Horace Silver

El 2 de septiembre de 1928 nació en Norwzk (Connecticut) el pianista y compositor de jazz Horace Silver, uno de los músicos pioneros del hard bop en los años cincuenta y uno de los artistas más populares e influyentes en la corriente principal del jazz contemporáneo gracias a su estilo terso, imaginativo y muy funky.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica de Cabo Verde que pudo escuchar de su padre, oriundo de Portugal. Más tarde, tras empezar a tocar el piano y el saxofón en el instituto, Silver se situó bajo el influjo de los cantantes de blues y de los pianistas de boogie-woogie y de bop como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford con una sección rítmica compuesta por Silver, el batería Walter Bolden y el bajo Joe Calloway. Stan Getz quedó tan impresionado que contrató al trío y Silver se trasladó con él a Nueva York.

Silver trabajó con Getz durante un año y a continuación empezó a trabajar de forma independiente por la ciudad con músicos de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952 grabó con Lou Donaldson para Blue Note, lo que le permitiría grabar sus primera sesiones como líder. En 1953 unió fuerzas con Art Blakey y editaron 'Horace Silver and the Jazz Messengers', disco fundamental en la evolución del hard bop. Muchos de los temas escritos por Silver para el mismo ('The preacher', 'Doodlin', 'Room 608') se convirtieron en clásicos del jazz.  

Sus grabaciones realizadas como sideman de Miles Davis (1954), Jay Jay Johnson (1955), Art Farmer (1954) y especialmente las publicadas a nombre de Art Blakey, también en 1954: 'A Night at Birdland, Vols. 1 y 2' y 'Jazz Messengers at Café Bohemia', ambas en Blue Note, sirven igualmente para comprobar su enorme aportación al jazz. Hacia 1956 Silver había abandonado a los Messengers para grabar por su cuenta.

Los discos que grabaría a continuación para Blue Note le consolidarían como uno de los más importantes compositores y pianistas del jazz; se trata de discos como 'Blowin' the Blues Away' y 'Song for My Father' (los dos grabados con el trompetista Blue Mitchell y el saxo tenor Junior Cook). 'Song for My Father' es la joya de la corona de su carrera y una de las grandes obras maestras del periodo hardbop en el jazz.

Junto a Horace Silver crecieron generaciones de jóvenes talentos como el citado Blue Mitchell, Art Farmer, Woody Shaw, Stanley Turrentine, Joe Henderson, Bennie Maupin, Randy y Michael Brecker, George Coleman, Tom Harrell y Dave Douglas. Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta la decadencia del sello a finales de los años setenta en los que empezó a trabajar para su propia compañía, Silveto. Su nueva música, más experimental, no fue tan bien recibida, pero durante los ochenta regresó al hard bop y comenzó a escribir letras para sus composiciones. Su música se aproximó a intenciones espirituales, que ejemplifican títulos como 'Spiritualizing the Senses' (1983) y 'Music to Ease Your Disease' (1988).

En los noventa Silver cerró su sello y comenzó a grabar para Columbia, con la que retomó posiciones de popularidad en el mundo del jazz con trabajos como 'It's Got to be Funky' (1993), 'Pencil Packin' Papa' (1994), 'The Hardbop Grandpop' (1996) y 'A Prescription for the Blues' (1997) aunque cada vez más afectado por la artritis.  Murió en junio de 2014 a los 85 años.

LP 'Kind of Blue'

El 17 de agosto de 1959 se publicó el álbum 'Kind of Blue' del trompetista Miles Davis, considerado por numerosos críticos de jazz la auténtica obra maestra del músico de Alton (Illinois). La influencia de este álbum en la música en general, tanto en jazz, como en rock y música clásica ha llevado a muchos a nombrarlo uno de los más influyentes trabajos musicales de todos los tiempos.

A finales de 1958 Miles lideraba una de las mejores bandas de hard bop del país. La componían el saxofonista alto Cannonball Adderley, el tenor John Coltrane, el pianista Bill Evans, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb. Tocaban una selección de standards del pop y originales bebop de Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron. Como en todo jazz basado en el bebop, las bandas de Davis improvisaban sobre las progresiones armónicas de los acordes de cada tema. Davis fue uno de muchos músicos de jazz que comenzaban a sentirse insatisfechos con el estilo, y consideraban las cada vez más complejas progresiones de acordes un obstáculo a su creatividad.

En 1953 el pianista George Russell había publicado su obra 'Lydian chromatic concept of tonal organization', que ofrecía una alternativa a la práctica de la improvisación basada en acordes y sus progresiones. Abandonando la tradicional fórmula de acordes menores y mayores de la música clásica, Russel desarrolló una nueva fórmula usando escalas o series de escalas para las improvisaciones. Miles ya había aplicado las teorías 'modales' de Russell en el tema que dio título a su álbum 'Milestones' (1958). Tras las primeras sesiones de Davis con Bill Evans, antiguo alumno de Russell, el trompetista se mostró satisfecho con los resultados y decidió grabar un álbum completo basado en las nuevas 'formas modales'. Para entonces, Bill Evans había abandonado el sexteto para iniciar su carrera en solitario y fue reemplazado por el jamaicano Wynton Kelly, pero Miles le pidió que volviera a la banda para el proyecto 'Kind of Blue'.

Como era costumbre en Davis, prácticamente no hubo ensayos previos y los músicos tenían una idea muy vaga de lo que se iba a grabar aquellas dos tardes de primavera (2 de marzo y 22 de abril) en los estudios de 30th Street en Nueva York bajo producción de Teo Macero. Como bien describe Bill Evans en las notas de la cubierta del disco, Davis le había dado a cada músico unos esquemas de escalas y líneas melódicas sobre las que improvisar y una vez ensamblados, Miles les dio una breves instrucciones en cada pieza y se pasaba directamente a grabar la toma.

Con tan poca preparación, los resultados fueron tan satisfactorios que se generó la leyenda de que todas las piezas del álbum fueron grabadas en una sola toma. En realidad, únicamente 'Flamenco sketches' no precisó de repeticiones. Davis, consciente del ego herido de Wynton Kelly, el pianista sustituto de Bill Evans a quien Kelly veía con disgusto ocupar de nuevo su plaza, le eligió a él como pianista en la grabación de 'Freddie freeloader', un tema más enraizado en el blues.

La recepción del álbum fue apoteósica y está considerado desde entonces una obra cumbre, no solo de Miles, sino del jazz y la historia de la música en general. Sin embargo, el trompetista en una entrevista de 1986, tras su etapa eléctrica renegaba de trabajos anteriores como 'Birth of the Cool' y 'Kind of Blue' y dudaba de la conveniencia de permanecer fiel a un estilo: "'So What' y 'Kind of Blue' fueron concebidos en aquel momento, la hora y el dia precisos y ya pasó. Se acabó. (...) Lo que solía tocar con Bill Evans, aquellos tonos modales y acordes sustitutivos... poseíamos la energía entonces y nos gustaba. Pero actualmente no siento ningún placer tocándolo. Es como pavo recalentado."

'So what'

'Freddie freeloader'

'Blue in green'

'All blues'

'Flamenco sketches'

James Horner

El 14 de agosto de 1953 nació en Los Ángeles (California) el compositor de bandas sonoras y director de orquesta James Horner. Conocido por integrar elementos corales y electrónicos en muchas de sus partituras para el cine y por su frecuente uso de influencias musicales celtas, Horner escribió la música de más de 100 películas, entre ellas la banda sonora más vendida de la historia, 'Titanic'..

Hijo de inmigrantes austríacos, comenzó a tocar el piano con cinco años. Fue enviado a Londres, al Royal College of Music y se doctoró en la Universidad de Calfornia y , en 1970, comenzó a componer para el cine. Sus primeras bandas sonoras importantes las compuso para los films de serie B de Roger Corman, como 'The Lady in Red' y 'Humanoides desde el espacio' (1979), a la que siguieron en los años ochenta '48 Horas', 'Krull' (1983), 'Cocoon' (1985), 'Aliens' (1986), 'Willow' (1988), 'Glory' y 'Campo de Sueños' (1989).

En los noventa continuó cosechando éxitos: 'Juegos de patriota' (1992), 'En busca de Bobby Fischer' (1993), 'Apolo 13', 'Braveheart' (ambas 1995) y 'Titanic' (1997), por la que consiguió dos premios Oscar, uno por 'mejor banda sonora' y otro por 'mejor canción': 'My heart will go on'.

En el nuevo milenio sus obras más destacadas fueron: 'Una mente maravillosa' (2001), 'Apocalypto' (2006) y 'Avatar' (2009) y 'The Amazing Spider-Man' (2012).

James Horner fue criticado en numerosas ocasiones por 'reciclar' o reutilizar parte de sus partituras en diferentes películas en las que ha trabajado. Hay, incluso, un movimiento en internet y un grupo en Facebook que lo critica por su característico 'parapapá', que comparten películas como 'Avatar', 'Troya' o 'Willow', recurso utilizado por el compositor para enfatizar la tensión de la escena, constituyendo una de sus firmas personales.

Murió en junio de 2015 a los 61 años cuando practicaba una de sus aficiones favoritas: volar.  Se estrelló cuando pilotaba una de sus avionetas privadas cerca del Bosque Nacional de Los Padres, a unas 60 millas al norte de Santa Bárbara (California). 

Gustavo Cerati

El 11 de agosto de 1959 nacía en Buenos Aires el músico, compositor y productor argentino Gustavo Cerati, conocido por haber sido el líder, voz, guitarra solista y compositor principal de Soda Stereo (1982-1997), una de las bandas más importantes e influyentes de la música latina. Su trabajo tanto en solitario como junto a Soda Stereo lo posicionan como uno de los mejores músicos de rock iberoamericano.

Con Soda Stereo publicó siete álbumes de estudio con temas como 'Te hacen falta vitaminas', 'Sobredosis de TV', 'Dietético', 'Nada personal', 'Juegos de seducción', 'Persiana americana', 'Signos', 'En la ciudad de la furia', 'Corazón delator', 'El séptimo día', 'Cae el sol', 'Un millón de años luz", 'Té para tres', "Hombre al agua", "Canción animal', 'Primavera 0', 'Luna roja', 'Ameba', 'Ella usó mi cabeza como un revólver' y la que es tal vez la más famosa, 'De música ligera'.

En su carrera, Cerati experimentó con la música electrónica ('Plan V', 1997) y la música sinfónica ('11 Episodios Sinfónicos', 2001). A lo largo de su trayectoria como solista grabó desde 1993 los álbumes 'Amor Amarillo', 'Bocanada' (1999), 'Siempre es Hoy' (2002) y 'Ahí Vamos' (2006) ganando y recibiendo nominaciones de numerosos premios Grammy Latino, MTV y Gardel.

En 2007 Soda Stereo regresó en una gira llamada 'Me verás volver', tras la cual sus integrantes retomaron sus actividades por separado. El último trabajo de Cerati fue el álbum 'Fuerza Natural' (2009), que contenía el tema 'Déjà vu'. El 15 de mayo de 2010, Gustavo sufrió un ictus cerebral y permaneció en coma y bajo respiración asistida hasta su fallecimiento el 4 de septiembre de 2014 a los 55 años.

Charlie Haden

El 6 de agosto de 1937 nació en Shenandoah, Iowa, el contrabajista de jazz estadounidense Charlie Haden. Su carrera musical comenzó a los dos años cuando fue nombrado el 'más joven cantante de country' en una emisora local, pero a los 15 años contrajo la polio, lo que afectó a sus cuerdas vocales, imposibilitándole controlar la afinación mientras cantaba. Unos años antes, su hermano lo introdujo en el jazz y de forma autodidacta, comenzó a tocar el contrabajo.

Ed Blackwell y Charlie Haden

A mediados de los años cincuenta estudió en el conservatorio de Oberlin (Ohio) y en el Westlake College for Modern Music en Los Angeles. Tras tocar con Art Pepper (1957), Paul Bley ('Live at the Hillcrest Club, 1958) y Hamton Hawes (1958-59) consigue introducirse en el círculo profesional. En 1959 entra a formar parte del cuarteto de Ornette Coleman, una figura clave en la historia del jazz moderno y muy pronto empezó a investigar en esa dirección que Coleman inició conocida como free jazz. En ese contexto, Charlie Haden participó en el bautismo discográfico de ese movimiento con el álbum 'The Shape of Jazz to Come' (1959) con la valiosísima colaboración de Don Cherry, otro músico inigualable y líder junto a Coleman de aquel movimiento musical revolucionario.

En 1960 participó con otro contrabajista, Scott LaFaro en un manifiesto musical titulado 'Free Jazz' del que ambos eran insignes representantes en su instrumento. En 1964 trabajó con el trío de Denny Zeitin y en 1966 volvió con Ornette Coleman al tiempo que expandía su área de actuaciones con colaboraciones a diestro y siniestro.

En esos ámbitos destacó por su participación en las reuniones de trabajo, de estudio y de grabación de la 'Jazz Composer's Orchestra' y en 1969 pudo por fin ver hecho realidad un deseo que llevaba persiguiendo desde años atrás: grabar su primer disco a su nombre en el seno de la 'Liberation Music Orchestra'. Con unos arreglos muy originales realizados por Carla Bley, la música de la Liberation también destacaba por el carácter político de los temas, siendo la primera vez que en ese contexto, un grupo de jazz se hacia eco de las canciones populares alusivas al bando republicano de la Guerra Civil Española.

Después del disco con Ornette Coleman grabado por Impulse en 1976, 'Song for Che', en homenaje a Ernesto Che Guevara, Charlie Haden forma junto a Don Cherry, el cuarteto Old and New Dreams con el que recorrió toda Europa, Asia y Norteamérica.
A finales de los ochenta, Charlie Haden elabora un discurso musical nuevo en el marco de su nueva formación Quartet West, cuyo debut, 'Quartet West', es uno de los álbumes imprescindibles del jazz contemporáneo. A partir de 1990, Charlie Haden explora universos jazzisticos mas íntimos dando entrada en su música al formato de dúo. En ese contexto Haden se explaya en la composición y su relajamiento junto al otro protagonista nos descubre una música de gran inventiva, limpia en la ejecución y abordada desde una óptica puramente instrumental.

En 2008 publicó 'Rambling Boy' (2008) en el que contó con colaboraciones de algunos de sus familiares, además de Béla Fleck, Pat Metheny, Elvis Costello, entre otros. Su último trabajo como líder fue el álbum 'Come Sunday' grabado en febrero del año 2010 con Hank Jones, que murió tres meses después. En 2010 publicó junto a Keith Jarrett el álbum 'Jasmine' y 'Sophisticated Ladies' con Quartet West apareció en 2011. En él colaboraron diferentes vocalistas como Melody Gardot, Norah Jones, Cassandra Wilson, Ruth Cameron y Diana Krall. Charlie Haden murió el 11 de julio de 2014 a los 76 años tras una larga enfermedad.

Manuel Molina

El 21 de julio de 1948 nació en Ceuta el músico flamenco Manuel Molina, que junto a su entonces pareja Dolores Montoya formó el dúo Lole y Manuel. Se crió en Sevilla en el seno de una familia de honda tradición flamenca y pasó, con doce años, por el trío Los Gitanillos del Tardón (en el que también militaban Chiquetete y El Rubio).

Después de estar en varias compañías flamencas, fue en 1971 uno de los integrantes de Smash, una banda de flamenco rock progresivo, con la que grabó y cantó una de las voces solistas de su éxito 'El garrotín', uno de los temas que marcaron el inicio del rock andaluz. A continuación, tras un intento en solitario con el single 'La Mora' y un breve paso por Triana, se une sentimental y artísticamente a la bailarina Lole Montoya, naciendo en 1974 el dúo Lole y Manuel.

La calidad de su arte y la originalidad de su propuesta encajaron a la perfección con la demanda del público en aquel entonces, lo que propició un notable éxito. El hippismo de la época llegaba al flamenco. Sus letras, compuestas inicialmente por el poeta Juan Manuel Flores, sustituyeron la pena y la amargura por la paz, las flores y el amor. La música, que componía e interpretaba Manuel a la guitarra, también se apartaba del flamenco tradicional, incorporando además de la influencia rock que Manuel traía de Smash, melodías y arreglos de origen árabe, de forma que este dúo puede situarse en el origen del 'nuevo flamenco' o 'flamenco fusión', en los años setenta, junto a grupos como Triana.

Su primer trabajo discográfico, 'Nuevo Día - El Origen de la Leyenda' (1975) mostraba la espectacular voz de Lole, que con su quejío flamenco llegaba al alma del que la escuchaba, y al guitarrista Manuel cantando un par de bulerías. Producido por Ricardo Pachón, que ya produjo el disco en solitario de Manuel Molina, contaba con la colaboración de Carlos Cárcamo, líder del grupo Granada. El álbum incluía, además del tema que daba título al disco, 'Nuevo día', 'Todo es de color', 'Por primera vez' y la popular 'Un cuento para mi niño', conocida como 'la canción de la mariposilla'.

Recibido con entusiasmo por la crítica, su éxito les llevó a firmar con CBS, sello con el que publicaron sus siguientes trabajos. En 'Pasaje del agua' (1976), con temas como 'Tu mirá' (incluida en la banda sonora del film de Tarantino 'Kill Bill 2'), 'Ay, ay' o 'Dime dime', y 'Romero Verde' (1977) mostraban ya distintas influencias, como el blues o el tango marroquí que mezclaron con el flamenco que ambos llevaban tan arraigado. En 'Romero Verde', contaron con la colaboración del guitarrista Raimundo Amador.

Pasaron tres años, durante los cuales nació su hija Alba, hasta que lanzaron su siguiente disco, 'Al alba con alegría' (1980), en el que fueron acompañados por el grupo Imán Califato Independiente. Cuatro años más tarde vio la luz su álbum 'Casta', dedicado a Federico García Lorca y Juan Ramón Jiménez, con textos de ambos musicados por Manuel.

En 1992 repetían la experiencia en 'Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla', acompañados en esta ocasión por la Orquesta Sinfónica de Londres. Un nuevo disco dedicado a su hija, 'Alba Molina', se publicó en 1994, ya con Virgin Records. Posteriormente, tanto Lole como Manuel publicaron trabajos en solitario y su hija Alba, que ya había participado en algunos trabajos de sus padres, debutó como cantante en 1997 con el álbum 'Despasito'. Manuel Molina participó en 2003 como artista invitado en la compañía del bailaor Farruquito, haciendo de ‘juglar’ en el espectáculo ‘Alma vieja’.
En marzo de 2015 se le detectó un cáncer terminal y decidió no recibir tratamiento médico. Optó por morir tranquilamente en su casa. Falleció el 19 de mayo de 2015.