Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 21 de noviembre de 1904 nació en St. Joseph (Missouri) el saxofonista tenor de jazz Coleman Hawkins. Si uno escucha las grabaciones de cualquier saxofonista de los últimos sesenta años, uno podrá percibir la influencia de Coleman Hawkins, el 'padre del saxo tenor'. Como escribía Joachim E, Berendt en su ensayo, "hubo otros saxofonistas tenores anteriores a él, pero el instrumento no estaba todavía considerado en el jazz". Artista lleno de contradicciones, en la primera parte de su carrera redefinió el papel del saxo con solos profundos y atrevidos, sin embargo en años posteriores odiaba escuchar estas grabaciones. Aunque ayudó al surgimiento del bebop nunca se posicionó realmente con el estilo y, a pesar de ser un auténtico músico de jazz, no siguió el autodestructivo camino que llevó a la muerte temprana o a la pobreza extrema a muchos de sus contemporáneos. Cuando murió en 1969 fue llorado en su funeral por todo músico de jazz destacado de aquel tiempo, así como por masas de seguidores que se agolpaban en las calles adyacentes para rendir tributo al gran músico norteamericano, apodado cariñosamente 'Bean'.
Los padres de Hawkins amaban la música, especialmente su madre, que era pianista y organista. Cuando cumplió los cinco años, Hawkins comenzó a recibir clases de piano clásico, además de violonchelo. Cuatro años más tarde descubrió el saxofón. Asistió a la high school en Chicago y Topeka (Kansas) y más tarde se matriculó en el Washburn College de Topeka para estudiar composición y armonía durante dos años. Con catorce años ya dominaba con destreza el saxofón y estaba tocando por el este de Kansas.
Mamie Smith y los Jazz Hounds
En 1922 consiguió su primer trabajo profesional cuando fue contratado para los Jazz Hounds, la banda de Mamie Smith. Garvin Bushell, uno de sus integrantes recuerda la destreza de aquel adolescente no sólo con el saxo, también leyendo música al instante, cumpliendo todos los requisitos de un gran profesional. El mes de mayo de ese año realizó su debut discográfico en el tema 'Mean daddy blues' de Mamie Smith, en el que se le reservó un papel estelar.
Fletcher Henderson big band
La experiencia y seguridad que adquirió Coleman en las giras con Mamie Smith le permitieron sentirse con la suficiente confianza como para dejar la banda y adentrarse en el circuito neoyorquino de los cabarets de Harlem, que en aquella época bullía con numerosas ofertas de trabajo y competitivas jams que se organizaban por doquier. En una de aquellas jams fue descubierto por Fletcher Henderson, quien lo contrató para su big band, una de las más populares de los años veinte. Hawkins no tardó en destacar como un músico de un talento excepcional, incluso entre los muchos otros grandes talentos de la banda. Sólo contaba 20 años, ganaba mucho dinero y en Nueva York se ganó el sobrenombre de 'King of the Sax'. También recibió el apodo de 'bean' por la forma de su cabeza. Muy sofisticado, procuraba ir vestido a la última, lo que no pasaba desapercibido entre las mujeres de su círculo que encontraban en Coleman un acompañante irresistible y encantador.
En 1924 se unió a la banda de Henderson un trompetista llamado Louis Armstrong quien, aunque nunca llegó a hacer buenas migas con Hawkins le supuso al saxofonista un desafío musical asi como una poderosa influencia en el fraseado y ritmo de los solos, que Hawkins -aunque le costara admitirlo- incorporó a su técnica. Esta dinámica se repetiría años más tarde con su rival del saxo Lester Young. Mientras con Armstrong las diferencias parecían ser personales (jamás cuestionó el talento del trompetista), se consideraba incapaz de comprender qué veía la gente en la música de Young. En 1926 grabó el solo de 'Stampede' en el que ya se percibía su cambio de estilo.
Con Reinhardt en Europa
En 1934, tras once años en las filas de la orquesta de Fletcher Henderon, Hawkins realizó un viaje de cinco años por Europa, una experiencia tan enriquecedora para el músico que prometió volver en años posteriores. En un principio sólo tenía ofrecimientos para tocar en el Reino Unido, pero los shows tuvieron tal éxito que le llovieron ofertas para actuar durante un año por el continente. A continuación viajó a Escandinavia donde tampoco paró de recibir elogios. Hizo numerosas y duraderas amistades y admiró la cultura, el arte y el teatro europeos. También realizó grabaciones con Benny Carter, Django Reinhardt y Stephan Grappelli.
Cuando la atmósfera política y social pareció enturbiarse en el Viejo Continente, Hawkins decidió volver a Estados Unidos donde se le recibió triunfalmente. Las noticias de sus éxitos europeos habían cruzado el Atlántico y Coleman formó su propio grupo de nueve músicos, entre los que se encontraban sidemen como Thelonious Monk, Oscar Pettiford, Miles Davis y Max Roach, y se estableció como grupo residente en el club neoyorquino Kelly's Stable.
No tardó en recibir una oferta para grabar y en octubre de 1939 entró con su banda en el estudio para registrar una de las piezas más famosas de la historia del jazz. Según muchos músicos de aquel tiempo, el día después de publicarse 'Body and soul', todo el mundo hablaba de ello. El cadencioso y dinámico solo de Hawkins era una obra de arte incomparable nunca sugerida antes y que cambiaría el modo de ejecutar los solos a partir de aquel momento.
Para entonces la era de las big band estaba en su apogeo y Hawkins, espoleado por el éxito de 'Body and soul', pasó con su orquesta a tocar en el Savoy. Sin embargo, Hawkins nunca fue un buen gestor u hombre de negocios organizado, por lo que su banda no alcanzó el éxito y la popularidad de otras como las de Duke Ellington o Count Basie. Tras finalizar su contrato con el Savoy, las actuaciones comenzaron a escasear y Coleman se trasladó a Chicago para dirigir una big band en Dave's Swingland. Durante su estancia en Chicago realizó sesiones en el sello Apollo junto a Dizzy Gillespie y Max Roach que han sido consideradas las primeras grabaciones del bebop.
A pesar de los esfuerzos de los críticos y fans de encasillar a Hawkins en una determinada corriente o escuela, el músico nunca se sintió cómodo en un solo estilo, incluido el bebop. Aunque su medio natural era el jazz, tampoco abandonó la música clásica, la cual ejecutaba -al piano- en su casa, al mismo tiempo que mantenía una formidable colección de vinilos de opera y música clásica. Estaba particularmente fascinado con Bach, a quien citaba a menudo como el ejemplo de un verdadero genio.
En 1947 las actuaciones y la atmósfera próspera y boyante de la calle 52 comenzaron a declinar y Coleman decidió cumplir su vieja promesa de volver a Europa y viajó a Paris, donde fue calurosamente acogido por aquellos que aún recordaban su estancia diez años antes. Los siguientes años los pasó a caballo entre Nueva York y Paris, a menudo tocando con Jazz at the Philarmonic, donde lideraba un grupo de leyendas del jazz. Durante todo este tiempo no dejó de grabar aquí y allá como 'Picasso', una de las primeras grabaciones comerciales de un saxo sin acompañamiento. Su legado discográfico es inmenso.
Tocando en estudio o en directo, Hawkins no sólo era popular entre el público, también entre sus colegas músicos que lo respetaban con veneración. Muchos de ellos, independientemente del instrumento que tocaran, habían escuchado el solo de 'Body and soul' tantas veces como fuera necesario para memorizarlo y seguían atentos los nuevos solos de 'Bean' para cazar nuevas gemas musicales aprovechables.
El pianista Roland Hanna lo definió como 'un músico completo': "Podía tocar al instante lo que oyera, podía improvisar a cualquier tempo, en cualquier tono y era capaz de leer cualquier partitura sin equivocarse".
En los años cincuenta Hawkins estaba considerado pasado de moda, pero a mediados de la década experimentó un renacimiento. Sonny Rollins confesó que Coleman había sido su mayor influencia y Hawk demostró estar en plena forma cuando apareció en 1957 en el Newport Jazz Festival con Roy Eldridge en formato quinteto.
En los años sesenta tuvo la oportunidad de grabar un álbum con Duke Ellington, 'Duke Ellington Meets Coleman Hawkins', colaboró con Sonny Rollins en una sesión algo excéntrica, ('Sonny Meets Hawk!') e incluso grabó un álbum de bossa nova: 'Desafinado'. En 1966 apareció 'Wrapped Tight', su última obra reseñable. Después, ya fuera senilidad o frustración, Coleman perdió el interés por la vida, dejó de comer regularmente y comenzó a beber más de lo necesario. Murió de una neumonía el mes de mayo de 1969 a los 64 años.
El 21 de noviembre de 1852 nació en Villarreal (Castellón) el compositor y guitarrista español Francisco de Asís Tárrega y Eixea, siendo uno de los máximos ejemplos en la historia de la música en dedicación y consagración de una vida a un instrumento, que por aquel entonces era la humilde y menospreciada guitarra española.
Guitarra Torres de 1858
Como hijo mayor de una familia numerosa y modesta. Tárrega estudió guitarra y piano durante su infancia, no sin poco sacrificio, pues la mala situación económica de su familia hizo que tuviese que contribuir tocando la guitarra en bares y cafés y más tarde el piano en un casino. Es en esta época cuando, gracias al dinero de un mecenas local, Tárrega compra una guitarra hecha por Antonio de Torres, el luthier que revolucionó la forma de hacer guitarras con una serie de innovaciones que mejoraron sensiblemente la calidad y sonoridad del instrumento.
Con 22 años se matricula en la Escuela Nacional de Música y Declamación, donde es animado por los profesores a dedicarse por entero a la guitarra. Sus recitales le dan fama internacional pero Tárrega no quiere o no puede convertirse en un gran concertista. A pesar de su éxito, él prefiere los auditorios pequeños, ante un público de amigos y admiradores donde él se encontraba verdaderamente cómodo.
En 1880 da un concierto en la ciudad alicantina de Novelda, impactando con su interpretación a María Rizo, hija del acaudalado Vicente Rizo. La simpatía, hermosura y sencillez de María, sumadas a sus dotes como guitarrista impresionaron a Tárrega. Tras una triunfal gira por Francia y Londres, contrajeron matrimonio en 1881, renunciando a la tradicional dote a causa de los maliciosos rumores sobre el interés de Tárrega por la fortuna de la familia Rizo. En 1884, tras numerosos recitales en Barcelona, se instalan en la Ciudad Condal, que le ofrece mayores oportunidades para vivir con holgura, sin prescindir de sus giras, siendo cada vez más solicitado.
En Valencia conoció a Conxa Martínez, rica viuda que lo tomó bajo su protección artística, y le ofreció a él y a su familia una casa en Barcelona. Allí es donde Tárrega compuso la mayoría de sus obras maestras, pero la viuda se enamoró del compositor sin ser correspondida, y, sintiéndose despechada, echó al compositor, a su mujer y a sus hijos de la suntuosa casa; no obstante, tres años antes de la muerte de Tárrega, ayudó desinteresadamente a la familia.
De vuelta de un viaje a Granada escribió el trémolo “Recuerdos de la Alhambra”, y en Argelia le llegó la inspiración para componer “Danza mora”. Allí conoció a Camille Saint-Saëns y más tarde, en Sevilla, escribió la mayor parte de sus Estudios. A su querido amigo y compositor Tomás Bretón le dedicó el hermoso “Capricho árabe”. A partir de 1885 vivirá en Barcelona dedicado a la enseñanza con alumnos como Miguel Llobet o Emilio Pujol, labor de vital importancia para el asentamiento de la técnica moderna de guitarra clásica que Tárrega creó, ya que no llegó a concluir su proyectado método de guitarra y su forma de tocar nos ha llegado a través de sus alumnos. Murió el 15 de diciembre de 1909.
La labor de Tárrega se centró en cubrir las dos carencias principales que tenía la guitarra: la falta de repertorio y la inadecuación de las obras que se interpretaban con la técnica del instrumento.
Para ello realizó numerosas transcripciones, tanto de compositores clásicos como de contemporáneos suyos como Granados o Albéniz (quien dijo, tras oírle tocar algunas obras suyas, que sonaban mejor a guitarra que a piano) además de fantasías sobre temas de ópera, variaciones o arreglos de temas populares y por supuesto, composiciones propias. Desarrolló además un virtuosismo técnico extraordinario, repleto de innovaciones y que por fin se adaptaba a las características de la guitarra.
Tárrega por Vicent Castell (1904)
Aparte de sus obras originales para guitarra, arregló piezas de otros autores para este instrumento, como algunas de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin, Felix Mendelssohn y la famosa 'Serenata Española' del catalán Joaquim Malats. Como otros de sus contemporáneos españoles, su amigo Isaac Albéniz, Tárrega tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en la música clásica con los elementos populares españoles. El conocido guitarrista contemporáneo Angelo Gilardino dijo que los 9 preludios de Tárrega son "... el más profundo pensamiento musical de Tárrega de forma concentrada".
Aparte de sus numerosos “Preludios”, sus obras más destacadas son:
Un dato curioso es que la música más interpretada y oída en el mundo es la que ahora se conoce con el nombre Melodía Nokia(Nokia Tune) porque es el tono de llamada predeterminado que reproducen más de 850 millones de teléfonos móviles de esa marca comercial, entresacada de una pieza suya llamada Gran vals (compases 14 al 16). Esta melodía se ha convertido, por esa razón, en una de las más escuchadas en todo el mundo.
También es digno de mencionar que de sus obras se han realizado versiones por artistas como Mike Oldfield, que incluye su versión particular y orquestal de 'Recuerdos de La Alhambra' en su banda sonora para la película 'Los gritos del silencio' (The Killing Fields, 1984); se trata del tema "Étude".
Estatua de Francisco Tárrega en Vila-Real, Castellón
El 20 de noviembre de 1946 nació en Nashville (Tennessee) el guitarrista estadounidense Duane Allman, que antes de ser fundador, líder y guitarra solista del grupo Allman Brothers Band, fue un músico de sesión muy demandado que participó en numerosas grabaciones clásicas de finales de los sesenta. Su extraordinaria labor a la guitarra se escuchó por primera vez en la magnífica versión de 'Hey Jude' de Wilson Pickett. A Eric Clapton le impresionó de tal manera, que invitó a Duane a participar en las sesiones de grabación de Derek & the Dominos, y su inconfundible Gibson Les Paul destaca en todo el álbum 'Layla and other assorted songs'.
Duane Allman se llevaba un año de diferencia con su hermano menor Gregg, ambos hijos de Willis Allman, un sargento del ejército estadounidense y Geraldine Robbins. La familia residía en Norfolk (Virginia), cuando el padre fue asesinado por un auto-stopista que resultó ser otro veterano de guerra. Su madre tuvo que estudiar contabilidad para conseguir un empleo y mientras, Duane y Gregg fueron enviados a la academia militar de Castle Heights en Lebanon (Tennessee), una experiencia que para los hermanos resultó bastante negativa. En 1957 la familia se mudó a Daytona Beach (Florida), donde los chicos asistieron a la Seabreeze High School. Los veranos, Duane y Gregg volvían a Nashville para pasar unos días con su abuela, donde Gregg aprendió a tocar la guitarra con un vecino del barrio.
Duane, en 1963
En 1960, Gregg consiguió ahorrar el suficiente dinero como para comprarse una Teisco Silvertone fabricada en Japón, mientras Duane prefería gastar su dinero en una Harley 165. Pero a continuación, Duane también se sintió interesado por la guitarra, por lo que su madre acabó comprándole una Gibson Les Paul Junior, para evitar las constantes riñas de los hermanos por el instrumento. Duane aprendió con rapidez y pronto dominaba las seis cuerdas mejor que su hermano. Tras asistir a un concierto de B.B. King, tenían muy claro la dirección musical a seguir y a partir de 1961 los hermanos Allman formaron parte de varios grupos de la zona. Poco después, Duane dejó los estudios para concentrarse en la guitarra, pasando horas practicando en su casa.
Allman Joys
Una de sus primeras bandas se llamó The Escorts, y en 1965 telonearon a los Beach Boys, pero seguidamente se disolvieron y surgieron los Allman Joys. Para entonces, Gregg ya se había graduado y acompañó a su hermano con la banda por todo el Sureste americano, haciéndose cargo de la voz solista y estableciéndose en Nashville y St. Louis (Missouri).
Hour Glass
Los Allman Joys evolucionaron y se convirtieron en The Hour Glass, formación con la que se trasladaron a Los Angeles a principios de 1967. Allí firmaron con Liberty Records y grabaron dos álbumes, 'The Hourglass' (1967) y 'Power of Love' (1968) que no dejaron satisfecho a nadie. El sello pretendía producir una banda pop ignorando el deseo de los Allman de tocar un material más orientado hacia el blues.
En 1968 el día en el que Duane cumplía 22 años, este se encontraba enfermo en cama. Gregg fue a visitarlo y a llevarle el disco debut de Taj Mahal como regalo de cumpleaños. También le llevó un frasco de pastillas Coricidin para la fiebre. Gregg recuerda aquel día: "Dos horas después de dejarlo, recibí su llamada: 'Hermanito, hermanito, ven aquí ahora mismo!'". Cuando Gregg llegó a casa de su hermano, observó que había sacado las pastillas del frasco y lo estaba usando como slide para tocar 'Statesboro blues', un viejo tema de Blind Willie McTell que Taj Mahal versionaba en su disco. "Era la primera vez que Duane tocaba algo con slide. Le salía de una forma natural, como si hubiese nacido para ello". El tema sería uno de los fijos en el repertorio de la banda y la guitarra slide de Duane sería fundamental en su sonido.
En 1968 The Hour Glass se disolvió también y Duane fue contratado por Rick Hall, el dueño de los estudios FAME en Muscle Shoals (Alabama) para acompañar a Wilson Pickett en la grabación de un álbum. El trabajo de Duane Allman en aquel álbumy en el tema que le daba título, 'Hey Jude' (1968), logró que lo contrataran como músico de sesión fijo y que otros músicos, como Eric Clapton se preguntaran quién era aquel chaval de Nashville.
Duane en el estudio
Cuando Jerry Wexler, de Atlantic Records, escuchó la guitarra de Duane en 'Hey Jude', le compró a Hall su contrato y quiso usar a Duane en un buen número de grabaciones de artistas como Clarence Carter, King Curtis, Aretha Franklin, Laura Nyro, Wilson Pickett, Otis Rush, Percy Sledge, Johnny Jenkins, Boz Scaggs, Delaney & Bonnie y el flautista de jazz Herbie Mann. Para ello Duane tuvo que trasladarse a Nueva York. donde se realizaron la mayoría de sesiones. Allí asistió como público en enero de 1969 al Fillmore East para ver una actuación de Johnny Winter. Durante el concierto, le comentó a su colega el guitarrista Jimmy Johnson: "En un año, como máximo yo estaré tocando en ese escenario". Efectivamente, en diciembre de ese mismo año, los Allman Brothers debutaban en el Fillmore.
The Allman Brothers Band
Las límitaciones creativas del trabajo de músico de sesión a jornada completa exasperaban a Duane. Aún así los meses que pasó en Muscle Shoals no fueron en absoluto una pérdida de tiempo. Allí conoció a personas influyentes del mundillo musical y a numerosos músicos con los que congenió, como el baterista Jaimie Johnson, quien acompañó a Duane a Jacksonville (Florida) donde, junto a Butch Trucks, Dickey Betts, Berry Oakley y Reese Wynans los dos músicos comenzaron a realizar jams afianzando un sonido que desde el primer momento parecía prometer.
Poco más tarde Duane llamó a su hermano Gregg a Los Angeles para que sustituyese a Wynans a los teclados y, a finales de marzo de 1969, se formó oficialmente la Allman Brothers Band. Tras exhaustivos ensayos, el sexteto se instaló en Macon (Georgia), donde su mánager, Phil Walden (ex-mánager de Otis Redding) tenía situado sus estudios Capricorn Sound. Su álbum debut, 'The Allman Brothers Band' se grabó en septiembre de 1969 en Nueva York y apareció unos meses después.
El segundo álbum 'Idlewild South', producido por Tom Down y publicado en agosto de 1970, fue grabado aprovechando pausas en las giras en Macon, Miami y Nueva York, y fue su espaldarazo definitivo. El álbum llegó al Top40 de las listas Billboard y temas como 'Revival' o 'Midnight Rider' sonaban con insistencia en las FM's norteamericanas.
Con Eric Clapton y sus Dominoes en 1970
Cuando los Allman Brothers fueron a tocar a Miami unos días tras publicarse el álbum, Eric Clapton, que se encontraba alli grabando su álbum 'Layla and Other Assorted Love Songs', no quiso perderse el show. Tras conocerse, Duane y Eric -que se admiraban de manera recíproca como guitarristas- se pusieron de acuerdo para tratar de trabajar junto en la grabación de su álbum. La colaboración fue más que satisfactoria para Clapton.
Allman participó en prácticamente todos los temas del álbum, contribuyendo con su Gibson Les Paul a uno de sus mejores trabajos como guitarrista slide. Durante las sesiones Eric y Duane se volvieron inseparables y Clapton comentaría en su autobiografía que Duane fue "el hermano musical que nunca tuve y siempre deseé tener". Clapton le llegó a ofrecer un puesto fijo en su grupo pero Duane nunca pensó en dejar a los Allman Brothers.
'Live at Fillmore East' (1971)
En marzo de 1971 se publicó el álbum 'Live At Fillmore East' con gran éxito. Al mismo tiempo Duane seguía siendo requerido por numerosos artistas y productores para que contribuyera con su trabajo de sesión. Duane solía aparecer aquí y allá por los estudios y aportar su guitarra slide donde fuera necesario. Como cobraba al contado, no aparecía en los créditos ni recibía derechos de autor por lo que es prácticamente imposible relacionar todos las grabaciones en las que pudo llegar a intervenir.
El 29 de octubre de 1971, durante una pausa entre actuaciones y grabaciones, Duane rodaba con su motocicleta a gran velocidad cuando un camión cargado de troncos que viajaba delante de él frenó bruscamente a la llegada de un cruce. Duane, aunque intentó esquivar el golpe, se estrelló con la parte trasera del camión, saliendo despedido y muriendo horas después en un hospital.
'Eat a Peach' (1972)
Tras el funeral y unas semanas de duelo, la banda retomó sus actividades finalizando el álbum que se había quedado sin terminar a causa de la muerte de Duane. El doble álbum fue llamado 'Eat a peach' por una famosa frase que pronunció Duane durante una entrevista. Ante la pregunta de qué estaba haciendo él por la revolución, contestó: "No hay revolución, sólo evolución, pero cada vez que paso por Georgia, me como un melocotón por la Paz". Publicado en febrero de 1972, 'Eat a Peach' contiene algunos temas en los que áun participaba Duane.
Duane y Berry Oakley
Un año después, el bajista de la banda, Berry Oakley, moriría en similares circunstancias, cuando se estrellaba con su moto contra un autobús urbano a sólo tres manzanas del lugar en el que ocurrió el fatídico accidente de Allman. Los restos de Oakley fueron enterrados junto a los de Duane en el cementerio Georgia's Rose Hill de Macon.
Capricorn Records publicó en 1972 y 1974 dos antologías en las que se recogían diferentes sesiones de Duane con su guitarra, tanto con su hermano y la banda, como con otros artistas de diversos géneros.
Continuadores de la técnica de Duane con el slide -incluso el uso del frasco de Coricidin- fueron Dickey Betts, Dereck Trucks, Rory Gallagher y Gary Rossington. Entre todos, con el tiempo, lograron que fuera el sonido distintivo de lo que se conocería como 'rock sureño'.
El 20 de noviembre de 1925 nació en Springfield (Illinois) la cantante de jazz June Christy, que antes de una brillante carrera en solitario comenzó a cantar en la orquesta de Stan Kenton. Llamada tras su muerte "una de las mejores y más olvidadas artistas de su tiempo", fue la vocalista más representativa del cool jazz de los años cincuenta.
Nacida como Shirley Luster, con tres años su familia su mudó a Decatur (Illinois) donde, ya con trece, comenzó a cantar con la Bill Oetzel Orchestra de Decatur. Durante su estancia en la Decatur High School apareció en otras bandas asociadas de Oetzel como la Ben Bradley Band y Bill Madden's Band, hasta que -finalizada la high school- se dirigió a Chicago, donde cambió su nombre a Sharon Leslie y cantó con un grupo liderado por Boyd Raeburn. Seguidamente se unió a la banda de Benny Strong, pero en 1944, el mismo día que la banda partía para Nueva York, Christy contrajo escarlatina.
Un año después, tras enterarse de que Anita O'Day acababa de abandonar la orquesta de Stan Kenton, se sometió a una prueba para acceder a su puesto, que consiguió. A pesar de unas iniciales similitudes con O'Day (físicas y vocales), la cantante -llamada ahora June Christy, encontró pronto su propio estilo que conjuntaba perfectamente con el de Kenton, tanto en los temas más innovadores, como 'Shoo fly pie and apple pan dowdy' o 'Tampico',como en los estándares tradicionales arreglados intrincadamente por el director ('How high the moon').
A medida que su popularidad crecía, el arreglista Pete Rugolo empezó a escribir teniendo su estilo en mente. Cuando la orquesta de Kenton se disolvió en 1948, Christy trabajó en el circuito de nightclubs hasta reunirse de nuevo con Kenton en 1950 en su Innovations in Modern Music Orchestra, un modernísimo grupo de cuarenta músicos que realizó una gira por Estado Unidos.
Por su parte, June había debutado de forma individual para Capitol el año anterior con un grupo liderado por su marido, el saxofonista de Kenton, Bob Cooper. El disco debut de Christy para Capitol, 'Something Cool', de 1954, fue grabado con Rugolo como director de la orquesta.
El disco lanzó el movimiento cool y tuvo un gran éxito, como el siguiente que publicó, 'The Misty Miss Christy'. Grabó el disco 'Duet' en 1955 a dúo con el piano de Kenton, y otros varios con músicos de Kenton y con Rugolo o Bob Cooper en la dirección de orquesta. En 1959 recordó sus tiempos de big band con el álbum 'June Christy Recalls Those Kenton Days'.
Tras aparecer en numerosos shows de TV durante los años cincuenta y sesenta y grabar una serie de álbumes más para Capitol Records, como 'Do-Re-Mi','The Cool School' y 'Off Beat' , se retiró en 1965 para regresar en 1977 con un sólo título más: 'Impromptu' para Musicraft. Realizó su última gira en 1988 con Shorty Rogers y en su actuación final compartió el escenario con Chet Baker. Christy murió en su domicilio de Sherman Oaks (California) de una insuficencia renal a los 64 años. Sus cenizas fueron esparcidas en la playa de Marina del Rey.
El 18 de noviembre de 1936 nació en Oklahoma City el cornetista y trompetista de jazz Don Cherry, un músico que tuvo un importante papel en varias direcciones estilísticas que tomó el jazz en los años 50 y 60. Tras tomar parte en el origen del free jazz, saltó como ningún otro las barreras y fundamentos del jazz afroamericano y europeo expandiendo su vocabulario musical con elementos asiáticos. No se puede infravalorar su enorme influencia en todas las combinaciones que surgieron años después entre el jazz y las músicas del mundo (world music).
Cherry era nieto de un nativo americano de la tribu de los Choctaw e hijo de un trompetista que dirigía el Cherry Blossom Club de Oklahoma City. Por allí pasaron músicos de la talla de Charlie Christian y Fletcher Henderson. En 1940, Don y su familia se mudaron al barrio de Watts en Los Angeles. Allí su padre trabajaba en otro club, el Plantation Club situado en Central Avenue, que en aquel tiempo era el hervidero de la vibrante escena del jazz. Don se sintió también atraído por la música y asistió a clases de piano antes de elegir la trompeta cuando ingresó en la high school.
Su tutor musical allí fue Samuel Brown que asimismo fue instructor de los saxofonistas Charles Lloyd y Wardell Gray, el trompetista Art Farmer y el pianista Hampton Hawes. Cherry comenzó a faltar a clases y no perdía la ocasión de ver en directo a los grandes artistas del momento como Charlie Parker, Billie Holiday o Dexter Gordon cuando actuaban en un sitio cercano. Con 15 años su absentismo escolar era total y comenzó a tocar en una banda de jazz de la Jefferson High School liderada por Samuel Brown. Don incluso formó su propia banda, los Jazz Messiahs. Para entonces, el joven músico ya dominaba la trompeta y el piano y componía sus propios temas. A veces tocaba el piano en la banda de Art Farmer y realizaba jams con los músicos que pasaban por Los Angeles, como el trompetista Clifford Brown, otro de los mentores de Don.
Fue entonces cuando los instintos musicales de Cherry se desarrollaron de un modo ecléctico. Amaba el bebop, el rock temprano de los Platters y los sonidos afrocubanos que traían los tripulantes de los marinos mercantes que recalaban en Long Beach. En este momento fue cuando se topó con Ornette Coleman. Corría el año 1957 y acababa de volver de una gira por Canadá y la costa Oeste con el saxofonista tejano James Clay, cuando en una tienda de discos conoció al saxofonista Ornette Coleman, un músico controvertido por su personal estilo de improvisación. De su colaboración surgieron álbumes como 'Somethin' Else!!!' (1958), 'The Shape of Jazz To Come', 'Tomorrow is the Question' y 'Free Jazz' (1959) y una nueva corriente estilística del género.
Cherry, Haden, Coleman y Eckstine en 1960
Pasó el verano de 1959 con Coleman en la School of Jazz de Lenox (Massachusetts). Posteriormente, el cuarteto de Coleman (con Cherry en sus filas) comenzó su etapa legendaria en el Five Spot Cafe de Nueva York, que atrajo un gran interés internacional por la banda. Liberando las improvisaciones de las escalas de acordes establecidas por el bebop, el cuarteto ejercería una profunda influencia en la música contemporánea que le siguió.
En aquellas etapas tempranas del free jazz, el potente tono de Cherry, así como sus rítmicos y elásticos fraseados proveían de un envoltorio adecuado a la música de Coleman. Don desarrolló una serie de sonidos vocalizados produciendo expresivos chirridos y notas medias tanto en la corneta como en la pocket trumpet (trompeta de bolsillo), su instrumento preferido, que portaba a todas partes. Tras participar en los siete primeros álbumes de Coleman, Cherry dejó el cuarteto del visionario saxofonista en 1961.
Trabajó los siguientes siete meses junto a Sonny Rollins y en los años siguientes tocaría con John Coltrane ('The Avant-Garde'), Steve Lacy ('Evidence') y George Russell ('George Russell Sextet at Beethoven Hall'). También ayudó a fundar una banda llamada los New York Contemporary Five con los saxos Archie Shepp y John Tchicai. En 1963 realizó una gira por Europa con Albert Ayler y Shepp, en la que conoció al argentino Gato Barbieri. La completa liberación de Cherry de la sombra musical de Coleman se hizo evidente en sus trabajos con Barbieri, los álbumes 'Complete Communion' (1965) y 'Symphony For Improvisors' (1966).
Con Gato Barbieri
Las multitemáticas composiciones del cornetista mostraban a un improvisador versátil y tremendamente creativo. Entre los años 1964 y 1966 Cherry y Barbieri colideraron una banda en Europa. Al final de la década, Cherry comenzó a explorar las músicas de Oriente Medio, Asia, Africa e Indonesia. En su álbum 'Eternal Rhythm' (1968), Don emplea la flauta e instrumentos de viento y de percusión nativos con el fin de crear nuevas sonoridades y ampliar el espectro estético del jazz.
Tras pasar un tiempo como profesor en el New Hampshire's Dartmouth College, en 1970 Don y su familia (era padre de la artista de rapsoul Neneh Cherry y el actor y baterista Eagle Eye) se trasladan a Suecia donde se instalan hasta 1975 en una escuela de arte que Cherry adquirió allí. Seguidamente la familia dejó Escandinavia y viajó con una autocaravana por Europa, el Medio Oriente y África. En el camino, Cherry ofrecía conciertos esporádicos y realizaba jams con los músicos locales. Al final de los setenta Cherry se reunió con tres antiguos sidemen de Coleman, Dewey Redman, Ed Blackwell y Charlie Haden, con los que formó la Old and New Dreams Band, un cuarteto creado para preservar y perpetuar la visión musical de su antiguo líder.
Cherry, Walcott y Vasconcelos
En 1978, Cherry fundó con los multiinstrumentistas Collin Walcott y Nana Vasconcelos el grupo Codona, especialicado en sonidos étnicos. Cherry cantaba y tocaba piano, órgano, melódica, flautas y una especie de arpa-laúd malí llamada doussn'gouni. En 1979 colaboró con Lou Reed en su álbum 'The Bells'. Los años siguientes siguió explorando más horizontes de música global publicando trabajos con extraordinarias composiciones, muchas de ellas de una solemne complejidad. También volvería a trabajar con Coleman ('In All Languages', 1987) y su álbum 'Art Deco' de 1989 recibiría de la revista Rolling Stone el título de 'album del año'.
En los años noventa Cherry se estableció en San Francisco donde se le otorgó en 1991 otro premio por su álbum 'MultiKulti', nombre que también recibió su nuevo cuarteto con el que realizó giras por Europa y Japón. Cherry afirmaba: "La música está viviendo buenos momentos. Lo pueden llamar música global, músicas del mundo, world beat, lo que quieran... Yo lo llamo multikulti". Don murió en Málaga (España) en 1995 a los 58 años.
Para entonces la era de las big band estaba en su apogeo y Hawkins, espoleado por el éxito de 'Body and soul', pasó con su orquesta a tocar en el Savoy. Sin embargo, Hawkins nunca fue un buen gestor u hombre de negocios organizado, por lo que su banda no alcanzó el éxito y la popularidad de otras como las de Duke Ellington o Count Basie. Tras finalizar su contrato con el Savoy, las actuaciones comenzaron a escasear y Coleman se trasladó a Chicago para dirigir una big band en Dave's Swingland. Durante su estancia en Chicago realizó sesiones en el sello Apollo junto a Dizzy Gillespie y Max Roach que han sido consideradas las primeras grabaciones del bebop.
El pianista Roland Hanna lo definió como 'un músico completo': "Podía tocar al instante lo que oyera, podía improvisar a cualquier tempo, en cualquier tono y era capaz de leer cualquier partitura sin equivocarse".
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