Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 5 de julio de 1913 nació en DeQuincy (Louisiana) Smiley Lewis, uno de los grandes músicos de R&B que surgieron de Nueva Orleans. Comenzó su carrera en el barrio francés de la ciudad a finales de los años treinta. Tras la Guerra grabó su primer álbum, 'Here comes Smiley' (1947) y en 1950 fue invitado por Dave Bartholomew, que creció en el mismo barrio que Lewis, a grabar con Imperial Records.
Allí grabó clásicos como 'Tee nah nah' (1950), 'The bells are ringing' (1952) y las primeras versiones grabadas de 'Blue monday' (1954) y 'I hear you knocking' (1955), con Huey Smith al piano. Curiosamente, Fats Domino tuvo más éxito con sus canciones que el propio Lewis, como fue el caso de 'Blue Monday'. De manera similar, Elvis retocó un poco la picante letra de 'One night (Of sin)' y la convirtió en un hit nacional, aunque con Lewis también obtuvo buenas ventas en 1956, así como la melódica 'Please listen to me'. 'Shame, shame, shame', en cambio, aunque fue incluida en la banda sonora del film 'Baby Doll' (1957), no logró entrar en las listas.
El presidente de Imperial Records, Lew Chudd, intentó atraer nuevos compradores y a partir de 1957 hicieron grabar a Lewis canciones pop y country. El experimento no resultó y no sirvió para incrementar sus ventas. Tras diez años provechosos con Imperial, Lewis dejó el sello y pasó el principio de los años sesenta actuando como telonero de nuevos artistas como Lee Dorsey, Irma Thomas y Ernie K-Doe. Logró grabar en 1961 un single para Okeh Records y otro en 1964 para el sello Dot. En 1965 fue hospitalizado a causa de una úlcera y en la operación descubrieron que tenía cáncer. Murió en los brazos de su segunda mujer, con quien se había casado seis meses antes, en octubre de 1966 a los 53 años.
El 5 de julio de 1879 nació en Cahors el director de orquesta, flautista y compositor francés Philippe Gaubert. Conocido como co-autor, junto a su maestro Paul Taffanel, del famoso Método Completo para Flauta, a los 11 años de edad comenzó a tomar lecciones con Taffanel y a partir de 1893 fue su alumno en el Conservatorio de Paris.Un año más tarde recibió el primer premio en el Conservatorio y en 1897 fue contratado en la orquesta de la ópera de Paris. Durante la primera guerra mundial participó combatiendo cerca de Verdun.
Autor especializado en ballets, sinfonías y de tres sonatas para flauta. Compartió con Victor Gallois el Premio de Roma de composición musical en 1905. A partir de 1919 fue director musical en la Ópera de París, profesor de flauta en el Conservatorio nacional superior de Música y Danza de París y director de la orquesta de la Sociedad de conciertos del Conservatorio. Entre sus estudiantes estaba el por entonces joven Marcel Moyse. Su amigo Jean Bouzerand, periodista, consiguió del ayuntamiento de Cahors que le dedicaran un paseo a la orilla del Lot hacía el final de los años 30. Murió a los 62 años en julio de 1941.
Toda la obra de Gaubert parece inscrita en la doble descendencia de Fauré y de Debussy. Refinamiento, sutileza, encanto, equilibrio sonoro, clasicismo formal; esas virtudes casi tópicas de la escuela musical francesa asoman en todos los pentagramas del músico de Cahors. Si en el noble “Lamento para violonchelo y piano” (1911) Gaubert parece evocar al Fauré de la Elegía, en las “Tres acuarelas para flauta, violonchelo y piano” de 1915 donde la transparencia de sus luminosos colores, a veces realzados con tintes más intensos, remiten a la contemporánea Sonata para flauta, viola y arpa de Debussy y al último D’Indy.
Otras obras importantes son: Óperas y Obras para la escena y ballets
- “Naïla” (París, 7 abril 1927),
- “Soir Pain” (Mirjam Rietberg, harp, Anna Azernikova , soprano; Dasha Beltiukova flauta)
- “El caballero y la doncella” (1941)
El 4 de julio de 1826 nació en Lawrenceville, un suburbio de Pittsburgh (Pennsylvania), el autor de canciones Stephen Collins Foster. Conocido como el 'padre de la música americana', compuso en el siglo XIX un gran número de canciones que, 150 años después, siguen siendo muy populares.
Entre ellas se encuentran: 'Oh Susana'(1846), un tema que se convirtió en un himno para los buscadores de oro en California, 'Camptown races' (1850), 'Nelly Bly' (1850), 'Old folks at home' ('Swanee River', 1851) , 'My old Kentucky home' (1853), 'Old dog tray' (1853), 'Hard times come again no more' (1854), 'Jeanie with the light brown hair' (1854) y 'Beautiful dreamer' (1864).
Aunque por 'Oh Susana' recibió únicamente 100$, Foster intentó -en esto fue un pionero- ganarse la vida como compositor de canciones, pero la guerra civil no ayudó a que el negocio musical se consolidara, y Stephen murió a los 38 años en la más absoluta ruina, abandonado por su esposa en un hotel de Nueva York en enero de 1864.
El 4 de julio de 1911 nació en Rochester (New York) el músico, cantante, productor, y ejecutivo discografico Mitch Miller, una de las figuras más influyentes de la música popular americana durante los años cincuenta y sesenta, tanto como responsable de contratación de Columbia Records, como dirigiendo a su orquesta y coro en su programa de TV de la NBC, 'Sing Along With Mitch'.
Comenzó su carrera como intérprete de oboe, instrumento que ya tocaba con quince años en la Orquesta Sinfónica de Siracusa. A mediados de los cuarenta se traslada a Nueva York donde toca en las orquestas de David Mannes, Andre Kostelanetz, Percy Faith, George Gershwin y Charlie Parker. A finales de la década, Miller es nombrado responsable de producción y publicaciones en la sección de música clásica en Mercury Records. Finalmente, en 1950 es contratado por Columbia Records donde Miller ayudó a definir el estilo y el perfil de artista pop que caracterizaba al sello. Artistas como Patti Page, Frankie Laine, Johnnie Ray, Ray Conniff, Percy Faith, Jimmy Boyd, Johnny Mathis, Tony Bennett y Guy Mitchell fueron contratados y producidos por Mitch y las carreras de artistas ya consagradas de la discográfica, como Doris Day, Dinah Shore y Jo Stafford se vieron beneficiadas gracias a la labor de Mitchell.
Con Doris Day
Asimismo Miller descubrió y contrató a Aretha Franklin, antes de que ésta se fuera a Atlantic Records, donde Ahmet Ertegun le prometió más libertad creativa para elegir y grabar sus canciones. Sin embargo, también fue responsable de no contratar a ciertos artistas o
tipos de música. No le agradaba nada el rock'n'roll y desaprovechó la
oportunidad de contratar a Buddy Holly y Elvis Presley, con el que hubo aproximaciones, pero la alta cifra que pedía su mánager, Colonel Tom Parker, les hizo rechazar el ofrecimiento.
Mitch en el estudio de CBS
El historiador Will Friedwald escribió en su libro 'Jazz Singing' (1996): "Miller ejemplificó el peor pop americano. Primero provocó la ira de la audiencia inteligente intentando convertir -y casi lo consigue- a grandes artistas como Sinatra, Clooney y Tony Bennett en intérpretes mediocres y horteras, eligiendo para ellos las peores canciones con los peores arreglos imaginables, no sólo por la escasa calidad de los músicos utilizados -como solía ser habitual- sino por perseguir esa premeditada y cuidadosamente calculada y perversa brillantez comercial." Sin embargo, Friedwald reconoce: "Miller fue el primero en establecer la supremacía de la figura del productor, haciéndole a él, más que al artista al acompañamiento o incluso al contenido, responsable del éxito o fracaso del producto final que salía del estudio de grabación."
Sinatra y Miller no conectaron
Cuando Miller llegó a Columbia Records en 1950, sus métodos no gustaron nada a los artistas veteranos del sello, sobre todo a Sinatra, que se encontraba en el declive de su carrera y se quejaba amargamente de verse obligado grabar temas como 'Mama will bark' o 'The Hucklebuck'. No obstante, las cifras generales de venta en Columbia, que crecían notablemente gracias a su gestión, le dieron la razón a Miller. Frank no tardó en irse (1953) a Capitol Records donde logró reinventarse y triunfar. Cuando apareció el rock and roll, Mitch manifestó: "El Rock 'n' roll es una papilla musical: es el resultado de la mediocridad, ocasionada por un perezoso conformismo." Miller perdería su trabajo en Columbia diez años después por negarse a producir el tipo de música que estaban comprando los adolescentes.
Desde 1961 hasta 1964, Mitch presentó su propio programa de TV en la NBC, 'Sing Along with Mitch', que, en cierto modo, fue un precursor del Karaoke, ya que en él sobreimpresionaba en la pantalla de TV las letras de las canciones que interpretaba.
Entre 1958 y 1962 Miller tuvo más de veinte álbumes en las listas, especializándose en discos con temas navideños dos de los cuales, 'Christmas Sing-Along With Mitch' (1958) y 'Holiday Sing Along With Mitch' (1961) alcanzaron el nº1 y fueron disco de oro. Años más tarde Mitch se especializó en dirigir masas corales, sobre todo, interpretando villancicos y en alguna ocasión dirigió otras orquestas como la Boston Pops Orchestra o la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que dirigió en 1987 tres piezas de Gerschwin con David Golub al piano. Murió a los 99 años en julio de 2010.
Miller dirige la New Jersey Symphony Orchestra en 1995
El 3 de julio de 1940 nació en St. Louis, (Missouri), la cantante de R&B Fontella Bass. Muchas veces confundida con Aretha Franklin, comenzó con seis años cantando en el coro de la iglesia. De adolescente comenzó a participar en varios concursos de talentos y en 1961 tocaba el piano en las grabaciones de Little Milton. Es conocida, sobre todo, por su hit 'Rescue Me', que fue nº1 en las listas de R&B y Top20 en las listas británicas y estadounidenses de pop, asegurándose un lugar entre las mejores cantantes femeninas de los años sesenta.
La madre de Fontella, Martha, era cantante profesional con los Clara Ward Singers, un grupo de gospel que solía acompañar al reverendo C.L. Franklin, padre de Aretha Franklin, por lo que cuando su madre se encontraba de gira, Fontella permanecía junto a su abuela Nevada Carter. Musicalmente muy precoz, la joven tenía cinco años cuando comenzó a acompañar a su abuela al piano cuando ésta cantaba en los servicios funerales. Antes de cumplir los diez, ya acompañaba a su madre en las giras con los Clara Ward Singers a través de los estados del Sur y Sureste del país. En la adolescencia conoció la música 'profana' y tras asistir a actuaciones de blues en los clubes de St Louis, la magia del escenario la atrapó y con diecisiete años comenzó a actuar profesionalmente en clubes a lo largo del río Mississippi.
Su madre no le permitió enrolarse en una feria ambulante y Fontella se quedó en St. Louis donde aceptó trabajar como pianista para el bluesman Little Milton Campbell. Cuando a este le ofrecieron grabar en Chess Records, a Bass le ofrecieron cantar además de tocar el piano. Más tarde, Little Milton y su director de orquesta, el saxofonista Oliver Sain se separaron y Fontella permaneció con Sain, que formó la Oliver Sain Soul Revue con el cantante Bobby McClure y el trompetista Lester Bowie, futuro marido de Bass.
Bobby McClure y Fontella Bass
Al mismo tiempo, Fontella también deseaba colaborar con otras bandas del área de St Louis como Ike y Tina Turner y sus Kings of Rhythm. A Sain no le gustaban estos escarceos e instó en 1965 a Bass, y a su nuevo marido Lester Bowie, a viajar a Chicago. Allí Fontella firmó con Checker Records, el sello de R&B de los hermanos Chess. Su primer éxito fue 'Don't mess up a good thing', un tema escrito por Sain, un dueto clásico interpretado con Bobby McClure, en el que interpretan a un hombre y una mujer que se presentan una lista mutua de fallos y errores de conducta y advirtiéndose uno al otro, que si las conductas erróneas persisten se puede estropear algo bueno y bonito. Este enfrentamiento dialéctico tenía reminiscencias de los temas country 'Wild side of life' de Hank Snow, y su respuesta 'It wasn't God who made the honky tonk angels' de Kitty Wells. Fue un Top5 de R&B que volvieron a grabar Ry Cooder y Chaka Khan en 1979. Le siguió otro dúo con McClure, 'You'll miss me (when I'm gone)' que tuvo un éxito más moderado.
El single que le siguió, 'Rescue me'la consolidó. Tenía el clásico estilo Stax del bajo conduciendo la melodía apoyado por los chispeantes metales y un juego vocal de llamada-respuesta -típico del gospel- en los coros.
En la grabación participaron un joven baterista llamado Maurice White (años después en Earth, Wind & Fire) y Minnie Riperton en los coros. Fue nº1 en las listas de R&B y alcanzó el Top20 en las listas de pop inglesas y estadounidenses. Además fue el primer millón de ventas que conseguía un artista de Chess desde que lo había logrado Chuck Berry diez años antes. El tema lo habían compuesto Fontella y Raynard Miner, pero en los créditos aparecieron como autores Miner y Carl Smith. En Chess le prometiron arreglarlo más adelante pero cuando recibió el cheque por sus derechos de autor, Bass tampoco estuvo de acuerdo con la cifra, que consideraba insuficiente, y siguió luchando por lo que ella consideraba justo. Esto le trajo cierta fama de problemática en el mundo discográfico, por lo que, tras grabar algunos temas más como 'Recovery' y 'You'll never know' en 1966, desapareció del mapa musical.
'Free' (1972)
Por aquel tiempo, su marido, el trompetista Lester Bowie se movía por la escena del jazz avant garde y con su banda Art Ensemble of Chicago viajó a Paris para un trabajo de tres años. Fontella le acompañó y grabó la banda sonora 'Les Stances a Sophie' (1970) y 'Art Ensemble of Chicago with Fontella Bass'. Más tarde regresó a Estados Unidos y grabó el álbum 'Free' (1972) con Oliver Sain, que fracasó en las listas de ventas. Desanimada, abandonó el mundo musical unos años para criar a sus cuatro hijos limitando sus actuaciones vocales a las iglesias locales.
En 1978 se divorvió de Bowie y durante los años ochenta grabó esporádicamente trabajando de nuevo con Oliver Sain, sin éxito. En 1991, cuando Bass se encontraba prácticamente arruinada, American Express usó la canción 'Rescue Me' en una campaña publicitaria. Fontella demandó a la compañía y a su agencia publicitaria por uso indebido de su canción, y en 1993 recibió una compensación de $50.000. En 1994 grabó 'Breath of Life' con el World Saxophone Quartet. El año siguiente se publicó en Nonesuch Records el álbum de gospel 'No Ways Tired' y en 2001 apareció'Travelin', en el que colaboró su hijo Bahnamus Bowie a los teclados. Últimamente colaboró con The Cinematic Orchestra en su álbumes 'Every Day' (2002) y 'Ma Fleur' (2007). Fontella falleció el 26 de diciembre de 2012 tras haber sufrido unos días antes un ataque al corazón.
El 3 de julio de 1854 nació en Hukvaldy (Moravia del Norte) el compositor checo Leoš Janáček el más importante de su país de comienzos del siglo XX. De niño formó parte del coro de un monasterio de Brünn (hoy día Brno). Más tarde, estudió en San Petersburgo, Leipzig, Praga y Viena. Admirador de Antonín Dvorák, entre 1881 y 1888 fue director de la Filarmónica Checa.
Leoš Janáček en 1881
Asimismo fundó e impartió clases en la escuela de órgano de Brünn (1882-1920) y en el Conservatorio de Praga (1920-1925). Recogió muchas composiciones folclóricas y durante un breve periodo publicó una revista especializada. Consiguió reputación internacional con su ópera Jenufa (1904, revisada en 1916 y compuesta en un estilo vehemente y de gran fuerza dramática). Al igual que su Misa glagolítica (1926), está influida por los ritmos y acentos de la lengua morava. El lento desarrollo de su estilo personal, el hecho de padecer un amor no correspondido que le inspiró el Diario de un desaparecido y la aparición de un fuerte sentimiento nacionalista, en especial a partir de la proclamación de Checoslovaquia en 1918, suscitaron en él una desbordante capacidad creativa. Janácek realizó con el profesor František Bartos un importante trabajo de recopilación de canciones populares en Moravia pero su obra como compositor se retrasaba.
Leoš Janáček en 1904
No es fácil clasificar las obras de Janáček en un estilo concreto, pues su música es muy personal. En sus primeras obras se advierten influencias de la música alemana, pero pronto incorpora a su música el conocimiento que tenía de la música popular checa y eslava en general. Sus obras maduras muestran una construcción a base de breves motivos formados por pocas notas, que se repiten constantemente, apoyados en un uso sorprendente de la armonía más tradicional y con ritmos casi siempre irregulares y asimétricos. Las formas en Janacek tienden a la libertad de la rapsodia, sin utilizar nunca formas clásicas como las derivadas de la sonata o el rondó, pero no obstante a menudo consigue una gran unidad y coherencia dentro de cada obra.
Manuscrito de 'Sinfonietta' (1926)
Sus obras más famosas las compuso durante los últimos diez años de su vida. Por esta razón se le considera un compositor del siglo XX, a pesar de que tenía cuarenta y siete años cuando comenzó el siglo. Durante este período compuso:
- Dos cuartetos de cuerda, el primero inspirado por la “Sonata a Kreutzer de Liev Tolstoi” (The Australian Chamber Orchestra) y el segundo llamado “Cartas íntimas” 1/4, 2/4, 3/4y4/4 (The Vlach Quartet of Prague) en el que se consigue una gran expresión lírica en un lenguaje que se aparta tanto de la tradición clásico-romántica como de la vanguardia musical de su época;
- El dúo piano-cello “Pohadka” (Božo Paradžik, double bass & Hansjacob Staemmler, piano), y
- El Sexteto para viento “Mladi” (Kersten McCall - Flauta, Maurice Bourgue - Oboe, Harmen de Boer - clarinete, Kim Rijks - Bajo clarinete, Bram van Samebeek - Bajo, Radovan Vlatkovic - trompeta)
• Obras orquestales:
- “Taras Bulba” (Czech Philharmonic Orchestra, & dir. Sir Charles Mackerras)
- “Sinfonietta” (extracto) (Czech Philharmonic Orchestra & Jiří Kout). Completa (WDR Sinfonieorchester & dir. Jukka-Pekka Saraste), completa.
• Óperas:
- “Šárka” (1887), con libreto de Julius Zeyer. Dueto (Eva Urbanova - Sarka, Leo MarianVodicka – Ctirad & The Janacek Philharmonic Orchestra of Europe)
- “El comienzo de un romance” (1894), con libreto de Jaroslav Tichý, basado en Gabriela Preissová.
- “Jenůfa” (1904), un drama acerca de la vida rural en Moravia, con libreto del compositor, Preludio (Rafael Kubelik & Orchestra of the Bavarian State Opera)
- “Osud” (Destino) (1904), con libreto de Fedora Bartošová (Mackerras - Welsh National Opera)
Escena de 'Katya Kabanova'
- “Las excursiones del señor Broucek” (1920), con libreto de Viktor Dyk y František Sarafínský Procházka.
- “Katya Kabanová” (1921), libreto de Vincenc Cervinka, basado en el drama "La Tempestad" de Aleksandr Ostrovski, Final (Soprano Christina Vasileva)
- “La zorrita astuta” (1924), fábula sobre animales en el bosque, con libreto del compositor (Gerald Finley, Bajo barítono, Sir Simon Rattle, dir. & Berliner Philharmoniker)
- “El caso Makropulos” (1926) (Anja Silja, Emilia Marty, The London Philharmonic & dir. Ancrew Davis), con libreto del compositor Karel Čapek
- “De la casa de los muertos” (1930), libreto del compositor, basado en la obra de Dostoyevski, Introducción (Czech Philharmonic & Václav Neumann)
También Janácek fue autor de excelentes composiciones corales sobre textos extraídos de poemas de Petr Bezruc. Es muy importante su producción operística por lo que hoy día se le considera una de las figuras importantes de la música del siglo XX. En sus óperas incorpora los recursos fonéticos de la lengua checa de forma muy sugestiva, y el uso que hace de la instrumentación orquestal es de gran originalidad, consiguiendo a veces impresionantes escenas de una enorme expresividad.
A pesar de su independencia estilística, la versatilidad del lenguaje inconfundible de Janáček le permite asimilar influencias tanto de la música francesa (Debussy) como de la vanguardia vienesa (Berg), sin perder su originalidad. Al igual que sucede con Béla Bartók o Zoltán Kodály, músicos a los que se parece en algunas ocasiones, Janacek fue un gran estudioso de la música popular eslava. Sus estudios aparecen reflejados en la edición de numerosas canciones folclóricas, como es el caso de su recopilación de canciones populares moravas.
El presidente de Imperial Records, Lew Chudd, intentó atraer nuevos compradores y a partir de 1957 hicieron grabar a Lewis canciones pop y country. El experimento no resultó y no sirvió para incrementar sus ventas. Tras diez años provechosos con Imperial, Lewis dejó el sello y pasó el principio de los años sesenta actuando como telonero de nuevos artistas como Lee Dorsey, Irma Thomas y Ernie K-Doe. Logró grabar en 1961 un single para Okeh Records y otro en 1964 para el sello Dot. En 1965 fue hospitalizado a causa de una úlcera y en la operación descubrieron que tenía cáncer. Murió en los brazos de su segunda mujer, con quien se había casado seis meses antes, en octubre de 1966 a los 53 años.
