Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 9 de noviembre de 1941 nació en Berkeley (California) el cantante y guitarrista estadounidense Tom Fogerty, conocido por haber sido miembro del grupo Creedence Clearwater Revival junto a su hermano menor John.
The Blue Velvets
Tom comenzó a cantar en grupos de rock & roll de su high school, asi como su hermano John, tres años menor. Con bandas separadas, Tom era el cantante solista de Spider Webb and the Insects, y con ellos logró firmar un contrato con Del-Fi Records, pero en 1959 se disolvieron sin llegar a grabar. Por otro lado, John lideraba The Blue Velvets, los cuales, cuando Tom se quedó sin grupo, lo ficharon como voz solista. The Blue Velvets grabaron tres singles para Orchestra Records en 1961 y 1962 con temas como 'Have you ever been lonely', 'Come on baby', 'Oh my love' y 'Bonita'.
The Golliwogs
A mediados de los años sesenta, la banda cambió de nombre y como The Golliwogs grabaron varios singles para Fantasy Records como 'Little girl', 'You can't be true', 'Gonna hang around', 'Tell me' o 'Brown eyed girl'. Aquí John ya compartía la voz solista con Tom y, poco a poco el menor de los Fogerty se fue haciendo con el liderazgo del grupo. Cuando en 1968 adoptaron el nuevo nombre de Creedence Clearwater Revival, John ya era claramente la cabeza visible del grupo y su principal compositor.
En el siguiente lustro Creedence Clearwater Revival publicaría una serie de álbumes que son hoy considerados obras clásicas del rock, con temas como 'Suzie Q', 'Green river', 'Bad moon rising', 'Proud Mary' o 'Fortunate son'. El papel de Tom en el grupo quedó relegado a segundas voces, aunque seguía componiendo. Sin embargo, sólo uno de sus temas, 'Walking on the water' llegó a grabarse y, a pesar del enorme éxito de CCR, dolido por no ver reconocida su contribución al grupo, Tom abandona la formación en 1971.
'Tom Fogerty' (1971)
La relación con su hermano permaneció tensa a lo largo de los años. Creedence Clearwater Revival continuó como trío, y John, escarmentado, permitió a Doug Clifford y Stu Cook -los dos miembros restantes- participar más activamente en las composiciones del nuevo álbum, 'Mardi Gras', tras cuya publicación, la banda se separó definitivamente.Tom grabó un primer single en solitario, 'Goodbye media man', que casi entra en el Top100, al que siguió su primer álbum 'Tom Fogerty'(1972), que con un puesto 78, fue el único de sus trabajos que logró entrar en las listas Billboard.
Tom en 1974
El siguiente, 'Excalibur' (1972), contaba con colaboraciones de Jerry García y Merl Saunders, pero ni así lograron levantar un álbum cuyo contenido, aunque no tratara de copiar descaradamente el sonido de CCR, era un rock carente de personalidad con las mismas influencias country y blues de la banda. Tuvo otro hit menor con 'Joyful Resurrection' contenido en su álbum 'Zephyr National' (1974), que volvía a reunir en una grabación a los cuatro componentes del grupo (John grabó su pista por separado en un estudio diferente). Le siguió 'Myopia', también en 1974, cuyas pobres ventas provocaron la salida de Tom de Fantasy Records.
En 1980 los cuatro dejaron por un momento sus diferencias para tocar juntos en la boda de Tom, pero los siguientes años, litigios con Fantasy Records por los royalties de la banda, y nuevas desavenencias personales con su hermano los mantendrían separados. Tom, al contrario que John se alineó con Fantasy y publicó un par de álbumes más durante los años ochenta, 'Deal it Out' (1981) y 'Precious Gems' (1984), ambos sin éxito comercial.
En septiembre de 1990 Tom murió a los 48 años de SIDA que contrajo, al parecer accidentalmente, en una transfusión de sangre.
El 8 de noviembre de 1947 nació en Chicago (Illinois) la cantautora norteamericana Minnie Riperton, poseedora de una prodigiosa voz de cinco octavas y media, que compuso y grabó una de las más bellas baladas del soul, 'Lovin' You'.
Nacida Minnie Julia Riperton como la última de ocho hermanos de la pareja formada por Thelma y Daniel Riperton, demostró pronto sus habilidades artísticas. Aunque comenzó estudiando ballet y danza, sus padres percibieron su talento cantando y la animaron a hacer carrera en la música. En el Chicago Lincoln Center recibió clases de canto lírico de Marion Jeffrey. Practicó con los fraseados y la respiración con un énfasis particular en la dicción. Jeffrey también la entrenó para que hiciera uso de su amplio registro vocal que abarcaba cinco octavas y media. En esa época, Minnie cantaba operetas y canciones de Broadway, preparándose para una carrera en la ópera. Sin embargo, en el camino, Minnie se topó con el soul, el R&B y el rock, que se convirtieron en su prioridad.
Minnie (2ª por la izq.) con The Gems
Debutó profesionalmente a los quince años como miembro del grupo vocal The Gems. Raynard Miller, un pianista ciego, la oyó cantar y se convirtió en su mentor. The Gems tuvieron un éxito comercial muy limitado pero fue una plataforma para mostrar el talento de Riperton. Pronto se convirtieron en un grupo vocal de sesión conocido como Studio Three y fue durante este periodo en el que realizaron los coros del hit de Fontella Bass'Rescue me'. En 1964 publicaron el single 'I can't help myself' que fue un éxito local y su última grabación como The Gems fue en 1965 con 'He makes me feel so good'.
A continuación grabarían diversos singles con nombres diferentes: 'Baby I want you' de 1966 como Girls Three y 'My baby's real' en 1967 como las Starlets, adquiriendo éste último la categoría de disco de culto entre los fans del northern soul. Para entonces Minnie ya se había graduado en la Hyde Park High School e ingresado en el Loop College, donde llegó a ser admitida en la prestigiosa fraternidad estudiantil Zeta Phi Beta, En 1967 conoció al cantautor Richard Rudolph (con el que se casó cinco años después) y dejó los estudios para dedicarse de lleno al música. Su última grabación como miembro de un grupo vocal femenino fue en 1968 con 'Watered down'. Seguidamente graba sus primeros discos como solista y sus primeros éxitos locales son 'Lonely girl' y 'You gave me soul', escritos por otro de sus mentores, el productor Billy Davis, por lo que, en su honor, Minnie adopta el nombre artístico de Andrea Davis.
Rotary Connection en 1970
Unos meses después, Riperton se une a un grupo de funky-soul psicodélico llamado Rotary Connection, fundado por Marshall Chess, hijo del creador del legendario sello, Leonard Chess. El grupo grabó entre 1967 y 1970 cinco álbumes entre los que caben destacar el primero, 'Rotary Connection', 'Peace' (1968) y 'Songs' (1969).
'Come to my Garden' (1970)
En Rotary Connection conoce a Charles Stepney que co-produce, arregla y orquesta su primer álbum en solitario, 'Come To My Garden', publicado en 1970. Aunque resulta un fracaso comercial, está hoy día considerado por numerosos críticos y aficionados una obra maestra. En 1973 Minnie se encontraba semi-retirada. Casada con Rudolph, era ama de casa y madre de dos hijos pero seguía componiendo y realizando grabaciones caseras con su marido. Una de ellas llegó a oídos de Don Ellis, director artístico de Epic Records, quien le firma un contrato.
'Perfect Angel' (1974)
Minnie y su familia se trasladan a Los Angeles y allí bajo producción de Stevie Wonder se grabó 'Perfect Angel' (1974). Había ocho canciones previstas para el álbum pero Wonder pensó que faltaba una más para completar los 40 minutos habituales de un long play de la época. 'Lovin' you' se grabó en el último momento, casi como canción de relleno y era una nana que Minnie le solía cantar a su hija para dormir. Stevie la acompañó al piano eléctrico y se le añadieron sonidos de pájaros de un disco de efectos especiales. Nadie imaginó que llegaría al nº1. Tanto el single como el álbum fueron discos de oro.
Seguidamente, Riperton y Richard Rudolph comenzaron a trabajar en su tercer álbum, 'Adventures in Paradise' (1975) producido por el mismo productor que los Crusaders. Además, Joe Sample era el autor del tema que daba título al álbum.
'Adventures in Paradise' (1975)
Aunque contenía el hit de R&B 'Inside my love', el álbum no repitió el éxito del anterior e incluso algunas emisoras se negaron a radiar el tema debido a una frase en la letra que decía "Will you come inside me?" ('¿Quieres entrar en mi?' o, también: '¿Quieres correrte dentro de mi?'). En la portada del álbum, Minnie aparecía sentada en un sillón con un león tumbado a su lado. Durante una de las sesiones fotográficas, el felino -seguramente con la intención de jugar con ella- se abalanzó sobre la cantante, teniendo que intervenir rápidamente los domadores y responsables del animal. El incidente, que pudo tener un trágico desenlace, quedó en una anécdota que los protagonistas contaron jocosamente en un programa de Sammy Savis Jr.
'Stay in Love' (1977)
En 1976 le fue diagnosticado un cáncer de mama y le practicaron una mastectomía. Esto no paró la enfermedad y le dieron seis meses de vida. Minnie los convirtió en tres años y aún tuvo tiempo de grabar dos álbumes más antes de morir. En su cuarto álbum, 'Stay in Love' (1977), se incluía otra colaboración con Stevie Wonder, 'Stick together' y, aunque seguía componiendo con Minnie, fue el primer álbum en el que Rudolph no intervino en la producción, labor de la que se encargó el veterano productor de la Motown, Freddie Perren.
'Minnie' (1978)
En 1978 Rudolph y Riperton cambiaron de sello y firmaron con Capitol, donde Minnie grabó el que sería su último álbum en vida, 'Minnie'.Contenía 'Memory lane', una de sus mejores canciones que significaba un adiós a su familia y al mundo.Murió en julio de 1979 a los 32 años en brazos de su marido mientras escuchaba una canción que Stevie Wonder había grabado para ella. Su epitafio reza como la primera línea de su más famosa canción: "Lovin' you is easy cause you're beautiful..."
Tras su muerte, diversos artistas ayudaron a Richard Rudolph a completar su tributo a Minnie, 'Love Lies Forever', publicado con una selección de temas cantados por Riperton, en los que se separó su pista vocal y se volvió a grabar desde cero la instrumentación y las voces adicionales, proporcionadas por artistas como Roberta Flack, Peabo Bryson, Michael Jackson y Stevie Wonder. Quincy Jones describió el proceso así: "Mantuvimos el puente y cambiamos el agua".
El 8 de noviembre de 1883 nació en Pendennis Road, Streatham, Londres, el compositor y poeta inglés Sir Arnold Edward Trevor Bax cuyo estilo musical mezcla elementos del romanticismo y el impresionismo, con una marcada influencia celta. Sus partituras orquestales sobresalen por su complejidad y su colorida instrumentación.
Estudió en la Royal Academy of Music, donde fue discípulo de T. Matthay (piano) y F. Corder (composición). La influencia de la novela celta y su amor por Irlanda le llevaron a participar en el movimiento irlandés y a publicar, bajo el seudónimo de Dermot O'Byrne, The Sisters y Green Magic. Bax tenía un espíritu sensible y perspicaz, y se inspiró en una amplia gama de fuentes. Se encaprichó con Irlanda, y comenzó a viajar extensamente por allí descubriendo finalmente el pequeño pueblo de Donegal, Glencolumbkille, al cual regresó anualmente durante casi 30 años. Aquí, Bax se inspiró en el paisaje y en el mar, en la cultura y en la vida de los campesinos irlandeses locales, a muchos de los cuales Bax consideró como amigos cercanos. El encuentro de Bax con la poesía de Yeats y los paisajes de Irlanda, fructificó en muchos trabajos nuevos tanto musicales como literarios.
El Cuarteto de cuerda en Mi (1903), que más tarde fue adaptado al poema sinfónico Cathaleen-Ni-Houlihan (1905) son buenos ejemplos de cómo Bax comenzó a reflejar Irlanda en su música. Bax no sólo resultó un compositor sorprendentemente maduro en estos trabajos, sino que desarrolló en ellos una textura musical impresionística flotante y ondulante, usando técnicas orquestales no conocidas hasta el momento, ni siquiera en Claude Debussy. Muchos de los trabajos que escribió Bax entre 1903 y 1916 pueden ser vistos como los homólogos del resurgimiento literario irlandés.
Los poemas sinfónicos Into The Twilight (1908) (Bryden Thomson & Ulster Orchestra), In The Faery Hills (1909) y Rosc-catha [Battle hymn] (1910), repiten los temas del resurgimiento y especialmente el suave y maravilloso estilo de muchos poemas e historias. La influencia irlandesa es sólo una de las muchas que se encuentran en la música de Bax. Una temprana afinidad hacia Noruega y la literatura de Bjørnstjerne Bjørnson, plasmaron en su música los temas y estilos de los países nórdicos. De 1905 a 1911, alternó constantemente en sus composiciones temas celtas y nórdicos. Incluso intentó aprender algo de noruego, y la canción The Flute (1907), para voz y piano, es una adaptación musical de un poema original de Bjørnson. Buenos ejemplos de la afinidad de Bax hacia lo nórdico, aunque más tardíos, son Hardanger para dos pianos (1927) y el poema sinfónico orquestal The Tale the Pine-Trees Knew (1931) (Bryden Thomson & Ulster Orchestra).
En 1910, una aventura amorosa con la joven ucraniana Natalia Skarginska, le lleva a San Petersburgo, Moscú y Lubny (en las cercanías de Kiev), quedando fascinado por los temas rusos y eslovenos. La relación con Skarginska acabó en una agonía emocional de la que nunca se recuperaría por completo.
Sus sentimientos se reflejaron en la Sonata para piano nº 1 en Fa sostenido (1910, revisada entre 1917-20) (Joyce Hatto - Piano). La influencia de Rusia y Ucrania también se descubre en dos trabajos para piano solo de 1912: Nocturne–May Night in the Ukraine y Gopak (Russian dance). En 1915 aparece In a Vodka Shop (Ashley Wass, piano) también para piano solo. La influencia rusa se encuentra en muchas de las obras posteriores de Bax, y es especialmente predominante en las Sinfonías nº 1 a 3.
Poco después del regreso al Reino Unido, Bax se casó con Elsita Sobrino –una amiga de la infancia– en enero de 1911. Se establecieron en Bushy Park Road, Rathgar, Dublín. Aquí, el hermano de Bax, Clifford, les introdujo en el círculo intelectual que se reunía en la casa del poeta, pintor y místico George William Russell.
Por aquel entonces Bax ya había publicado alguno de sus poemas e historias cortas en Dublín, y en el círculo era conocido simplemente por el pseudónimo Dermot O’Byrne (posiblemente se inspiró en una renombrada familia de músicos tradicionales de Donegal). Como Dermot O’Byrne, Bax era conocido especialmente por 'Seafoam and Firelight', publicado en Londres por “The Orpheus Press” en 1909, y numerosas historias cortas y poemas publicados en diferentes medios de comunicación de Dublín. Fue en casa de Russel donde conoció al republicano irlandés Patrick Pearse. Según Bax se llevaban muy bien, y aunque sólo se viesen una vez, la ejecución de Pearse tras el Alzamiento de Pascua de 1916, le movió a componer varios lamentos. El más conocido es In Memorian Patric Pearse (1916) (The BBC Philharmonic & dir. Vernon Handley)
Harriet Cohen y Arnold Bax
La amenaza de la guerra llevó a la disolución del círculo de Rathgar, ya que muchos de sus miembros volaron por Irlanda y Europa. Bax y su familia regresaron a Londres –fue la pérdida de una vida maravillosa. Bax se libró del servicio militar debido a una insuficiencia cardíaca, y pasó los años de la guerra componiendo profusamente. Aunque la Primera Guerra Mundial desencadenó horrores inimaginables hasta ese momento, fue el Levantamiento de Pascua y la destrucción de Dublín lo que más le perturbó. Como la Irlanda de Bax –su refugio y retiro– se perdió por un conflicto encarnizado y por una guerra brutal, buscó refugio en el vínculo amoroso con la joven pianista Harriet Cohen.
Harriet Cohen en 1920
Lo que comenzó como una relación puramente profesional –Cohen tocando y abogando la música para piano de Bax– se convirtió en una relación apasionada. Su amor aún no podía ser permitido por el código social contemporáneo, lo que hizo que Bax y Cohen sufrieran considerablemente. Irónicamente, pero quizá no inesperadamente, este periodo de dificultad en la vida de Bax le llevó a componer atractivos poemas sinfónicos, incluyendo Summer Music (1916), Tintagel (1917) y November Woods (1914-17) (BBC Philharmonic & Vernon Handley). En Tintagel, se retrotrae a leyendas y sueños, específicamente el del fatal amor de Tristán e Isolda. Tintagel es, indudablemente, el poema sinfónico más conocido de Bax, especialmente por su colorida evocación del mar. La relación de Bax con Cohen indujo a algunos críticos a suponer un vínculo freudiano entre la aducida pasión sexual de Bax y el tema acerca del mar en Tintagel. Sin embargo, los escritos personales de Harriet Cohen y la investigación de los mismos por parte de los eruditos –tal como el musicólogo noruego Thomas Elnaes– indican que tal vínculo es, como mucho, especulativo. Los trabajos de Bax durante este periodo reflejan profundos conflictos psicológicos, como la apasionada y profundamente conflictiva Sinfonía No1 en Mi bemol (Vernon Handley & BBC Philharmonic Orchestra), con la que consiguió una fama considerable.
De 1928 en adelante, Bax dejó de viajar a Glencolumbkille y, en su lugar, comenzó su migración anual a Morar, al oeste de las Highlands escoceses, para trabajar. Bax esbozaría sus composiciones en Londres, y las orquestaría durante el inverno en el Station Hotel de Morar.
En esa época, Bax encontró un nuevo amor en Mary Gleaves, quién le acompañaría a Escocia. Durante el periodo en Morar, que duraría hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Bax redescubrió su interés por Noruega y los países nórdicos, y encontró una nueva inspiración en el compositor finés Jean Sibelius. Bax orquestó las Sinfonías nº 3 a 7 en Morar, pero también varios de sus mejores trabajos orquestales, incluyendo las tres Northern Ballads (Vernon Handley & the London Philharmonic Orchestra).
Las siete sinfonías se compusieron en un breve lapso de tiempo, y quizá son el ciclo de sinfonías más coherente de cualquier compositor. Se distinguen por su estructura en tres movimientos, a diferencia de los usuales cuatro movimientos. Además, reflejan muchas de las influencias de Bax, y son profundas obras de arte, con una honda dimensión psicológica unida a evocaciones paisajísticas. Gracias a sus sinfonías, Bax se ganó la reputación de sucesor de Sir Edward Elgar.
Bax y Mary Greaves en 1953
Bax recibió el título de caballero en 1937 (knight bachelor), pero no estaba enteramente preparado para disfrutar de este honor. Sostuvo que había tenido un duro periodo de crecimiento –el hacerse mayor le deprimió y sucumbió gradualmente al alcoholismo—. También se sentía alienado por los nuevos desarrollos en las composiciones modernas, y se dio cuenta, y lamentó, que su estilo dejaba de estar de moda.
En 1942 fue nombrado “Maestro de la música del rey”, una decisión que no agrado en el ambiente musical británico. Fue considerado por muchos como un atípico compositor inglés, algunos de ellos recalcando la “irlandización” de su música.
De los últimos trabajos de Bax, tan sólo las partituras cinematográficas para Malta y Oliver Twist (1948) (Eric Parkin, piano & dir. Kenneth Alwyn) tuvieron realmente éxito. Aunque le hicieron ganar una renovada aclamación del público, esto éxitos no podían compensar el hecho de ser considerado como un fósil musical por los compositores y críticos contemporáneos. Bax se retiró de la escena pública y vivió tranquilamente en el White Horse Hotel en Storrington, Sussex.
En 1929, el Father Mathew Feis –un competido festival de música organizado por los Padres Capuchinos– invitó a Bax a formar parte del jurado del festival. Fue el pianista irlandés Tilly Fleischmann quién le propuso como jurado, sabiendo que estaba familiarizado con Irlanda y la situación irlandesa. Esta fue la primera vez que Bax conoció músicos irlandeses –aparte de músicos folclóricos—. En Cork, le presentaron a destacados músicos, como al pianista Charles Lynch y a la cantante Maura O’Connor, que interpretarían muchas de sus obras.
Arnold Bax y Aloys Fleischmann en Cork
La primera visita de Bax a Cork supuso el comienzo de 25 años de amistad con la familia Fleischmann. Bax sabía que las interpretaciones de su música cada vez eran menos frecuentes en el Reino Unido y Tilly Fleischmann le demostró que su música tenía mucho atractivo en Irlanda. Sin embargo, Bax hizo muy poco por promover sus composiciones. Por ello su música no se oyó a escala nacional en Irlanda hasta que Aloys Fleischmann Jr. comenzó a dirigir los trabajos orquestales con la Irish Radio Orchestra en Dublín, justo después del final de la guerra. En 1946, Bax llegó a ser examinador externo en el University College Cork y en el University College Dublin, y también dio clases particulares a jóvenes irlandeses aspirantes a compositores.
Recibió un doctorado honorífico de la Universidad Nacional de Irlanda en 1947. En 1953 se le honró con el nombramiento de Knight Commander of the Royal Victorian Order (KCVO), una distinción personal de la reina. Bax falleció durante una visita a los Fleischmann un año después –posiblemente por una insuficiencia cardíaca. Una de sus últimas composiciones fue Coronation March para la reina Elizabeth II. Bax está enterrado en el cementerio de San Finbarr, en la ciudad de Cork.
El 8 de Noviembre de 1592, nació en Civitacastellana el compositor italiano Domenico Mazzocchi en el seno de una familia de músicos. Tras formarse en el seminario de su ciudad natal, Mazzocchi se traslada a Roma donde es ordenado sacerdote y se hizo ciudadano de Roma en 1619, donde se inicia su carrera compositiva.
Ippolito Aldobrandini
Se dedicó también al estudio literario y la publicación de trabajos históricos. Fue discípulo de G. B. Nanini. En 1621 entró como músico al servicio del cardenal Ippolito Aldobrandini y compuso, sobre todo, para las familias nobles a las que estuvo unido profesionalmente: Aldobrandini, Farnesio y Borghese. Su fama se debe principalmente a la ópera “Catena d´Adone” (Scherzi Musicali), encargada por el cardenal Aldobrandini y estrenada en el Palazzo Conti, Roma el 12 de febrero de 1626. El libreto, en un prólogo y cinco actos, está escrito por Ottavio Tronsarelli y se basa en los episodios del poema épico de Giambattista Marino.
La “Catena d'Adone” fue un paso importante en el desarrollo de la Opera de Roma. La frontera entre el recitativo y el aria se hizo más clara en este trabajo de Mazzocchi que trató de escapar de lo que él llamó la "monotonía" de Florencia de la ópera.
Siguió los modelos de la escuela florentina y trató de evitar el aburrimiento de los recitativos, que entremezclaba con arias y fragmentos polifónicos y daba así una nueva vía a la verdadera ópera al estilo de Monteverdi, aunque nunca alcanzó el talento de éste.
Publicó en Roma obras polifónicas, como los “Madrigales a 5 voces” y varios “Concerti”, “Dialoghi e Sonetti” y “Maphaei Card".
Muy destacable de Domenico Mazzocchi son dos bellísimos lamentos: «Lagrime amare» (Philippe Jaroussky & Ensemble Artaserse) y «Lamentum Matris Euryali» composiciones donde los cromatismos y efectos como los portamentos están presentes no sólo en la partitura sino también en la voz. Mazzocchi murió en Roma en 1665 a los 72 años.
El 7 de noviembre de 1938 nació en Blytheville (Arkansas) el cantante de soul y R&B Dee Clark. Comenzó su carrera profesional en 1952 y a lo largo de los años siguientes cantó en un puñado de grupos hasta que se lanzó en solitario en 1957. En 1961 ya había publicado algunos temas que alcanzaron el top20 en las listas cuando su sencillo 'Raindrops' fue directamente al nº2 en las listas Billboard. El disco vendió más de dos millones de copias y todavía hoy se sigue emitiendo con cierta asiduidad por las emisoras americanas.
Nacido como Delectus Clark, en 1941 su familia se trasladó a Chicago. Su madre, Delecta Clark, era cantante de gospel y transmitió a su hijo su amor por la música. En 1952, Dee ya formaba parte de un grupo, los Hambone Kids que llegaron a grabar un disco, 'Hambone' con cierto éxito local en el sello OKeh.Un año después se unió a un grupo de R&B llamado los Goldentones, que más tarde se convertirían en los Kool Gents. Vencedores de un concurso de talentos en Chicago y descubiertos por el DJ de radio Herb Kent, lograron firmar un contrato con el sello subsidiario de Vee Jay Records, Falcon/Abner.
En 1957 Clark comenzó una carrera en solitario, inicialmente siguiendo el estilo de cantantes como Clyde McPhatter y Little Richard. Cuando este último abandonó temporalmente el negocio musical para encomendarse a Dios y al estudio de la Biblia, Clark le sustituyó cumpliendo las fechas y shows que tenía comprometidos, llegando a grabar incluso con la banda de Little Richard, The Upsetters. Los cuatro años siguientes Clark logró una serie de éxitos moderados como 'Nobody but you' (1958), 'Just keep it up', 'Hey little girl' (1959), 'How about that' y 'Your friends', todos ellos Top40 en las listas pop.
Su mayor éxito fue 'Raindrops', publicado en la primavera de 1961. 'Raindrops' era una 'power ballad' en la que Clark exhibía su falsetto entre efectos especiales de lluvia y truenos. Fue nº2 en las listas pop y nº3 en las de R&B, vendiendo más de un millón de copias. Asimismo fue un éxito internacional, alcanzando puestos importantes en las listas de éxitos de países como Nueva Zelanda, Sudáfrica, Bélgica y Japón. Un clásico de los sesenta que ha recibido numerosas versiones, entre ellas una en español de Enrique Guzmán. Su mayor éxito resultó ser también el último. El single que se grabó a continuación, 'Don't walk away from me' fue un fracaso y ni siquiera entró en las listas.
Volvería a ellas un par de veces más, con 'I'm going back to school' (1962) y 'Crossfire time' (1963). Para entonces, Clark se había cambiado al sello Constellation, donde siguió grabando aunque ninguno de sus discos logró tener presencia en las listas nacionales.En el área de Chicago tuvo bastante éxito con grabaciones como 'Come closer', 'Warm summer breezes','Heartbreak' y 'TCB' (1965). Más tarde grabaría también para otros sellos como Columbia, Wand, Liberty y Rocky, en todos ellos sin éxito.
En 1975 tuvo un breve resurgir cuando 'Ride a wild horse' fue un Top30 sorpresa en el Reino Unido. Posteriormente actuó principalmente en los circuitos de 'oldies' y, a finales de los años ochenta, Clark se encontraba arruinado y residiendo en un centro de beneficencia de Toccoa (Georgia). A pesar de sufrir un ictus en 1987 que lo dejó parcialmente paralizado y con ciertos problemas en el habla, siguió actuando hasta su muerte el 7 de diciembre de 1990, a los 52 años, víctima de un infarto.
El 7 de noviembre de 1922 nació en Nueva Orleans el director de banda y trompetista Al Hirt. Con seis años ya poseía su propia trompeta y con dieciséis, Al y su amigo Pete Fountain ya estaban buscándose la vida profesionalmente por los garitos de Nueva Orleans.
Nacido como Alois Maxwell Hirt, recibió a los seis años su primera trompeta, que su padre -oficial de policiá- había adquirido en una casa de empeños. Dominó el instrumento con rapidez y fue un niño prodigio de la trompeta, llegando a dirigir la banda de música infantil del cuerpo de policía con solo doce años. A los 16 años Hirt ya tocaba de modo profesional, a menudo con su amigo el clarinetista Pete Fountain. En esa época fue contratado para tocar en las carreras de caballos locales, empezando con ello una relación con el deporte que se extendió a lo largo de seis décadas. Tras servir como corneta en el ejército durante la 2ª Guerra Mundial, se integró en varias orquestas de swing tocando junto a Benny Goodman, Tommy Dorsey y Jimmy Dorsey. Se estableció en Nueva Orleans en los años cincuenta, donde dirigió una banda de dixieland que se convirtió en el grupo residente del club Pier 600de Dan Levy y en la sensación local.
Su virtuosismo y el fino tono de su instrumento atrajeron pronto la atención de compañías nacionales como RCA Records. En las décadas de 1950 y 1960 Hirt tuvo 22 álbumes en las listas de éxitos de Billboard. 'Honey In The Horn' y 'Cotton Candy' se encontraban entre los diez discos más vendidos en 1964, el mismo año en que su versión del tema de Allen Toussaint 'Java' fue nº 4 de Billboard, ganando posteriormente un Premio Grammy. Tanto 'Honey in the horn' como 'Java' vendieron más de un millón de copias, llegando los dos a ser disco de oro.
Otro éxito de Hirt, 'Sugar lips' (1964), posteriormente sería el tema musical del concurso de la NBC 'Eye Guess', presentado por Bill Cullen y emitido a fínales de los años sesenta. Hirt también fue escogido para grabar el frenético tema del show televisivo 'The green hornet', del famoso arreglista y compositor Billy May. Temáticamente reminiscente de la obra de Nikolai Rimsky-Korsakov 'El vuelo del moscardón', demostraba la destreza técnica de Hirt. La grabación volvió a utilizarse en el film de 2003 de Tarantino, 'Kill Bill'.
A pesar de su enorme popularidad, los críticos no siempre fueron benévolos con él. Aún reconociendo su extraordinaria técnica, consideraban que tocaba muchas más notas de las necesarias y a los puristas del jazz no les agradó que en los sesenta añadiera elementos rock y pop a sus grabaciones. Hirt ignoraba las críticas manifestando: "¿Qué es un purista del jazz? La gran mayoría ni siquiera sabe tocar un instrumento". Al murió de insuficiencia hepática en abril de 1999 a los 76 años.
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