Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 23 de febrero nació en Leland, Mississippi el guitarrista, productor y cantante de blues norteamericano Johnny Winter. A finales de los años sesenta ya era una leyenda del blues eléctrico, en solitario o acompañado de su hermano Edgar, también albino como Johnny. Produjo los últimos trabajos de Muddy Waters y sus últimos años, aunque sentado, siguió actuando por todo el mundo.
Nacido John Dawson Winter III, sus padres se trasladaron siendo él muy joven a Beaumont, donde nació su hermano Edgar. Ambos se aficionaron pronto a la música, aprendiendo Johnny a tocar la guitarra y Edgar el saxofón y el piano. No pasó mucho tiempo antes de que los hermanos Winter actuasen profesionalmente y comenzaran a grabar discos en pequeños sellos locales. Su primera grabación la realizó Johnny a los quince años, cuando en 1959 los hermanos formaban parte de Johnny & the Jammers, grupo que publicó el tema'School day blues'en Dart Records. Los siguientes años aparecieron otras grabaciones acreditadas a Winter o a grupos con seudónimo, como 'Gangster of love' y 'Gone for bad' (1963).
Su primera entrada en listas fue en 1966 formando parte de The Traits, una banda liderada por Roy Head, con una versión de 'Harlem shuffle'. Johnny y Edgar tocaban juntos frecuentemente, pero con el tiempo se hicieron patentes las inclinaciones musicales de cada uno. Edgar tendía más hacia el jazz y Johnny se sentía más cómodo con el blues-rock, por lo que este formó un trío con Tommy Shannon al bajo y John 'Red' Turner a la batería. Firmaron con Sonobeat Records de Austin y se publicó 'The Progressive Blues Experiment' (1968), que sólo tuvo distribución local.
Una reseña de su música en la revista Rolling Stone cambió su vida: "Además de Janis Joplin hay otra novedad interesante que permanece en Texas. Si sóis capaces de imaginaros a un bizco albino de menos de 60 Kg, de abundante y lacia cabellera, tocar unos fluidos y viscerales fraseos de blues a la guitarra como jamás los oísteis en vuestra vida, id y buscad a Johnny Winter". Uno de los que leyó el artículo fue Steve Paul, propietario de un club en Nueva York, quien tomó un avión a Texas para convencer a Winter de que le contratara como mánager. Paul tanteó a las discográficas, escuchando las ofertas de una y otra y fue CBS la que en 1969 firmó el contrato con Johnny por 600.000$, la mayor cantidad pagada hasta entonces por un artista debutante.
Johnny se dispuso a grabar su primer álbum y mientras tanto, otros sellos que habían grabado numeroso material de Johnny en su juventud, comenzaron a comprar o reeditar sus primeras grabaciones, como fue el caso de 'The Progressive Blues Experiment' (Imperial Records), 'The Johnny Winter Story' (GRT Records, con temas grabados a principios de la década), 'About Blues' (Janus Records) y 'First Winter' (Buddha Records), que contenía joyitas como 'I had to cry' o 'Please come home for Christmas'. Ésta práctica oportunista de las discográficas se iría repitiendo a lo largo de su carrera, ya que antes de firmar con CBS, Johnny había sido un músico extraordinariamente prolífico, grabando en numerosos sellos.
Su primer trabajo con CBS fue el álbum 'Johnny Winter' (1969). Para muchos considerado su mejor disco, ofrece nueve temas de un blues eléctrico magistral tocado con total abandono en su Fender barata, entre los que destacan las versiones de'Be careful with a fool', de B.B. King y 'Good morning little schoolgirl' de Sonny Boy Williamson I y sus composiciones 'Dallas', 'I'm yours and I'm hers' y 'Leland Mississippi blues'. Como grupo de acompañamiento seguía contando con Shannon y Turner como base rítmica, y su hermano Edgar colaboraba con el saxo y los teclados. En agosto de ese año, Winter apareció en el Festival de Woodstock.
Ese otoño se publicó su segundo álbum, 'Second Winter', en el que continuaba ofreciendo versiones de clásicos rock como 'Miss Ann', 'Johnny B.Goode' o 'Slippin' and slidin'. Con 'Memory pain' hizo su incursión en el blues-rock psicodélico y entre todas ellas destaca la versión de 'Highway 61 revisited' de Dylan. Este álbum fue editado como un disco doble de tres caras. La cuarta estaba en blanco.
Johnny Winter And
En 1970 disuelve el trío y contrata a los antiguos miembros de los McCoys pra su banda: Rick Derringer (guitarra), Randy Jo Hobbs (bajo) y Randy Z (Batería). Su tercer trabajo se denominó como su banda 'Johnny Winter And' y en él aparecen magníficos temas de Winter como 'Prodigal son' y 'Guess I'll go away', además de un par de temas coescritos por Rick Derringer, 'Look up' y 'Rock and roll, hoochie koo'. Sin embargo el álbum no fue un gran éxito comercial. La gran creatividad musical y las numerosas producciones musicales que se realizaban en esos primeros años setenta provocó que muchos grandes álbumes como éste pasaran prácticamente desapercibidos en su momento.
'Still Alive and Well' (1973)
Mejor suerte corrió su primer álbum en directo, 'Live Johnny Winter And' (1971), que alcanzó el Top40 y recibió el disco de oro tres años más tarde. Pero Johnny no fue capaz de aprovechar ese momento clave para lanzar su carrera que le brindó el éxito del disco. Adicto a la heroína y víctima de ataques de depresión suicidas tuvo que suspender su carrera y someterse a curas de rehabilitación en Beaumont y Nueva Orleans. Su primera aparición tras su mejora fue en el álbum en vivo de su hermano, 'Roadwork' y su vuelta al trabajo la certificó publicando 'Still Alive and Well' (1973), que contenía un tema escrito por Jagger y Richards para él, 'Silver train'. El álbum alcanzó el puesto 22.
En 1976 publica 'Captured Live!' en un sello subsidiario de CBS, Blue Sky Records, fundado por Steve Paul. Con su hermano, que también grababa sus trabajos en el mismo sello, publica ese mismo año, 'Together', en el que repasan sus oldies favoritos como 'Jailhouse rock', 'Soul man' y 'Baby watcha want me to do.'
Al año siguiente Blue Sky Records ficha a Muddy Waters y Johnny Winter es el encargado de producir el álbum que significó la vuelta del bluesman a los estudios de grabación. 'Hard Again' recibió el Grammy a 'mejor álbum de blues' del año.
El mismo Muddy colaboró en el siguiente álbum de Johnny, 'Nothin' But the Blues' (1977), predominantemente acústico, en cuya cubierta Winter escribía: "Me gustaría dedicar este álbum a todos aquellos que disfrutan con mi música de blues y especialmente a Muddy Waters, por inspirarme para ello y ofrecer al mundo toda una vida de gran blues". En 1978 produjo otro trabajo de Waters, 'I'm ready', que asimismo obtuvo el Grammy al mejor álbum de blues.
Con su banda habitual, graba sus dos últimos álbumes con CBS, 'White Hot & Blue' (1978), y 'Raisin' Cain' (1980), que no llegó a entrar en las listas. Winters firmó a continuación con el sello independiente de blues Alligator Records, para quienes graba 'Guitar Slinger' (1984), que lo devuelve a las listas de ventas, así como 'Serious Business' (1985) y '3rd Degree' (1986).
'The Winter of '88' (1988) fue un vano intento publicado en Voyager Records, en el que se pretendía llevar su música hacia terrenos más comerciales, así como el boogie-blues sintetizado de ZZ Top y, en 'Let Me In' (1991) y 'Hey, Where's Your Brother?' (1992), Winter vuelve a su línea tradicional de blues rock .
Durante los años noventa, el tejano albino se centró más en las actuaciones en directo. En 1998 publicó 'Live in NYC '97' y su siguiente trabajo de estudio tuvo que esperar hasta el año 2004, año en el que publicó en Virgin Records'I'm a Bluesman', que recibió una nominación al Grammy.
Su último trabajo de estudio fue el álbum 'Roots', publicado en septiembre de 2011, en el que Winter ofrecía once versiones de clásicos del blues (Muddy Waters, Elmore James, Jimmy Reed y otros) y contó con la ayuda de músicos como Sonny Landreth, Jimmy Vivino, Warren Haynes, Frank Latorre, John Popper, Vince Gill, Susan Tedeschi, su hermano Edgar Winter, Derek Trucks, Paul Nelson y John Medeski, entre otros.
Johnny murió el 16 de julio de 2014 a los 70 años.
"Damas y caballeros...: Los Beatles"Ed Sullivan Show, CBS TV, 9 de febrero de 1964.
Los Beatles actuaron por primera vez en América ante una audiencia en el estudio y ante millones de espectadores como invitados de Ed Sullivan, conductor del show de variedades más famoso de la TV estadounidense. La aparición del cuarteto de Liverpool en el Ed Sullivan Show la noche del domingo, 9 de febrero de 1964, marcó el comienzo de una nueva era en la cultura y música popular americana así como un nuevo standard para su promoción y marketing.
A lo largo de 1963, los Beatles habían obtenido una popularidad extraordinaria en Gran Bretaña; cuando llegaron a EEUU, ya habían actuado en Suecia y Francia, vendido millones de discos y tenían una numerosa y enfervorizada masa de seguidores, cuyo comportamiento en los conciertos había sido etiquetado como 'beatlemania' por la prensa inglesa. Con una campaña publicitaria de gran intensidad en marcha en EEUU, los Beatles volaron a Nueva York unos días después de que su single 'I want to hold your hand' alcanzara el nº1 de las listas americanas.
Fueron recibidos el 7 de febrero de 1964 en el aeropuerto internacional Kennedy por 3000 fans e inmediatamente se ganaron a reporteros y fotógrafos en su primera conferencia de prensa. "El ingenio de estos chicos es contagioso.... Los fotógrafos olvidaron tomar las instantáneas previstas. El show había comenzado" (New York Times en su edición del día siguiente).
La velada proporcionó estadísticas impresionantes: Hubo 50.000 peticiones para los 728 asientos en el plató de la CBS. (Se completó el aforo dos veces, una para los ensayos y otra para la retransmisión en directo); tuvo una audiencia de casi 74 millones de espectadores, indicando la mayor de la historia televisiva hasta entonces y hubo un descenso significativo en los delitos de adolescentes, ya que el 70% de la audiencia televisiva (más de 25 millones de hogares) estaba frente al televisor esa noche.
Cuando los Beatles abandonaron los EEUU para regresar a Inglaterra el 21 de febrero, tras tres conciertos y dos apariciones más en el Ed Sullivan Show, muchos americanos que habían seguido la radio o la televisión sintieron el impacto de su visita. Para millones de adolescentes la vida cambió radical- y permanentemente, haciendo de los Beatles y su mundo el foco principal de sus existencias, una nueva fuente de alegría que influiría no sólo en sus gustos musicales, sino también en el modo de hablar, la moda, las fantasías románticas, las amistades, los libros, revistas y películas que había que ver, etc...
Para esa generación de americanos que comenzó a ser adolescente cuando asesinaron al presidente Kennedy, el cambio ya se podía sentir en el aire. El movimiento de los derechos civiles adquirió notoriedad nacional, la guerra en Vietnam empezó a penetrar en sus conciencias y los movimientos políticos y sociales del mundo anunciaban que algo importante estaba pasando. El efecto de los Beatles en este punto de la historia fue tal que "existe la tendencia a pensar que los años sesenta -vistos bajo el punto de vista cultural, más que cronológico- comienzan en 1964, el año que los Beatles consiguieron su primer nº 1 en EEUU".
Aunque Ed Sullivan se encargó de ser el primero en mostrar los Beatles por televisión a América, la noche del viernes 3 de enero, Jack Paar, que conducía 'The Jack Paar Program' emitió un corte que había conseguido de la BBC en el que se mostraban fans (mayoritariamente chicas) gritando ante una actuación de los Beatles en Inglaterra.
En su monólogo introductorio explica: "Estoy interesado en los Beatles como un fenómeno psicológico-sociológico" y comentando las imágenes de las fans: "Estos chicos tienen esos ridículos cortes de pelo, que cuando agitan sus cabezas hacen que las chicas pierdan el control. ¿No les preocupa pensar que en pocos años todas ellas irán a votar, criarán hijos y conducirán automóviles?". Para Paar los Beatles no eran más que un mal chiste y concluyó la cita -lanzando un dardo envenenado a su competidor- dudando tanto de la calidad del grupo como del show que lo iba a albergar...
El 28 de enero de 1929 nació en Pensford (Somerset) el clarinetista inglés Acker Bilk. Fue uno de los representantes junto a Chris Barber y Kenny Ball, del boom de jazz tradicional que surgió a finales de los cincuenta en el Reino Unido.
Su padre fue predicador y su madre organista, por lo que tomó contacto con la música muy joven. Su preferencia por el clarinete fue casual. Cuando estaba cumpliendo su servicio militar en Egipto, se quedó dormido durante una guardia y fue arrestado durante tres meses en el calabozo. Fue allí donde Bilk, para aprovechar el tiempo, aprendió a tocar el instrumento con el que se haría conocido. De vuelta en Inglaterra, a mediados de los años cincuenta entró a formar parte del grupo de Ken Coyler y en 1958 fundó su propia banda, la Paramount Jazz Band.
La característica imagen de Bilk con su perilla y su bombín comenzó a hacerse popular en el Reino Unido y en centroeuropa, especialmente en Alemania, donde fue muy querido. En 1960 obtuvo un nº1 en ambos países con 'Summer set', al que siguieron otros éxitos menores como 'Buona sera' y 'That's my home'.
En 1961 compuso el tema 'Stranger on the shore' para una serie de la TV británica. Se volvió a grabar y editar en single con la participación de la Leon Young String Chorale. El tema vendió un millón de ejemplares y alcanzó al nº1 de las listas americanas, convirtiéndose Bilk en el segundo artista británico en lograrlo. En el Reino Unido permaneció un año en las listas y es allí el tema instrumental más vendido de la historia. Bilk murió el 2 de noviembre de 2014 a los 85 años.
El 23 de enero de 1752 nació en Roma el compositor clásico italiano Muzio Clementi, considerado el primero que escribió específicamente para piano y conocido principalmente por su colección de estudios para piano “Gradus ad Parnassum”.
Fue el primero de siete hijos de Nicolò Clementi, un platero altamente respetado y romano por herencia y de Magdalena Kaiser de nacionalidad suiza. Su talento musical empezó a manifestarse a temprana edad; a los siete años comenzó su instrucción musical y sus progresos fueron tan notables que a los trece años ganó un lugar como organista de la iglesia. En 1766, Sir Peter Beckford (1740–1811), un acaudalado inglés primo del excéntrico William Beckford, mostró interés en el talento musical del muchacho y trató de convencer a Nicolò para llevarlo a su mansión de Blandford Forum en Dorset, Inglaterra donde Beckford acordó proveer pagos trimestrales para mantener la educación musical de Clementi. A cambio de esta educación, Clementi se encargaba de los eventos musicales en la Mansión. Clementi pasó los siguientes siete años dedicándose enteramente al estudio y práctica del clavicordio. Sus composiciones de este período inicial, sin embargo, fueron pocas y casi todas se han perdido.
En 1770, Clementi se presenta por primera vez en público como pianista. La audiencia estuvo muy impresionada con su ejecución, fue el comienzo en ese entonces de una de las carreras como concertista de piano más exitosas en la historia. En 1774, Clementi fue liberado de sus obligaciones para con Peter Beckford y se trasladó a Londres, donde entre otras realizaciones hizo varias presentaciones en público como clavicordista e intervino en conciertos para cantante y arpa. Su renombre creció, al menos en parte a la popularidad de sus Sonatas Opus 2 recientemente publicadas. Su fama y prestigio aumentaron rápidamente y fue considerado por muchos círculos musicales como el pianista virtuoso más grande del mundo.
Clementi inició una gira europea en 1781 que le permitió viajar por Francia, Alemania y Austria. En Viena, Clementi convino con José II para entrar en un duelo musical con Wolfgang Amadeus Mozart para entretenimiento del Emperador y sus invitados. Cada ejecutante fue invitado a improvisar y a ejecutar selecciones de sus propias composiciones. La habilidad de ambos compositores y su virtuosismo fue tan grande que el Emperador se vio forzado a declarar un empate.
La falta de respeto evidente de Mozart para con Clementi (y probablemente con los italianos en general) ha llevado a llamarlos «archirrivales». Si bien, la animosidad no fue correspondida por Clementi por lo que sabemos. De todos modos, las cartas de Mozart estaban llenas de burlas e irreverencias que nunca esperó que algún día se hicieran públicas.
El 12 de enero de 1782 Mozart escribió a su padre: «Clementi toca bien, tanto como la ejecución con su mano derecha le permite. Su mayor potencial reside en sus pasajes en terceras. Aparte de eso, no tiene el valor de Kreuser en cuanto al gusto y la sensibilidad — resumiendo él es muy técnico.» En cartas subsiguientes, fue más allá diciendo que: «Clementi era un charlatán, como todos los italianos.»
Las impresiones de Clementi respecto a Mozart, por el contrario, fueron todas muy positivas y entusiastas. Pero el tema principal de la Sonata en si bemol mayor cautivó la imaginación de Mozart y diez años más tarde lo utilizó en la obertura de su ópera “Die Zauberflöte” (La flauta mágica). Este hecho indignó tanto a Clementi que cada vez que publicó esta sonata, incluyó una nota explicando que fue escrita diez años antes de que Mozart escribiera La flauta mágica.
John Field
A partir de 1782 y en los siguientes veinte años Clementi permaneció en Inglaterra tocando el piano, dirigiendo y enseñando. Dos de sus estudiantes alcanzaron un importante renombre: Johann Baptist Cramer y John Field (quien, a su vez, ejerció una gran influencia sobre Frédéric Chopin). Clementi también comenzó la manufactura de pianos, pero en 1807 esta fábrica fue destruida por un incendio. Ese mismo año inició contactos con Ludwig van Beethoven, uno de sus más grandes admiradores, quién le dio los plenos derechos de publicación de toda su música. El nivel alcanzado por Clementi dentro de la historia de la música como editor e intérprete de Beethoven no es ciertamente menor que como compositor (aunque también fue criticado por algunos trabajos de editorial permisivos, por ejemplo haciendo «correcciones» armónicas a algunas obras del compositor alemán.
Clementi en 1810 (A. Orlowski)
El hecho de que Ludwig van Beethoven empezara, al final de su vida, a componer (en su mayoría música de cámara) especialmente para el mercado británico, pudo haber estado relacionado con el hecho que su editor estaba radicado allí. En 1810 Clementi dejó de realizar sus conciertos para dedicarle todo su tiempo a la composición y a la fabricación de pianos. En 1830 se trasladó a las afueras en Lichfield y pasó sus últimos años en Evesham, donde murió a los 80 años de edad. Fue enterrado en la abadía de Westminster.
OBRA
Clementi es mayormente conocido por su colección de estudios para piano Gradus ad Parnassum, sobre la cual hace Debussy una divertida alusión en la obra «Doctor Gradus ad Parnassum» (el primer movimiento de su suite El rincón de los niños).
Del mismo modo sus sonatinas pasaron a ser un estudio obligado para los estudiantes de piano hasta pasado el siglo XX. Erik Satie, un contemporáneo de Debussy, bromearía con estas sonatinas (específicamente la sonatina Op. 36 n.° 1) en su Sonatina Burocrática. Compuso alrededor de 110 sonatas para piano. Algunas de las primeras y más sencillas fueron reeditadas como sonatinas después del éxito de su sonatina Op. 36 n.° 1 y continúan siendo obras de práctica popular en la educación del aprendizaje del piano
Sus sonatas raramente son tocadas en conciertos públicos, en gran parte porque son consideradas como música educacional sencilla. Las sonatas de Clementi son a menudo más difíciles de tocar que las de Mozart, aunque éste escribió una carta a su hermana en la que le decía que preferiría que no tocase las sonatas de Clementi debido a sus movimientos de saltos, a la amplitud de espacios de digitación y los acordes, que pensaba que para lograr tocarlos le podría causar alguna lesión.
Además de repertorio para piano solo, Clementi escribió una gran cantidad de otros tipos de música, incluyendo algunas obras recientemente encontradas y trabajos extensos como algunas sinfonías inconclusas que están siendo gradualmente aceptadas por la comunidad musical como obras importantes: Sinfonía Nº 1 en Do mayor. Mientras la música de Clementi rara vez es tocada en las salas de concierto, su popularidad se ha ido incrementando por la grabaciones de sus obras.
El pianista ruso Vladimir Horowitz adquirió un especial cariño por el trabajo de Clementi, consecuencia de esto su esposa Wanda Toscanini le compró las obras completas de Clementi. Horowitz incluso comparó algunas de estas obras con los mejores trabajos de Beethoven. La revalorización de la imagen de Clementi como un gran artista se debe en gran parte a los esfuerzos de Horowitz y de Andreas Staier, Andrea Coen y Costantino Mastroprimiano.
Figura subestimada en el mundo de la música Clememti es ampliamente considerado por los especialistas como el creador del pianoforte moderno como un instrumento, así como el padre de la ejecución del piano moderno. Vivir como contemporáneo de los más grandes compositores clásicos de piano tales como Mozart y Beethoven provocó que su propio trabajo pasara desapercibido, por lo menos en la práctica del concierto, a pesar de su importancia en la historia de la música para piano y en el desarrollo de la forma de sonata.
•Opus 12: Cuatro sonatas y un dueto para dos pianos (1784)
•Opus 13: Seis sonatas, tres de ellas con violín (o flauta) (1785)
•Opus 14: Tres dúos a 4 manos (1786)
•Opus 15: Tres sonatas para piano y violín (1786)
•Opus 16: Sonata La Caza (1786)
•Opus 17: Capriccio (1787)
•Opus 18: Dos sinfonías (1787)
•Opus 19: Características musicales de Clementi (1787)
•Opus 20: Sonata (1787)
•Opus 21: Tres tríos (1788)
•Opus 22: Tres tríos (1788)
•Opus 23: Tres sonatas (1790)
•Opus 24: Dos sonatas (1788)
•Opus 25: Seis sonatas (1790)
•Opus 26: Sonata (1791)
•Opus 27: Tres tríos (1791)
•Opus 28: Tres tríos (1792)
•Opus 29: Tres tríos (1793)
•Opus 30: Sonata para piano y violín (rev. del Opus 2 n.º 2) (1794)
•Opus 31: Sonata para piano y flauta (rev. del Opus 2 n.º 4) (1794)
•Opus 32: Tres tríos (1793)
•Opus 33: Tres sonatas (1794)
•Opus 34: Dos sonatas y dos caprichos (1795)
•Opus 35: Tres tríos (1796)
•Opus 36: Seis sonatinas (1797)
•Opus 37: Tres sonatas (1798)
•Opus 38: Doce valses (1798)
•Opus 39: Doce valses (1800)
El 19 de enero de 1939 nació en Chicago el músico y cantante Phil Everly, el menor de los Everly Brothers, un dúo fundamental en la historia de la música popular, cuyas armonías vocales inspiraron a numerosos grupos, principalmente a Beatles y Simon & Garfunkel. También en España tuvieron su influencia, dando lugar al Dúo Dinámico.
Tuvieron su máximo esplendor entre 1957 y 1965 con temas como 'Bye bye love', 'Wake up little susie', 'All I have to do is dream', 'Cathy's clown', cuyo arreglo vocal influyó a los Beatles en 'Please, please me', y 'Crying in the rain'. En 1973 se separaron durante diez años y, a partir de ese año ambos hermanos siguieron grabando por separado. Don tuvo algunos éxitos en las listas de música country a mediados de la década de 1970 y Phil realizó buenos álbumes pero solo conoció el éxito a principios de 1983 con el dueto con Cliff Richard'She means nothing to me'. ´
En 1983, tras una gran expectación y repetidos rumores se confirma la reunión de los dos hermanos para un histórico concierto el 23 de septiembre en el Royal Albert Hall en el Reino Unido. Graban juntos un nuevo álbum,'EB84', cuyo tema original de Paul McCartney'On the wings of a nightingale', especialmente escrito para ellos, los devuelve a las listas británicas y norteamericanas. Siguieron los álbumes 'Born Yesterday' (1986) y 'Some Hearts' en 1989 y aunque no volvieron a grabar desde entonces, continuaron actuando juntos en ocasiones especiales, como cuando Paul Simon los invitó a actuar con él y Garfunkel en su gira 'Old Friends' de 2003 y 2004.
Phil murió el 3 de enero de 2014, dieciséis días antes de cumplir 75 años. Paul Simon publicó tras su muerte: "Phil y Don formaban un dúo con el sonido más bello que he conocido. Voces inmaculadas y llenas de sentimiento que se encontraban en un cruce de caminos entre el country y el R&B. Fueron testigos y parte del nacimiento del rock and roll".
El 18 de enero de 1835 nació el compositor e ingeniero militar lituano nacido en Vilna, Tsézar Antónovich Kyuí, más conocido como Cesar Cui, uno de los compositores pertenecientes al llamado "Grupo de los Cinco".
Fue hijo de una mujer noble lituana y un oficial francés que se quedó en Rusia tras el retiro del ejército de Napoleón. Ninguno tenía interés por la música y Cui aprendió por sí solo notación musical y piano. En 1849 recibió algunas lecciones de armonía y contrapunto del compositor polaco Stanislaw Moniuszko, quien vivía por entonces en Vilnius. Al año siguiente fue enviado a San Petersburgo e ingresó en la Escuela de Ingeniería. Más tarde asistió a la Academia de Ingeniería Militar y se graduó en 1857, llegando a ser topógrafo y un reconocido experto en fortificaciones militares. En 1864 comenzó a escribir críticas musicales para los periódicos y se hizo conocido en los círculos musicales por su oposición a la música occidental, sobre todo la de Max Reger y Richard Strauss.
Los 'cinco' y Vladimir Stasov
Cui conoció a Balakirev en 1856 y poco después se hizo amigo de Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. Desde entonces mantuvo una cercana relación con el grupo cumpliendo sobre todo el rol de propagandista y teórico en los esfuerzos por establecer un idioma musical nacional. Cui fue la primera persona en publicar un ilustrativo libro sobre música rusa y siguió escribiendo como crítico hasta 1900.
Fue elegido miembro de la Academia Francesa y condecorado con la Cruz de la Legión de Honor. En 1896 la Real Academia de Arte y Literatura de Bélgica le nombró miembro y en 1909 y 1910 se realizaron eventos en honor del 50 aniversario de Cui como compositor.
Murió el 26 de marzo de 1918 y fue enterrado junto a su esposa Malvina en un cementerio de San Petersburgo. En 1939 su cuerpo fue trasladado al cementerio de Tikhvin en el monasterio de Alexander Nevsky de San Petersburgo, donde se encuentran los otros miembros de "Los Cinco".
Obra musical:
En sus composiciones Cui fue influido por Balakirev. Mostró mejor talento como miniaturista que como compositor de grandes partituras. Aunque escribió varias óperas, ninguna tuvo tanto éxito como otras partituras suyas.
La mayor parte de su producción radica en canciones y pequeñas piezas para piano, pero también compuso música orquestal, algunas obras de cámara y escasos trabajos corales. Su debut como compositor tuvo lugar en 1859 bajo la dirección de Anton Rubinstein, con el "Scherzo" op. No.1 (Dúo Tatjana & Leonid Schick ). Escribió composiciones para casi todos los géneros de su época, con las excepciones distintas de la sinfonía y el poema sinfónico (a diferencia de sus compatriotas Balakirev, Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov). Son muchas sus obras para niños (numerosas canciones y óperas basadas en cuentos).
Entre sus óperas destacan: "William Ratcliff" estrenada en 1869 (basada en la tragedia de Heinrich Heine), "El Hijo de mandarín" (1878) (Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR & Alfons Rischner), "Prisionero del Cáucaso" (1883), basada en Pushkin, "Mademoiselle Fifi" (1903), sobre la obra de Guy de Maupassant, "El Filibustero" (Robert Stankovsky & The Slovak Radio Symphony Orchestra) estrenada en la Opéra-Comique de París en 1894 y la ópera infantil "El gato con botas" (en Roma, 1915).
También compuso cuatro suites orquestales (The Slovak Radio Symphony Orchestra), música de cámara y piezas cortas para violín y piano [entre ellas la destacable pieza "Orientale" Op. 50 No.9 (Mischa Elman)], violonchelo y piano, miniaturas para violín y piano, cuartetos de cuerda y una gran cantidad de piezas cortas para piano. Se ha dicho que su estilo es más cercano a Robert Schumann y compositores franceses como Gounod que a Mikhail Glinka o cualquiera de sus contemporáneos rusos.
Su primera entrada en listas fue en 1966 formando parte de The Traits, una banda liderada por Roy Head, con una versión de 'Harlem shuffle'. Johnny y Edgar tocaban juntos frecuentemente, pero con el tiempo se hicieron patentes las inclinaciones musicales de cada uno. Edgar tendía más hacia el jazz y Johnny se sentía más cómodo con el blues-rock, por lo que este formó un trío con Tommy Shannon al bajo y John 'Red' Turner a la batería. Firmaron con Sonobeat Records de Austin y se publicó 'The Progressive Blues Experiment' (1968), que sólo tuvo distribución local.
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El mismo Muddy colaboró en el siguiente álbum de Johnny, 'Nothin' But the Blues' (1977), predominantemente acústico, en cuya cubierta Winter escribía: "Me gustaría dedicar este álbum a todos aquellos que disfrutan con mi música de blues y especialmente a Muddy Waters, por inspirarme para ello y ofrecer al mundo toda una vida de gran blues". En 1978 produjo otro trabajo de Waters, 'I'm ready', que asimismo obtuvo el Grammy al mejor álbum de blues..jpg)
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