Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 10 de julio de 1907 nació en Wadesboro (Carolina del Norte) el guitarrista y cantante blues Blind Boy Fuller, uno de los representantes más conocidos del Piedmont blues. Entre 1935 y 1940 grabó 135 piezas que de una u otra manera se fueron haciendo un hueco en los repertorios de numerosos bluesmen anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Aunque la mayoría de sus temas procedían del blues y folk tradicionales, su personal estilo de fingerpicking influyó a músicos como Brownie McGhee, a quien los primeros años de su carrera, llamaban Blind Boy Fuller II.
Pese a su posterior apodo artístico, Fulton Allen nació sin problemas de visión y asistió a la escuela elemental. Tras morir su madre, su padre llevó a la familia a Rockingham (Carolina del Norte) donde Fulton aprendería sus primeros pasos con una guitarra. En 1926 se casó con Cora Mae Martin, que contaba entonces catorce años de edad y poco después, Fuller comenzó a sentir que perdía la visión. Según el investigador Bruce Bastin, "acudió a un doctor que le dijo que tenía úlceras tras los ojos", aunque hay otras versiones que hablan de que su mujer, en un ataque de celos echó lejía en el agua que Fuller iba a usar para lavarse la cara... En 1928 ya estaba completamente ciego y decidió dedicarse enteramente a la música. Estudió detenidamente las grabaciones de Blind Blake y en poco tiempo adquirió gran destreza con el fingerpicking y el slide.
Winston-Salem en los años treinta
Se trasladó a Winston-Salem, una ciudad productora de tabaco donde realizó sus primeras actuaciones ´tocando para los obreros que le echaban algo de dinero a la salida de las fábricas. Tanto la calle 11 como la esquina de la calle 7 con Patterson se hicieron famosas entre los músicos de blues que recogían por allí algunos centavos. Por desgracia, un decreto del ayuntamiento terminó pronto con estas actuaciones callejeras, por lo que Fulton y sus compañeros se trasladaron a Greensboro, Graham, Burlington y Hillsboro, localidades situadas todas ellas a lo largo de la autopista 70.
Blind Gary Davis
Algo más tarde se instaló en Durham, también conocida como 'Bull City', donde rápidamente se convirtió en una figura muy popular en Pettigrew Street y en las fábricas y almacenes de tabaco cercanos. Allí se reunió con músicos como el guitarrista y tocador de washboardGeorge Washington y un guitarrista ciego nacido en Carolina del Sur llamado Gary Davis (Reverend 'Blind Gary Davis). Un brillante estilista del fingerpicking, Davis se convirtió en el instructor de Fulton. Otro de los músicos de aquel círculo era un joven armonicista, ciego también, llamado Sonny Terry, con quien Fuller grabaría varios discos.
Blind Boy Fuller
En 1935, a un joven cazatalentos que trabajaba en una cadena de tiendas de discos, James Baxter Long, se le encargó dirigir una sucursal en Durham donde, intentando promocionar su mercancía en los almacenes de tabaco, descubrió a Fulton. En julio de ese mismo año, Fulton Allen, Gary Davis y George Washington viajaron a Nueva York con Long, y allí los músicos grabaron varios temas para el grupo del sello ARC, entre elllos, piezas en solitario como 'I'm a rattlesankin' daddy' y otras como el tradicional 'Rag, mama, rag' en el que Fulton está acompañado de Gary Davis a la guitarra y Washington al washboard. A la hora de promocionar sus discos, decidieron elegir un nombre más apropiado y eligieron Blind Boy añadiendo una contracción de su nombre y apellido, Fuller. George Washington por su parte, al que por su condición de albino todo el mundo conocía por 'Red', recibió el apodo de 'Bull City Red'
En abril del año siguiente, Long, que se convertiría en el mánager y agente de Fuller, organizó una nueva sesión para el músico, ya conocido como Blind Boy Fuller, durante la cual el cantante grabó diez piezas solo con su guitarra. Seguirían otras sesiones en febrero de 1937 acompañado de Washington y el guitarrista Floyd Council. Seguidamente, contratado por Decca, grabó temas con Sonny Terry, como 'Bye bye baby blues'.
Fuller tocaba una guitarra 'National' con caja de acero, provista de un diafragma metálico a modo de amplificador que, por su potencia y por la consistencia de su sonido era, de hecho, el instrumento preferido de los músicos callejeros.
La configuración menuda y el aspecto cuidado de Fuller contrastaban bastante con la fuerza de su guitarra y su voz. Fue una figura respetada y popular que atrajo en torno suyo a numerosos músicos. Aunque su estilo a la guitarra recordaba a su modelo, Blind Blake, sus canciones no tenían nada que ver con la melancolía característica de Blake. Sus canciones eran llanas y prosaicas y algunos de sus blues se basaban en temas escabrosos o indecentes como 'What's that smells like fish?' o 'Get your yas yas out'; otros, en anécdotas de la vida cotidiana, y otros, en temas tradicionales, como 'Jitterbug rag' con su enérgica instrumentación.
Criticado años más tarde por historiadores del blues por ser un músico poco original, sin embargo la capacidad de Fuller para fusionar elementos de otras canciones tradicionales y contemporáneas y reconvertirlas en sus propios temas logró atraer una gran audiencia que se rendían ante sus sencillos acompañamiento de guitarra y su talentosa voz.
En 1938, Fuller fue encarcelado por disparar a su mujer con un arma de fuego. El historiador William Barlow lo describía como "un hombre diminuto con una cara amable y una sonrisa seductora, pero también poseía un temperamento violento y explosivo. Vestía con elegancia y solía llevar un 38 encima, el cual usó en cierta ocasión para amenazar a su agente, J.B. Long. En otra, efectivamente disparó a su mujer, hiriéndola en una pierna." Ésta se negó a testificar en su contra en el juicio, por lo que Fuller no fue condenado y fue liberado. Su experiencia tras las rejas se reflejó en la canción autobiográfica 'Big house bound', grabada con Sonny Terry.
Sus dos últimas sesiones tuvieron lugar en Nueva York en 1940. Una de ellas produjo el hit 'Step it and go', basado en otro tema 'Bottle up and go' que popularizó un cantante y guitarrista de Misssissippi, Tommy McClennan.
A pesar de ser uno de los bluesmen callejeros más vendedores en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, Fuller recibió poca recompensa por su música. Sufría de insuficiencia renal a causa de su abuso de alcohol y se vio obligado a recibir atención clínica. Rehusó seguir en el hospital y pasó sus últimos días atendido por su mujer Cora Mae en su casa, donde murió el 13 de febrero de 1941.
Sus compañeros tardaron en recuperarse del golpe. Fuller había creado una auténtica escuela y fueron muchos los músicos que se inspiraron en su estilo (Floyd Council, Ralph Willis, Richard Trice, Sonny Jones). Por su parte, J.B. Long sintió la pérdida del músico fallecido en términos tan comerciales, que llegó a imponer a Brownie McGhee el seudónimo de 'Blind Boy Fuller # 2'. McGhee, que se acompañaba por aquel entonces con la 'National' de Fuller, dedicó a la memoria de su compañero y mentor un tema titulado 'The death of Blind Boy Fuller' para el sello Okeh.
El 10 de julio de 1964 se publicó en el Reino Unido el tercer álbum de The Beatles, 'A Hard Day's Night' en sus dos versiones, mono (PMC1230) y stereo (PCS3058). El primer disco en el que todas la composiciones procedían de Lennon & McCartney tardó cinco días en llegar al nº1 de las listas inglesas, donde permaneció 21 semanas, hasta que fue desplazado por el siguiente álbum de los Fab Four, 'Beatles for Sale'.
The Beatles, protagonistas de su primera película
De regreso de su gira triunfal por EEUU, los Beatles se enfrentaron a un nuevo plazo para producir otro álbum, ésta vez ligado a una película. Ello requería la inmediata grabación de algunas canciones para la banda sonora, a lo que seguiría el rodaje de la película y más grabaciones para completar el álbum. A pesar de la dureza del programa, los Beatles todavía encontraron tiempo para unas cuantas actuaciones en directo y varias apariciones en radio y TV.
Las canciones fueron grabadas básicamente en dos lotes: las canciones de la película, del 25 de febrero al 1 de marzo, y la mayor parte del resto el 1 y 2 de junio. Tras una maratoniana sesión, la mañana del 3 de junio, Ringo Starr sufrió un colapso y fue hospitalizado por agotamiento. Dado de alta el 11 de junio, se perdió actuaciones en Dinamarca, Holanda, Hong Kong y Australia, shows en los que le sustituyó Jimmy Nicol.
Fue editada en single el mismo día que el álbum y alcanzó rápidamente el nº1 permaneciendo cuatro semanas.
John Lennon:"Iba a casa en el coche y Dick Lester sugirió el título para la película 'Hard Day's Night' a partir de algo que había dicho Ringo, uno de esos comentarios espontáneos e incongruentes tan habituales en él, y no lo decía para hacerse el gracioso, sino que lo decía completamente en serio. Así que Dick dijo que ese iba a ser el título y a la mañana siguiente traje la canción. En aquella época Paul y yo competíamos a ver quien se llevaba la cara A de los singles de éxito".
Lennon:"Fue mi primer intento de hacer una balada digna. Fue la precursora de 'In my life'. Tiene la misma secuencia de acordes: Re, Si menor y Mi menor. Además es semiautobiográfica, aunque no conscientemente".
Lennon: "Esta fue escrita para George, para meterle más en el rollo... Yo no hubiera podido cantarla".
El primer día de rodaje de la película (2 de marzo de 1964), George conoció a Patti Boyd, una de las chicas de figuración.
-'And I love her' [Autores: Paul McCartney (65%) y John Lennon (35%)]
Lennon:"La primera mitad es de Paul y los ocho compases del centro son míos"
Lennon:"Es completamente de Paul. Quizás tuve algo que ver en el estribillo, pero no lo sé. Siempre la consideré suya"
McCartney:"Nos sentimos muy orgullosos porque Ella Fitzgerald hizo una versión de 'Can't buy me love', aunque en aquel momento no supimos apreciar la importancia que tenía" (Ella hizo una versión de la canción ese mismo año que obtuvo un éxito discreto) George Martin:"La primera vez que la cantaron la empezaban con la estrofa, pero yo dije: 'Tiene que haber una introducción, algo que capte la atención inmediatamente, un gancho. Así que vamos a empezar con el estribillo'"
'Can't buy me love' se utilizó para una escena fundamental de 'A Hard Day's Night'. En las primeras escenas el director Richard Lester había fomentado la sensación de confinamiento rodando la mayoría de escenas en espacios cerrados. (La idea había surgido cuando Lennon, respondiendo una pregunta de Lester sobre si le había gustado una reciente gira por Suecia, dijo: "Fue una habitación, otra habitación, un coche, una habitación, otra habitación, otro coche...") La película seguía hasta el punto en que los Beatles se rebelan y escapan. Richard Lester:"Les vemos escapar. Necesitábamos un ejemplo visual de esa escapada. De pronto la película se dispara y ahí es donde entra 'Can't Buy Me Love'"
Lennon:"La escribí para la película pero Dick Lester no la quiso. En su lugar resucitó 'Can't buy me love' para aquella secuencia. Sin embargo, me gustan los ocho compases centrales del tema"
Lennon:"Ese soy yo haciendo de Wilson Pickett de nuevo"
En esta grabación, George usó por primera vez una guitarra de doce cuerdas en una grabación de Beatles y tuvo su estreno el 24 de mayo de 1964 en el show televisado de Ed Sullivan.
Lennon: "Una melodía bonita, aunque la parte central va un poco a destiempo. Fue una de mis primeras favoritas"
El mismo día de la aparición del álbum, los Beatles acudieron a una conferencia de prensa en Liverpool. Allí fueron recibidos por una gran multitud, que les escoltó hasta el ayuntameinto, donde fueron recibidos por el alcalde. Esa misma noche acudieron al estreno de la película en Liverpool, film que ya había tenido su estreno mundial en el London Pavillion de Londres, al que asistieron la princesa Margarita y Lord Snowdon.
El alcalde de Liverpool y los Beatles saludan al gentío desde el balcón del ayuntamiento
El 9 de julio de 1947 nació en Ealing, Middlesex, el músico inglés Mitch Mitchell, conocido por su trabajo como baterista en el grupo The Jimi Hendrix Experience (1966-1970). Su personal estilo con el instrumento, con fuertes influencias jazz, contribuyó a redefinir el papel de la batería en el rock.
Fue elegido entre otros muchos bateristas para el puesto en The Experience. Al final de la selección quedaban Ainsley Dunbar y él. La decisión la tomó una moneda lanzada al aire y su papel fue fundamental en temas como 'Manic depression', 'Stepping stone', 'Little miss Strange', 'Voodoo chile', 'Fire' y 'Third stone from the sun'. En los ochenta y noventa continuó activo colaborando con varios artistas y como músico de sesión.
En noviembre 2008 participó en una gira homenaje a Hendrix junto a músicos de Los Lobos, Buddy Guy, Johnny Lang y Eric Johnson.
Una semana después de terminar la gira, el 12 de noviembre, su fuerte adicción al alcohol había debilitado en gran medida la salud del último superviviente de Jimi Hendrix Experience y Mitchell murió a los 61 años mientras dormía en un hotel de Portland.
El 9 de julio de 1946 nació Bon Scott, el segundo cantante que tuvo el grupo australiano AC/DC y que permaneció con ellos desde 1974 hasta su muerte en 1980. Scott había probado fortuna en los sesenta tocando la batería en bandas propias, pero fracaso tras fracaso le llevó a trabajar de chófer en 1974 con la banda AC/DC que buscaba desesperadamente a un sustituto de Dave Evans.
Se fijaron en Scott -era un magnífico vocalista con experiencia de otros grupos como Fraternity y Valentines- y comenzó la escalada a la fama internacional a través de cinco álbumes con temas eternos del rock como 'High voltage', 'Jailbreak' o 'Highway to hell'. Desgraciadamente no saboreó las mieles del éxito espectacular que le sobrevino al grupo en los ochenta convirtiéndose en una de las bandas de rock más importantes de su generación. Una noche de febrero de 1980, Bon Scott se encontraba en su coche durmiendo la mona tras un concierto y se ahogó en su propio vómito. Tenía 33 años.
El 9 de julio de 1929 nació en Manford (Oklahoma) el cantante y compositor de country y pop Lee Hazlewood, conocido por su labor como productor con el guitarrista Duane Eddy en los cincuenta y más tarde con la cantante Nancy Sinatra, con la que grabó canciones esenciales del pop de los sesenta.
Campo de petrñoleo en los años 20
El padre de Lee era un empresario independiente que se dedicaba a la extracción de petróleo, por lo que su infancia transcurrió entre Oklahoma, Arkansas, Kansas y Louisiana, donde creció escuchando principalmente música bluegrass. En su adolescencia residió en Port Neches (Texas) y en la escuela tocaba los instrumentos de percusión. Asistió brevemente a la Universidad Metodista del Sur de Dallas, antes de ser llamado a filas. Trabajó para la emisora de la Fuerzas Armadas en Japón y sirvió en el frente de Corea. Tras su licencia del ejército, Lee Hazlewwod se estableció en 1953 como disc-jockey en Arizona mientras perfeccionaba sus habilidades componiendo canciones. Entre sus oyentes se encontraba un joven adolescente llamado Duane Eddy. Ambos se hicieron amigos y comenzaron a componer juntos, reclutando al pianista James 'Jimmy Dell' Delbridge para actuar como trío de country.
Eddy, Casey, Hazlewood y Clark
En 1955 Hazlewood se trasladó a la KRUX de Phoenix, donde fue el primer DJ en emitir un tema de Elvis Presley y otros pertenecientes al nuevo estilo llamado 'rock'n'roll'. Junto con Eddy y otro músico rockabilly llamado Sanford Clark fundó el sello discográfico Viv, en el que se publica el primer hit de Lee como autor y productor, 'The fool', interpretado por Clark. Entre los músicos de sesión que reunió Lee para la grabación se encontraban Al Casey, Steve Douglas, Jim Horn y Larry Knechtel, los cuales serían conocidos más tarde como miembros de The Wrecking Crew, un grupo de músicos de Los Angeles muy demandado en las grabaciones de los años sesenta y setenta.
Lester Still con Eddy y Hazlewood
En 1957 entró a formar parte del staff de productores de Dot Records. Allí conoció a Lester Still y a Dick Clark, el presentador del programa American Bandstand. Los tres fundan Jamie Records, sello en el que publican una serie de hits instrumentales de Duane Eddy, como 'Rebel rouser', 'Cannonball' y 'Shazam!', que, gracias a las innovaciones técnicas y experimentos sonoros de Hazlewood, resultaron fundamentales en la construcción del rock en los años sesenta. Entre otras cosas, hizo instalar junto al estudio de grabación un silo vacío en el que introdujo unos altavoces y un micrófono para conseguir un nuevo efecto de eco.
Uno de los jóvenes que no perdió detalle de las técnicas de grabación y las labores de producción de Hazlewood fue Phil Spector, que en 1961 se estrenó produciendo a las Paris Sisters para Lester Still. En 1963 Lee, que no conseguía más éxitos como productor, publica un álbum con temas compuestos, producidos y cantados por él, 'Trouble is a Lonesome Town' y, a continuación, sopesó dejar el negocio musical, por cómo afectó a la industria discográfica estadounidense la 'invasión' de grupos británicos de mediados de los años sesenta.
'The Very Special World of Lee Hazlewood'
En 1967 MCA Records le ofreció a Lee la posibilidad de fundar un nuevo sello. Bajo LHI Records, Hazlewood publicó allí -según la gran mayoría de críticos- sus mejores trabajos en solitario: 'The Very Special World of Lee Hazlewood' (1966) y 'Lee Hazlewood-ism: It's Cause and Cure' (1967). Cuando Hazlewood volvió a considerar la idea de retirarse, una joven llamada Nancy Sinatra entró en su oficina. La hija de Frank llevaba cuatro años en vano intentando conseguir un hit en Reprise Records. El resultado de este encuentro fue a todas luces satisfactorio y generó numerosos éxitos en las listas los siguientes cinco años.
Como dúo, grabaron 'Summer wine', 'Jackson' (1967) y 'Some velvet morning' (1968) y Lee también produjo el dúo de Nancy y papá en 'Somethin' stupid'. La unión dio lugar a una de los más famosos -y posiblemente más extraños- emparejamientos del pop. Si el contraste del dúo se hubiera limitado a la apariencia física de ambos, Lee y Nancy no hubieran pasado de ser una novedad; ciertamente, el aspecto de 'hombre de Marlboro con mostacho' y la diferencia de edad de más de diez años entre ambos llamó poderosamente la atención. Pero la yuxtaposición más llamativa residía en la diferencia de sus voces. Los sonidos del susurro almibarado de Sinatra enfrentado a los gruñidos asilvestrados de Lee eran imposibles de ignorar. Lee también fue autor de éxitos para Dean Martin ('Houston') y Frank Sinatra ('This town').
Al final de la década, Hazlewood estuvo ocupado además produciendo a artistas country como Waylon Jennings, Eddy Arnold y Chet Atkins. Pretendía escribir música para el cine y la TV pero no recibió ofertas. Tras fracasar con el álbum 'The Cowboy and the Lady' (1989) grabado con Ann Margret, desanimado, se trasladó a Suecia donde colaboró con el director de cine Torbjörg Axelman en varios proyectos fílmicos y musicales como 'Cowboy in Sweden' y 'Requiem for an Almost Lady'.
'Poet, Fool or Bum' (1973)
En 1971, Hazlewood tenía residencias en Paris, Londres y Estocolmo y en 1973 publicó un nuevo trabajo en solitario, 'Poet, Fool or Bum', al que siguió 'A House Safe of Tigers' en 1975, una banda sonora para uno de los films de Axelman, considerada la obra más oscura de Lee. Poco a poco, Hazlewood se fue apartando del mundo musical y en los ochenta se dedicó a atender a la menor de sus hijas y a beber su whisky Chivas mientras observaba cómo llegaban al buzón sus cheques de derechos de autor.
'Cake or Death' (2006)
En los noventa vio como muchas de sus canciones se habían convertido en temas de culto y recibían versiones de nuevas generaciones de artistas como Jarvis Cocker, Evan Dando, Lambchop, Einstürzende Neubauten, Mark Lanegan y Kathryn Williams y sus discos -descatalogados en su mayoría- eran objetos preciados por los coleccionistas, circulando en el mercado negro numerosas copias piratas. En 1999. Steve Shelley, baterista de Sonic Youth, se encargó de reeditar su antiguo catálogo en el sello Smells Like Records. Cuando en 2005 a Lee le fue diagnosticado un cáncer terminal de riñón, decidió grabar un último álbum 'Cake or Death', publicado en noviembre de 2006. Murió en agosto de 2007 a los 78 años.
El 9 de Julio de 1879, nació en Bolonia, el compositor, director de orquesta y pianista italiano Ottorino Respighi. A los ocho años empezó el estudio del violín, que prosiguió, junto con el de la viola en el Liceo Musical de su ciudad natal. Luego cursó composición, y a fines de 1900 presentó sus “Variazioni sinfoniche”.
Entre 1901 y 1903 visitó Rusia en dos ocasiones y asistió a algunas clases con Rimsky-Korsakov que marcaron crucialmente su estilo orquestal. Con el correr de esa década trabajó activamente como intérprete y comenzó a interesarse en la música italiana del pasado más remoto. Después de un periodo en Bolonia se estableció permanentemente en Roma en 1913 y fue nombrado profesor de composición en el Liceo de Santa Cecilia. En 1924 fue director de esta institución y renunció dos años después para dedicarse por completo a la composición. Durante la última década de su vida continuó enseñando y dirigiendo sus obras a ambos lados del Atlántico. También acompañaba al piano a su esposa Elsa Olivieri-Sangiacomo, quien además de cantante era compositora y fue más tarde la autora de la biografía de Respighi.
Respighi con sus alumnos en Santa Cecilia
Ottorino Respighi es el compositor italiano más famoso del primer tercio del siglo actual, con excepción de algunos autores de ópera. Antes de 1910 estaba absorbiendo las influencias de varios compositores, desde Martucci y Sgambati a Strauss. Su madurez aparece en una canción extensa, “Aretusa”, mientras que en el terreno orquestal lo hace con la gran “Sinfonía Dramática” que aparece como un tributo a Strauss. En 1916 completó su primer y mayor hito, “Fuentes de Roma”, en donde las influencias de Strauss y Ravel aparecen completamente asimiladas. Aquí Respighi revela un total manejo de su talento.
Al final de su carrera Respighi se fue interesando en la ópera y produjo obras mejor estructuradas en los planos pictórico o idílico que en lo dramático o apasionado. Notable es la obra infantil “La Bella Dormente nel Bosco”, concebida originalmente para marionetas y más tarde adaptada para mimos infantiles acompañados por cantantes fuera del escenario. En “Lucrezia”, dejada incompleta y terminada por su viuda, Respighi, tiende al recitativo dramático propio del siglo XVIII, reduce los límites de la función orquestal y renuncia al colorismo ilustrativo en el que anteriormente se complaciera, quizá en perjuicio de la expresión. Murió en abril de 1936 a los 56 años.
