Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 8 de noviembre de 1927 nació en Claremore (Oklahoma) la cantante estadounidense Patti Page, una de las vocalistas de música popular más queridas de la postguerra, con unas ventas de discos acreditadas en los años cincuenta que superan los catorce millones de copias. La amplia proliferación de reediciones en CD de su música que surgió en los años noventa, demuestra lo poco merecido del olvido que sufrió esta gran artista tras la aparición del rock and roll.
Nacida Clara Ann Fowler, su padre era ferroviario y a muy temprana edad ayudó a recoger algodón en los campos de Claremore, pero la familia se mudó a Tulsa, donde Clara Ann asistió a la high school y a clases de canto e interpretación. Tras graduarse, pasó un casting en una emisora de música country, donde acabó trabajando para el departamento de publicidad cantando jingles. Cuando una de las vocalistas titulares de la emisora cayó enferma, Clara Fowler tuvo su primera oportunidad y un nombre artístico. Estrenó un programa patrocinado por la empresa de productos lácteos Page, por lo que el programa recibió el título de Meet Patti Page. Emitido a diario por KTUL, llegó a oídos del saxofonista Jack Rael quien se le ofreció para ser su mánager. Jack dedicó su vida a la carrera de Page y ambos repartían beneficios al 50%.
Su primer protagonismo a nivel nacional llegó cuando se trasladó a Chicago. Tras meses de largas giras en las que perdió mucho peso, acabó protagonizando un show radiofónico llamado The Breakfast Club. A partir de aquí comenzó su ascensión al estrellato. Con sólo 20 años firmó un contrato discográfico con el sello Mercury en 1948, dirigido entonces por el legendario productor pop Mitch Miller. No solo era un mago de los recursos técnicos de la época como el overdubbing que permitía a Patti hacerse sus propias segundas voces, también descubrió el potencial pop que encerraban las simples estructuras de las canciones country.
Page, al ser nativa de Oklahoma, creció cantando country por lo que se sintió más que confortable con el material que Miller le entregaba para cantar y su imagen no tardó en afianzarse en todo el país con canciones como 'Confess' (1948) y 'All my love (Bolero)' (1950). Varios de los temas que grabó en aquella época destacaban por estar acompañados por un pequeño combo de jazz en vez de las habituales pequeñas orquestas que se usaban entonces.
Patti realizó su debut en los night clubs de Nueva York a finales del año 1950 y en Navidades de ese año grabó el single (hoy olvidado) 'Boggie woogie Santa Claus'. En su cara B se incluyó el tema 'Tennesse waltz' que fue en definitiva el que provocó que del single se vendieran más de siete millones de copias y fuera reeditado como cara A cuando en Mercury advirtieron la gran demanda del público por la canción.
'Tennessee waltz' había sido grabada originalmente en 1947 por una banda country llamada Pee Wee King and his Golden West Cowboysque significó un hit menor para la banda y para el cantante Cowboy Copas. Page y Rael la conocieron a través de una versión jazz de Erskine Hawkins aunque numerosas personas, entre ellas Jerry Wexler, se jactaron en su día de haber sido quienes mostraron por vez primera el tema a Page. Quienquiera que fuese el responsable, 'Tennessee waltz' encajaba a la perfección con aquello que Page, Rael y Miller andaban buscando, así como su narrativa country simple y sencilla acerca de una joven que pierde a su amor en un baile a manos de su mejor amiga, encajaban con la melancólica voz de contralto de Patti.
Los siguientes años aparecieron más de 500 versiones del tema y la canción permanece como una pieza indeleble de la cultura popular norteamericana. La carrera de Page no volvió a alcanzar cotas tan altas pero se mantuvo como una de las cantantes más populares del país con temas como 'Mockin' bird hill' (1951), 'I went to your wedding' (1953), 'Cross over the bridge' (1954), 'Old cape cod' (1956) y otro millonario en ventas, su versión en 1953 del tema popularizado por los humoristas country Homer and Jethro, 'How much is that doggie in the window?'
con Bing Crosby y Dean Martin
A lo largo de los años cincuenta, Patti era una figura habitual en los shows de variedades en la TV. En 1957 se le ofreció liderar y presentar The Big Record, un programa orientado al rock and roll, por lo que su imagen de chica modosita no casaba con la frenética moda musical y el show no prosperó ni siquiera cuando se le cambió el nombre a The Patty Page Show. En 1962 dejó Mercury y firmó con Columbia, donde terminaron de encasillarla definitivamente en el género country.
Grabó una serie de álbumes a finales de los años setenta y a lo largo de los setenta que lograron cosechar un moderado éxito. En 1981 obtuvo un Top40 en las listas country con 'No aces', un single publicado bajo el sello Nashville's Plantation Records. Muchos preguntaron entonces a Patti donde había estado todo ese tiempo, pero Page no había dejado de trabajar desde los años cincuenta en el circuito de night clubs de Nueva York y Las Vegas. En los ochenta apareció en escena cantando con las orquestas sinfónicas de Cincinnati y de México D.F.
En 1998 publicó su primer álbum en directo, 'Live at Carnegie Hall: The 50th Anniversary Concert' por el que recibió un Grammy. A pesar de su larga y prolífica carrera fue este el único gramófono dorado de su trayectoria profesional. Page continuó cantando y realizando giras hasta el mes de septiembre de 2012, fecha en la que anunció su retirada de los escenarios debido a su precaria salud. Murió el día de Año Nuevo de 2013 a los 85 años.
El 27 de octubre de 1983 se publicó en Estados Unidos, 'Infidels', el vigesimosegundo álbum de estudio de Bob Dylan, considerado el disco que devolvió a Dylan al mundo secular después de la 'trilogía espiritual' ('Slow Train Coming', 'Saved' y 'Shot of Love') que produjo tras su conversión al cristianismo. De nuevo Dylan carga las tintas contra la sociedad estadounidense y, en un arranque de conservadurismo político critica la carrera espacial, la deslocalización industrial y defiende el Estado de Israel. El álbum fue muy bien acogido por la crítica que celebraba la 'vuelta al mundo real' del cantautor y consideró el trabajo su mejor obra desde 'Blood on the Tracks'. Fue nº20 en las listas americanas y nº9 en las británicas.
Durante el año 1982 las actividades públicas de Dylan se pueden contar con los dedos de una mano: el 15 de marzo es admitido ceremoniosamente en el Songwriters Hall of Fame y el 6 de junio aparece como artista invitado sorpresa en un concierto a favor de los colectivos que rechazaban la energía nuclear, donde interpreta tres temas con Joan Baez. Una notable señal de sus proyectos y perspectivas como artista se produce en agosto cuando Dylan firma un contrato con su nuevo mánager, Elliott Roberts. El cantautor, tras algunos devaneos durante su etapa de retiro espiritual con la idea de desaparecer de la escena, parece decidido a seguir con su carrera y en otoño comienza a escribir material para un nuevo álbum.
En busca de un productor para el proyecto, se pone en contacto con Frank Zappa, pero las conversaciones no fructifican. Otras opciones fueron David Bowie y Elvis Costello y, en enero de 1983, contrata finalmente a Mark Knopfler. Las grabaciones comenzaron el 11 de abril en los estudios Power Station de Nueva York y se extenderían -incluyendo las mezclas finales- hasta el 5 de julio, lo que supuso un tiempo inusual en sus producciones, que solían tomar mucho menos tiempo.
A pesar de su conversión cristiana, Dylan se mantiene fiel a las tradiciones judías y viaja junto a Sara a Jerusalen, donde asisten a la celebración del Benei Mitzvá de su primogénito Jesse. Una de las fotografías de Bob que Sara captura en ese viaje, se incluiría en el interior del nuevo álbum, cuyo nombre 'Infidels' (infieles) ya no tiene estrictamente referencias espirituales. Es más, en él lanza una mirada libre sobre la realidad norteamericana y en sus textos asoma de nuevo la protesta social que caracterizaba al Dylan de años atrás.
Esta se hace patente en la primera canción que se completa el 13 de abril: 'License to kill', una acusación directa contra el americano moderno que reivindica el derecho a pisotear y apartar todo lo que se pone en su camino poniéndose por encima de la Naturaleza y reclamando ser el primero para todo. Y el que pensó entonces que sus críticas a la administración Reagan, que parecía haberse autoconcedido el 'derecho para matar' eran exageradas, comprobaría estupefacto años más tarde, con Bush, Jr, cómo el escenario que describe se convirtió en algo cotidiano.
En 'Man of Peace', Dylan vuelve a cargar con este rítmico blues contra Reagan, quien, después de cometer importantes torpezas en política internacional se convertiría en el personaje más odiado de los intelectuales americanos. Cuando Dylan describe las máscaras del diablo y establece comparaciones con algunos de los arquetipos de la nueva sociedad americana el tema ofrece paralelismos con canciones como 'It's alright, ma (I'm only bleeding)', aunque 'Man of peace' es más radical, ya que desenmascara el fariseísmo de un personaje concreto: Ronald Reagan.
Con'Neighborhood bully', Dylan toma partido claramente: defiende a Israel y justifica en cierto modo la política agresiva con sus vecinos árabes, especialmente la invasión de Libano en 1982 y el ataque aéreo a una fábrica nuclear en Irak un año antes. Su enconada defensa de la cultura hebrea y su aseveración en el texto de la existencia de motivos recurrentes por los cuales la paz en Israel se rompe una y otra vez le trajo no pocas acusaciones de sionismo...
'I and I' es la canción más personal del álbum, en la que despliega sus sentimientos contradictorios. Y ambivalencias no le faltan en esta época en la que afronta los 41 años: la mujer desconocida que duerme junto a él y que le parece un ser de otro planeta; la brecha entre los valores judíos y cristianos; el conflicto entre emoción e intelecto. Es probablemente el mejor tema del álbum y recuerda en su claridad y fuerza poética a títulos como 'Simple twist of fate'.
'Jokerman' es el tema que abre el álbum y con una brillante producción, Dylan dibuja visiones apocalípticas que inevitablemente conectan con su etapa surrealista de los años sesenta. Todo gira alrededor del misterioso Jokerman, cuya identidad invita a no pocas especulaciones: Podría ser el propio Dylan, o Jesús o Satanás; asimismo podría tratarse del Joker de 'All along the watchtower' o el 'loco' del tarot... Como un chamán, Dylan conjura imágenes de lejanas mitologías y su Jokerman baila al son de la melodía del ruiseñor bajo la luz de la luna.
Lo que se interpreta en 'Jokerman' a través de la mitología, es en 'Sweetheart like you', terrenal y humano. Dos frases captan la atención de los exégetas de los textos de Dylan: "Una mujer como tú debería quedarse en casa, es el sitio que te corresponde para cuidar a aquel que te ama y no te desea ningún mal" y "Si cometes un pequeño hurto te meten en el trullo, y si perpetras una gran estafa te convierten en rey". Estos polos opuestos, lo individual, personal y lo colectivo y social marcan las fronteras en las cuales se establece la pregunta del sentido de la vida: ¿Nos encontramos en el lugar que nos corresponde?
La rockera 'Union sundown' se asemeja a 'License to kill' en su ataque a la voracidad capitalista americana y con ello, la colonización y saqueo del Tercer Mundo. Al mismo tiempo advierte del peligro de la conquista del mercado estadounidense de productos y marcas extranjeras, algo que va en detrimento de la cualificada clase trabajadora americana.
El tema que cierra el álbum es una inocente y casi reprimida canción de amor en la que un artista autocrítico, intermitente y condescendiente ruega a su presumiblemente joven amiga que no le deje solo esa noche: 'Don't fall apart on me tonight'...
Blind Willie McTell
Sin embargo el mejor tema de aquellas sesiones, 'Blind Willie McTell', su mejor canción desde 'Tangled up in blue', no supera el corte para incluirlo en el álbum. Dylan no está demasiado satisfecho con la toma y tampoco saben cómo encajar este crudo y sencillo blues con el único acompañamiento de un piano y la guitarra de Knopfler con el resto de temas de producción más elaborada. El sentido homenaje al legendario bluesman de Georgia, autor del 'Statesboro blues', no vería oficialmente la luz hasta que se publicó, ocho años después, en el álbum 'The Bootleg Series Volume III', en el que se incluyeron otros descartes procedentes de las sesiones de 'Infidels' como 'Tell me', 'Foot of pride', 'Lord protect my child' y 'Someone's got a hold of my heart'.
'Infidels', cuyo título de trabajo inicial fue 'Surviving in a Ruthless World' (Sobreviviendo en un mundo carente de escrúpulos), fue el resultado de las sesiones de grabación más intensivas y largas de la carrera de Dylan:
"Hubo un tiempo en el que pensaba que siempre resolvería mis grabaciones llegando, tocando mis canciones y abandonando a continuación el estudio, pero con 'Infidels' yo mismo y los demás decidimos tomarnos un poco más de tiempo". Pero el cuidado y elaborado trabajo de producción no solo costó el precio de agotadoras jornadas en el estudio, también albergaba riesgos artísticos como Dylan intuyó rápidamente: "Cuando escuchas un disco de los Eagles te das cuenta de una cosa: sus canciones son buenas pero cada nota es previsible. Sabes en cada momento exactamente lo que va a suceder después. Con 'Infidels' comencé a sentir algo parecido".
Pero sus temores eran infundados y con el paso del tiempo se puede afirmar que 'Infidels' está entre los mejores trabajos del cantautor. La ausencia de instrumentos de viento y coros femeninos, la limpia y cristalina producción de Knopfler, la banda de acompañamiento con Knopfler y Mick Taylor a las guitarras sustentados por la gran base rítmica aportada por los jamaicanos Sly Dunbar (batería) y Robbie Shakespeare (bajo) encajan a la perfección con las nuevas canciones de Dylan, en las que demostraba que había vuelto al 'aquí y ahora' y volvía a tomar conciencia social y política de la realidad que le rodeaba.
El 19 de octubre de 1931 nació en El Ejido (Almería) el cantante y actor español Manolo Escobar. Fue el único de los grandes cantantes de la copla de los años sesenta capaz de competir con las estrellas del pop y en algunos casos, superarlas en ventas y popularidad. Mientras el resto de las figuras del género se hundían ante el empuje del pop anglosajón, la figura de Manolo fue creciendo con el tiempo. Aunque las listas de la época quisieran ignorarle, avergonzadas quizá de compartir sus renglones con los santones pop, fue uno de los máximos vendedores de la década y el único que defendió el sabor añejo de la canción española en momentos en los que muchos renegaban de su pasado.
Manuel García Escobar nació en 1931 en El Ejido, en la provincia de Almería, en el seno de una familia de diez hermanos. Aprendió nociones elementales de música en Barcelona, donde se estableció su familia a finales de los años cuarenta. Pronto el joven Manuel tuvo que trabajar, primero como albañil más tarde en una empresa química. Al mismo tiempo estudiaba el bachillerato y al concluirlo se presentó a unas oposiciones a cartero. Sin dejar su trabajo repartiendo la correspondencia, Manolo cantó por primera vez en Radio Barcelona el año 1957 y ese mismo año actúa por primera vez en un teatro de Mataró, acompañado a las guitarras por tres de sus hermanos, Baldomero, Juan Gabriel y Salvador. Realizaron sus primeras grabaciones con temas clásicos de la copla como 'Pasodoble te quiero' y'España cañi' y comenzaron a participar en las giras de las figuras del momento, entre ellas Estrellita de Palma.
Tres meses después de conocer a la alemana Anita Marx el año 1959 en la
sala de fiestas Fiesta de Platja d'Aro, se casó con ella en Colonia
(Alemania) sin hablar el uno el idioma del otro. Su matrimonio superó los cincuenta años y tenían una hija adoptada Vanessa, a la
que dedicó la canción 'Mi pequeña flor'. En el caso de Manolo Escobar, la radio hizo más por su fama que las actuaciones las cuales hasta entonces no eran sino un relleno en los espectáculos de las grandes figuras de la copla de la época.
Por fin, en 1960 grabó el que sería el primero de una serie de grandes éxitos, 'El porrompompero', un tema que ya había grabado El Príncipe Gitano, pero que adquirió nueva vida con la voz de Manolo.
En 1961, Manolo debuta en Córdoba, en el teatro Duque de Rivas, con su propio espectáculo: 'Canta Manolo Escobar'. A partir de entonces, Manolo se convierte en pocos años en un ídolo de multitudes, paseándose triunfalmente por toda España con sus diversos espectáculos, y grabando decenas de discos que en seguida saltan a la fama. Empezó a llenar teatros y más tarde, plazas de toros. Antes de que surgiera la fiebre de las sevillanas, popularizó su canción 'La minifalda'.
Otros éxitos suyos de la época fueron 'Mi carro', 'Madrecita Maria del Carmen', 'Yo soy un hombre del campo','La morena de mi copla' e 'Y viva España', compuesta por el belga Leo Rozenstraten, y que vendió cerca de diez millones de copias.
En 1963 se inició su carrera cinematográfica, con la película 'Los guerrilleros', carrera que continuaría hasta los años ochenta, a razón de una película por año. Manolo actuaba con naturalidad ante las cámaras. Interpretaba personajes del pueblo llano, como él mismo, que se movían en torno de bellas y atractivas mujeres. Y siempre había un final feliz.
Grabó discos sin interrupción durante cuarenta años de su carrera con éxitos notables en las cuatro décadas. El reconocimiento de las figuras pop le llegó en 1987 con la grabación del álbum 'Suspiros de España', una colección de grandes canciones de la era pop, en las que Manolo hizo duetos con Joan Manuel Serrat, Julio Iglesias, Rocío Dúrcal, el Dúo Dinámico y Rocío Jurado.En sus últimos años, Manolo continuó recorriendo España con sus diversos espectáculos, y de vez en cuando se le podía ver en las distintas cadenas de televisión. Murió el 24 de octubre de 2013 a los 82 años.
El 10 de septiembre de 1911 nació en Guaminí, Buenos Aires la actriz, compositora y cantante argentina de tango Nelly Omar, considerada una de las mayores exponentes del género. Llegó a ser la cantante en activo más longeva del mundo falleciendo en diciembre de 2013 a los 102 años.
Nilda Elvira Vattuone nació en la pequeña localidad argentina de Guarminí en la región central de la provincia de Buenos Aires. Su padre, Marcos Vattuone, trabajaba como capataz en un rancho de ganado y además era 'guitarrero' y un entusiasta del tango. Solía organizar conciertos de nuevos cantantes argentinos y uruguayos y en una ocasión fue promotor de un recital de Carlos Gardel. Fue aquí cuando Nelly abandonó sus proyectos de convertirse en piloto aeronáutico para dedicar su vida al tango.
Nilda solo contaba 12 años de edad cuando su padre murió, dejando a su madre y a sus nueve hermanos sin sustento. Se trasladaron a la ciudad de Buenos Aires donde Nilda comenzó a trabajar en la industria textil al tiempo que tomaba clases de canto, baile y artes escénicas. Pronto se estrenó cantando en la escuela y en pequeños teatros del barrio. Con 17 años realizó una audición para una emisora de radio y fue contratada para cantar milongas, tangos y canciones del folklore argentino. Adoptó el nombre artístico de Nelly Omar y no tardó en recibir ofertas para el cine. Entre 1940 y 1951 actuó en tres películas donde se hizo evidente que era mejor cantante que actriz, por lo que su carrera de actriz acabó aquí.
En 1940 conoció a Eva Perón, esposa del presidente de la Nación y ambas se hicieron buenas amigas. Nelly se consideraba apolítica pero fue una leal peronista y una fiel amiga y seguidora del matrimonio Perón. Cuando un golpe militar depuso al presidente, Nelly fue incluida en una lista negra, por lo que cada vez le resultaba más difícil firmar contratos. En 1958 abandonó Buenos Aires y se instaló en Uruguay, más tarde en Venezuela. En los sesenta regresó a Argentina donde, tras diecisiete años de silencio, continuó su carrera musical.
En 1996 recibió la distinción de 'Ciudadana ilustre de Buenos Aires' y no dejó de actuar todos esos años, principalmente en el famoso Luna Park de la capital argentina. El año 2000, con 89 años, Nelly actuó en el Le Théâtre National de Chaillot de Paris y con 96 años (2007) grabó su último álbum titulado 'La Criolla'. En 2011 Nelly celebró su cumpleaños centenario con un concierto en el Luna Park en el que interpretó 13 de sus canciones más populares, entre ellas, uno de los tangos que la hizo famosa: 'Sur'. En este show, en el que Nelly vestía su emblemático poncho rojo y negro, la legendaria artista deleitó a su público demostrando que a pesar de los cien años de edad, seguía siendo un placer escuchar cantar a una leyenda viva de la música popular argentina. Murió dos años después con 102 años cumplidos.
El 29 de agosto de 1966 se celebró en el Candlestick Park de San Francisco, sede del equipo de baseball San Franciso Giants, la última actuación oficial de los Beatles (si exceptuamos el mini-concierto que dieron en 1969 en la azotea de Apple) a la que asistieron más de 25.000 fans que pagaron entre 5 y 6 dólares por la entrada. En ningún momento se anunció que este iba a ser el último show y si los cuatro Beatles lo sabían, fue un secreto muy bien guardado.
Gran parte del material filmado en color que circula por la red fue obra del entonces fan de 15 años Barry Hood. Él mismo editó partes de sus filmaciones que aparecieron en sendos documentales, 'The Beatles in San Francisco' y 'The Unseen Beatles'. Aun así, el total de las imágenes que Hood rodó aquel día, sigue inédito bajo llave casi 50 años después del evento.
La lista de canciones que interpretaron fue la siguiente: 'Rock and roll music', 'She's a woman', 'If I needed someone', 'Day tripper', 'Baby's in black', 'I feel fine', 'Yesterday', 'I wanna be your man', 'Nowhere man', 'Paperback writer' y 'Long tall Sally'. Tony Barrow, jefe de relaciones públicas del grupo realizó una primitiva grabación en cassette que no llegó a publicarse y acabaría apareciendo en diversas ediciones piratas que actualmente se encuentran en internet...
Atrás quedaban nueve años de giras y más de 1400 shows. Aunque en aquel instante no fueran conscientes de que no volverían a pisar juntos un gran escenario, la imposibilidad de plasmar en directo con los medios de entonces la sofisticación musical que sus nuevas composiciones estaban adquiriendo ('Eleanor Rigby', 'Love you to', 'Tomorrow never knows'), les obligó a tomar la decisión de recluirse en el estudio en sus siguientes trabajos. Bendita decisión, dirían muchos, ya que a partir de entonces llegaron las mejores obras del cuarteto que revolucionarían definitivamente la música popular del planeta.
El 19 de agosto de 1945 nació en Nuevos Aires el músico y cantautor argentino Roberto Sánchez, más conocido como Sandro y apodado 'el gitano' o 'el Elvis argentino'. Fue uno de los pioneros del rock en Argentina influenciado por los clásicos americanos de los años 50 y uno de los primeros artistas que cantaron rock en español en Latinoamérica.
Al frente de su banda Los de Fuego, el carisma escénico de Sandro, con movimientos a lo Elvis y su potente voz, pronto lo convirtieron, sobre todo desde sus apariciones televisivas, en un ídolo juvenil de enormes proporciones, pasando musicalmente en la segunda mitad de los sesenta del rock a la balada romántica, conquistando un amplísimo público femenino, sus ‘nenas’, que lo seguían con devoción en toda Latinoamérica, de ahi que se le llegara a conocer como Sandro de América..
Apareció en numerosas películas y telenovelas de la época y a comienzos de los años 70 fue el primer artista latino en llenar en cuatro ocasiones el Madison Square Garden de Nueva York. Siguió actuando y grabando en los ochenta y en la década siguiente, con el surgimiento del rock latino, Sandro fue motivo de numerosos homenajes.
Su primer protagonismo a nivel nacional llegó cuando se trasladó a Chicago. Tras meses de largas giras en las que perdió mucho peso, acabó protagonizando un show radiofónico llamado The Breakfast Club. A partir de aquí comenzó su ascensión al estrellato. Con sólo 20 años firmó un contrato discográfico con el sello Mercury en 1948, dirigido entonces por el legendario productor pop Mitch Miller. No solo era un mago de los recursos técnicos de la época como el overdubbing que permitía a Patti hacerse sus propias segundas voces, también descubrió el potencial pop que encerraban las simples estructuras de las canciones country.
