Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 14 de junio de 1968 se publicó en EEUU bajo el sello Atlantic el álbum 'In-A-Gadda-Da-Vida', segunda entrega del grupo californiano Iron Butterfly. Es conocido sobre todo por el tema que da nombre al álbum, que ocupaba la segunda cara completa de la edición en vinilo. A fecha de hoy, se han vendido más de veinticinco millones de copias y fue el álbum más vendido de Atlantic hasta la aparición de 'Led Zeppelin IV'.
La canción 'In-a-gadda-da-vida' tiene un gran significado en la historia del rock, ya que, junto a la música de Steppenwolf, Hendrix y Blue Cheer, estuvo considerada entre las que marcaron la época en que la música psicodélica comenzó a formar el heavy metal. Existen diversas versiones de cómo surgió el estrambótico nombre. La más citada cuenta que, Ron Bushy, batería de la banda, preguntó a Doug Ingle cómo se llamaba el tema. Éste -bajo un considerable colocón de ácido- le respondió: "In the garden of eden" (En el jardín del Edén). Bushy escribió en un papel lo que le pareció entender y cuando el productor lo vio, pensó que con la moda de orientalismo indio que habían iniciado los Beatles y los Rolling, el nombre escrito quedaba más místico y comercial, así que permaneció como Ron lo había (mal)entendido.
Se publicó un single al mes siguiente de aparecer el álbum con una versión corta de 'In-a-gadda-da-vida', que alcanzó el nº30 de las listas pop. La pieza de 17 minutos y medio no fue el primer tema que ocupaba toda una cara de un álbum de rock, pero fue uno de los más largos y uno de los de mayor éxito comercial. Asociado en la cultura popular posterior (en películas y series de TV) al LSD y a la cultura psicodélica de finales de los sesenta en California, fue compuesto por el cantante y organista de la banda, Doug Ingle, hijo de un organista de iglesia.
Erik Brann
El guitarrista original de Iron Butterfly había dejado recientemente el grupo, por lo que fue sustituido a última hora por el joven de 16 años Eric Brann, que sólo llevaba tres meses tocando la guitarra, aunque había sido un niño prodigio tocando el violín en un programa infantil de la Orquesta Sinfónica de Boston. Además del órgano al principio del tema, el solo de batería de más de dos minutos que ejecuta Ron Bushy, también llamó poderosamente la atención. El bajista Lee Dorman, quizás el mejor músico de los cuatro, cumple su tarea a la perfección.
La grabación que conocemos, en realidad fue la grabación de un ensayo que realizó la banda mientras esperaba al productor Jim Hilton y para que el ingeniero Don Casale ajustase los niveles de la mesa. El resultado fue tan satisfactorio, que no fue necesario repetir la toma. El resto del álbum, exceptuando 'Termination' son temas menores de pop psicodélico de radiofórmula de la época. 'Most anything you want' se distingue por un soul y un solo inspirado en 'Light my fire' de The Doors y 'Flowers and beds' emplea una armonía etérea para transmitir un cierto aroma a The Rascals. Iron Butterfly era uno de los grupos que estaban previstos para actuar en Woodstock. Cuando iban hacia allá, se quedaron en tierra en un aeropuerto y comunicaron por teléfono a la organización lo sucedido. Estos prometieron enviar un helicópetro que nunca llegó.
El 14 de junio de 1940 nació en Xátiva (Valencia) Emilio Baldoví Menéndez, más conocido como Bruno Lomas pionero del rock español y uno de los más destacados cantantes del género de su país, tanto liderando grupos como en solitario. Sus extravagantes declaraciones sobre los ovnis y su militancia activa en partidos neofascistas y de extrema derecha durante los años ochenta lo convirtieron en un músico 'maldito' de la historia del rock español cuyo talento aún está por descubrir por muchos.
Comenzó su carrera a principio de los sesenta con el grupo Los Milos grabando temas como 'Be bop a lula', 'Zapatos de gamuza azul', 'Rave on' o 'Pitágoras', que no pasan más allá de tener una repercusión regional. Más adelante, cuando cambian el nombre del grupo a los Top Son, abandona la banda y se traslada a París donde graba algunos discos con el nombre Bruno et ses Rockerosy actúa en las principales salas parisinas, incluyendo el Olympia, siendo el primer grupo español que pisa ese escenario.
Ya de vuelta en España, fichan por Regal, un sello subsidiario de EMI y publican tres EP con temas como 'Ahora sé', 'Por ese amor', 'Llanto' o las versiones de 'Its not unusual' (Tom Jones), 'Memphis Tennesee' (Chuck Berry) y 'I know a place' (Petula Clark). En 1965 inicia su carrera en solitario como Bruno Lomas y publica una serie de discos con bastante aceptación, como 'La casa del sol naciente', 'Comprensión' (ambas de The Animals) y temas propios como 'Verano llegó'. Ese mismo año logra el segundo premio en el Festival del Mediterráneo con 'El mensaje'.
En los setenta, tras un último gran éxito en las listas en el verano de 1972 con 'Ven sin temor', vuelve a sus raíces y graba 'El rock de la cárcel' y 'Zapatos de gamuza azul', pero a partir de 1974 su popularidad decae y su actividad musical se limita a actuaciones esporádicas en algunas ciudades españolas. En 1980 realizó una memorable actuación en directo en la sala madrileña Jácara y posteriormente entró en el circuito nostálgico de los cantantes de los años sesenta con su Bruno Lomas Show. Nunca abandonó los escenarios y los sellos discográficos reeditaban sus viejas grabaciones. Su afición a los coches deportivos propició el enésimo accidente a bordo de su Mercedes 250 un dia de agosto de 1990 que esta vez resultó mortal. Bruno tenía 50 años y se dirigía a cantar una noche más...
El 13 de junio de 1975 se publicó en Estados Unidos 'Red Octopus', el décimo álbum de estudio del grupo californiano Jefferson Starship, el cual, en sus diez años de historia, había sufrido varios cambios de formación, un cambio de nombre y, desde 1966, había publicado nueve álbumes. Pero ninguno de ellos había alcanzado el nº1. El mes de febrero de 1975, Jefferson Starship entró en los estudios Wally Heider de San Francisco para grabar el nuevo trabajo.
Formados a principios de 1965 en San Francisco, el grupo, entonces denominado Jefferson Airplane, fue uno de los pioneros de la escena psicodélica de Haight-Ashbury. Su primer álbum, 'Jefferson Airplane Takes Off' no pasó del puesto 128, pero la suerte de la banda cambió cuando entró en sus filas la cantante Grace Slick. 'Surrealistic Pillow', publicado en 1967 alcanzó el nº3, gracias a los hits 'Somebody to love' y 'White rabbit'. Les tomaría una década igualar esa marca.
En 1974 la formación original había cambiado y también el nombre, actualizando el aeroplano original por una nave espacial. Se incorporó el guitarra solista de 19 años Craig Chaquico, que había pertenecido a la banda Steelwind. Marty Balin, uno de los miembros originales que había abandonado el grupo, volvió a sus filas para grabar el álbum, así como el guitarrista y co-fundador Paul Kantner. Otros miembros incluyeron al violinista de 58 años Papa John Creach, los bajistas y teclistas Pete Sears y David Freiberg y el batería Johnny Barbata. Craig Chaquito recuerda: "Por fin había un 'feeling' de grupo, porque éramos una gran banda".
Craig Chaquico
Aunque muchos acusaron a los Starship de volverse comerciales en 'Red Octopus', Chaquico asegura que no fue su intención: "La música salió únicamente de la intuición e inspiración creativa de todos nosotros. Nadie pensó ni por un segundo en las listas de ventas, ni quisimos grabar un álbum lleno de hits para el Top40". Lo cierto es que el tema más accesible o comercial del álbum, 'Miracles', duraba cerca de siete minutos. "Tras publicar el álbum el productor y nosotros decidimos editar una versión más corta para el single"
La edición recortada a tres minutos y medio alcanzó el nº3 de las listas Billboard, su mayor éxito hasta entonces. Al tema también se le suprimieron partes excesivamente explícitas de la letra, que posiblemente hubieran supuesto un problema a la hora de emitir el tema por las FMs.
El hecho de que el grupo tenía varios autores cuyas procedencias eran bastante heterogéneas se reflejó en el contenido del álbum. Chaquico explica: "Los estilos abarcan desde mis raíces de hard-rock y los orígenes folk de Marty, hasta el estilo personal de Grace y Paul".
Marty Balin
Red Octopus contiene dos temas instrumentales, 'Git fiddler' y 'Sandalphon'. Un tercer tema, 'Sweeter than honey', fue originalmente un instrumental. "Cuando tocamos esta canción por primera vez en un show benéfico de San Francisco, a Marty le pilló un atasco de tráfico, así que tuvimos que subir al escenario sin él. Comenzamos a tocar 'Sweeter than honey' y a los pocos minutos apareció Marty en escena y cantó la letra que acababa de escribir"
Grace Slick
Aunque grabaron el álbum en aproximadamente tres meses, los toques finales se hicieron mientras la banda estaba de gira. "Habíamos firmado ya varias fechas así que tuvimos que terminar las mezclas entre concierto y concierto".
El álbum alcanzó el puesto de honor de las listas de LPs 3 veces en el curso de 12 semanas, pero Chaquico no pudo participar en los festejos. "El día que alcanzó el nº1 estabamos en la carretera de gira, y aún no tenía la edad para celebrarlo en el bar del hotel"
De pie: Marty Balin, Paul Kantner, Craig Chaquico y David Freiberg Sentados: Grace Slick, Pete Sears, Papa John Creach y John Barbata.
Grace Slick – Voz, piano Paul Kantner – Voz, guitarra rítmica Marty Balin – voz John Barbata – batería, percusión, coros Craig Chaquico – guitarra solista, coros Papa John Creach – violín eléctrico Pete Sears – bajo, piano eléctrico, órgano, teclados, coros
El 13 de junio de 1979 se publicó en EEUU, 'Candy-O', el segundo álbum del grupo The Cars. De nuevo con el británico Roy Thomas Baker a la producción, Ric Ocasek y sus colegas produjeron una continuación de su exitoso disco debut, demostrando que en él no lo habían dicho todo.
En el Reino Unido la new wave había sustituido al punk, que era donde los Cars habían encontrado su espacio natural en los primeros instantes de su carrera. No obstante, en Estados Unidos, eran considerados un grupo a la última, incluso 'difícil'. Esto no impidió que el álbum alcanzara el nº3 de las listas. Temas como 'Lets' go', el primer sencillo del disco, que alcanzó el nº 14 en el Top100 americano, su mejor puesto hasta entonces, y la más tranquila 'It's all I can do', muestran claramente el gran nivel del grupo. A la misma altura está 'Dangerous Type', un tributo a T. Rex.
Pero ninguno de los otros temas, sin tener la calidad de los mencionados, pueden considerarse material de relleno, como las rockeras 'Got a lot of my head' y 'Night spots', o 'Since I held you', donde muestran su faceta tierna y los redondos temas de pop moderno 'Double life' y 'Lust for kicks'. Al contrario que otras muchas bandas contemporáneas, The Cars no eran 'one hit wonders', como seguirían demostrando con sus posteriores trabajos.
Benjamin Orr – bajo, voz solista en los temas 1, 3, 6 y 8
David Robinson – batería, percusión
La ilustración de la portada fue realizada por Alberto Vargas, famoso dibujante de pin-ups en los años cuarenta y cincuenta, que a sus 83 años, estaba retirado. Fue su nieta, gran aficionada a The Cars, quien convenció a Vargas para que aceptara el trabajo. En su momento generó muchas críticas por considerarla sexista. La modelo, Candy Moore, que fue pareja del batería y director de arte de la banda David Robinson, posó sobre un Ferrari para tomar la fotografía que sirvió de modelo a Vargas.
El 11 de junio de 1864 nació en Munich el destacado compositor y director de orquesta alemán Richard Strauss cuya larga trayectoria abarca desde el Romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado.
Hijo de Franz Strauss, intérprete solista de trompa en la Ópera de la Corte de Múnich empezó a aprender música a los cuatro años de edad y a los siete, escribía sus primeras composiciones. En 1875 tomó sus primeras lecciones de composición de W. Meyer. Sus primeros gustos musicales fueron orientados por su padre, enemigo implacable del wagnerismo, corriente a la que oponía el formalismo de Mozart, Haydn y Mendelssohn. Influido por su progenitor, el joven Strauss, a sus dieciséis años, llegó a decir: "Dentro de diez años nadie sabrá quién es Wagner". Esta circunstancia, pura anécdota, no deja de ser curiosa si tenemos en cuenta el posterior devenir de los acontecimientos, con la evolución de la obra straussiana hacia el wagnerismo.
Desde 1874 a 1882 cursó la segunda enseñanza y luego se matriculó en la Universidad. Hans von Bülow le llamó en 1885 para colaborar con él en la dirección del teatro de corte de Meiningen. Allí trabó amistad con Alexander Ritter, que ejerció una influencia decisiva en el joven músico y le convirtió al arte de Liszt y de Wagner. En 1886, después de un viaje a Italia, Strauss fue nombrado director adjunto de la ópera de Munich. Durante aquellos años compuso numerosos lieder y los poemas sinfónicos “Macbeth” y “Don Juan” (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan). El éxito de su poema sinfónico Don Juan en 1888, consagró a Strauss como uno de los compositores más importantes del momento, con gran prestigio a nivel internacional, y que habría de acompañarle hasta su muerte.
De 1889 a 1894 fue director de orquesta en el teatro de Weimar; de esta época datan el poema sinfónico “Muerte y transfiguración” y su primera obra teatral: “Guntram”. Después de viajar por Grecia, Egipto y Sicilia (1892-93), Strauss fue sucesivamente director de la Ópera de Munich y de la de Berlín (1898-1919). Sus notables poemas sinfónicos ya le habían dado celebridad cuando afirmó con “Salomé” Danza de los 7 velos (The Royal Opera House Orchest) su concepción sinfónica de la obra teatral, que ilustró con producciones posteriores. Strauss, que como director de orquesta triunfó en las grandes capitales del mundo entero, fue codirector de la ópera de Viena desde 1919 a 1924.
El día que Hitler se suicidó, el 30 de abril de 1945, los oficiales del ejército alemán comprendieron que la guerra estaba perdida y algunos comandantes de puesto adoptaron medidas desesperadas que terminaron en auténticas tragedias.
Strauss en 1938
Afortunadamente, el oficial alemán responsable de Garmisch-Partenkirchen, una pequeña localidad en los Alpes bávaros, ante la amenaza de los aliados de devastar el pueblo mediante intensos bombardeos, se rindió. De este modo salvó la vida de todos los vecinos de Garmisch, incluido Richard Strauss. Ese mismo día un destacamento del ejército norteamericano entró en el recinto de la residencia de Strauss, con la intención de convertirla en el puesto de mando aliado.
Residencia Strauss en Garmisch
Cuando el oficial al mando, el teniente Milton Weiss, penetró la casa, un anciano le salió al encuentro y dijo en inglés, mientras buscaba señales amistosas en el rostro del oficial: "Soy Richard Strauss, el compositor de El Caballero de la Rosa y Salome". Weiss, que había tocado el piano profesionalmente en Hoteles y Resorts americanos, reconoció el nombre, inclinó respetuosamente la cabeza y decidió instalar el puesto de mando en otro lugar.
Strauss en 1949
Unas horas más tarde, un escuadrón de jeeps penetró en el recinto de la residencia Strauss, esta vez comandados por el mayor John Kramers, de la 103 división de infantería. Kramers comunicó a la familia que disponían de 15 minutos para desalojar la casa. Strauss entonces exhibió ante el mayor unos documentos que le declaraban Ciudadano de Honor de la ciudad norteamericana Morgantown, en Virginia Occidental, junto a los manuscritos de la partitura de El Caballero de la Rosa (escena final). "Soy Richard Strauss, el compositor". El rostro del mayor se iluminó. Él mismo era un gran admirador del maestro. Mandó retirar los jeeps y no le volvieron a molestar más. Los días que siguieron, Strauss tuvo que posar para los fotógrafos, interpretar los valses del Caballero de la Rosa al piano y sonreír pacientemente cuando los soldados americanos inspeccionaban el busto de Beethoven que Strauss tenía en su estudio preguntando quién demonios era. "Si me vuelven a preguntar" -murmuraba- "les pienso decir que es el padre de Hitler". Pasó sus últimos años en Garmisch, donde murió en septiembre de 1949 a los 85 años.
La obra de Strauss puede dividirse en tres períodos. Las composiciones del primero (1880-1887), raramente interpretadas actualmente, muestran una gran influencia de los maestros clásicos y románticos y son de una gran perfección. Entre ellas pueden citarse:
En su segundo periodo (1887-1904), en el que consiguió una gran maestría en el arte de la orquestación, Strauss creó una serie de obras que figuran en el repertorio habitual. Perfeccionó el poema sinfónico y utilizó el sistema del leitmotiv (uso de temas recurrentes con asociaciones extramusicales específicas) que había sido desarrollado principalmente por el compositor alemán Richard Wagner. También introdujo innovaciones de tipo armónico y de instrumentación, ampliando así las posibilidades expresivas de la orquesta sinfónica moderna.
Al tercer periodo (1904-1949) pertenecen sus óperas, consideradas entre las más importantes del siglo XX. A raíz del éxito de la primera, “Salomé” (1905), Strauss se asoció con el poeta y libretista austriaco Hugo von Hofmannsthal, con el que produjo sus mejores óperas como
- “Elektra” (1909) (Vienna Philharmonic & director Karl Bohm , Leonie Rysanek, Elektra)
- “El caballero de la rosa” (1911)
-“Ariadna de Naxos” (1912, revisada en 1916) (Cecilia Bartoli)
- “La mujer sin sombra” (1919), III “Vater, bist du's?” (Cheryl Studer, la Emperatriz, Wiener Philharmoniker & Sir Georg Solti)
- “Elena egipcia” (1928)
- “Arabella” (1933).
A la muerte de Hofmannsthal, Strauss siguió escribiendo óperas con otros libretistas, aunque con menor éxito; entre ellas pueden citarse
- “La mujer silenciosa” (1935)
- “Daphne” (1938) Estudio en Sol, Andante (Ernő Sebestyén, violín)
Strauss también compuso más de 100 canciones, ballets y obras sinfónicas:
- “Dedicatoria” (1882-1883) (Christianne Stotijn, mezzo-soprano & Joseph Breinl, piano) que forma parte de una colección de canciones que Strauss compuso especialmente para Pauline de Ahna, su prometida, como un obsequio el día de su casamiento.
- “Mañana” (1893-1894) (Soprano: Jessye Norman)
- “Sinfonía doméstica” (1904) 2/5 (The Philadelphia Orchestra)
- “Leyenda de José”(1914)
Cuando Richard Strauss compuso “Las Cuatro Últimas Canciones” (1948) (Renée Fleming) tenía 84 años. En un comienzo no fueron escritas como un ciclo, sino que fue el editor de Strauss, Ernst Roth, quien las arregló en una secuencia que parece asimilarse con el transcurrir de una vida.
De tal manera que el orden quedó conformado por: “Primavera”, “Septiembre”, “A dormir” y “En el crepúsculo” (Jessye Norman - soprano & Gewandhausorchester Leipzig) . Las tres primeras canciones están basadas en poemas del novelista y poeta alemán Hermann Hesse y la última, en el poema del alemán Joseph Eichendorff.
El 11 de junio de 1910 nació en Nueva York el compositor, director musical y actor ocasional Carmine Coppola. Estudió en la Juilliard School y posteriormente en la Manhattan School of Music.
Durante los años 40, Coppola trabajó en la Orquesta Sinfónica de la NBC bajo las órdenes de Arturo Toscanini, hasta que en 1951 abandonó la orquesta para dedicarse a la composición. A partir de entonces, trabajó como director de orquesta en Broadway mientras trabajaba con su hijo Francis en películas como "El valle del arco iris" (1968). Años más tarde, éste le pediría que compusiera la música para la película "El padrino. Parte II", junto al también compositor Nino Rota. Por esta banda sonora consiguieron el Premio de la Academia a la mejor banda sonora en el año 1974.
Después de su Oscar, también compuso la banda sonora de la película 'Apocalypse Now' (1979), por la que gano el Globo de Oro a la mejor banda sonora. Su composición combina efectos de sonido con música de sintetizadores, lo cual ayudó a crear ese ambiente opresivo y claustrofóbico que contrasta con el hecho de que la película fue filmada en espacios abiertos. Se pretendía expresar el caos interior de los personajes a través de la partitura. Asímismo compuso las 3 horas y media de la banda sonora de la versión de la película "Napoleón", que realizó el director Abel Gance en 1921, y que versionó su hijo en 1981.
Se publicó un single al mes siguiente de aparecer el álbum con una versión corta de 'In-a-gadda-da-vida', que alcanzó el nº30 de las listas pop. La pieza de 17 minutos y medio no fue el primer tema que ocupaba toda una cara de un álbum de rock, pero fue uno de los más largos y uno de los de mayor éxito comercial. Asociado en la cultura popular posterior (en películas y series de TV) al LSD y a la cultura psicodélica de finales de los sesenta en California, fue compuesto por el cantante y organista de la banda, Doug Ingle, hijo de un organista de iglesia.
