Toots Thielemans

El 29 de abril de 1922 nació en Bruselas el guitarrista y armonicista belga de jazz y barón Jean-Babtiste Fréderic Isidor 'Toots' Thielemans, Comenzó tocando la guitarra acompañando a Sidney Bechet, Charlie Parker y Miles Davis. En 1962 una composición suya, 'Bluesette', en la que silbaba al unísono con la guitarra, se convirtió en un éxito y en standard del jazz. Gran virtuoso de la armónica, se le puede oir con ella en álbumes de Paul Simon, Billy Joel, Ella Fitzgerald, Elis Regina, Michael Franks, y en bandas sonoras como 'Cowboy de medianoche' o 'French Kiss' y en la serie de TV 'Barrio Sésamo' . Murió en agosto de 2016 a los 94 años.

Merle Haggard

El 6 de abril de 1937 nació en Ouldale (California) el cantautor country Merle Haggard. Al igual que Buck Owens, Haggard junto con su grupo The Strangers ayudó a crear el 'sonido Bakersfield', caracterizado por los punteos inconfundibles de las guitarras Fender, las armonías vocales y el estilo general más tosco, en contrapartida al limpio y pulido sonido Nashville. Desde 1965, fecha de su primer álbum, publicó 76 discos de larga duración y 96 singles, de los cuales, 38 alcanzaron el nº1 en las listas de country.

Su infancia fue difícil y estuvo llena de acontecimientos. Durante la Gran Depresión sus padres se mudaron de Oklahoma a California donde, al cumplir Merle los nueve años, su padre murió de un tumor cerebral. A partir de aquí, el joven Haggard se tornó rebelde e incontrolable por lo que su madre tuvo que enviarlo a varios reformatorios juveniles los cuales no hicieron más que afianzar la rebeldía del joven. Enamorado de la música country, con doce años recibió su primera guitarra de su hermano mayor y aprendió a tocarla inspirado en la música de Bob Wills, Hank Williams y, sobre todo, Lefty Frizell.

San Quentin

Con catorce años ya tocaba profesionalmente junto a un amigo por cinco dólares la noche. En este periodo de principio de los años cincuenta Haggard se vio envuelto en diversos conflictos con la ley ingresando repetidas veces en reformatorios juveniles de los cuales escapó al menos en media docena de ocasiones recorriendo la costa Oeste, buscándose la vida aquí y allá con todo tipo de trabajos. Cuando no estaba metido en problemas se le podía encontrar tocando su guitarra en pequeños clubs. El año 1957 participó con unos amigos en el fallido robo de un bar en Bakersfield. Fue atrapado y enviado a la prisión de San Quentin con una condena de quince años.

Una vez allí, el carácter rebelde de Merle continuó aflorando en el duro ambiente del penal. La cosa no mejoró cuando a los dos años de sentencia se enteró de que su primera esposa, con la que se había casado en 1956, esperaba un hijo de otro hombre. Fue enviado a una celda de aislamiento y tras pasar su 21 cumpleaños conversando y escuchando las reflexiones de un preso condenado a muerte, su actitud cambió radicalmente. Se presentó voluntario a los trabajos más duros, se apuntó a clases de educación elemental, se integró en la banda de la prisión y llegó a conocer personalmente a uno de sus ídolos cuando fue por allí a actuar: Johnny Cash. "No sé si funciona igual con todo el mundo", recordaba Haggard en una entrevista, "pero a mí el sistema penitenciario me hizo más fuerte y mejor persona."

Le concedieron la libertad condicional con 23 años y volvió a Bakersfield, dispuesto a cambiar el rumbo de su vida. La localidad californiana se había convertido para entonces en un importante centro de producción de música country en la costa Oeste americana, recibiendo el título de 'Nashville West' y Merle logró encontrar trabajo como guitarrista en clubs de la zona y Las Vegas. En 1962 conoce a Fuzzy Owen quien se convierte en su mentor y su mánager. Propietario de un pequeño sello descográfico, Tally Records, en 1963 publica los primeros singles de Merle. El segundo en aparecer, 'Sing a sad song' logra entrar en las listas country y el siguiente, '(My friends are gonna be) Strangers' alcanza el top10.

Súbitamente a Haggard se le abrieron todas las puertas de la industria. Capitol Records le ofreció un contrato que el músico sólo aceptó cuando, según sus condiciones, la compañía discográfica adquirió Tally Records y colocó a Owen al frente. Merle formó su propia banda, The Strangers y los éxitos se sucedieron con hits como 'The fugitive', 'Branded man', 'Sing me back home', 'The legend of Bonnie and Clyde', 'Mama tried', 'Hungry eyes' y 'Workin' man blues', todos ellos nº1 en las listas country.

Sus canciones, a menudo autobiográficas, retrataban personajes anónimos de la America rural, trabajadores, perdedores, ex-convictos y víctimas de amores desgraciados y sus fans en fábricas, centros penitenciarios y bares de carretera se contaban por miles. Fue un portavoz relevante de la gran masa de americanos de clase media entre Nueva York y San Francisco. Esa relevancia incluyó una fuerte carga política cuando Haggard publicó sus siguientes temas, los dos millonarios en ventas y nº1 en 1969: 'Okie from Muskogee' y 'The fightin' side of me'.

En ambos tomaba partido frente a las numerosas protestas que surgían por entonces contra la guerra de Vietnam y ponía voz a un americano medio de la 'mayoría silenciosa' que se sentía orgulloso de ser un patriota y despreciaba a los melenudos anti-americanos con sandalias que fumaban marihuana, ingerían LSD y osaban protestar por la guerra de Vietnam. Fue el primer tema de Haggard que lograba entrar en las listas pop nacionales, situándose en el puesto 41.

Aunque Haggard manifestó en alguna ocasión que 'Okie from Muskogee' estaba escrita con un tono irónico, intentando satirizar la rancia ideología de algunos pueblos y ciudades de la America profunda, la canción se convirtió precisamente en un himno para todos ellos: camioneros, granjeros y trabajadores de ideología ultra-conservadora de todo el país, hartos de ver a sus jóvenes manifestándose con flores en el pelo y enarbolando slogans antipatrióticos. Hasta el presidente Richard Nixon alabó el mensaje del cantante. En otras declaraciones, Merle afirmó que escribió los temas como "un apoyo a esos chicos que estaban dando sus vidas por America"

Sus nuevos fans esperaban a continuación que continuara con la línea de canciones patrióticas, pero Merle no se sintió cómodo con su etiqueta de 'cantautor de derechas' y sorprendió volviendo a sus temas tradicionales de perdedores, convictos e inadaptados sociales, como 'Carolyn', 'It's not love', 'I wonder if they ever think of me', 'Everybody had the blues', 'If we make it through december' (su última entrada en las listas pop) y 'Always wanting you', entre otros muchos hits que logró año tras año hasta el final de los años ochenta,

En esa década realizó asimismo una serie de dúos con artistas como Clint Eastwood  ('Bar room buddies'), George Jones ('Yesterday's wine'), Leona Williams ('We're strangers again') y Willie Nelson, con quien logró en 1983 un gran hit con 'Pancho and Lefty'. En 1987, Merle obtuvo, de una larga lista de 39, el último nº1 de su carrera con 'Twinkle, twinkle, lucky star'.

Con un nuevo sello discográfico, Curb Records, publicó en 1990 'Blue Jungle'. Surgieron problemas con la compañía y, a consecuencia de ellos, Haggard permaneció cuatro años sin grabar, tiempo durante el cual sus finanzas iban de mal en peor, declarándose en bancarrota en 1993. Había dilapidado en diez años una fortuna superior a 100 millones de dólares. El año siguiente apareció su segundo álbum en Curb Records, '1994', al que siguió, dos años después, '1996'.

El año 2000 volvió a sorprender firmando con un pequeño sello independiente, Anti Records, una filial de la compañía Epitaph, especializada principalmente en música punk. Haggard explicó su decisión: "Vinieron a mí los de Epitaph ofreciéndome un montón de dinero. Además no querían regrabaciones de viejos éxitos ni querían cambiar 'un solo pelo de mi cabeza'. Cuando has tratado con el tipo de gente que llevo tratando desde hace años y te encuentras gente honesta y decidida como esta, es un auténtico milagro". Su primer álbum con Anti Records fue 'If I Could Only Fly' que fue muy bien recibido, acabando en varias listas de 'lo mejor del año' en medios como Salon y Rolling Stone.

Le siguió 'Roots, Vol 1' en 2001 con versiones de temas de sus primeras influencias Hank Williams, Hank Thomspn y Lefty Frizell, en un intento, al igual que se hizo con Johnny Cash, de acercar al artista a las nuevas generaciones. El año 2004 se apuntó a la corriente de grabar un álbum con temas clásicos del cancionesro pop norteamericano con 'Unforgettable'. Sus últimas entregas bajo el sello Vanguard Records fueron 'I Am What I Am' en 2010 y 'Working in Tennessee' en 2011, que completaron sus 76 álbumes grabados desde 1965. Merle murió el día de su 79 cumpleaños en abril de 2016.

Larry Coryell

El 2 de abril de 1943 nació en Galveston (Texas), el guitarrista de jazz Larry Coryell, uno de los pioneros del jazz-rock y el jazz fusión. La revista Musician lo nombró en el año 2000 uno de los 50 grandes guitarristas vivos y tras publicar durante más de cuarenta años más de 60 álbumes bajo su nombre y tocar en más de una docena de otros trabajos como músico de sesión, Larry, definitivamente se ganó ese honor.

Tras acabar sus estudios en Texas, Larry se trasladó a Nueva York donde el año 1966 se unió al quinteto de Chico Hamilton en el que sustituyó a Gabor Szabo. Los años siguientes tocó con Gary Burton, Herbie Mann y en el grupo pionero de jazz rock The Free Spirits, formado por el saxofonista Jim Pepper. En 1973 funda su propia banda, The Eleventh House, con la que publica hasta 1976 cuatro álbumes y por la que pasaron músicos como Randy Brecker y Alphonse Mouzon.

Tras la disolución del grupo, Coryell tocó principalmente la guitarra acústica, realizando grabaciones con Philip Caterine y Stéphane Grapelli.

Explorando el sonido de las seis cuerdas en una gran variedad de formaciones, ha realizado jazz tradicional, piezas de guitarra clásica, fusión funk-rock, pop ligero y dúos y tríos memorables, como 'The Guitar Trio' formado en 1979 junto con Paco de Lucía y John McLaughlin. Sus adicciones acabaron pasándole factura y en sucesivas actuaciones del trío, Larry fue sustituido por Al Di Meola. Larry siguió tocando la acústica y grabó en 1985 el álbum 'Together' (1985) con Emily Remler.

'Dragon Gate' (1990)

Desde finales de los años ochenta, Coryell volvió a la guitarra eléctrica y grabó álbumes como 'Shining Hour' (1989), 'Dragon Gate' (1990), 'Spaces Revisited' (1997), 'Cause and Effect'  (1998) y 'From the Ashes' (con L. Subramaniam, 1999). Desde entonces ha tocado en diversos formatos de trio como en 'Coryells' (2000), álbum en el que graba por primera vez con sus hijos Julian y Murali, 'Three Guitars' (2003) junto a Badi Assad y John Abercrombie, 'Tricycles' (2004), con Paul Wertico y Mark Egan, ambos de la banda de Pat Metheny, y 'Traffic' (2006), con Victor Bailey y Lenny White. 


El año 2011 puso en marcha el proyecto 'Night of Jazz Guitars' con Philip Catherine y los guitarristas alemanes Andreas Dombert, Paulo Morello y Helmut Kagerer y su trabajo más reciente fue el álbum 'Heavy Feel' (2015).  Falleció el 19 de febrero de 2017 a los 73 años.

Leon Russell

El 2 de abril de 1942 nació en Lawton (Oklahoma) el músico, cantante y compositor norteamericano Leon Russell. Con su particular aspecto personal y su inconfundible sonido, Leon formó parte de la escena musical americana durante más de cincuenta años, trabajando primero como músico de sesión y, a partir de los setenta, establecido como artista, publicó más de 20 álbumes, aunque no dejó de tocar, producir y componer para otros.

Leon comenzó a tocar el piano con cuatro años y asistió a la Will Rogers High School de Tulsa (Oklahoma). Con trece años dominaba también la trompeta y al año siguiente formó su primera banda. Poco después consiguió un trabajo -engañando a todos con su edad- acompañando a Ronnie Hawkins and the Hawks en un night-club local. Su grupo, que incluía a J.J. Cale, Leo Feathers, Chuck Blackwell y Johnny Williams, fue fundamental en la creación del 'sonido Tulsa'.

Antes de cumplir los veinte, Russell se trasladó a Los Angeles, donde trabajó con Phil Spector formando parte del grupo de estudio con el que el célebre y extravagante productor construía su 'muro de sonido'. Muy solicitado como pianista, Leon comenzó a componer canciones y trabajó, como miembro del famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew, con artistas como Herb Alpert, Byrds, Frank Sinatra y Barbra Streisand.

También encontró tiempo para estudiar guitarra con el legendario James Burton. Tocó con Gary Paxton, de los Hollywood Argyles, Bobby 'Boris' Pickett y David Gates, el futuro cantante solista del grupo Bread.

Otro de sus trabajos en los años sesenta fue el de arreglista, siendo autor de los arreglos de temas como 'River deep, mountain high' de Ike and Tina Turner, 'A taste of honey' de Herb Alpert, 'This diamond ring' de Gary Lewis and the Playboys y 'Mr. tambourine man' de los Byrds. En 1967 Leon construyó su propio estudio de grabación y grabó junto al guitarrista Marc Benno el álbum 'Look Inside the Asylum Choir', una divertida e irónica obra psicodélica sin pretensiones llena de referencias al show business. La portada original mostraba la fotografía de un rollo de papel higiénico, que fue sustituida más tarde por una imagen de los músicos.

En 1969 produce y realiza los arreglos del álbum 'Joe Cocker'. Compone un par de temas para el álbum, uno de los cuales, 'Delta lady', estaba escrito para Rita Coolidge, con la que mantuvo una relación. 'Delta lady' es un hit en la voz de Joe Cocker y supone el primer éxito comercial de una composición de Russell. Seguidamente asume junto a Denny Cordell la organización y dirección musical del tour Mad Dogs and Englishmen de Joe Cocker y en él se estrena 'Superstar', un tema coescrito por Leon con Bonnie Bramlett, cantado en el tour por Rita Coolidge. La canción recibiría versiones de Carpenters, Luther Vandross y Sonic Youth, entre otros.

En 1970 Russell y Cordell fundan Shelter Records, sello en el que se publica su primer álbum en solitario, 'Leon Russell', que con temas como 'A song for you', 'Dixie lullaby', 'Hummingbird' y su propia versión de 'Delta lady', logra alcanzar el puesto 60 de las listas.

Su siguiente álbum, publicado a finales del mismo año, fue 'Leon Russell & the Shelter People', que se aupó hasta el puesto 17 y contenía temas originales como 'Home sweet Oklahoma' y 'She smiles like a river', además de cinco versiones de Dylan, entre ellas 'A hard rain's a gonna fall' y 'It takes a lot to laugh'. La carrera de Russel iniciaba el despegue, sin embargo seguía aceptando trabajos como músico de sesión para artistas de primera fila como Rolling Stones, Bob Dylan y Dave Mason. En 1971 fue uno de los invitados al concierto para Bangla Desh en el Madison Square Garden de NYC, en el que compartió escenario con George Harrison, Bob Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr y donde su medley 'Jumpin' jack flash/Youngblood' fue uno de los momentos musicales cumbre del concierto.

Su álbum 'Carney' (1972) fue nº2 y permaneció 35 semanas en las listas. El single que se extrajo, 'Tightrope' (#11), es hasta la fecha el mayor éxito de Leon en las listas pop norteamericanas. El álbum contenía asimismo otro de los grandes temas de Russell, 'This masquerade', que también recibiría memorables versiones de Carpenters y George Benson, el cual alcanzó el Top10 con la suya.

En esa época se publicaron en sello Shelter Records tres álbumes del guitarrista de blues Freddie King en cuya grabación y producción colaboró Russell, ayudando a relanzar la carrera de King. Su siguiente paso fue publicar 'Leon Live', un triple LP grabado frente a 20.000 vociferantes fans en el Long Beach Arena en 1972, que capturó a la perfección los poderosos shows en vivo que acostumbraba a ofrecer el músico de Oklahoma. En 1973 publicó 'Hank Wilson's Back', el primero de una serie de álbumes con temas country que grabaría periódicamente desde entonces, que funcionó bastante bien en los mercados pop y country.

El año siguiente mostró su versatilidad con el álbum 'Stop All That Jazz' (1974), pero esta vez el experimento no obtuvo respuesta en las listas y sus ventas fueron escasas, debido a que el grueso de sus fans echaba de menos el sonido 'clásico' de Russell.

Estos se vieron recompensados en 1975 con 'Will o' the Wisp', un trabajo lleno de los sonidos que sus seguidores asociaban con él. El álbum fue nº30 y produjo singles como 'Bluebird', 'Lady blue' y 'Back to the island'. Ese mismo año, Leon se casó con Mary McCreary. Sus años de matrimonio coincidieron con un bajón creativo, que no arregló la publicación de un par de discretos álbumes junto a su esposa, 'Wedding Album' (1976) y 'Make Love to the Music' (1977).

En 1979 se asoció con Willie Nelson para la grabación de un doble LP con clásicos country, 'One for the road', cuyo single 'Hearbreak hotel', fue nº1 en las listas country. Fue su última aparición en las listas hasta 2010. Continuó haciendo giras durante los años ochenta, acompañando al grupo New Grass Revival y a Edgar Winter. En 1984 publicó 'Hank Wilson Vol2' y 'Solid State' y a continuación permaneció unos años alejado de la música.

Regresó en 1992 con el álbum 'Anything Can Happen', producido por Bruce Hornsby. Su escasa repercusión le llevó a otro periodo de relativa inactividad hasta que a final de la década publicó 'Hank Wilson Vol. 3: A legend in my time' (1998) y 'Face in the Crowd' (1999).
En el nuevo siglo, continuó publicando trabajos, entre ellos el consabido álbum de standards americanos al que parecen abocados todos los rockeros de pro cuando alcanzan cierta edad, 'Moonlight & Love Songs' (2002). En 2007 graba 'Angel in Disguise', con temas originales nuevos como 'Sweet Mimi', 'How can this be love' y 'All through the night', en los que demuestra que sigue en forma.

El año 2009 se reunió con Elton John y Bernie Taupin con el fin de escribir una serie de canciones para el doble álbum 'The Union', acreditado a los dos pianistas. El álbum se publicó en octubre de 2010 y en abril de 2011, Elton y Leon presentaron el disco en TV, embarcándose a continuación en una gira conjunta (The Union Tour). Su última publicación fue el álbum 'Life Journey', aparecido en 2014 y en septiembre de 2015 se reunió con Rita Coolidge, Claudia Lennear, Chris Stainton y otros miembros del tour que realizaron en 1970 Mad Dogs and Englishmen para realizar un concierto en tributo a Joe Cocker. Murió en Nashville el 12 de noviembre de 2016.

David Bowie

El 8 de enero de 1947 nació en  Brixton, Londres el músico, arreglista, cantante, productor y actor David Bowie. quien, en palabras de su biógrafo David Buckley tuvo desde el 'Space Oddity' de 1969 hasta 'Absolute Beginners' de 1986, "una influencia crucial en la cultura popular, retando al núcleo de la música rock de la época".

Comenzó su carrera musical a los quince años, tocando el saxofón en la banda de jazz de Ronnie Scott. En 1964 fundó con compañeros del colegio la banda King Bees, que ese mismo año grabaron el single 'Liza Jane'. Poco después formó parte del grupo londinense Manish Boys, los cuales, en 1965 publicaron el tema 'I pity the fool'. El poco éxito obtenido provoca que se disuelva la banda y David funda el grupo Lower Third, con el que, bajo el nombre David Jones, publica otro single sin éxito. En 1966, David, cansado de que lo confundan con el Dave Jones de los Monkees, se cambia el nombre artístico y adopta el definitivo de David Bowie. Disuelve el grupo y continúa como solista, grabando su primer single con el nuevo nombre, 'Do anything you say'. Tampoco ésta vez consigue ser conocido y tras ser rechazado por Apple Records, en 1969 publica 'Space Oddity', su primer Top10.

Seguidamente atravesó una etapa de experimentación de casi tres tres años, en los que publicó los álbumes 'The Man Who Sold the World' y el magnífico 'Hunky Dory', con temas como 'Life on mars' o 'Changes'.

Resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su sencillo 'Starman' y el álbum 'The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars', con el que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias, considerado el más representativo del glam rock y uno de los mejores álbumes de su carrera, con temas como 'Ziggy stardust', 'Soul love' o 'Rock'n'roll suicide'.

Le siguen los álbumes 'Aladdin Sane' (1973), 'Pin Ups' -un álbum de versiones- y 'Diamond Dogs' (1974) con temas como 'Jean genie' y 'Rebel rebel'. El camaleón Bowie no para de reinventarse y en 1975 publica 'The Young Americans', quizás el álbum más emblemático y de mayor éxito en su carrera. En 1977 sale a la venta 'Low', otro de sus álbumes más influyentes producido en colaboración con Brian Eno, el primero de la 'Trilogía Berlin', en el que experimentaba con un nuevo estilo avant garde, que también impregnaría los dos siguientes trabajos, 'Heroes'  (1977) y 'Lodger' (1979).

Bowie se encuentra en la cúspide. 'Space oddity' es reeditada y Bowie se codea con los más grandes, grabando dúos con John Lennon ('Fame'), Queen ('Under pressure'), Bing Crosby ('Little drummer boy'), Pat Metheny ('This is not America') y Mick Jagger ('Dancing in the street').

Durante los años ochenta sus éxitos se suceden con 'Ashes to ashes' (1980), 'Let's dance', 'China girl' (1983) y 'Absolute beginners' (1986). Entretanto, Bowie siente la llamada del cine y aparece en films como 'Labyrynth', 'Absolute beginners' y 'The Hunger'. Bowie dejó de lado su carrera solista en 1989 para pasar a formar parte de una banda por primera vez desde comienzos de la década de 1970. Surgió el cuarteto de hard rock, Tin Machine, después de que comenzara a experimentar con el guitarrista Reeves Gabrels.

La formación se completó con Tony y Hunt Sales, a quienes conocía desde finales de la década de 1970 por su participación (como baterista y bajista, respectivamente) en el álbum de Iggy Pop de 1977 'Lust For Life'. Aunque intentó que el grupo funcionara como una democracia, Bowie se imponía, tanto en la composición de canciones como en la toma de decisiones. Su álbum debut, 'Tin Machine' (1989) fue inicialmente popular, sosteniendo la crítica y los fans que sonaba mejor que sus últimas entregas en solitario, aunque sus letras politizadas no encontraron aprobación universal. Desde el punto de vista del biógrafo Cristian Standford: "Se necesita valor para denunciar las drogas, el fascismo y la televisión [...] en términos que alcanzaron el nivel literario de un libro de historietas infantil".

Un segundo álbum, 'Tin Machine II', perdió el atractivo de la novedad y fue rápidamente olvidado. En 1992, Bowie, separado de su mujer Angela, se casó con la modelo somalí Iman. Se supone que 'Black Tie White Noise', el álbum de Bowie publicado un año después, era su regalo de aniversario, sin embargo al público en general no pareció interesarle en absoluto.

En las dos últimas décadas Bowie siguió experimentando con todo tipo de estilos, incluyendo el soul blanco, el rock industrial y el drum and bass. En 2002 publicó 'Heathen' bajo producción de Tony Visconti en su nuevo sello ISO Records, asociado con Columbia. El año 2003 apareció 'Reality' y tras la angioplastia de urgencia que hubo que practicarle en 2004 para reparar una arteria bloqueada, canceló todas las giras y se tomó una temporada de descanso, aunque colaboró en dos temas del álbum que Scarlett Johansson publicó en 2008 con versiones de Tom Waits: 'Anywhere I lay my head'. En 2006 David recibió el Grammy por toda su carrera musical.

En enero de 2013, diez años después de 'Reality', Bowie decide volver a los estudios y anuncia el día de su 65 cumpleaños un nuevo álbum, 'The Next Day' que se publicó en marzo de 2013 y supuso el álbum de estudio nº 24 de su discografía. Como adelanto publicó el single 'Where are we now?'. En noviembre de 2014 se publicó el doble CD recopilatorio de grandes éxitos 'Nothing Has Changed' el cual incluía una nueva composición de Bowie, 'Sue (Or a season of crime)', además de algunas rarezas y temas clásicos de su discografía. El 20 de noviembre de 2015 Bowie presentó el primer vídeo de su nuevo álbum, 'Blackstar', publicado el día 8 de enero de 2016, día en el que el cantante cumplía 69 años. El vídeo dura 10 minutos y fue dirigido por Johan Reneck, uno de los realizadores de 'Breaking Bad'.
Bowie murió dos días después tras 18 meses de lucha contra un cáncer que padecía.

En noviembre de 2021 se publicó a modo póstumo un álbum de estudio de Bowie grabado en verano de 2000 que contiene nuevas versiones de antiguos temas grabados entre 1967 y 1971, así como canciones nuevas. Titulado 'Toy', estaba en principio previsto para marzo de 2001. Sin embargo, problemas financieros en EMI/Virgin motivaron su pospuesta lo que causó a su vez, que Bowie abandonara el sello y comenzara a trabajar en el álbum 'Heathen', editado por ISO/Columbia en 2002.

George Martin

El 3 de enero de 1926 nació en Highbury, Londres, Sir George Martin, músico, compositor, orquestador y productor inglés, también llamado el 'quinto Beatle', conocido principalmente por haber sido el responsable de la producción de casi la totalidad de los álbumes de los fab four entre otros muchos proyectos musicales. A lo largo de su carrera produjo una treintena de números 1.

El educado oído de Martin, aunado a su gusto por la música clásica, lo convirtieron en uno de los productores más respetados de todos los tiempos, llevando a los Beatles a niveles creativos insuperables (que incluían arreglos de cuerdas, nuevas técnicas de composición y experimentaciones sonoras con diversos estilos e instrumentos). Además de ser un revolucionario en la técnica, con la ayuda del ingeniero de grabación Geoff Emerick, fue el primer productor en el Reino Unido en utilizar ocho canales de grabación (en dos consolas de cuatro canales cada una) para el disco 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' (1967), obra cumbre de los Beatles.

Además del cuarteto de Liverpool, muchos otros artistas solicitaron sus servicios de producción, como Matt Monro, Cilla Black, America (les produjo cuatro álbumes), Jeff Beck, Ultravox, Kenny Rogers, Shirley Bassey, Cheap Trick, así como McCartney, el beatle con el que mejor se llevaba, al que produjo tres de sus álbumes en solitario, además de los hits 'Ebony and Ivory' y 'Say,say, say'. En 1997 produjo la segunda versión de 'Candle in the wind', dedicada a Lady Di, de Elton John. Fue, sin lugar a dudas, uno de los productores más respetados de la historia de la música popular.

Respecto a lo de 'quinto Beatle', George Martin fue uno de varios que reciben ese título. A Brian Epstein y a Billy Preston también hubo una época en que los llamaron así. Sutcliffe siempre será un 'quinto Beatle', porque entonces eran un quinteto. Pero puestos a dar el título honorífico, yo se lo otorgaría a Martin, porque fue el que más tiempo permaneció junto a ellos y fue el que tuvo más influencia que ninguno de los otros 'quintos' en el sonido y resultado final de la obra de los Beatles. No en vano fue el que supervisó la post-producción de The Beatles Anthology, trabajando de nuevo con Geoff Emerick, utitlizando para las nuevas mezclas de los masters originales el magnetofóno analógico de ocho pistas que se usó en las grabaciones de los años sesenta. Afortunadamente, uno de los ingenieros de EMI aún conservaba el aparato. La experiencia fue sobrecogedora para los implicados en el proyecto, incluidos Martin y McCartney que escucharon sus propias conversaciones entre tomas que se habían registrado treinta años antes.
Martin murió en marzo de 2016 a los 90 años.