Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 1 de junio de 1926 nació en Los Ángeles (California) la actriz y cantante norteamericana Norma Jeane Mortenson, más conocida como Marilyn Monroe. Entre 1947 y 1962 intervino en 41 películas y, tras su muerte, se convirtió en un icono pop y cultural de los años sesenta. Aunque no cantó profesionalmente, grabó 35 canciones, la gran mayoría contenidas en los films musicales que interpretó.
Comenzó su carrera como modelo fotográfica y a partir de 1946 comenzó a interpretar pequeños papeles en películas de bajo presupuesto. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que protagonizara el musical 'Los caballeros las prefieren rubias' (1953) y apareciera en el número inaugural de la revista Playboy. Interpretó el papel principal en las comedias 'Cómo casarse con un millonario' (1953), 'The Seven Year Itch' (La tentación vive arriba, 1955) y 'Bus Stop' (1956) y, gracias al éxito taquillero de estas películas, desde entonces comenzó a ser considerada como un auténtico sex-symbol y una de las actrices más rentables de la industria cinematográfica. Su mayor éxito comercial fue 'Some Like it Hot' (Con faldas y a lo loco, 1959), film por el que ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.
La única canción -no contenida en la lista mencionada- que cantó ante el público (15.000 personas) fue'Happy Birthday Mr President' en el Madison Square Garden, durante la celebración del 45 cumpleaños del presidente Kennedy. Tres meses después, el 5 de agosto de 1962 apareció muerta en su apartamento por una probable sobredosis de barbitúricos, aunque lo que sucedió realmente nunca se sabrá. Marilyn tenía 36 años.
El 1 de junio de 1804 nació en Novospaskoie, Rusia, el compositor Mijail Ivanovich Glinka recordado como el 'padre de la escuela nacionalista rusa'. Glinka nació en el seno de una familia de pequeños propietarios, por lo que la acomodada situación familiar le permitió recibir una esmerada y cosmopolita educación musical con maestros privados, italianos y alemanes. Durante un viaje a Italia realizado en 1830 tuvo la oportunidad de ampliar sus conocimientos al lado de compositores como Bellini y Donizetti. A su regreso a su patria, en 1834, entró en contacto con los cenáculos literarios más importantes del momento, entablando amistad con Pushkin y Gogol.
Glinka en 1840
La labor de éstos en pos de una literatura nacional incitó al compositor a escribir una ópera sobre un episodio histórico ruso: "La vida por el zar” - “Aria de Vanya” (Yelena Zaremba, mezzosoprano). La ópera era innovadora, no solo por su contenido, sino también por su interpretación, complejidad y por la claridad de las partes vocales. Cabe mencionar que Glinka estudió en prestigiosas escuelas de canto de ópera, primero en Rusia y posteriormente en Italia. El virtuosismo de ciertas partes vocales de sus óperas no tenía competencia entre los músicos de su época. Mediante su participación activa, a partir de su trabajo se fundó la escuela vocal rusa. Su estreno en 1836 significó el nacimiento de un estilo nacional inspirado en el folclore y libre de las influencias alemana e italiana.
Escena de 'Ruslán y Ludmila'
A esta obra siguió en 1842 "Ruslán y Ludmila" según el poema homónimo de Pushkin, Obertura (Berlin Philharmonic) cuya estética fantástica y popular iba a marcar la producción del Grupo de los Cinco. Glinka se volvió a mostrar como un músico innovador: esta ópera sentó las bases para el teatro de ópera de cuento épico, anteriormente desconocido en Europa: una mezcla extravagante que presenta distintos géneros musicales e imágenes: épica, lírica, oriental, fantástica (precisamente en el mismo estilo, Tchaikovski creó los ballets La bella durmiente, El Cascanueces, etc.).
Retrato de Glinka pintado 30 años tras su muerte
Años más tarde, Glinka visita España. Estudia ávidamente cultura y vida casera españolas, y reside en Fresdelval. La imagen romántica de España se forma a base del conocimiento de la vida real, las tradiciones, la música. El folclore español dicta al compositor un método especial en arreglar las cuestiones del material, forma y orquestación. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas españolas”. Inspiró su influencia española de la jota aragonesa, en un “Capricho Brillante” también conocido como “La Primera Obertura Española”.
La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de Castilla” hasta “Recuerdo de una noche de verano en Madrid”. Otras obras instrumentales son la Sonata para viola en Re menor, Nocturne "La Séparation" (Hermann Ritter) y “Capriccio on russian themes Piano”.
Glinka compuso la fantasía sinfónica 'Kamárinskaya', basada en dos canciones rusas, una lírica, de boda y otra viva, de baile. Con esta obra, al crear una combinación hábil y atrevida de diferentes ritmos, caracteres y ánimos, Glinka estableció un nuevo tipo de música sinfónica y sentó las bases para su desarrollo posterior. Así comentó Piotr Tchaikovski la obra de Mijaíl Glinka: “Como un roble en la bellota, toda la escuela sinfónica rusa está contenida en la fantasía sinfónica Kamárinskaya” (New Japan Philharmonic orchestra & dir. Mikhail Leontyev).
Su creación, iluminada con la luz de las tradiciones espirituales de la cultura rusa, ha definido el camino del desarrollo de la música clásica rusa a lo largo de todo el siglo XIX. Gracias a la alta instrucción, la grandeza del pensamiento, el saber alcanzar el nivel de la generalización filosófica, discutiendo el problema de “lo ruso y lo europeo”, Glinka hace unir los logros del arte musical extranjero con la canción popular rusa. A lo mejor, la frase suya que se ha hecho proverbial, exprese su idea principal de música: “El pueblo es el que crea la música, nosotros, los artistas, solo la arreglamos”.
Óperas
• "La vida por el zar" - “Cavatina y Rondó” Acto 1 (Anna Netrebko, Orchestra of the Mariinsky Theatre & Valery Gergiev)
• "Ruslán y Ludmila" (Ludmilla - Anna Netrebko , Ruslan - Vladimir Ognovienko , Svetozar - Mikail Kit & dir. Valery Gergiev, Orquesta y coro - Kirov Opera) - Aria (Alexandrina Pendatchanska)
El 31 de mayo de 1948 nació en Redditch (Inglaterra) el músico John Bonham, conocido por haber sido el baterista de Led Zeppelin y considerado para muchos el mejor de la historia del rock. Aún hoy, 35 años después de su desaparición, sigue figurando como el mejor baterista de rock en numerosas listas. Murió a los 32 años en septiembre de 1980 mientras dormía tras una descomunal borrachera de Vodka.
Uno de sus admiradores, Roger Taylor de Queen dijo: "Fue el más grande de todos los tiempos. Hizo cosas que nadie había imaginado que se pudieran realizar con una batería. Supo sacar el mejor sonido de su instrumento, que sonaba inmenso con sólo un bombo. Era tan rápido con él que lograba más con solo un bombo que muchos otros con dos. Poseía una técnica extraordinaria y un feeling para el rock and roll inigualable"
El 31 de mayo de 1656 nació el compositor y violagambista francés nacido en París, Marin Marais, una de las figuras más destacadas de la floreciente escuela francesa de “viola da gamba” que surgió a final del XVII y se desarrolló a lo largo del siglo siguiente, discípulo de Jean-Baptiste Lully y de Monsieur de Sainte-Colombe, ha sido durante tres siglos modelo de excelencia y fuente de exquisito deleite musical tanto para los profesionales como para los aficionados a la música.
Su gran destreza al tocar la viola da gamba le llevó en 1676 a dirigirse a Versalles para actuar como violista en la corte francesa de Luis XIV. Destacó en ese puesto y en los años siguientes fue nombrado “violista Regular de la Casa del Rey” y allí permaneció hasta su retirada en 1725. Marais desarrolló la viola a su más alto grado de perfección, y lo que aún es más importante, expandió todas sus posibilidades y capacidades de generar belleza.
“No llegarás a saber qué es la música, ni para qué existe. Para saber esto es necesario huir del mundo y de su ostentación. Recluirse, buscarse,... callar”, fueron las palabras su profesor Lully. Y años después Marin Marais se recluirá en una cabaña durante mucho tiempo en busca de esa música. Tuvo 19 hijos, muchos de ellos músicos reconocidos. Murió en París en 1728.
Es el compositor más prolífico de música para viola da gamba (500 composiciones) y sus obras más importantes para éste instrumento fueron publicadas en cinco colecciones, cinco libros de "Pièces de viole", entre 1686 y 1725. Su catálogo de obras incluye también óperas, quizás la más conocida es “Alcyone” (1706) por su “Escena de la tempestad” (Le Concert des Nations & Jordi Savall)
Obras destacables
-Las piezas para viola están reunidas en cinco libros:
1) Primer libro de piezas de viola (1686):
Piezas a una y dos violas (1686), “Chaconna” (Le Concert des Nations & Jordi Savall);
Bajo continuo de piezas de una y dos violas, además de piezas en partes separadas (1689);
2) Segundo libro de piezas de viola (1701)
- Suite En Mi Minor: “Tombeau Po' Mr. De Ste. Colombe”, (Jordi Savall, viola da gamba; bajo - Pierre Hantaï, clave; Rolf Lislevand y Xabier Díaz-Latorre, tiorba y guitarra barroca y Philippe Pierlot, viola da gamba bajo)
- Suite No. 4 en Si Menor: “Allemande" (Jordi Savall & Le concert de Nations)
4) Cuarto libro con piezas a una y tres violas (1717)
- “La Reveuse” (Mieneke van der Velden - Viola da Gamba & Glen Wilson – clavicordio)
5) Quinto libro de piezas para viola (1725).
- “Chacona” (Josh Cheatham -viola da gamba, Julien Léonard -viola da gamba, Skip Sempé -clavicordio);
- "Suitte D'Un Gout Étranger" - Allemande "La Superbe" (Jordi Savall y Ton Koopman)
Anécdota
Podremos decir que nunca habremos visto hombre más agradecido a su médico que el compositor Marin Marais que, tras haber sobrevivido a una operación de extirpación de cálculos en la vejiga, en la que la mortalidad superaba el 60%, escribió una pieza para viola titulada “Le Tableau de l’Operation de la Taille” (Modo Antiquo & Bettina Hoffmann) en la que se describe cómo se desarrollaba la operación, para la cual eran necesarias cuatro personas que debían sujetar al paciente, ya que todo se realizaba sin anestesia. Marais recrea cómo se realizaba la incisión y se introducía un catéter metálico hasta sacar la piedra con un fórceps.
Marais en el cine
Una de las bazas fundamentales del film “Tous les matins du monde” (1991) es, como no podía ser menos, la música de su banda sonora, interpretada por uno de los virtuosos de la corriente historicista, el violagambista catalán Jordi Savall. La base de la misma, lógicamente son las composiciones de Sainte-Colombe y Marais, de este último se aprovecha para incluir su obra más popular, la"Sonnerie de Sainte Genèvieve", ensayada por sus discípulos al comienzo de la película.
También aparecen sus conocidas variaciones sobre las "Folies d'Espagne" (Improvisación), pues son lo que toca cuando Sainte-Colombe le pide que improvise sobre esa famosa melodía. Debe destacarse también la escena donde se ve a la orquesta de Versalles interpretando la Marcha del "Burgués Gentilhombre" de Lully bajo la dirección de Marais, quien usa como "batuta" un bastón del mismo tipo del que, según cuentan las crónicas, causó la muerte al propio Lully, al clavárselo en un pie, y provocarle la gangrena.
Una de las escenas más conmovedoras del film es cuando Sainte Colombe toca la viola de gamba, llorando al recordar a su mujer tras quedar viudo. El argumento de la película cuenta la historia de la relación entre el anciano Monsieur de Sainte-Colombe, sumido en una profunda melancolía por la muerte de su mujer, y el todavía joven Marin Marais, decidido a ser su discípulo para perfeccionar el uso de la viola, y que a su vez mantiene una relación con su hija. Los músicos que acompañan a Savall en la banda original del film son: Fabio Biondi, Christophe Coin, Montserrat Figueras, Maria Cristina Kiehr, Rolf Lislevand, Pierre Hantaï, Jérôme Hantaï.
El 30 de mayo de 1909 nació en Chicago el director de orquesta y clarinetista de jazz norteamericano Benny Goodman. Fue, según Bill Barol en Newsweek: "el único músico de jazz blanco que llego a ser el mejor en su instrumento" y el primero de los grandes directores de la década de los treinta que consiguió fama internacinoal. Con una combinación de buenos contactos, un grandísimo talento y bastante suerte, no dejó escapar una serie de oportunidades entre 1934 y 1935 que culminaron en un cambio de la música en EEUU, recibiendo Benny el apodo de 'Rey del Swing'.
Benny Goodman
El noveno de doce hermanos, Benny se crió en un ambiente pobre. Sin embargo, sus padres hicieron lo posible por ofrecerles educación a todos sus hijos. Cuando su padre -sastre de profesión- advirtió que en la sinagoga de su barrio impartían clases de música y alquilaban instrumentos a precios muy económicos, decidió enviar allí a Benny y dos de sus hermanos. Su hermano mayor llegó a casa con una tuba, el otro con una trompeta y Benny, el más pequeño, volvió con un clarinete. Recibió clases en la sinagoga primero y, después en casa de la filántropa Jane Addams, donde un miembro de la Chicago Symphony Orchestra siguió enseñándole.
Benny Goodman con Ben Pollack
Sus primeras influencias fueron los clarinetistas de Nueva Orleans que trabajaban en Chicago, especialmente Johnny Dodds, Leon Roppolo y Jimmy Noone. El progreso de Benny fue tan rápido que a los trece años ya tenía carnet del sindicato de músicos. Tocaba profesionalmente en los barcos recreativos que surcaban el lago Michigan y, en 1923 era uno de los músicos fijos de la orquesta en un salón de baile local llamdo Guyon's Paradise. Con dieciséis años viajó a Los Angeles (California) para unirse a la banda de Ben Pollack, con quien realizaría sus primeras grabaciones en 1926. En ellas se muestra seguro de sí mismo, con un suave y poderoso ataque y un sonido brillante.
Benny Goodman
En 1928 se mudó a Nueva York, donde prosperó en la radio, en directo y como sideman en las grabaciones. A pesar de que no le faltaba trabajo, la Gran Depresión también le afectó y aceptaba tocar en bailes universitarios con pequeñas bandas para obtener más ingresos, ya que Benny, tras la muerte de su padre, se encontraba a cargo de su madre. Aunque formaba parte de la escena de Jazz de Chicago y estaba influenciado por su energía, su prodigiosa técnica le permitía asumir elecciones profesionales de las que muchos de sus contemporáneos no eran capaces.
Un joven crítico y productor llamado John Hammond, se puso en contacto con Goodman y le ofreció grabaciones frecuentes y un sentido de renovada confianza para que siguiera en el camino del jazz. Tras formar su primera banda en Nueva York en 1934, ese mismo año consiguió la participación en el programa radiofónico semanal de la NBC 'Let's Dance' y luego, un contrato de grabación con RCA Victor. En 1935 una gira lo llevó al Palomar Ballroom, en California, donde su música cautivó los oídos de EEUU y el mundo. Había nacido el 'swing'
Durante 1934 y 1935 Goodman fue el primer director de orquesta blanco que llevó el espíritu del swing de las grandes orquestas negras (Chick Webb, Benny Carter, Duke Ellington y Fletcher Henderson) a la audiencia mayoritaria.
Benny Goodman & his Orchestra
Usó el modelo de Henderson, tomó prestados muchos de sus arreglos y pulió la entonación y el ataque sin asfixiar la energía rítmica. A ello le añadió sus brillantes solos de clarinete. De repente, el jazz sonaba como algo nuevo para millones de jóvenes bailarines que empezaron a escucharlo con avidez. Para cuando Benny llegó a Chicago en diciembre, todo el país estaba hablando del swing. Temas como 'One O'clock jump', 'Stompin' at the Savoy', 'Air Mail special' y 'Don't be that way' dominaban las ondas estadounidenses.
Lionel Hampton, Gene Krupa y Goodman
La llegada del swing despertó una conciencia dormida acerca del jazz, e, indirectamente sobre la raza. Al carro de Goodman se subían todos, blancos y negros, y de este modo se convirtió en el adalid del progreso social y la integración racial. Más de una década antes de que Jackie Robinson rompiera la barrera del color en el béisbol, Goodman había conseguido la integración en la música trayendo a Teddy Wilson (1935), Lionel Hampton (1936) y Charlie Christian (1939) a sus pequeños grupos.
Antes de que acabara la década, Fletcher Henderson se unió como pianista a la base de Goodman, convirtiéndose en el primer músico negro en tocar de forma regular en una orquesta blanca.
En enero de 1938, el famoso concierto de Goodman en el Carnegie Hall pareció otorgar al jazz un nuevo status y legitimidad. Aunque este concierto fue la cúspide de los primeros años de Goodman, otros logros le sucederían: la gran banda del periodo 1939-1941, con Charlie Christian y Cootie Williams; nuevos e innovadores temas con Eddie Sauter y Mel Powell y el sexteto con Red Norvo a finales de la guerra.
Tras la segunda guerra mundial, Goodman lo intentó con el bebop e interpretó un concierto para clarinete de Aaron Copland, escrito para él, antes de volver -sabiamente- al estilo en el que se encontraba más cómodo. Su primera grabación clásica data de 1938, cuando registró el Quinteto de clarinete en La Mayor de Mozart con el cuarteto Budapest. Junto a Ingolf Dahl, interpretó música de cámara de Brahms, Milhaud y Debussy en los años cuarenta y en 1949, comenzó a estudiar con el clarinetista clásico Reginald Kell, quien le mostró un nuevo enfoque del instrumento. Asimismo encargó obras escritas para clarinete a los más importantes compositores del momento, muchas de las cuales son hoy parte de los repertorios standard. 'Contrasts' (Béla Bartók), Concerto para clarinete No. 2 Op 115 de Malcolm Arnold o 'Derivations for clarinet and band' de Morton Gould.
En 1955 surgió un nuevo interés en su música cuando se estrenó el film 'The Benny Goodman Story', con Steve Allen y Donna Reed en los papeles principales. El guión, poco fiel a la realidad, estaba en cierto modo basado en su vida. Lo que sí fue real, era la música. En la película aparecían varios antiguos colegas de Goodman como Ben Pollack, Gene Krupa, Lionel Hampton y Harry James.
Desde los cincuenta hasta los ochenta trabajó, en un estado de semiretiro, cuando y donde le apetecía. Como solista nunca aplicó rutinas, lo que le llevó a cierta inconsistencia. Pero a una actuación poco afortunada le seguían a menudo, como compensación, unos solos inspirados que parecían sorprender al propio Goodman tanto como al público. Para muchos que trabajaron con él, Goodman era un líder exigente; para otros un arrogante, excéntrico y autoritario personaje. Solía enviar a la última fila de la orquesta a aquellos músicos que daban una nota falsa -incluso en los ensayos- o no daban el nivel de técnica que exigía. Las vocalistas Anita O'Day y Helen Forrest recordaban amargamemnte la experiencia de trabajar con Goodman "Los veinte meses que pasé en la orquesta me parecieron veinte años", confesaba Forrest, "cuando miro atrás me parecía estar bajo cadena perpetua".
Sin embargo, Goodman estuvo acreditado como uno de los mayores responsables de la integración racial a finales de los años treinta en America. Además de aceptar músicos negros en sus bandas, rehusó actuar en los estados del Sur, en los que se mantenía la ley Jim Crow, que obligaba a la segregación racial de músicos y público. Según Ken Burns, cuando alguien le preguntó una vez por qué tocaba "con ese negrata" (refiriéndose a Teddy Wilson), Benny contestó: "Si vuelves a usar esa palabra en mi presencia, te partiré la boca". Activo musicalmente hasta el final, Benny Goodman murió en Nueva York en junio de 1986 a los 77 años.
El 29 de mayo de 1897 nació en Brünn, Moravia (actualmente Brno, en la República Checa) el compositor austro-húngaro Erich Wolfgang Korngold, considerado junto a Max Steiner y Alfred Newman pionero de la música en el cine. A los cinco años tocaba el piano con su padre, a los siete componía piezas musicales y a los nueve actuó ante Gustav Mahler. Su leyenda de niño prodigio lo asemejaba a Mozart, con quien se le comparó.
Erich Wolfgang Korngold
Fue admirado por Puccini, Richard Strauss y Mahler, este último mostró su interés en ese niño que tocaba el piano de forma impecable. No era para menos, Korngold siempre fue considerado un virtuoso de ese instrumento. Su influencia más cercana fue Richard Strauss que también influyó en Max Steiner, pero cada vez era más perceptible la música de Gustav Mahler. Precisamente fue este compositor quien le recomendó estudiar música en Viena. Su primera obra publicada fué el “Trío op.1” en 1910. El prestigioso director Félix von Weingartner estrena, en 1913, su espectacular “Sinfonietta op. 5” 1/4, 2/4, 3/4, 4/4 (Dir: Gerd Albrecht), y compone su primera ópera, “Der Ring des Polykrates op. 7” (1916).
El éxito le convence para componer “Die Tote Stadt”- Marietta´s Lied (1920). En 1924 se casa con Luise von Sonnenthal y comienza a fraguar la composición de su ópera de mayor envergadura, “Das Wunder der Heliane” (1927) (Rene Kollo, Carol Neblett, Erich Leinsdorf & Münchner Rundfunkorchester) que encuentra un rechazo crítico ante el avance de obras musicalmente más audaces. La sucesiva frustación de Korngold le lleva a dedicar gran parte de sus energías al arreglo y modernización de operetas, entre otros, de Johann Strauss II.
Max Reinhardt
En 1929 Korngold conoce al escenógrafo Max Reinhardt, encuentro que tendrá capital importancia cinco años después cuando el compositor, a solicitud de Reinhardt, marcha a Hollywood para encargarse de los arreglos musicales de la partitura de Felix Mendelssohn para “El Sueño de una Noche de Verano”. El regreso, en 1935, a una Europa en plena convulsión prebélica sólo sirve para retrasarle en su trabajo en la nueva ópera que está componiendo, “Die Kathrin”- 'Ich soll ihn niemals"(Renée Fleming). Sin embargo la situación política y social en Austria es grave, y el anunciado estreno de “Die Kathrin” queda cancelado.
Korngold regresa desesperanzado a Hollywood y es allí, mientras se encuentra componiendo la partitura para “The Adventures of Robin Hood” (1938) con la que ganará su segundo Oscar, cuando Alemania se anexiona Austria y el “Anschluss”, es ya una realidad. Desde entonces, salvo algunos lieder y un par de obras corales, Korngold dedicará sus esfuerzos musicales a componer exclusivamente para el cine.
Gracias a los métodos de producción “fordianos”, Korngold puede elegir sobre qué películas quiere trabajar. De este modo, encontramos sólo veinte trabajos cinematográficos en total, la mayoría de calidad nada desdeñable, entre lo que podrían destacarse "Between two worlds" con la Rapsodia para Piano “Mother and Son” ,“Juárez”, “The Private Live of Elisabeth and Essex”, “The Sea Hawk” o “King’ Row”. Tales trabajos son considerados claves en la creación musical para cine, hasta el punto de que Korngold (junto a Max Steiner) es considerado uno de los padres de la música cinematográfica.
Korngold en 1940
La inclusión del “leitmotiv” relacionado con personajes, sucesos o elementos que se repiten en la historia, la adopción de la orquesta sinfónica (la misma de las óperas de Wagner, de Strauss o del propio Korngold) que proporciona recursos suficientemente efectistas, la preponderacia del melodismo y las armonías extrictamente tonales o la modulación eminentemente cromática, son los componentes esenciales que siempre definieron la música de Korngold y dejó impronta indeleble en la música para cine que todavía se puede apreciar en las bandas sonoras de John Barry o John Williams.
Acabada la 2ª Guerra Mundial intenta un nuevo acercamiento al mundo de la "música seria", estrenando su “Cuarteto de Cuerda Nº3 op. 34, 1/4, 2/4, 3/4, 4/4; y el “Concierto para Violín op. 35” Andante (Anne-Sophie Mutter, dir. Andre Previn & The London Symphony Orchestra), dos obras espléndidas para las que utiliza material temático extraído de sus partituras cinematográficas. En 1946 con “Deception”, de la que extraerá su “Concierto para Violoncello op. 37” (Michael Schlechtriem Cello, Philharmonie Südwestfalen), cierra su etapa en Hollywood.
Tres años más tarde regresa a Viena, donde su “Serenata Sinfónica op.39” es estrenada por Wilhelm Furtwängler; sin embargo ya nadie parece interesado en su música y regresa decepcionado a Estados Unidos dos años después, donde volcará sus energías en la composición de su última gran obra sinfónica, la “Sinfonía en Fa Sostenido Mayor op. 40” (The Philadelphia Orchestra, dir. Franz Welser-Möst). En 1954 marcha, por última vez, a Europa para el estreno de ésta última obra; tras supervisar y arreglar la música de Richard Wagner para “Magic Fire”, Korngold regresa definitivamente a Estados Unidos. En 1957, con las fuerzas ya muy mermadas pero planeando una nueva ópera, sufre una trombosis cerebral y fallece el 29 de noviembre a la edad de sesenta años.
1948 - 'Ladies of the Chorus' - Phil Karlson
En 1953 realizó unas grabaciones para RCA Records que no llegaron a publicarse en su día:
1960 - 'Let's Make Love' (El multimillonario) - George Cukor
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