Merle Travis

El 29 de noviembre de 1917 nació en Rosewood (Kentucky) el músico y cantautor country Merle Travis, autor del tema 'Sixteen tons'. Se crió en un condado minero que inspiraría muchas de sus canciones y fue uno de los grandes innovadores del 'fingerpicking' marcando el camino a numerosos guitarristas country como Chet Atkins, Doc Watson y Roy Clark.

Desde el principio se interesó en tocar la guitarra, iniciándose con una fabricada por su hermano y su estilo interpretativo se desarrolló a partir de una tradición del oeste de Kentucky, el fingerpicking, entre cuyos seguidores estaba el guitarrista de country blues Arnold Shultz. Shultz enseñó su estilo a varios músicos locales, incluyendo a Kennedy Jones, quienes lo transmitieron a otros guitarristas. La técnica cautivó a muchos músicos de la región, y fue inspiración para el joven Travis.

En 1944 Travis se mudó a Hollywood, donde su estilo se hizo aún más renombrado cuando empezó a trabajar en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en directo, y al interpretar pequeños papeles en varios filmes western de serie B. Grabó para pequeñas discográficas hasta 1946, año en el que firmó para Capitol Records, donde, tras habérsele solicitado la grabación de un álbum de canciones folk, Travis combinó canciones tradicionales con varias composiciones originales recordando los días de trabajo de su familia en la mina.

El resultado se estrenó con el nombre de 'Folk Songs of the Hills'. Este disco, en el que únicamente intervenía Travis acompañado de su guitarra, contiene sus dos canciones más recordadas, ambas centradas en las vidas de los mineros del carbón: 'Sixteen tons' y 'Dark as a dungeon'. Éxitos como 'Cincinnati Lou', 'No vacancy', 'Divorce me c.o.d.', 'Sweet temptation', 'So round, so firm, so fully packed', 'Three times seven' y 'Merle's boogie woogie', todas ellas composiciones propias, le dieron fama nacional, aunque no todos mostraban el trabajo con la guitarra que le había dado fama entre sus compañeros de profesión.

Guitarra Travis/Bigsby

Su diseño para una guitarra eléctrica, fabricada para él por Paul Bigsby, se piensa que inspiró la famosa Fender Telecaster de Leo Fender en 1950. Sus canciones fueron grabadas por artistas como Johnny Cash, Nitty Gritty Dirt Band, Dolly Parton, Doc Watson y Tennessee Ernie Ford, que convirtió en 1955 su 'Sixteen tons' en un hit internacional.

La serie de éxitos de Travis en los años cuarenta no continuó en los cincuenta, a pesar de sus actuaciones radiofónicas y de la estima de amigos como Johnny Cash, Grandpa Jones y Hank Thompson. Travis siguió grabando para Capitol en la década de 1950, ampliando su repertorio con 'The Merle Travis guitar' (1956), 'Walking the Strings' (1960) y 'Songs of the coal mines' (1963). En 1953 apareció en la película 'De aquí a la eternidad' interpretando 'Reenlistment blues'. Travis murió de un infarto a los 65 años en octubre de 1983.

Billy Strayhorn

El 29 de noviembre de 1915 nació en Dayton (Ohio) el pianista compositor y arreglista de jazz Billy Strayhorn, conocido por su labor junto a Duke Ellington durante casi treinta años. Aunque fue autor de numerosas piezas de Duke, se sentia cómodo con su papel de arreglista y director musical en la sombra tratando de sacar el mejor sonido de la banda y consiguiendo lo que él mismo llamaba el 'efecto Ellington'. Duke, por su parte, no permitió que su labor pasara desapercibida y en su autobiografía afirmó que Strayhorn "no era como muchos decían, mi 'alter ego'. Billy Strayhorn fue mi brazo derecho, mi brazo izquierdo y el ojo que me vigilaba la espalda"

Aunque nació en Ohio, su familia se trasladó primero a Hilssborough (Carolina del Norte) y después a Pittsburgh (Pennsylvania)), donde Billy asistió a la Westinghouse High School y estudió en el Pittsburgh Musical Institute. Allí desarrolló una gran maestría al piano clásico, influencia que sería evidente en muchas de sus composiciones, que recuerdan a compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel. Strayhorn tocó con pequeños grupos en el área de Pittsburgh y poco después de cumplir los veinte ya había compuesto temas como 'Something to live for' y 'Lush life'.

Billy Strayhorn

Con 19 años compuso el musical 'Fantastic Rhythm' e influido por pianistas como Art Tatum y Teddy Wilson se decidió por el jazz, ya que en los años treinta la música 'culta' no admitía músicos negros. Tocó en un combo llamado Mad Hatters y en 1938 durante una visita de Duke Ellington a Pittsburgh, Billy le mostró sus composiciones. Duke, en principio impresionado por las letras de Strayhorn, solicitó poco más tarde sus servicios como arreglista en Newark (New Jersey). Cuando acabaron la primera sesión de ensayos, Ellington se acercó a Strayhorn, le abrazó y dijo: "Estás contratado para toda la vida".

Duke Ellington y Strayhorn

Los siguientes 29 años de su vida estuvieron dedicados a la orquesta de Duke, componiendo, arreglando y en ocasiones, tocando el piano. Un periodo particularmente notable ocurrió durante una huelga de la Asociación de Autores Americana (ASCAP) en 1941. Como miembro de la Asociación, Ellington no podía interpretar sus propias composiciones en la radio, por lo que Strayhorn, que no era socio, tuvo la oportunidad de componer varias piezas para la orquesta. La más famosa de ellas fue 'Take the A train', inspirado en una línea de metro que llevaba a Harlem. Cuando fue contratado en 1939 por Ellington, éste le dio dinero para viajar a Nueva York y le entregó un papel con las notas y direcciones para que Billy encontrase su casa. La primera frase era Take the 'A' train' (Coge el tren de la línea A). 

Strayhorn, que era un gran fan de los arreglos de Fletcher Henderson recordaba en una entrevista posterior: "Un día comenzé a pensar en el estilo de Fletcher. En cómo escribía para trompetas, trombones y saxofones y pensé en probar algo en ese estilo".

Strayhorn compuso muchos otros temas, pero al ser interpretados por la orquesta de Duke, eran consideradas obras de Ellington. Fue el caso de 'Lotus blossom', 'Rain check' y 'Chelsea bridge', de 1941 y de 'Flower is a lovesome thing' de 1949, todas ellas piezas clásicas del repertorio de la orquesta. La colaboración de ambos músicos continuó fructificando en los años cincuenta y sesenta. Billy participó con Ellington en la autoría de 'Day dream' y 'Satin doll'. y en los álbumes 'Such Sweet Thunder', 'A Drum is a Woman', 'The Perfume Suite' y 'The Far East Suite'. Otras obras destacables fueron las adaptaciones de la suite Cascanueces de Tchaikovsky y de la suite Peer Gynt de Edward Grieg,

Críticos, músicos y estudiosos del jazz difieren en considerar si es posible determinar quién escribió cada una de las partes de sus obras conjuntas. Mientras algunos, como Gunther Schuller señalan una serie de características personales de cada compositor y son capaces de discernir de cuál de los dos procede cada nota, otros afirman que es prácticamente imposible e inútil. Lo importante es constatar que ambos tenían el mismo objetivo en mente cuando componían lo que facilitaba el constante flujo de ideas que emanaba de los dos.
Su trabajo con Ellington en la banda sonora de 'Anatomía de un asesinato', film de Otto Preminger de 1959, recibió un Grammy a la mejor música para cine o TV.

Strayhorn era un hombre menudo, sosegado, tranquilo y... homosexual, en un momento de la historia americana en la que era muy duro y difícil ser gay, especialmente en el masculino mundo del jazz. Ellington y los músicos de la banda sentían un gran afecto por él y le protegían en todo momento. Acuñaron para él varios apodos cariñosos, entre ellos, 'Strays', 'Wheely' y 'Swee' Pea' (Cocoliso), éste último, el más utilizado, puesto por el saxofonista Toby Hardwick, que tomó el nombre del personaje de Popeye.

La muerte de Strayhorn en mayo de 1967 a los 51 años afectó profundamente a Duke Elington. Cuando este aceptó dos años después la Medalla de la Libertad de manos del presidente de los Estados Unidos, Duke recordó las cuatro libertades con las que vivió Billy Strayhorn: "Libre de odiar incondicionlamente; libre de sentir lástima de mi mismo; libre de sentir miedo a hacer más bien a otro que a mí mismo; y libre de la arrogancia que hace sentir que soy mejor que mi hermano". Ellington publicó tras su muerte un álbum dedicado a su memoria: 'And His Mother Called Him Bill'. En los años setenta y ochenta, la música de Strayhorn fue más conocida a través de las intepretaciones de otros artistas como el saxofonista Joe Henderson o el trompetista Art Farmer, que han dedicado varios álbumes a las obras de Billy.

Gaetano Donizetti

El 29 de Noviembre de 1797, nació en una zona suburbana de Bérgamo, Borgo Canale, ubicado cerca de los límites de la ciudad, el  prolífico compositor italiano de óperas Gaetano Donizetti.

Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más prolífico, con 71 óperas en su haber, escritas entre 1816 y 1844.
Quinto hijo de una modesta familia, fue admitido a los nueve años en las Lezioni Caritatevoli, una escuela gratuita de música destinada a formar coristas e instrumentistas para las funciones litúrgicas.

Sus tempranas dotes musicales llamaron la atención del creador de dicha institución, el compositor alemán Simon Mayr, quien decidió tomarlo bajo su protección. Bajo su guía, y más tarde bajo la del padre Mattei –el maestro de Rossini– en Bolonia, Donizetti se inició en los secretos de la composición, escribiendo con increíble facilidad cuartetos de cuerda, sinfonías y su primera ópera, el intermezzo en un acto 'Pigmalione'.

La ópera sería el género al que dedicaría sus mayores esfuerzos creativos. La primera oportunidad de darse a conocer en este campo le llegó en 1818 con “Enrico di Borgogna”, obra que, a pesar de su irregularidad, obtuvo una calurosa acogida. La madurez de su estilo, y con ella sus primeras obras maestras, llegaron en la década de 1830, con títulos como “Anna Bolena”, “L'elisir d'amore”, “Maria Stuarda” y “Lucia di Lammermoor”. En sus últimos años, la salud del músico fue decayendo irremediablemente: internado en un manicomio en París y luego en su Bérgamo natal, murió aquí prácticamente perdida la razón al parecer a causa de la sífilis terciaria. Aunque no toda su producción alcanza el mismo nivel de calidad, su música, al tiempo que permite el lucimiento de los cantantes, posee una incontestable fuerza dramática y un arrebatado lirismo que lo convierten en el más directo precursor del arte verdiano.

Principales obras:
- “L’elisir d’amore” (1832), Aria “Una furtiva lagrima” (Enrico Caruso); Dueto "Quanto amore! Ed io spietata..." (Angela Gheorghiu  & Adina Giuseppe Filanoti). Se trata de una ópera cómica en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani, basado en el libreto “Le philtre” (1831) de Eugène Scribe para la ópera de Daniel-François Auber.

La acción se desarrolla en una aldea de Italia, a finales del siglo XVIII. Nemorino, joven melancólico e ingenuo, está enamorado de Adina que sólo le transmite indiferencia excitando los celos del muchacho. que vende el doctor Dulcamara, un charlatán embaucador que le asegura que tiene que despertar una pasión incontenible en la muchacha. Se trata, de hecho, de vino de Burdeos. Este hecho irrita todavía más a Adina, que por despecho anuncia su casamiento inminente con Belcore, un sargento que ha llegado al barrio con su regimiento. Nemorino, desesperado, pide a Dulcamara una nueva dosis de el elixir milagroso que acabe de decidir Adina. Pero no tiene dinero y se alista en el ejército como soldado.

Dulcamaro y su 'elixir del amor'

Las mujeres del pueblo se enteran que Nemorino ha heredado una gran fortuna y lo persiguen, lo cual el joven atribuye a la eficacia milagrosa del elixir. Adina, al enterarse que Nemorino se ha hecho soldado para conseguir dinero para comprar el elixir, se enternece por la fidelidad y la pasión del muchacho. Adina deshace su compromiso para casarse con Nemorino. Belcore, herido en su orgullo, responde que tiene a su alcance todas las mujeres que quiera. Dulcamara declara que toda la situación es debido a su prodigiosa poción mágica. Fascinados por el resultado, todos corren a comprar botellas del «elixir amoroso».

- “La favorita, Parisina” (1833), Aria "A tanto amor" (Mattia Battistini, el 'Rey de los barítonos'); “Oh mio Fernando” (Ann Hallenberg, mezzo-soprano) que consiste en una “grand opéra” en cuatro actos con libreto en francés de Alphonse Royer, Gustave Vaëz y Eugène Scribe, basado en la pieza teatral “Le Comte de Comminges” (1764) de François-Thomas-Marie de Baculard d'Arnaud.

- “Lucrezia Borgia” (1833), Aria de Lucrecia "Com'è bello" (Mariella Devia), de Orsino Brindisi "Il segreto per esser felice" (Elīna Garanča, Coro del Teatro Comunale di Bologna., dir. Roberto Abbado), "Di pescator ignobile" (Alfredo Kraus) y el aria de bajo "Vieni, la mia vendetta!" (Michele Pertusi) que es un melodrama, u ópera, en un prólogo y dos actos. El libreto fue escrito por Felice Romani basándose en el drama homónimo de Victor Hugo, a su vez según la leyenda de Lucrecia Borgia, y no se representa tan regularmente como algunas de las partituras más populares de Donizetti.

- “Maria Stuarda” (1834) – “Oh nube che lieve” (Monserrat Caballé) sobre cuya música Donizetti fue obligado a anexar un texto menos inquietante, es una ópera seria en tres actos con libreto en italiano de Giuseppe Badari. Fue estrenada el 30 de diciembre de 1835 en el Teatro de La Scala de Milán. Forma parte de la Trilogía Tudor (junto a Anna Bolena y Roberto Devereux), las óperas que Donizetti compuso en torno a la figura de Isabel I de Inglaterra.

- “Lucia di Lammermoor” (1835), “Il dolce sonno” (Anna Netrebko), “Regnava nel silenzio...Quando rapito in estasi” (acto I, escena 2) (María Callas). "Spargi d'amaro pianto" (acto III, escena 1)  (María Callas).

Esta ópera obtuvo mayor éxito que ninguna otra. Es un drama trágico en tres actos con libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basado en la novela “The Bride of Lammermoor” de Sir Walter Scott. La historia se refiere a Lucy Ashton (Lucía), una joven mentalmente frágil que se ve atrapada en la enemistad entre su propia familia y la de los Ravenswood. Se ambienta en la colinas Lammermuir de Escocia (Lammermoor) en el siglo XVII.

Don Pasquale

En 1843, llegó a París la última y más momentánea comedia del compositor: “Don Pasquale” – “Come gentile” (Lucia Popp & Francisco Araiza); Cantata (Duetto) (Juan Diego Florez, Isabel Rey); "Quel guardo il cavaliere" (Lucia Popp); Aria acto 2 (Alfredo Kraus); Final (Juan Diego Flórez, Isabel Rey, Coro y orquesta de Zurich), la cual no sólo alcanzó el éxito sino que también tuvo el honor de ser integrada a la gran tradición italiana de óperas cómicas. Es una ópera bufa en tres actos con libreto en italiano de G. Ruffini y el propio compositor, adaptado del texto de la ópera italiana Ser Marco Antonio, escrito por Angelo Anelli para Ser Marcantonio (1810) de Stefano Pavesi.

Don Pasquale

Esta obra muestra claramente el talento melódico de Donizetti, su instinto para conectar con el público (como el que manifestó Rossini) y la madurez musical del compositor. Siguiendo los dictados estilísticos del belcantismo, la línea vocal de los personajes está muy cuidada, ahora que los efectos de conjunto se encuentran reforzados. El canto es el gran protagonista, exigiendo al solista una gran agilidad vocal, exactitud en la afinación, largo fraseo y brillante virtuosismo.

En la obra se encuentran los elementos definitorios de la ópera de este estilo: cavatinas, serenatas, nocturnos, dúos, tercetos y los concertantes o escenes de conjunto que cierran los actos, además de las arias y los recitativos acompañados de orquesta, por lo que se refiere a la transición entre las partes líricas y las narrativas más fluida y contribuye a que la acción avance más rápidamente, (ya que los tres elementos -incluido el concertante-, se reparten la tarea de avanzar en la acción, no como en la ópera anterior), lo que hacía nada más que el recitativo. Se refuerzan los números concertantes  frente a las arias, equiparando el papel de ambos dentro de la obra. Las arias se hacen más cortas y se añade al final una cabaleta, más rítmica y rápida.

Fue también una despedida para el compositor, pues durante décadas había estado sufriendo de fiebre continua, dolores de cabeza y náuseas, acompañadas de una arritmia cerebral. Después de ser ingresado en 1845, fue enviado a París, donde pudo ser atendido. Tras recibir la visita de varios amigos, incluyendo Giuseppe Verdi, Donizetti regresó a Bérgamo, su localidad natal, donde murió en 1848, en la casa de la noble familia Scotti, tras varios años preso de la locura. Fue enterrado en el cementerio de Valtesse, aunque a finales del siglo XIX su cuerpo fue transferido a Bérgamo, a la Basílica de Santa María la Mayor, cerca a la tumba de su maestro Johann Simon Mayr.

Monumento a Donizetti en Bérgamo

LP 'Briefcase Full Of Blues'

El 28 de noviembre de 1978 se publicó bajo el sello Atlantic en Estados Unidos el álbum debut de la banda The Blues Brothers, 'Briefcase Full Of Blues' que en febrero del año siguiente alcanzó el nº1 de las listas Billboard y vendió más de dos millones de copias.

De forma parecida a los Monkees, los Blues Brothers comenzaron como personajes de un show de TV antes de evolucionar a una banda real. En otoño de 1977 el programa de la NBC 'Saturday Night Live' llevaba dos años en antena y se había convertido en uno de los shows más vistos de la TV estadounidense. Los actores cómicos Dan Aykroyd y John Belushi estaban entre los más populares del reparto, pero ambos albergaban también otros intereses.

Paul Shaffer

Paul Shaffer, director musical de SNL y posteriormente, de los Blues Brothers, recuerda los inicios del grupo: "Los Blues Brothers nacieron cuando John y Danny decidieron cantar un poco de blues para calentar al público antes de la emisión de SNL" Para ello, además, habían desarrollado los alter egos de Jake y Elwood Blues, vistiendo trajes y sombreros oscuros y gafas Ray Ban. El número se hizo tan popular que fue incluido en el show y poco después, Aykroyd y Belushi decidieron grabar un álbum. Shaffer les ayudó a reunir los músicos para la banda. "Reunimos a los chicos uno a uno, como mostró un par de años después la película". Contrataron a varios músicos de la banda de SNL, como Tom Malone, Lou Marini y Steve Jordan, así como a los legendarios Steve Cropper y Donald 'Duck' Dunn, arquitectos del sonido Stax. A ellos se añadieron el trompetista Alan Rubin y el guitarrista de blues Matt Murphy.

A pesar de proceder del mundo del humor y la comedia, su amor por el blues no era ninguna broma. "Danny tenía una experiencia considerable como armonicista adquirida en Canada con una banda de blues y John había tocado en  grupo de rock en el instituto. Se enganchó al blues mientras rodaba 'National Lampoon's Animal House'". Durante aquel rodaje, Belushi conoció al bluesman Curtis Salgado, que formaba parte de un grupo liderado por el guitarrista Robert Cray. "Fue Curtis, en sesiones tras los rodajes, quien le enseñó a John todo lo que había que saber sobre el blues, por lo que cuando nos citamos para elegir el material del disco, él ya era un experto en la materia"

Los ensayos demostaron enseguida el gran potencial de la excelente agrupación de músicos. Cuando sonaron los primeros compases de 'Soul man', Cropper y Dunn se miraban con complicidad, sintiendo el déjà vu al haber participado ellos en el hit original de Sam & Dave. Una vez conjuntados, se lanzaron a la carretera como parte del show de Steve Martin. El álbum se grabó en el Universal Amphitheatre de Los Angeles en septiembre de 1978 y siete semanas después de su publicación alcanzó el primer puesto de las listas Billboard de álbumes, espoleado por el single 'Soul man', que fue Top20.

'Opening: I can't turn you loose'" (Otis Redding)

'Hey bartender' (Floyd Dixon)

'Messin' with the kid' (Mel London)

'(I got everything I need) Almost' (Donnie Walsh)

'Rubber biscuit' (Charles Johnson, Adam R. Levy)

'Shot gun blues' (Walsh)

'Groove me' (King Floyd)

'I don't know' (Willie Mabon)

'Soul man' (Isaac Hayes, David Porter)

'B' movie box car blues' (Delbert McClinton)

'Flip, flop & fly' (Jesse Stone, Big Joe Turner)

'Closing: I can't turn you loose' (Redding)

Los siguientes álbumes de la banda no repitieron el mismo éxito y su carrera se vio interrumpida en 1982 por la repentina muerte de Belushi de una sobredosis de cocaína, pero Jake y Elwood Blues han seguido vivos en sucesivas reencarnaciones y secuelas de los Blues Brothers que se vienen produciendo desde 1988 hasta el presente.

Arriba: Steve Jordan, Tom Scott, Steve Cropper, Matt Murphy, Paul Shaffer y Tom Malone - Abajo: Lou Marini, Elwood, Blues, Jake Blues, Alan Rubin y Donald 'Duck Dunn

Elwood Blues – Voz solista, armónica

Jake Blues – voz solista

Matt 'Guitar' Murphy – guitarra solista

Steve 'The Colonel' Cropper – guitarra

Donald 'Duck' Dunn – bajo

Paul 'The Shiv' Shaffer – teclados, voces

Steve 'Getdwa' Jordan – batería, voces

Lou 'Blue Lou' Marini – saxos alto y tenor

Tom 'Triple Scale' Scott – saxos alto y tenor

Tom 'Bones' Malone – saxos tenor y barítono, trombón, trompeta, voces

Alan 'Mr. Fabulous' Rubin – trompeta, voces

Jean Baptiste Lully

El 28 de noviembre de 1632 nació en Florencia, Italia, el compositor francés de origen italiano, Jean Baptiste Lully, uno de los introductores de la ópera en Francia, cuyo verdadero nombre era Giovanni Battista Lulli.

Jean Babtiste Lully

Viajó a Francia con 14 años pues había llamado la atención del Caballero de Guisa, y en 1652, con veinte años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. En 1653, Lully bailó con el rey: “El Ballet de la Nuit”. En 1656 fue nombrado director del conjunto que el rey había formado para él, los “16 petit violons”, un grupo severamente preparado que muy pronto superaría en calidad a los ya existentes “24 violons du roi”. En 1671 obtiene el cargo de superintendente de la Música de Cámara y, tras serle otorgada la nacionalidad francesa, se convierte en maestro de música de la familia real, casándose con la hija del que fue su profesor, Michael Lambert, renombrado laudista y maestro de canto.

Jean Babtiste Lully

Durante un cuarto de siglo, el que fuese hijo de un humilde molinero italiano, tuvo poder absoluto sobre la vida musical francesa, incluidas la ópera, el ballet y la música teatral, así como cualquier publicación musical. A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, con quien creó un nuevo género: la comedia ballet, sin renunciar por ello al ballet cortesano de manera definitiva. Compuso ballets, como el “Ballet Royal d' Alcidiane et Polexandre" (LWV 9, 1658) (Ensemble La Follia, Miguel de La Fuente) con texto de Issac de Bensérade basado en Polexandre de Marin Le Roy de Gomberville, una novela publicada en 1636 que cuenta las aventuras del rey de las islas Canarias viajando por el mundo desde Dinamarca pasando por Marruecos, Senegal y las Indias Occidentales, en busca de Alcidiane, reina de la Isla Inaccesible, a donde llega después de superar algunos naufragios y muchas vicisitudes.

La 'Obertura' (Aradia Baroque Ensemble - Kevin Mallon) es considerada la primera compuesta en términos de lo que se llamó Obertura francesa (tres movimientos: lento, rápido, lento). Compuso una serie de ballets cómicos como “Les fâcheux” (1661) y “Matrimonio a la fuerza” (1665). Algunas de sus primeras obras, de la época en la que era, sobre todo violinista, y posteriormente, compositor de bailes y de aires en estilo italiano, son: “Ballet de Xerxès" (1660) (Naxos), “Les Amours Déguisés” (1664); “La Naissance de Vénus” (1665) y “Les Muses” (1666). Otras comédies ballets, realizadas en colaboración con Molière son “Le Mariage forcé” (1664); “L'Amour Médecin” (1665) (Le Concert Des Nations, Jordi Savall); “Georges Dandin” (1668) y “M. de Pourceaugnac” (1669).

A causa de una visita de un enviado turco a la corte francesa, en Francia surgió un insólito interés por todo lo relacionado con la cultura turca.

Fue entonces cuando Lully, de nuevo con la colaboración de Molière, compone una de las cumbres la comedia-ballet francesa, “Le Bourgeois Gentilhomme” (1670), Obertura (Orchestre du Roi Soleil, Le Concert des Nations, Jordi Savall); "La cérémonie des turcs", (Les Musiciens du Louvre, dir. Marc Minkowski); "Marche Pour la Cérémonie Des Turcs” (Le Concert des Nations, Jordi Savall). La obra contiene interludios musicales entre los actos, que en realidad forman parte de la misma obra. El estilo tanto del texto como de la música es tan alegre como satírico, con frecuentes referencias un tanto irónicas al estilo turco y a otras modernas tendencias musicales.

Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique». Colmado de honores y riquezas, compuso por lo regular una ópera anual, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de su época, como Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault, gracias a una orden del rey que limitaba el número de instrumentos y cantantes por composición musical a todo el que no solicitara un permiso expreso de Lully en caso de que quisiera componer para más de lo establecido.

Jean Babtiste Lully

En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del rey. Podemos destacar uno de los conciertos dedicados al monarca: “Concert donné au souper du Roi : 7.Grand Air en suite, 10.Passacaille (Musica Florea - Marek Štryncl). Se hizo prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV. El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que denominaba tragedias líricas) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. Entre ellas cabe destacar “Perseo” (1682), “O tranquille sommeil” (Monte Carlo Philharmonic Orchestra, tenor Rockkwell Blake).

“O tranquille sommeil”

Mercure:
O tranquille sommeil, que vous êtes charmant!
Que vous faites sentir un doux enchantement dans la plus triste solitude!
Votre divin pouvoir calme l'inquiétude.
Vous savez adoucir le plus cruel tourment.
O tranquille sommeil, que vous êtes charmant!

Mercurio:
¡Oh, duerme tranquila, eres maravillosa!
Tú me haces sentir una dulce alegría en la más triste soledad.
Tu divino poder calma la ansiedad.
Tú haces más suave el más cruel de los tormentos.
¡Oh, duerme tranquila, eres maravillosa!

Desde el punto de vista musical sus óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el “ballet de cour” (ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Lully fue creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la «tragédie lyrique», el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el conjunto de la música europea de su tiempo fue inmensa debido al importante número de discípulos franceses y extranjeros que llegó a tener. Tuvo que afrontar un escándalo del que salió bien librado al revelarse sus tendencias bisexuales en un oscuro caso que involucró al paje de un marqués. El rey le defendió, pero se sabe que en privado lo reprendió y le instó a cambiar de costumbres.

Lully, La Barre y otros músicos, pintura de Tournières (1667-1752)

Lully no sólo fue un gran compositor; fue además un formidable director que, como ningún otro, gustaba de cuidar la exactitud y la precisión rítmica de las obras que dirigía. Su temperamento, auténticamente italiano, le llevaba a dirigir con un excesivo rigor, valiéndose de un bastón para marcar los tiempos del compás.

Durante la interpretación de su famoso “Te Deum”, con el cual se celebraba la curación de una enfermedad que había padecido el rey, dirigió con tanta vehemencia a la hora de señalar el compás con el bastón que acabó atravesándose un dedo del pie, a consecuencia de la herida que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le provocó una infección que acabó lentamente con su vida, ya que su pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna para poder salvarse. Murió por una gangrena en París, en 1687.

Su influencia posterior fue extraordinaria y sus óperas — especialmente “Alceste” suite (Le Concert Des Nations, Jordi Savall) y "Armide", 1686 (Coro y orquesta capilla Real)— se representaron por toda Europa e inspiraron a compositores de la talla de Gluck y Rameau. La publicación de sus oberturas instrumentales y suites de danza dio lugar a la Suite Francesa, género cultivado por Bach y Haendel. La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa abandonó el recitativo de eco y lo sustituyó por un recitativo con acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban.  Lully evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto franceses.

Estreno del ballet Alceste en el palacio de Versalles el 4 de julio de 1674  (Jean Le Pautre)

En la última etapa de su vida, compuso trece «tragédies lyriques», la mayoría sobre textos de Philippe Quinault:

• “Cadmus et Hermione”, 1673
• “Thésée”, 1675, (Les Arts Florissants / William Christie)
• “Atys”, 1676, (Les Arts Florissants / William Christie)
• “Isis”, 1677, fragmento de la película “Le Roi Danse” (El rey está bailando). Se interpreta un fragmento de la ópera “Isis”, con libreto de su colaborador habitual Philippe Quinault.
• “Psyché”, 1678, Obertura (Boston Early Music Festival. Paul O´Dette).
• “Bellérophon”, 1679, Choir 3, (Le Choeur de Chambre de Namur, dir. Thibaut Lenaerts)
• “Proserpine”, 1680, Obertura, (Le Concert Spirituel, Hervé Niquet, director), Preludio y Minueto (Mark Howard, piano)
• “Phaëton”, (1683) - Obertura
• “Amadis de Gaula” (1684) (Capriccio Stravagante & dir. Skip Sempé)
• “Roland”, (1685) - Obertura (Les Talens Lyrique, & Christophe Rousset).
• “Achille et Polyxène”, 1687 - Prólogo y Acto I – Bourrée (Terminada por Pascal Collasse)

También compuso una pastoral heroica:
• “Acis et Galatée” 1686 (Les Musiciens du Louvre & dir. Marc Minkowski)

Lully en el cine:
La “Marcha para la ceremonia de los Turcos” es una solemne e imponente marcha que compuso Lully para la obra de teatro “El burgués gentilhombre” y se utilizó en el film "Tous les matins du monde" en una escena en la que Marin Marais dirige a la orquesta de Versalles con un bastón similar al que causó la muerte a Lully. Otro film, “Le Roi danse” (El Rey Baila), dirigido en 2000 por Gérard Corbiau, describe el lado artístico de Luis XIV y su patrocinio a los artistas como creadores de belleza.

Luis XIV, el protector de las artes

Por una parte, Luis es el rey, pero por otra le gusta bailar y tiene un gran talento para ello. Pero no se puede ser un gran bailarín y dirigir Francia. Este relato parece implicar que en un principio, para Luis, el arte era lo más importante de su reinado. Instruido por Jean-Baptiste Lully, el rey se obsesiona con la danza, al mismo tiempo que Lully se obsesiona con el rey. La belleza empuja al monarca a convertir los pantanos de Versalles en la residencia real más famosa del mundo. "Le Roi Danse" (Orchestra: Musica Antiqua Köln, dir. Reinhard Goebel)