Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 27 de noviembre de 1942 nació en Seattle (Washington) Jimi Hendrix, sin ningún lugar a dudas, el más grande guitarrista de rock de la historia. Con un pie firmemente asentado en el blues y el otro en el jazz, Jimi tomó lo mejor de ambos géneros añadiendo algo de su propio fuego y creó un sonido de guitarra nunca oído antes. No tiene sentido listar los guitarristas que han recibido influencias directas de Hendrix, ya que sería interminable.
Jimi con su padre
Johnny Allen Hendrix vivió sus primeros años entre la comunidad blanca de Seattle, debido a que su padre, tras servir en la segunda guerra mundial, era jardinero al servicio de familias predominantemente blancas. Su madre, Lucille, a quien 'Al' Hendrix conoció en un baile cuando ésta contaba dieciséis años, era descendiente de indios americanos y Jimi solía ir a visitar frecuentemente a su abuela, una india Cherokee que vivía en Vancouver, debido a las frecuentes disputas de sus padres por la afición de Lucille a la bebida. En 1951, cuanto Jimi tenía nueve años, sus padres se separaron. Lucille moriría seis años después de cirrosis. Su padre le cambió el nombre a su hijo por James Marshall Hendrix en memoria de su hermano fallecido Leon Marshall Hendrix.
Hendrix, en 1960
Jimi asistió a la escuela de Garfield en Seattle, pero tuvo que dejarla al cumplir los diecisiete años para ganarse la vida, ya que su padre no podía costearle los estudios. Según su padre, James Hendrix, Jimi se empezó a interesar por la música a los diez años. Le gustaba creer que el palo de la escoba era una guitarra y le decía a su padre que estaba aprendiendo a tocarla. Cuando cumplió once años le compraron una acústica barata y a los doce ya tuvo su primera guitarra eléctrica. Aunque nunca recibió clases de música o poesía, a través de la escucha de discos y asistiendo a las funciones religiosas y a las fiestas y entierros a los que le llevaba su padre, empezó a familiarizarse con el ritmo y la música de los espirituales y el blues.
Jimi en el ejército
En 1963 ingresó en el ejército norteamericano, en el 101 escuadrón aéreo. Jimi recordaba al respecto: "Sabía que tenía que hacerlo tarde o temprano, así que fui voluntario para acabar cuanto antes y poder seguir con la música. Cuando ingresé creí que todo iría bien, y me inscribí en el Ejército del Aire. Inmediatamente odié el ejército". En la compañía de paracaidistas Jimi realizó 25 saltos, lesionándose en el último. "¿Que si obtuve algún placer con ello?. Más que nada me llevó la aventura. El placer consistía en llegar vivo a tierra. Tuve la suerte de lesionarme porque me licenciaron. Vietnam estaba a la vuelta de la esquina". Antes de eso, Jimi ya había intentado en vano licenciarse fingiéndose homosexual y confesando que se había enamorado de un compañero. Durante su estancia en el ejército conoció al bajista Billy Cox, con quien le uniría una amistad hasta su muerte.
Hendrix, Billy Cox y Jolly Roger en 1963
A continuación , tras pasar por Clarksville y Nashville (Tennessee), donde él y Cox tocaron en diferentes tugurios (en los que comenzó a realizar los malabarismos con su guitarra y a tocarla con los dientes), tocó en las bandas de Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke y Jackie Wilson.
Una vez terminado con lo que más tarde se reveló ser su periodo de aprendizaje, en un intento de dejar atrás el contexto de racismo y degradación que había encontrado en el sur del país norteamericano, Hendrix decide trasladarse a Nueva York. En enero de 1964, el guitarrista se muda al barrio de Harlem.
Jimi y los Isley Brothers, 1964
La llegada al éxito se produjo cuando Hendrix fue reclutado como guitarrista de la banda de los Isley Brothers para una gira a través de todo Estados Unidos, incluidos los locales del Chitlin' Circuit. Chitlin' Circuit era el nombre con el cual venia comúnmente indicado aquel conjunto de locales dispersados a través de los Estados Unidos (como por ejemplo el Cotton Club o el Victory Grill) donde los músicos, actores y cualquier otro tipo de artistas e intelectuales afro-americanos eran libres de expresarse y exhibirse en el periodo de la segregación racial estadounidense.
Jimi con Little Richard, 1965
Fue justamente durante aquel periodo con los Isley Brothers cuando tuvo la ocasión de tocar en grabaciones de estudio el tema 'Testify', sencillo que poco después se convertiría en un éxito radiofónico. Poco después fue contratado por Little Richard para su grupo, pero sus constantes disputas por el vestuario, la teatralidad escénica de Hendrix y su constante inpuntualidad no agradaban a Richard, por lo que Hendrix se unió durante ocho meses a Curtis Knight and the Squires.
Curtis Knight and the Squires, 1965
Con Curtis Knight grabó en octubre de 1965 entre otros, los temas 'Hush now', 'How would you feel' y'Welcome home'. Fue entonces cuando firmó un contrato con Ed Chalpin, que recibiría un 1% de sus ganancias. Aunque la relación de Hendrix con Chalpin fue breve, el contrato siguió vigente y le daría al guitarrista en el futuro más de un quebradero de cabeza.
Café Wha? en Greenwich Village
Al cabo de unos meses forma su propio grupo, Jimmy James & the Blue Flame, con Randy Palmer al bajo, Danny Casey a la batería y un guitarrista de quince años, Randy Wolfe, a quien Jimi (para diferenciarlo del otro Randy) apodó 'California' y que sería uno de los fundadores años más tarde de la banda Spirit. Con ellos actúa en varios locales de Nueva York, pero su escenario principal se encontraba en el Cafe Wha?, en Greenwich Village
The Jimi Hendrix Experience
Chas Chandler de los Animals, tras verle actuar en directo por recomendación de Linda Keith (la novia por aquel entonces de Keith Richards), le convence para trasladarse a Londres donde es contratado por su agencia de management artístico. Allí lo pone en contacto con Mitch Mitchell a la batería y NoelRedding al bajo (aunque su instrumento era la guitarra), con quienes forma The Jimi Hendrix Experience y graba 'Hey Joe', 'Stone free','Purple haze' y 'The wind cries Mary'.
Los singles correspondientes alcanzan el Top5 británico y por Londres se corre la voz acerca del guitarrista zurdo que hace diabluras con su Stratocaster y van a verlo en directo músicos como Eric Clapton, Pete Townshend, Jeff Beck y miembros de los Beatles y Rolling Stones.
Are You Experienced?, 1967
En mayo de 1967, 'Are You Experienced?'
obtuvo una excelente respuesta de ventas en el viejo continente, con temas como
'Foxy lady'y 'Manic depression', interrumpiendo su propio ascenso al segundo lugar en la lista de éxitos
británica por detrás de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles. De todos modos, la Experience estaba en busca de la ocasión perfecta para desembarcar en Estados Unidos, donde aún era desconocida.
Hendrix en 1967
La ocasión se presentó en junio de 1967, cuando el grupo fue invitado -por medio de Paul McCartney- a la histórica edición del Monterey International Pop Festival llevada a cabo los días 16, 17 y 18 de junio de aquel año y generalmente considerado el evento de arranque del llamado 'Verano del amor' que popularizó al movimiento hippie
en el mundo. La oportunidad se reveló extremadamente favorable para
Hendrix: además de la importante repercusión que el evento tendría en
todo el país norteamericano, su actuación sería inmortalizada en el documental que devendría tiempo más tarde del festival.
Jimi en Monterey, 1967
La Experience
no dejó escapar la ocasión y realizó una de las exhibiciones más
aclamadas del evento, además de una entre las mejores de sus actuaciones
en directo. En 40 minutos de concierto, Hendrix utilizó su Stratocaster
en un modo hasta ese momento jamás visto, llegando a hacer mímica de
actos sexuales, hacerla sonar con los dientes, por detrás de la espalda,
contra el soporte del micrófono y hasta contra su amplificador causando un acople ensordecedor. Al término de la exhibición, para remarcar su furiosa necesidad de
extraer nuevos sonidos al instrumento, le prendió fuego con gas para
encendedores y la destruyó contra el suelo y los amplificadores en un
éxtasis de feedbacks alucinantes.
Chandler se quejaba más tarde en entrevistas de que Hendrix insistía en grabar muchas tomas de cada canción (al parecer, 'Gypsy eyes'
llevó 43 tomas, y a pesar de eso Hendrix aún no estaba satisfecho
con el resultado, buscando constantemente la 'atmósfera perfecta'). El perfeccionismo de Hendrix llevó al guitarrista Dave Mason a grabar 20 tomas de la guitarra acústica de 'All along the watchtower'. Tampoco la relación de Jimi con Noel Redding duró más allá del tercer trabajo discográfico tocando el bajista por última vez con Hendrix en junio de 1969. Jimi comenzó entonces a proyectar su nueva banda.
Su concepto de 'Iglesia eléctrica' debía ser más libre, comunitario y más experimental que la fórmula de power-trio de la Experience. Buscaba para su música un soporte fluido y libre de luchas de egos. Se ocupó de rodearse de gente de su absoluta confianza, que para él significaba: músicos que conocía antes de ser famoso. El mánager Michael Jeffrey, no confiaba demasiado en el nuevo proyecto de Hendrix, pero aún así le alquiló una casa de ocho dormitorios en las cercanías de Woodstock. Jimi llamó a su viejo amigo de los tiempos del ejército, Billy Cox y ambos llamaron a otro viejo amigo común, el guitarrita Larry Lee. Jerry Velez, un percusionista puertorriqueño que Jimi conoció en sus primeras semanas en Nueva York fue uno de los primeros en ser invitado a la mansión. Otro percusionista, Juma Sultan, muy respetado por su trabajo en la zona de Woodstock fue asímismo reclutado para el grupo, que se llamaría Gypsy Suns and Rainbows. Tras algunas dudas entre Buddy Miles (de Electric Flag) y Mitch Mitchell para el puesto de batería, fue Mitchell por el que finalmente se decidiéron. La formación del grupo estaba completa.
Contratado para el Festival de Woodstock, Jimi se apresuró a enseñar a la nueva banda sus viejos éxitos como 'Purple haze', 'Fire' y 'Foxy lady', así como a ensayar con ellos nuevos temas y jams instrumentales. El road manager Gerry Stickells recuerda: "Los 'ensayos', como recuerdo que los llamaban, consistían en colocarse y hablar de lo increíble y maravilloso que iba a ser. El hecho de que cada vez añadieran más gente a la formación me demostró que no había ningún control. La cosa siguió adelante porque alguien les estaba pagando las facturas".
Jimi en Woodstock, 1969
El día del concierto, el evento se había desbordado y una pertinaz lluvia y repetidos fallos de organización retrasaron el horario de los intérpretes del último día. Jimi, que según contrato cobraba 18.000$ (cifra baja para su caché habitual, aunque fue la mayor pagada a un artista de Woodstock), era cabeza de cartel y cerraba el Festival. Cuando subió al escenario eran ya las ocho de la mañana del lunes 18 de agosto, y de las más de 450.000 personas que asistieron al Festival, sólo quedaban unos 30.000 dispersos entre la basura abandonada por los que ya se habían marchado.
Jimi en Woodstock, 1969
La actuación del grupo se puede calificar de deslabazada y confusa. Era notoria su falta de ensayos. Los percusionistas apenas aportaron nada al resultado, la guitarra de Larry Lee estaba desafinada y hasta Mitch Mitchell parecía perdido, seguramante por la falta de un buen sistema de monitores en el escenario. Sin embargo, Hendrix, sobresalía dentro de todo aquel caos tocando a un nivel que pocos han logrado igualar. Sus interpretaciones de 'Vodoo Chile','Villanova Junction' e 'Izabella' alcanzan el grado de sublimes.
Jimi en Woodstock, 1969
Pero aunque los cronistas de rock de la época apenas mencionaron su actuación, centrándose más en las de Country Joe McDonald y Crosby, Stills & Nash, fue otro tema el que se quedó para siempre en la retina y los tímpanos de aquella generación de jóvenes sesenteros. 'Star spangled banner', el himno nacional de EE.UU. Tras el estreno de la película-documental de Michael Wadleigh, que cubrió el evento, y la perspectiva de los años, la imagen de Hendrix con su chaqueta de cuero blanco y su pañuelo zíngaro rojo en la cabeza, interpretando el himno americano se ha convertido en una imagen emblemática y definitoria del fin de una década y, tras el último y luctuoso gran Festival de la era, Altamont, celebrado unos meses después, significó también el fin de la inocencia y el mensaje de 'paz, música y amor' acuñado en el verano de 1967.
Unas semanas antes de aparecer en Woodstock, Jimi había sido arrestado en el aeropuerto internacional de Toronto acusado de posesión de heroína y marihuana. Jimi, que por supuesto fumaba marihuana y se tomaba de vez en cuando algún ácido, no era ni mucho menos adicto a drogas como la heroína, por lo que fue el primer sorprendido de que los aduaneros canadienses encontraran heroína en su equipaje.
Ficha policial canadiense de Jimi
Durante el proceso Hendrix logró convencer a la corte declarando el
hecho de no saber en qué modo las sustancias habían terminado en su
equipaje, enfocándose en la tesis de una acción externa de una fan que lo introdujo en su bolsa. Tuvo que pagar una fianza de 10.000$, pero el 18 de diciembre de 1969 recibió aliviado la sentencia de inocente de todos los cargos. Sin embargo, el guitarrista se encontró teniendo que
tratar con otros problemas legales conectados a la disolución del
contrato firmado con Ed Chalpin en 1965: el hecho fue resuelto 'amistosamente', con la disponibilidad del guitarrista a registrar un álbum bajo su régimen de producción.
Band of Gypsys, 1970
Además Chalpin recibía un millón de dólares para renunciar a su 'exclusiva sobre Hendrix'. Hendrix murió antes de poder escapar al control de los
'ejecutivos del rock', que determinaron en gran medida sus posibilidades
de acción a lo largo de sus cinco años de actividad artística, y muy
posiblemente también jugaron un papel decisivo en su muerte además de
las píldoras que tomó para dormir. El álbum en cuestión sería 'Band of Gypsys', grabado en directo en el Filmore East las noches del 31 de diciembre de 1969 y 1 de enero de 1970, con temas como 'Who knows', 'Power to love', 'Changes', 'Machine gun' o 'Message of love'.
Miles, Hendrix y Cox
La compenetración de los músicos, Billy Cox al bajo y Buddy Miles a la batería (Mitch estaba ocupado tocando con Jack Bruce & Friends) no pareció funcionar del todo. "No me quedé satisfecho con 'Band of gypsys'. Si hubiera dependido de mí nunca hubiera salido al mercado. Desde el punto de vista de un músico no era una buena grabación y yo estoy fuera de tono en algunos temas. No se preparó lo suficiente. Le debíamos un LP a la compañía, nos presionaron y le dimos ese." Durante un concierto que dieron en el Madison Square Garden de Nueva York, Jimi dejó de tocar repentinamente abandonado el escenario diciendo que no podía seguir con el grupo. Un poco más tarde empezó a trabajar de nuevo con Mitch Mitchell, dejando a Billy Cox como bajista.
En agosto de 1970, Jimi volvió a Gran Bretaña para participar en el 3er Festival de la Isla de Wight, uno de los más completos en estrellas pop hasta entonces. Voló directamente después de una gran fiesta celebrada en los estudios de grabación Electric Ladyland, montados en parte por y para él, y se encontraba muy cansado. Jimi se esforzó en tocar bien pero no pudo, y Mitchell y Cox igualmente se mostraron en baja forma. Ya no era la misma banda que aturdía las mentes y oídos de Londres en 1966. El auditorio respondio fríamente a la tentativa de Hendrix de tocar sólo 'música', en logar de ofrecer el típico 'show' de tocar con los dientes, quemar guitarras, etc, que todos esperaban. Aquello le deprimió profundamente y coincidió con un ataque nervioso de Billy Cox (parece ser que un ácido le sentó mal) y la necesidad de Jimi de desprenderse de su productor Mike Jeffrey, del que no conseguía zafarse porque Jimi odiaba las discusiones.
The Cry of Love, 1971
Sin embargo Jimi demostraría con su álbum póstumo, 'The Cry of Love', que era un buen cantante, compositor y soberbio guitarrista. Contó con la colaboración de Billy Cox, Mitch Mitchell, Buddy Miles, Buzzy Linhart, Stevie Winwood, Stephen Stills y Chris Wood. en temas como 'Freedom', 'Ezy ryder','My friend','Angel' y 'Belly button window', una de sus últimas grabaciones en estudio en agosto de 1970.
Belly Button Window
Well. I'm up here in this womb
I'm looking all around
Well, I'm looking out my belly button window
And I see a whole lot of frowns
And I'm wondering if they don't want me around
What seems to be the fuzz out there?
Just what seems to be the hang?
'Cause you know if ya just don't want me this time around,
Yeah I'll be glad to go back to Spirit Land
And even take a longer rest,
Before I'm coming down the chute again
Man, I sure remember the last time, baby
They were still hawkin' about me then
So if you don't want me now,
Make up your mind, where or when
If you don't want me now,
Give or take, you only got two hundred days
'Cause I ain't coming down this way too much more again
You know they got pills for ills and thrills and even spills
But I think you're just a little too late
So I'm coming down into this world, daddy
Regardless of love and hate
And I'm gonna sit up in your bed, mama
And just a grin right in your face
And then I'm gonna eat up all your chocolates,
And say "I hope I'm not too late"
So if there's any questions,
Make up your mind
'Cause you better give or take
Questions in your mind
Give it a take,
You only got two hundred days
Ventana Umblical
Estoy dentro de este útero
Mirando todo lo que hay
Obeservo desde mi ventana umblical
Como frunce el ceño la gente
Y me pregunto si quieren decir que no me quieren aquí.
¿A qué viene tanto jaleo ahí afuera?
No sé de qué están pendientes
Porque sabéis muy bien que si no me quieren por aquí
Estaré feliz de volver al País de los Espñiritus
E incluso
tomarme un largo descanso
Antes de descender otra vez por la rampa
Recuerdo la última vez, nena
Cuando no me quitaban los ojos de encima
Si no me queréis ahora
Decidlo, dónde y cuándo,
Si no me queréis ahora
Tomadlo o dejadlo, sólo tenéis 200 días
Porque no voy a descender por aquí muy a menudo.
Todos sabemos que hay píldoras para enfermedades,
para emociones fuertes y para caídas
Pero creo que habéis llegado un poco tarde.
Así que descenderé a este mundo, papá
Sin que me importen el odio o el amor.
Me sentaré en tu cama, mamá
Mostrándote una amplia sonrisa
Y luego voy a zamparme todas tus chocolatinas
Diciendo: "Espero no haber llegado tarde".
Así que si hay alguna pregunta
Decidiros
Porque más vale que aclaréis
Las ideas que rondan por vuestras cabezas
Tomadlo o dejadlo
Sólo disponéis de 200 días.
Jimi Hendrix tenía 27 años cuando murió el 18 de septiembre de 1970 en el apartamento que compartía con su novia de entonces, la campeona de patinaje artístico alemana Monika Dannemann en el Hotel Samarkand. La causa oficial de la muerte fue 'ahogamiento con su propio vómito'. En la autopsia se encontraron restos de vino y somníferos en su cuerpo, por lo que unos pensaron en suicidio y otros en una sobredosis accidental, ya que las pastillas que tomó (prescritas para su novia) eran bastante más potentes que a las que estaba acostumbrado Hendrix.
Monika Dannemann y Hendrix en 1970
No era un secreto que Jimi tenía varias 'girlfriends' y fue Monika, una bella chica alemana que había conocido en Düsseldorf en 1969, la que pasó las últimas horas con él. Jimi había alquilado un apartamento en Londres el día 8 de septiembre y el viernes anterior a su muerte había estado tocando con Eric Burdon y su nuevo grupo War en el club Ronnie Scott Jazz del Soho. Monika recuerda: "Llegamos a casa a eso de las ocho y media de la tarde y me puse a cocinar. Bebimos una botella de vino blanco. El bebió un poco más que yo, pero no mucho. Se lavó la cabeza y tomó un baño. Estuvimos hablando y escuchando música hasta las dos menos cuarto de la mañana, que me dijo que tenía que ir al piso de unos amigos. No quería que fuera con él, pero lo llevé y lo recogí después de las tres.
Samarkand Hotel
Cuando llegamos le hice un sandwich de pescado y yo tomé una pastilla para dormir a eso de las siete de la mañana y nos dormimos. Me desperté a las diez y media y vi que Jimi seguía durmiendo. No parecía que le ocurriera nada anormal y fui a comprar cigarillos. Cuando volví seguía durmiendo pero había vomitado. Respiraba todavía, pero no pude despertarle y entonces supuse que había tomado algún somnífero. Le tomé el pulso y era normal, así que pensé que si lo llevaba a un hospital se pondría furioso si al final no era nada. Entonces telefoneé a Eric Burdon para pedirle ayuda. Me dio la dirección de su médico y llamamos a una ambulancia. Después me di cuenta que le tenían que haber echado para que pudiera respirar, pero lo pusieron en una silla con la cabeza para atrás. No murió por las tabletas, porque la dosis no era mortal. Murió porque no pudo respirar. Se ahogó en su propio vómito". La ambulancia lo llevó al hospital, pero ingresó sin vida a las doce menos cuarto. La policía dijo más tarde que de un frasco de somníferos que tenía Monika en su piso, faltaban nueve tabletas.
Jimi y Kathy Etchingham en 1969
Monika, más tarde, tuvo una relación prolongada con Uli Jon Roth de los Scorpions. En 1996 fue condenada por quebrantar la orden de un tribunal de apelaciones británico de no volver a acusar a Kathy Etchingham (otra ex de Hendrix)
de ser "una mentirosa empedernida" cuando esta la acusaba de haber desempeñado un
papel en la muerte de Jimi Hendrix. Etchingham solicitó al juez que
Dannemann fuera encarcelada pero el magistrado la dejó en libertad. Dos días más
tarde Monika Dannemann fue encontrada muerta en un Mercedes Benz lleno
de humo cerca de su casita de campo en Seaford, Sussex, a los 50
años. Su muerte fue declarada un suicidio a pesar de que Uli Jon Roth
declaró que se trataba de un caso turbio, pues Dannemann había recibido
numerosas amenazas de muerte tras la muerte de Hendrix. Después de su
fallecimiento, se rumorea que la guitarra Fender Stratocaster
negra de Hendrix que Dannemann se apropió tras la muerte de Jimi, se
encuentra en poder de Uli Jon Roth. Pero nadie sabe con seguridad donde está.
Actualmente existe una nueva teoría sobre la muerte de Jimi Hendrix, proporcionada por uno de los asistentes (roadies) del músico llamado James Wright, el cual redacta en su libro Rock Roadie (2009) que la muerte del artista se debió a que uno de sus representante, Michael Jeffery,
lo asesinó haciéndole tomar pastillas y vino, ya que se enteró que Jimi iba a despedirle.
Una vez muerto el músico, Michael Jeffery podría cobrar el seguro de vida del
artista, seguro cuyo beneficiario era él mismo. James
Wright explica que todo lo que sabe se lo confesó Michael en una noche
de copas, poco antes de morir en un accidente aéreo. Comentarios posteriores tachan la historia de inverosímil y la achacan a un montaje publicitario con el fin de vender más ejemplares del libro de Wright.
La muerte de Hendrix provocó una cadena de consecuencias en las chicas que le conocieron, en sus amigos, en los músicos que seguían y siguieron sus pasos, en los drogadictos, en los 'viajeros perdidos' y en el mundo de los negocios. Chas Chandler obtuvo una fortuna vendiendo los derechos de las películas y grabaciones que aún no habían salido a la luz, y lo mismo hizo Mike Jeffrey.
Asimismo, los productores de las grabaciones realizadas con Little Richard y Curtis Knight resucitaron un material que habla por sí solo del oportunismo comercial de las casas discográficas. El mismo Little Richard reconocía lo mal que se sentía Hendrix en su grupo. (Cuando Jimi se hizo famoso con The Experience, intentó prohibir la venta de todas la grabaciones realizadas en su periodo de aprendizaje con distintos grupos).
Busto de Hendrix en Polonia
Como legado musical, Jimi logró generar una musicalidad muy alegórica llena de expresiones orgánicas. Pretendía lograr sonidos naturales y crear secuencias más allá de lo
que parecía dar la guitarra eléctrica en aquella época gloriosa de auge y
expansión del género y fue un usuario innovador de técnicas auditivas
ejemplificando el poderío del feedback y el trémolo, logrando riffs hipnóticos llenos de poder y fuerza; "la guitarra parecía parte de su cuerpo"
dicen la mayoría de los que lo admiran y sin duda puede sepultarse su imagen en
la misma rotonda de los virtuosos, ya que mostró un genio incomparable
para lograr elevar a la guitarra como un instrumento ácido, fuerte y
pintor de muchas sensaciones anímicas, táctiles y auditivas. Fue un músico visionario que, como otros tantos genios, sobrepasó a sus contemporáneos y se perdió en los sonidos que creó.
El 26 de noviembre de 1971 se publicó en el Reino Unido 'Fragile', el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Yes que, en el curso de unas pocas semanas, sufrió la transformación de ser un grupo de culto a un fenómeno internacional. Fue el primer trabajo en el que participó el tecladista Rick Wakeman, reemplazando a Tony Kaye y asimismo fue el primer álbum del grupo que contaba con un diseño de Roger Dean como portada. Alcanzó el puesto nº 7 en las listas inglesas y meses más tarde, cuando se publicó en EEUU, fue Top5 en las listas Billboard, permaneciendo en ellas 46 semanas.
El excesivo apego que tenía Tony Kaye por su Hammond y su negativa a incorporar sintetizadores a su música, además de sus constantes discusiones con Steve Howe, provocaron su salida del grupo cuando ya estaban iniciadas las sesiones de grabación de 'Fragile'. Para entonces, Rick Wakeman ya había abandonado The Strawbs y con su virtuosismo instrumental y su impacto escénico se mostró como un excelente sustituto. Los textos de contenido fantástico y de ciencia ficción que aparecían en trabajos anteriores se hicieron más evidentes en 'Fragile', más aún con la portada de Roger Dean, que mostraba un mundo fracturado logrando una simbiosis de imagen y música no igualada desde la era de la psicodelia.
'Fragile' se grabó el mes de septiembre de 1971 en los Advision Studios de Londres. El tema más conocido del álbum, 'Roundabout', fue publicado en single con una versión editada de 3:27 minutos, que alcanzó el puesto 13 del Hot 100 americano. Aunque Wakeman también contribuyó a las composiciones de 'South of the sky' y 'Heart of the sunrise', añadiendo interludios de piano a ambas piezas, motivos contractuales no permitieron que apareciera como autor. A cambio, en Atlantic le prometieron más dinero, que el músico jamás recibió.Otro tema que surgió colectivamente de las sesiones de ensayo celebradas sobre un burdel londinense de Shepard's Market fue 'Long distance runaround'.
Los cinco temas restantes muestran las habilidades instrumentales de cada uno de los miembros de la banda y fueron añadidas a toda prisa para acabar el álbum. Había que rentabilizar cuanto antes el coste de los teclados que adquirió Wakeman para ampliar el arsenal sonoro de la banda. 'Cans and Brahms' es un arreglo de Wakeman del tercer movimiento de la Cuarta Sinfonía en Mi menor de Johannes Brahms, en el que el músico usa sintetizadores, inspirándose en el éxito obtenido un par de años antes por Wendy Carlos, pionera de la aplicacion de teclados electrónicos para arreglos de música clásica, con 'Switched on Bach'.
En 'We have heaven', Jon Anderson ejecuta todas las partes vocales, una técnica que repetiría el cantante en su álbum en solitario 'Olias of Sunhillow'.'Five per cent for nothing' es una complicada estructura rítmica de Bruford y en 'The fish' el protagonista es el bajo de Chris Squire. En 'Mood for a day', Howe incorporó influencias de guitarra clásica flamenca que repetiría en su colaboración con Queen en 'Innuendo'.
Sin embargo, lo que parecían temas de relleno, terminaron siendo piezas importantes que marcarían el camino de futuras aventuras sonoras de la banda. Aunque no coincidió con el mejor momento del grupo, 'Fragile' fue un álbum redondo, completo e intemporal.
El año 2003 se publicó una versión extendida que incluía dos temas: una magnífica versión de la canción de Paul Simon'America' y una mezcla alternativa no publicada de 'Roundabout'.
Jon Anderson – voz solista
Bill Bruford – batería, percusión
Steve Howe – guitarras eléctricas y acústicas, voces
Chris Squire – bajos, voces
Rick Wakeman – órgano Hammond, piano, piano eléctrico, clavicordio, melotrón, sintetizador Moog.
El 26 de noviembre de 1925 nació en Liverpool el cantante Michael Holliday, muy popular en el Reino Unido en los años anteriores a la aparición de los Beatles.
Ganador de varios concursos amateur locales mientras servía en la Marina Mercante, en 1953, Michael Holliday decide probar suerte en el mundo de la música y se enrola como crooner en la Eric Winstone Band. En abril de 1955 realiza su primera aparición en la TV inglesa y gracias a ella consigue un contrato con el sello Columbia de EMI Records. Desde entonces y hasta 1960, Holliday se convirtió en el cantante inglés
más popular del país y con su agradable voz de barítono que recordaba
mucho a Bing Crosby, grabó más de treinta singles.
Entre ellos 'The gal with the yaller shoes', 'Hot diggity' (1956), 'The story of my life', 'Starry eyed', (ambas nº1), 'In love', 'Stairway of love' (1958) y 'Skylark' (1960). Sin embargo, su creciente pánico escénico y su frágil estabilidad mental le llevaron a suicidarse con una sobredosis de drogas cuando se encontraba internado en un hospital en octubre de 1963. Michael tenía 38 años.
El 25 de noviembre de 1931 nació en San Tampa (Florida) el cornetista y trompetista de jazz Nat Adderley, hermano del saxofonista Julian 'Canonball' Adderley. Nat aprendió a cantar desde muy niño, con quince ya tocaba la trompeta y cuatro años más tarde se decidió por la corneta.
Ganó experiencia en las bandas de Lionel Hampton y Stan Kenton (1954/55), tras su paso por el ejército, en cuya banda tocó junto con su hermano. Su debut como solista 'That's Nat' (1955) no tuvo gran éxito y Nat trabajó a continuación con J.J. Johnson, Woody Herman y George Shearing. Determinate fue el tiempo que pasó en el quinteto de su hermano mayor Cannonball, a cuya formación perteneció con algunas interrupciones desde 1956 hasta su temprana muerte en 1975, lo que acercó a Nat al gran público pero por contra, la carismática figura de su hermano eclipsó en cierto modo su carrera como solista. Aunque creó clásicos del repertorio del jazz moderno como 'Work song' o 'Jive samba', pasó un tiempo antes de que Nat fuera reconocido como figura por sí mismo en el mundo del jazz.
En álbumes como 'Work Song' (1960), 'Sayin' Domething' (1966), 'The Scavenger' (1969), 'A Litte New York Midtown Music' (1979) o 'The Old Country' (1990) demuestra sobradamente su independencia estilística. Como entertainer fue comparable a su modelo Gillespie y como instrumentista desarrolló un lirísmo y un sentimiento con la corneta (instrumento inusual en el jazz moderno) mayor que muchos de sus contemporáneos del bebop, permaneciendo Adderley fiel a sus orígenes de blues.
En los años setenta sin embargo, se emancipó de sus raíces y experimentó con John Stubblefield, Jimmy Cobb y Sonny Fortune en la búsqueda de un sonido individual y maduro. En los años siguientes realizó numerosas giras con combos propios y promocionó jóvenes valores. Murió a los 68 años en enero de 2000.
El 25 de noviembre de 1893 nació en Goshen (New York) el influyente pianista de jazz Willie 'The Lion' Smith, que comenzó como músico profesional a los 17 años. Sin embargo, tuvo que interrumpir su carrera para ir a Francia enviado por el ejército de Estados Unidos con el fin de servir en la Primera Guerra Mundial, donde al parecer se ganó el apodo de 'El León' por su valor en el combate.
Newark en 1900
En sus memorias, 'Music on my Mind', Smith describió a su padre Frank Bertholoff como un "playboy con la tez clara que amaba el licor, las chicas y el juego", mientras que Ida, su madre, trabajaba como doncella para una familia adinerada. Tras la muerte de Bertholoff, Ida se casó con el mecánico de New Jersey John Smith y se mudó a Newark. El complicado árbol genealógico de Smith revela antepasados franceses, españoles, africanos y nativos americanos de la tribu Mohawk. En Newark, Ida trabajó lavando la ropa de una familia judía y Willie se sentaba a veces con los demás niños de la familia cuando el Rabino local iba a impartir clases. Aprendió el idioma, las costumbres y la religión judía y con 13 años recibió su Bar Mitzvah y más tarde cantaba en el coro de la sinagoga.
Willie 'The Lion' Smith
Ya con seis años había descubierto en el sótano de su casa un viejo órgano al que le faltaban la mitad de las teclas, con el que comenzó a 'ensayar' tratando de imitar la música que su madre tocaba en la iglesia. Cuando esta vio el interés del muchacho le enseñó las canciones que conocía. Gracias a un concurso en el periódico patrocinado por el fabricante de pianos Marshall & Wendell, en el que había que adivinar el número de círculos que aparecían en un anuncio, Willie logró obtener su primer piano. A partir de entonces no existió nada más para él y se pasaba las horas tocando. Aprendió los hits de ragtime del momento como 'Maple leaf rag' y 'Black and white rag' y a los catorce años ya ofrecía sus servicios como pianista en los bares de Newark. Se compró su primer sombrero bombín y fumaba grandes puros, lo que se convirtió en su imagen más característica.
James P. Johnson
Estando aún en Newark conoció a futuros grandes del stride piano como Lucky Roberts y James P. Johnson, pero no tardó en buscar nuevos horizontes y con 15 años se trasladó a Atlantic City, ciudad que recordaba como "un sitio lleno de atractivas piernas y ropa interior bonita". También viajó a Nueva York donde escuchó la obra de otros pianistas, cuyas técnicas trataba de adaptar a su estilo. Los músicos y los propietarios de los clubes reconocieron el talento de Smith, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial retrasó su carrera. Se alistó en 1916 y fue destinado a artillería en una unidad compuesta únicamente por afroamericanos, apostada en Francia. Allí se ganó Willie el apodo 'The Lion' por su fiereza en el combate.
De vuelta en 1919 a Nueva York, Smith retomó su carrera y comenzó a brillar en la escena de Harlem. Un año después, una joven cantante de Cincinnati llamada Mamie Smith le pidió a Willie que formara un grupo para grabar con ella. El tema que se registró, 'Crazy blues', considerado una de las primeras grabaciones de blues, fue un éxito de ventas y marcó un camino para una década de vocalistas de blues femeninas.
También el estilo de Smith estaba evolucionando. Tocando en los cabarets de Harlem y en fiestas sociales y privadas, dejó de seguir las clásicas estructuras del ragtime que solía tocar hasta entonces, añadiendo improvisaciones rítmicas y melódicas.
El nuevo estilo se denominaría 'stride'. El stride seguía manteniendo el básico ritmo de marcha del ragtime en la mano izquierda del pianista, pero daba libertad a la mano derecha para introducir contrapuntos e improvisaciones melódicas. Aunque otros pianistas contemporáneos como los citados Roberts y James P Johnson también estaban experimentando con las mismas ideas, Smith fue sin duda uno de los creadores del estilo. Pero fue Johnson, gracias a sus numerosas grabaciones, quien cosechó mayor fama entre los aficionados al jazz y los primeros discos de Smith en solitario no llegaron hasta 1939.
Willie the Lion y Fats Waller en 1936
Se concentró durante los años veinte en actuar por las ciudades del Noreste estadounidense y, a pesar de su falta de grabaciones, la influencia de Smith en otros pianistas fue evidente. Un día entró en el club Leroy's un joven de 16 años llamado Fats Waller cuya versión de un tema de James P. Johnson, 'Carolina shout' dejó tan impresionado a Smith, que este le cedió el piano a Waller aquella noche.
Willie en 1949
Otro futuro gran pianista que recibió una gran influencia de Willie 'The Lion' Smith, fue Duke Ellington, que escribió la introducción de las memorias de Smith: "The Lion ha sido la mayor influencia en la mayoría de pianistas que se vieron expuestos a su suntuosidad armónica y a su stride. Fats Waller, James P. Johnson, Count Basie, Donald Lambert, Joe Turner, Sam Ervis y, por supuesto yo mismo, hemos bebido de sus fuentes. Incluso el gran Art Tatum mostraba detalles 'smithianos'...". Ellington le dedicaría más tarde dos de sus composiciones, 'Portrait of the Lion' y 'Second portrait of the Lion'. Smith correspondería con 'Portrait of the Duke'.
Los cambios de moda en el jazz de los años treinta harían olvidar eventualmente el status de Smith como músico de jazz, pero su carrera duró mucho más que la de muchos otros músicos de jazz de la primera generación.
Smith, que siempre había mantenido un interés por la música clásica, recibió clases de teoría musical y piano clásico de un inmigrante alemán llamado Hans Steinke. Poco después comenzó a componer piezas cortas originales con influencias clásicas, con las cuales se estrenaría grabando en solitario. Tras realizar en 1935 con un grupo llamado Willie the Lion Smith and his Cubs la grabación -entre otras- de 'Echo of spring', su más famosa composición, firmó en 1939 con el sello Commodore y registró temas como 'Passionette' pequeño poema sonoro al piano que mezclaba elementos de jazz con armonías clásicas.
Cuando tras la Segunda Guerra Mundial, el idioma del jazz se expandió aún más, Smith manifestó que él ya había estado usando tiempo atrás los acordes aumentados y las armonías extendidas, sólo que "no sabía cómo se llamaban". Otra de sus más destacables composiciones fue 'Pork & beans', de 1950.
Continuó grabando álbumes muy populares en los años cincuenta y sesenta y realizó giras por Europa hasta su muerte el 18 de abril de 1973 a los 79 años.
El 25 de noviembre de 1924 nació en San Francisco (California) el saxofonista y compositor de jazz Paul Desmond. De padre alemán y madre irlandesa, fue conocido, sobre todo, por su pertenencia al Dave Brubeck Quartet y por ser el compositor del mítico 'Take Five' (1959), éxito que, a pesar de su inusual medida de 5/4, fue el primer tema instrumental de jazz en saltar a las listas de pop.
Se inició en la música a través de su padre, pianista y organista. En su época durante la high shool y la universidad estudió clarinete. Cuando a los 26 años se cambió al saxo alto, importó su estilo al clarinete, consiguiendo un tono etéreo que fue muy característico en su música. Sus melodías ofrecían una importante alternativa a la fuerza abrumadora de Charlie Parker y las exposiciones lineales de Lee Konitz. Tras breves colaboraciones con Jack Fina y Alvino Rey, se unió en 1951 al grupo con el que su nombre se vería relacionado para siempre, el Dave Brubeck Quartet. Primero como co-líder, más tarde como sideman, debido a su poco entusiasmo por las tareas organizativas, tuvo gran importancia en el sonido de la banda.
Después de una serie de exitosos conciertos del cuarteto en el circuito de universidades, lograron firmar un contrato con Columbia Records y su primer álbum con el sello fue 'Jazz goes to College' (1954). Durante los primeros años, los bajistas fueron Norman y Bob Bates con Joe Dodge a la batería. La formación más memorable comenzó a gestarse en 1956 con la inclusión de Joe Morello a la batería y, en 1958, se unió a ellos Eugene Wright al contrabajo, formando una excelente sección rítimica.
El punto álgido de esta colaboración fue el año 1959, cuando publicaron el álbum 'Time Out', que contenía la composición de Desmond, 'Take five'. El tema, escrito en un compás de 5/4, fue un acicate para que numerosos músicos de jazz comenzaran a experimentar con estructuras métricas más complejas. Con su empleo de compases inusuales, exuberantes y complicadas construcciones y contrapuntos finamente tejidos, el cuarteto contribuyó durante los años cincuenta y sesenta al acercamiento entre jazz y música clásica.
Por otro lado, Desmond realizó significativas grabaciones en solitario o acompañado de otros artistas como Gerry Mulligan ('Two Of A Mind' 1962), Jim Hall y Connie Kay ('Take Ten', 1963; 'Easy Living', 1965)yChet Baker. En 1967, tras la publicación de 'The Last Time We Saw Paris' (sin reedición en CD), que recogía temas de su última gira juntos, Desmond abandonó el cuarteto después de diecisiete años para liderar proyectos propios. En 1969 publicó 'Summertime', un ecléctico álbum de magnífica producción en el que Paul incorporó influencias brasileñas y caribeñas en su música.
En 1971 tocó con el Modern Jazz Quarteten el New York's Town Hall y volvió a reunirse con Brubeck, Morello y Wright para grabar en marzo de 1976 lo que sería el último disco del Dave Brubeck Quartet conmemorando su 25 aniversario.Un año antes, había publicado el excelente 'Pure Desmond', con Connie Kay a las baquetas, Ron Carter al bajo y Ed Bickert a la guitarra.
Desmond fue uno de los músicos más populares que emergieron de la escena del cool jazz de la costa oeste y dotado de un fino ingenio y sentido del humor, (en realidad se llamaba Paul Breitenfeld y el seudónimo de Desmond, lo buscó en un listín de teléfonos), donó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley's y especificó en su testamento que su cuerpo fuese incinerado porque, textualmente, "no quería ser un monumento camino del aeropuerto". (En Nueva York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios). Murió a los 52 años en mayo de 1977.
Chandler se quejaba más tarde en entrevistas de que Hendrix insistía en grabar muchas tomas de cada canción (al parecer, 'Gypsy eyes'
llevó 43 tomas, y a pesar de eso Hendrix aún no estaba satisfecho
con el resultado, buscando constantemente la 'atmósfera perfecta'). El perfeccionismo de Hendrix llevó al guitarrista Dave Mason a grabar 20 tomas de la guitarra acústica de 'All along the watchtower'. Tampoco la relación de Jimi con Noel Redding duró más allá del tercer trabajo discográfico tocando el bajista por última vez con Hendrix en junio de 1969. Jimi comenzó entonces a proyectar su nueva banda.
Asimismo, los productores de las grabaciones realizadas con Little Richard y Curtis Knight resucitaron un material que habla por sí solo del oportunismo comercial de las casas discográficas. El mismo Little Richard reconocía lo mal que se sentía Hendrix en su grupo. (Cuando Jimi se hizo famoso con The Experience, intentó prohibir la venta de todas la grabaciones realizadas en su periodo de aprendizaje con distintos grupos).
