialmente integrado y con gran facilidad de palabra, Adderley,
además de músico fue un conferenciante y tertuliano de radio y TV muy
respetado. Zawinul recordaba: "Nunca conocí a otro músico que supiera tanto sobre tantos temas. Leía el Time y el Newsweek todas las semanas y podía conversar sobre cualquier cosa con un vocabulario exquisito y amplio".
El 15 de septiembre de 1903 nació en Maynardville (Tennessee) el cantante, violinista y promotor de música country, Roy Acuff. Se le llama el 'Rey del Country' y está acreditado como el artista que ayudó a transformar el género pasando del formato de grupo instrumental de baile al de cantante solista con acompañamiento, formato con el que el country se hizo conocido internacionalmente.
Su carrera comenzó en los años treinta y formó parte de numerosos 'medicine shows', caravanas de feriantes y artistas itinerantes. En uno de ellos conoció al tocador de banjo Clarence Ashley, quien le enseño canciones como 'The House of the rising sun' y 'Greenback Dollar', ambas grabadas por Acuff años más tarde. Adquirió fama regional como cantante y violinista de su banda los Smoky Mountain Boys, actuando en las emisoras de radio. Una de las características que contribuyeron a su popularidad, era la claridad con la que se le oía y entendía cantando a través de las primitivas ondas de entonces.
Su versión de 'The great speckled bird' le permitió firmar un contrato con ARC Records, donde grabó entre 1936 y 1937, entre otros, 'Wabash cannonball', uno de sus temas más conocidos, una segunda versión de 'The great speckled bird' y 'House of the rising sun'. Entró a formar parte del elenco del Grand Ole Opry en 1938, donde se convirtió en una gran estrella, reafirmando las melancólicas tradiciones musicales del suroeste rural.
A pesar de que su popularidad como músico se disipó a finales de los cuarenta, permaneció como una de las figuras y promotores principales del programa. En 1942, junto con el letrista Fred Rose, fundó Acuff-Rose Music, el primer sello norteamericano dedicado exclusivamente a la producción de música country, fichando a artistas como Hank Williams, Roy Orbison y Everly Brothers y produciendo varios hits, como 'Tennessee Waltz' (1950) de Patti Page. En 1962 fue el primer artista vivo en ingresar en el Salón de la Fama del Country. Roy Acuff murió de un fallo cardíaco en noviembre de 1992 a los 89 años.
El 14 de septiembre de 1983 nació en Londres la cantante y compositora británica Amy Winehouse. Surgió en 2006 y rápidamente consiguió una legión de fans gracias a su voz sensual y llena de soul que ofrecía una mezcla de R&B, jazz, rock, pop y soul. Durante una corta y turbulenta vida abrió las puertas a divas del neo soul como Duffy y Adele.
Nacida en los barrios de la zona norte de Londres, Amy pronto se aficionó a la música y hubo de ser reprendida a menudo por sus profesores por arrancarse a cantar en medio de una clase. Con 13 años tuvo su primera guitarra y al cabo de un año ya escribía sus propias canciones. Poco después fue contratada por 19 Managament de Simon Fuller, conocido por su relación con 'American Idol'. En octubre de 2003, Winehouse publicó su álbum debut, 'Frank', cuyo nombre fue un guiño a uno de sus artistas favoritos, Sinatra. Se lanzaron los singles 'Stronger than me', 'Take the box', 'In my bed' y 'Fuck me pumps'.
Pero la vida bajo los focos empezó a pasarle factura. En una entrevista Amy admitió sufrir desórdenes alimentarios y fuertes depresiones que la llevaban a autolesionarse. Mientras tanto, el fuerte abuso de todo tipo de drogas (crack, heroína, cocaína y éxtasis) aceleraban el cada vez más descontrolado curso de su vida. También pasó por problemas con la ley, relacionados con las drogas y otros. Todo ello añadido a sus problemas de salud cada vez más severos, mostraban el peor rostro de Amy en las imágenes que los implacables y vergonzantes tabloides británicos publicaban con excesiva frecuencia, documentando su caída a las profundidades.
El 23 de julio de 2011, Amy fue descubierta por su guardia de seguridad en su cama sin signos de respiración. Los equipos médicos alertados no pudieron hacer más que declararla muerta. El 25 octubre se hizo público el resultado de la autopsia. La forense Suzanne Greenway dijo que “la muerte repentina fue la consecuencia no intencionada” de la gran ingesta de alcohol de Amy Winehouse. En su apartamento se encontraron tres botellas de vodka vacías, dos grandes y una pequeña.. Murió a los 27 años, circunstancia que los mitómanos de turno ya se han encargado de aprovechar para elevar a Amy a los altares del selecto 'Club de los 27', al que pertenecen entre muchos otros, Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin y Kurt Cobain.
El 14 de septiembre de 1950 nació en Hampstead (Londres) el guitarrista británico de rock Paul Kossoff, conocido por su pertenencia al grupo Free.
Paul era hijo del actor David Kossoff, de procedencia rusa y judía. Tanto él como su madre, Margaret , cuando Paul aprendió a tocar la guitarra con catorce años, le animaron a seguir con la música. Un año después, Paul co-fundó la banda Black Cat Bones, que llegó a acompañar al pianista de blues Champion Jack Dupree, cuando éste se encontraba de gira por el Reino Unido. Kossof y el batería del grupo, Simon Kirke, participaron en la grabación del álbum de Dupree 'When You Feel the Feeling You Was Feeling' (1968), y actuaron de teloneros de Fleetwood Mac, cuando Peter Green aún se encontraba en sus filas.
En abril de ese año1968, Kossof y Kirke deciden formar con Paul Rodgers y Andy Fraser el grupo Free. Durante dos años tocan en los circuitos de música en directo y graban dos álbumes, 'Tons of Sobs' (1968) y 'Free' (1969) cuyo contenido mostraba su sonido con fuertes influencias blues y soul, un estilo que contrastaba con la dirección musical más dura y progresiva que estaban tomando las bandas contemporáneas.
El éxito les sobrevino en 1970 cuando publicaron su tercer álbum, 'Fire and Water', que contenía el hit 'All right now'. La fama del grupo se disparó, actuaron en el Festival de la Isla de Wight y realizaron giras multitudinarias por el Reino Unido, Europa y Japón. Sin embargo, tras la publicación de 'Highway' (1970) surgieron desavenencias internas y el grupo se separó. En 1971 se publicó 'Free Live' como despedida. Mientras Rodgers y Fraser acometían sendos trabajos en solitario que no tuvieron relevancia, Kossoff y Kirke se unieron al tecladista tejano John 'Rabbit' Bundrick y el bajista japonés Tetsu Yamauchi para grabar el álbum 'Kossoff, Kirke, Tetsu and Rabbit' (1971).
La disolución de Free fue un duro golpe para Kossoff, que se refugió en el consumo de drogas. Sus ex-compañeros decidieron aparcar sus diferencias y reformaronel grupo con el fin de intentar frenar el camino autodestructivo de Kossoff.
Entraron en el estudio para grabar 'Free at Last', pero la contribución de Kossof fue poco menos que errática. Tampoco los temas poseían la fuerza de sus trabajos anteriores y las melancólicas letras hacían referencias al derrumbamiento emocional de Kossoff. Aún así, el álbum tuvo un éxito razonable, alcanzando el Top10 en el Reino Unido y generando el hit 'Little bit of love'. No obstante, los problemas en la banda surgieron de nuevo cuando tuvieron que enfrentarse al hecho de que Kossoff no estaba en condiciones de soportar una gira.
Las pocas actuaciones que realizaron tras la aparición del álbum habían sido desastrosas. Fraser recordaba que "podías ver a la gente en la audiencia llorando por él, rezando para que se recuperara". Incapaz de seguir de esta manera, Fraser abandonó la banda. Kossoff también dejó el grupo temporalmente para someterse a una cura de desintoxicación. Para realizar la gira, Rodgers y Kirke llamaron a Tetsu Yamauchi y John 'Rabbit' Bundrick con el fin de que llenaran el hueco dejado por Fraser y Kossoff. En 1973, de nuevo con Paul a a guitarra, publicaron 'Heartbreaker' y a continuación se separaron de nuevo, esta vez definitivamente.
Mientras Rodgers y Kirke fundaban la exitosa banda Bad Company, Kossoff grabó un álbum en solitario llamado 'Back Street Crawler' (1973). En 1975 acompañó a John Martyn en una gira y a continuación formó un grupo cuyo nombre coincidía con su primer álbum: Back Street Crawler. Publicó dos discos con el grupo: 'The Band Plays On' (1975) y '2nd Street' (1976). Sin embargo, su amargura por el fin de Free y sus adicciones contribuyeron a un drástico declive de su salud. El 19 de marzo de 1976, durante un vuelo de Los Angeles a Nueva York, Kossoff sufrió un infarto a los 25 años.
Tras su muerte, su padre el actor David Kossoff, puso en marcha la Fundación Paul Kossoff cuyo fin era mostrar a la juventud la triste realidad y los peligros que conllevaban las adicciones a las drogas. David pasó el resto de su vida realizando campañas anti-droga y haciendo giras por teatros interpretando un monólogo en el que relataba la muerte de su hijo y los efectos de esta en su familia.
Tras una gira realizada por Sudamérica en 1961, se sintió atraído por la música brasileña y junto a Stan Getz grabó el álbum 'Jazz/Samba' (1962), que colocó a la bossa nova en el panorama musical americano y mundial. Desde 1973 actuaba casi todas la noches con su grupo en un club de Annapolis, y apareció en varias agrupaciones de All Stars. En 1980 formó el trío Great Guitars junto a Herb Ellis y Barney Kessel.
