Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 22 de enero de 1973 se publicó en el Reino Unido (en Estados Unidos fue el 26 de enero) el sexto álbum de estudio de Elton John, 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player' el cual, al igual que el anterior 'Honky Chateau' ocho meses antes, debutó en el nº1 de las listas Billboard de álbumes y terminó de cimentar su categoría como una genuina superestrella.
Elton John repitió fórmula y de nuevo grabó su álbum en los Strawberry Studios, en el Chateu d'Herouville, a las afueras de Paris con los mismos colaboradores (Gus Gudgeon a la producción y Paul Buckmaster a cargo de los arreglos orquestales). El estudio, situado en el primer piso del chateau estaba equipado con una consola MCI 416 y un Ampex de 16 pistas en una pequeña sala de control separada de una espaciosa sala, dos de cuyas paredes eran una doble capa de vidrio que, a la vez que aislarlos del sonido exterior, suministraba abundante luz natural y unas magníficas vistas a la campiña francesa.
Totalmente liberado y sintiéndose confortable en el estudio, comenzó a jugar con sus habilidades vocales y a demostrar su versatilidad componiendo una colección de canciones de estilos pop clásicos y contemporáneos. Como era habitual, Taupin escribía los textos y posteriormente John les ponía música.
'Daniel',
uno de los dos singles extraídos del álbum y una de las más bellas
baladas de John/Taupin, llegó a los primeros puestos de las listas en
medio mundo. Su significado ligado a los veteranos de la guerra de
Vietnam, nunca trascendió, ya que Elton suprimió la tercera estrofa -que
nunca llegó a grabarse- del texto original de Taupin, que describe a un
veterano de la guerra de Vietnam, en la que a resultas del combate
quedó ciego ("your eyes have died / but you see more than I" - Tus ojos han muerto / pero puedes ver mejor que yo), en su viaje hacia España (¿Ibiza?) con el fin de escapar de todos aquellos que le presionan y agobian en casa ("do you still feel the pain / of the scars that won't heal?" - ¿Aún sientes el dolor / de las heridas que nunca sanarán?), incluido su hermano, desde cuyo punto de vista está contada la historia.
'Midnight creeper' fue un claro guiño a los Rolling Stones. La crítica social vino a cargo de 'Have mercy on the criminal' (con un excelente trabajo de Paul Buckmaster en el arreglo de cuerda), letra en la que Taupin describe los problemas que tiene que afrontar en la vida un ex-convicto, y 'Texan love song', en la que cuenta la indignación que siente un típico republicano tejano de la época, (seguramente miembro del KKK) ante la juventud 'melenuda y comunista':
How dare you sit there and drink all our beer
Oh it's made for us workers who sweat spit and swear
The minds of our daughters are poisoned by you
With your communistic politics and them negro blues
So it's Ki yi yippie yi yi You long hairs are sure gonna die Our American home was clean till you came And kids still respected the president's name
And the eagle still flew in the sky Hearts filled with national pride Then you came along with your drug-crazy songs Goddamit you're all gonna die
¿Cómo podéis seguir ahí sentados y beberos nuestra cerveza?
Está hecha para nosotros, trabajadores que sudan, escupen y juran
Las mentes de nuestras hijas están contaminadas por vosotros
Con vuestras ideas comunistas y vuestra música de negros
Así que Ki yi yippie yi yi
Vosotros, melenudos váis a morir
Nuestro Hogar Americano estaba limpio hasta que llegásteis
Y los niños aún respetaban el nombre del presidente
Y el águila surcaba los cielos
Y nuestros corazones estaban henchidos de orgullo nacional
Entonces aparecísteis vosotros con vuestras canciones drogatas
¡¡Malditos seáis!! Váis a morir todos
Su gran amigo Marc Bolan le inspiró el tema 'I'm gonna be a teenage idol'y otro amigo de Elton, Groucho Marx,
fue el que inspiró el título del álbum: Durante una fiesta en Los
Angeles, al encontrarse, Groucho apuntó con los dos dedos índice hacia
John, a lo que éste dijo: "No me dispares. Yo sólo soy el pianista..."
Cuando Elton estuvo de gira por Australia en 1972, escuchó el tema 'Eagle rock' del grupo australiano Daddy Cool y quedó impresionado. Fue el single de mayor éxito en Australia de principio de los setenta, permaneciendo 10 semanas en el nº1, y sirvió de inspiración para 'Crocodile rock', canción en la que Elton intenta parecerse a Bobby Vee cantando, siendo también un homenaje a los grupos y a la música de los años cincuenta, con reminiscencias de 'Little darling' de los Diamonds y 'Speedy Gonzales' de Pat Boone. Finalmente, 'High flying bird', se produjo para que sonara como un tema de Van Morrison.
Elton John – voz, piano, piano eléctrico, piano Leslie, órgano Farfisa, armonio, melotrón
El 22 de enero de 1924 nació en Indianápolis (Indiana) el trombonista de jazz J.J.Johnson, que fue en la historia del jazz y en la evolución del trombón, lo que Charlie Parker supuso al saxo alto, o Dizzy Gillespie a la trompeta. Todavía no ha surgido quien desde el punto de vista del estilo, haya aportado algo nuevo al idioma musical establecido por Johnson, hace ya más de medio siglo.
J.J.Johnson comenzó a tocar el trombón con catorce años y tres años después ya tocaba como profesional en la banda de Clarence Jones. A continuación con Snookum Russell (1942), Benny Carter (1942-45), con quien hizo su debut discográfico ejecutando un solo en 'Love for sale', y Count Basie (1945-46). Como muchos de sus contemporáneos, Johnson estaba fascinado con el saxo tenor de Basie, Lester Young, cuyas líneas de ritmos complejos carentes de vibrato intentaba imitar J.J. Johnson con su trombón. Gracias a su dominio del hasta entonces poco popular instrumento, se convirtió rápidamente en el más importante trombonista del bop.
J.J. con Max Roach y Oscar Pettiford
A partir de 1945 dirigió un grupo propio con Bud Powell y Max Roach y tocó con Sonny Stitt y Charlie Parker (1947), siendo el único músico que grabó como invitado en el quinteto original del saxofonista. Siguieron colaboraciones con Illinois Jacquet (1947-49), Woody Herman (1949), la big band de Dizzy Gillespie (1951), Oscar Pettiford (1952) y Miles Davis (1953), con quien colaboró en 1949 en las sesiones de grabación que darían lugar al álbum 'Birth Of the Cool'.
Sin embargo, lo que ganaba con la música no era suficiente para sostener a su familia, por lo que aceptó un empleo en la Sperry Gyroscope Company, una fábrica de equipos electrónicos de navegación, en la que trabajó entre 1952 y 1954, aunque llegó a colaborar con Charles Mingus en sus Workshop Bands. Una de estas formaciones estaba liderada por un cuarteto de trombones y su repercusión llevó al regreso de Johnson en 1954 con un quinteto de dos trombones muy popular en 1956 formado con su colega Kay Winding. El dúo grabó entre 1954 y 1969 una docena de álbumes, entre ellos 'The great Kai & J.J.' y 'Trombone for Two'.
Seguidamente formó otro quinteto en el que a menudo militaba Bobby Jasper. Fue entonces cuando Johnson comenzó a concentrarse en su propia música y surgieron ambiciosas composiciones como 'Poem for brass', que apareció en el álbum 'Music For Brass' de 1956 publicado por Columbia y dirigido por Gunther Schuller.
Un año después graba con Tommy Flanagan, Paul Chambers y Max Roach los clasicos álbumes 'First Place' y 'Blue Trombone' un ejemplo temprano de hard bop. En 1957 grabó para Verve 'Stan Getz and J. J. Johnson at the Opera House' con el trio de Oscar Peterson. En 1959 los organizadores del Monterey Jazz Festival le encargaron la pieza'El camino real', que estrenó en el festival.
Consecuentemente, Gillespie, impresionado por su 'Poem for brass' le pide material para un álbum. El resultado fue 'Perceptions', grabado en 1961 con una suite de 35 minutos ejecutada con seis trompetas, cuatro trombones, dos trompas, dos tubas y dos arpas. Con esto Johnson contribuía de forma activa a lo que se dio en llamar 'third stream' (tercera corriente) en el jazz, que pretendía abrir un nuevo camino en el género utilizando influencias de la música clásica.
En 1960 se dedicó a la enseñanza en Lenox y siguió actuando, pero sus apariciones se volvieron más selectivas. Los años 1961 y 62 volvió a trabajar con Miles Davis y en ocasiones con los saxofonistas Rollins, Jimmy Heath y Sonny Stitt y de cuando en cuando formaba pequeños combos liderados por él. No obstante, procuró dedicar todo su tiempo a la composición. En 1963 apareció en Verve el magnífico 'J.J's Broadway', un excelente ejemplo de su maduro estilo y sonido y sus capacidades como arreglista.
En 1967, con la intervención de Elmer Bernstein, Johnson consiguió un puesto como compositor y director de orquesta en la compañía M.B.A. Music de Nueva York, proveedora de música para la publicidad y la TV. Tres años más tarde se traslada a Los Ángeles y durante la década de los 70 trabaja en Hollywood componiendo y arreglando bandas sonoras para series como 'Starsky y Hutch', 'Mayberry' y 'That girl' y películas como 'Descalzos por el parque', 'Scarface', 'Trouble Man', 'Sea of Love', 'Cleopatra' Jones' y 'Shaft'..
A pesar de su éxito en Hollywood, Johnson permaneció fiel al jazz y a su trombón y practicaba a diario para no perder destreza. Grabó entre 1977 y 1984 media docena de álbumes, entre ellos otro dúo de trombones, esta vez con Al Grey y varios como sideman: dos con Count Basie y en la banda sonora de 'El golpe II'. También tocó en su etapa californiana en la Cocoanut Grove Orchestra de Sammy Davis Jr, y en la banda de Carol Burnett.
Aunque sus grabaciones y actuaciones en directo eran escasas, seguía liderando las votaciones y clasificaciones de mejores trombonistas año tras año. Los álbumes 'Quintergy' y 'Standards', grabados en vivo en 1988 en el Village Vanguard se encargaron de confirmar los resultados de las encuestas. En los años 90 se le pudo ver con sidemen como Renee Rosnes, Rufus Reid, Victor Lewis y Robert Eubanks y, bajo contrato con Verve Records, Johnson grabó otros magníficos trabajos, como 'Tangence' (1994) una colaboración con el realizador Robert Farnon; 'Brass Orchestra' (1996) con temas bebop, y 'Heroes' (1998) su álbum final.
Aquejado de una enfermedad terminal, Johnson se suicidó de un disparo en febrero de 2001. En su funeral, al que asistieron familiares, amigos y numerosos miembros de la comunidad jazz de todo el país, se pudo comprobar la importancia e influencia que tuvo este extraordinario instrumentista y compositor en el género. Nueve trombonistas, entre ellos Slide Hampton, Steve Turre y Robin Eubanks. tocaron como tributo una de sus piezas más conocidas y un standard del jazz, 'Lament'.
El 21 de enero de 1936 nació en Nueva Orleans el cantante y guitarrista de R&B Snooks Eaglin, a quien llamaban el 'juke-box humano', a causa del amplio repertorio -unas 2500 canciones- que desplegaba en sus actuaciones, siempre imprevisibles, tanto para el público como para sus músicos, eligiendo Snooks las canciones según le venían a la memoria o complaciendo peticiones de la audiencia.
Snooks con los Flamingos de Toussaint
Aunque era ciego de nacimiento, Eaglin aprendió a tocar la guitarra desde niño. Con once años ganó un concurso radiofónico de talentos jóvenes y tres años después abandonó los estudios para dedicarse de lleno a la música. Por su similitud de voz con Ray Charles, se presentaba en sus actuaciones como 'The little Ray Charles'. En los años cincuenta formó parte de los Flamingos de Allen Toussaint con los que tocó la guitarra.
Como artista en solitario, sus actuaciones y grabaciones fueron muy discontinuas, aunque en 1958 el musicólogo Harry Oster realizó varias grabaciones de country-blues con Snooks publicadas más tarde en los sellos Folkways y Prestige. En 1960 firmó con Imperial Records y graba 26 temas mayoritariamente compuestos por Dave Bartholomew, como 'Yours truly', 'Down yonder','Going to the river' y 'Let the four winds blow', que a diferencia de las grabaciones realizadas con Oster, eran temas de R&B de New Orleans, el estilo por el que se le conoció posteriormente. En estas sesiones participaron los mejores músicos de New Orleans como el pianista James Booker y el batería Smokey Johnson.
Pero su mejor momento estaba por llegar, incluyendo su legendaria sesión a comienzos de los años setenta con Professor Longhair y su trabajo en el primer álbum de los Wild Magnolias, músicos que prácticamente definen cómo hay que hacer buen R&B de New Orleans. La grabación con Professor Longhair, realizada en Baton Rouge (Memphis) y Woodstock (NY) fue llamada 'the lost sessions' (las cintas perdidas), las cuales fueron rescatadas en los años noventa.
Fue ya en los años ochenta, bajo Black Top Records, cuando graba su obra más consistente, publicando entre 1987 y 1999 cuatro álbumes de estudio -entre ellos, los magníficos 'Teasin you' (1992) y 'Soul's Edge' (1995), apareciendo como invitado en numerosas grabaciones de otros artistas como Henry Butler, Earl King y Tommy Ridgley. Aunque no se prodigó mucho con las actuaciones, fue uno de los fijos en el festival de Jazz de Nueva Orleans durante numerosos años. Murió de un infarto en febrero de 2009 a los 73 años.
El 21 de enero de 1848 nació en París el compositor francés Henri Duparc, que, a pesar de haber destruido la mayoría de sus composiciones, sus 17 «mélodies» sensibles y expresivas, han bastado para hacer de él un compositor de excepción, uno de los mejores melodistas franceses.
Siendo niño y adolescente Henri Duparc mostró interés en numerosos campos y poseyó una extraordinaria capacidad intelectual. Con todo, también tuvo una naturaleza sensible, a menudo dubitativa. En principio comenzó a estudiar una carrera de leyes pero a la vez tomaba lecciones de piano de Cesar Franck que le hizo comprender que no podría llegar a ser jamás un virtuoso pianista, pero que vio en él dotes de compositor, y también dijo de él que era «él más dotado de sus alumnos». Entre sus primeras composiciones se encuentra, “Six Reveries” para piano. En un rasgo típico, destruyó sus composiciones tempranas, al no estar satisfecho con aspectos de su estilo o con la totalidad de la propia pieza.
En 1867, a los diecinueve años, compuso su primera obra seria, una “Sonata para piano y violonchelo”. Al año siguiente publica su primera obra, “Cinq mélodies”, y un año más tarde, la editorial Flaxland ya le publicó las “Six petites pièces” para piano.
Duparc de uniforme en 1870
El 9 de noviembre de 1871 se casa con la escocesa Ellen Mac Swiney a quien le dedicará una de sus mélodies, “Soupir”(1869) para voz y piano (Valentin Gheorghiu & Dan Iordachescu). Después de la guerra, en 1870 y 1871, un grupo de músicos y escritores se reunía frecuentemente en su casa entre ellos Fauré, Chausson, Castillon, Saint-Saëns, Benoît y Chabrier y en una de esas reuniones surgió la idea de crear la «Société Nationale de Musique», de la que Duparc fue secretario durante mucho tiempo. Desde ese momento, se consagró exclusivamente a la música. En mayo de 1878 anunció la creación de los «Concerts de Musique Moderne» (en los que compartió la batuta con Vincent d'Indy) que se fundaron con el objetivo de dar a conocer las obras de los compositores contemporáneos.
Duparc en 1880
En 1885 concibió la idea de componer una ópera basada en la novela de Pushkin, «La Roussalka», de la que solo quedan algunos fragmentos. Ese mismo año, a los 36 años, en medio de una
emergente carrera, deja de componer, para dedicarse de lleno a su familia, y a su otra
pasión, el dibujo y la pintura (gouaches, pasteles y sepias). Cuando comenzaron a manifestarse en Dupart los primeros signos de neurastenia, melancólico, se refugió en Monein, al pie de los Pirineos hasta 1897. Posteriormente vivió en París y en 1900, finaliza la orquestación de “Testament”.
Jean Cras en 1899
Ese mismo año conoció a Jean Cras, un compositor prometedor, pero aún carente de oficio. Un fuerte lazo de amistad se estableció entre ambos, al punto que Duparc le llamó más adelante "hijo de mi alma" («fils de mon âme»). Cras dijo de su maestro, en una carta a Robert Lyon, director de la revista «Musique»:“Mi único maestro, Henri Duparc, no tuvo más que un objetivo: enseñarme a leer, ya que ignorante, no hacia más que escuchar. Desde entonces, y casi exclusivamente, Beethoven y Bach, en los que me impregné hasta la médula y después, todos los demás”. En 1902, emprendió su primer peregrinaje a Lourdes, un viaje que fue revelador para que surgiera en él una gran devoción religiosa.
Duparc en 1918
De 1906 a 1913, vivió en Suiza, en La Tour de Peilz, en (Vevey), donde conoció a Ernest Ansermet, que le hizo reintegrarse al trabajo, consiguiendo que orquestase varias de sus obras: el nocturno “Aux Etoiles” (Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy & Jérôme Kaltenbach), varias «mélodies» y una “Danse lente” (fragmento de Roussalka). El 17 de octubre de 1912, en un concierto celebrado en Montreux, el maestro suizo hizo triunfar a Duparc. Más tarde en 1913 volvió a los Pirineos, trasladándose a vivir a Tarbes (Altos Pirineos), donde residió hasta 1919. (El Conservatorio de Tarbes lleva en su honor su nombre, «Conservatoire Henri Duparc»). En 1916, llegó su ceguera y tres años después se trasladó a Mont-de-Marsan (Aquitania), donde, aquejado de una parálisis, pasó sus últimos días inmerso en un profundo misticismo religioso, falleciendo el 12 de febrero de 1933, a los ochenta y cinco años. Está enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise, en París.
Obras principales:
1863-65 “Six Rêveries”, para piano impresa pero no publicada.
1867 “Sonata para violoncello y piano”. (Alain Meunier – violoncelle, Anne Le Bozec – piano, Tomomi Muchizuchi – mezzo)
1867-69 “Feuilles volantes, para piano”.
1868 “Chanson triste” (según un poema de Jean Lahor), para voz y piano (Maesha Brueggergosman, soprano, Justus Zeyen, piano)
1868 “Lamento” (según un poema de Théophile Gautier), para voz y piano (Régine Crespin, soprano)
1869 “Le Galop” (según un poema de Sully Prudhomme), para voz y piano (L'Oiseleur des Longchamps, barítono; Mary Olivon, piano)
1869 “Romance de Mignon” (V. Wilder según «Kennst du das Land» de Goethe), para voz y piano
1869 “Sérénade” (según un poema de G. Marc), para voz y piano (Nora Gubisch, mezzo-soprano, Alain Altinoglu, piano)
1869 “Soupir”(según un poema de S. Prudhomme), para voz y piano (Ana Raquel Satre)
1869 “Cinq mélodies, op. 2”, para piano.
1869 “Beaulieu”, para piano
1869-70 “Au Pays où se fait la guerre” (según un poema de T. Gautier), para voz y piano (antiguo título: Absence)
1870 “L'Invitation au voyage” (según un poema de Charles Baudelaire), para voz y piano (Gérard Souzay, tenor)
“L'invitation au voyage” — (Charles Baudelaire)
Mon enfant, ma soeur, Songe à la douceur D'aller là-bas vivre ensemble! Aimer à loisir, Aimer et mourir Au pays qui te ressemble! Les soleils mouillés De ces ciels brouillés Pour mon esprit ont les charmes Si mystérieux De tes traîtres yeux, Brillant à travers leurs larmes.
Là, tout n'est qu'ordre et beauté, Luxe, calme et volupté.
Des meubles luisants, Polis par les ans, Décoreraient notre chambre; Les plus rares fleurs Mêlant leurs odeurs Aux vagues senteurs de l'ambre, Les riches plafonds, Les miroirs profonds, La splendeur orientale, Tout y parlerait À l'âme en secret Sa douce langue natale.
Là, tout n'est qu'ordre et beauté, Luxe, calme et volupté.
Vois sur ces canaux Dormir ces vaisseaux Dont l'humeur est vagabonde; C'est pour assouvir Ton moindre désir Qu'ils viennent du bout du monde. — Les soleils couchants Revêtent les champs, Les canaux, la ville entière, D'hyacinthe et d'or; Le monde s'endort Dans une chaude lumière. Là, tout n'est qu'ordre et beauté, Luxe, calme et volupté.
Invitación al viaje — (Charles Baudelaire) ¡Mi niña, mi hermana,
piensa en la dulzura
de ir a vivir juntos, lejos!
¡Amar a placer,
amar y morir
en un país como tú!
Los mojados soles
en cielos nublados
de mi alma son el encanto,
cual tus misteriosos
ojitos traidores,
que a través del llanto brillan.
Todo allí es orden y belleza,
lujo, calma y deleite.
Muebles relucientes,
por la edad pulidos,
adornarían el cuarto;
las flores más raras
mezclando su aroma
al vago aroma del ámbar,
los techos preciados,
los hondos espejos,
el esplendor oriental,
todo allí hablaría
en secreto al alma
su dulce lengua natal.
Todo allí es orden y belleza,
lujo, calma y deleite.
Mira en los canales
dormir los navíos
cuyo humor es vagabundo;
para que tú colmes
tu menor deseo
desde el fin del mundo vienen.
Los soles ponientes
revisten los campos,
la ciudad y los canales,
de oro y de jacinto;
se adormece el mundo
en una cálida luz.
Todo allí es orden y belleza,
lujo, calma y voluptuosidad.
1871 “La Fuite”, dúo para soprano y tenor con acompañamiento de piano
1871 “La vague et la cloche” (según un poema de François Coppée), para voz y piano (Philippe Sly: Baritono bajo, Maria Fuller: pianista)
1872 “Suite d'orchestre” (perdida) Música de orquesta
1872-82 “Phidylé” (según un poema de Leconte de Lisle), para voz y piano (Sylvia McNair, Soprano; Roger Vignoles, Piano)
1873 “Laendler”, suite de valses para orquesta (destruida, sólo subsiste una versión para 2 pianos).
1873 “Laendler” (versión para 2 pianos).
1874 “Poème nocturne” I. Aux étoiles - II: Lutins et follets - III. Duo: L’aurore.
1874 “Elégie” (según un poema de Th. Moore), para voz y piano (Kurt Ollmann, barítono)
1874 “Extase” (según un poema de Jean Lahor), para voz y piano (Régine Crespin, soprano)
1875 “Lénore” (según un poema de Burger), poema sinfónico (Orchestre du Capitole de Toulouse, dir. Michel Plasson)
1875 “Lénore” (versión piano a cuatro manos y para dos pianos)
1876-84 “La vie anterieure” (según un poema de Ch. Baudelaire), para voz y piano (Gérard Souzay, barítono)
1877 “Suite pour le piano” (perdida).
1879 “Le manoir de Rosemonde” (según un poema de R. de Bonniéres), para voz y piano (Régine Crespin, soprano)
1879-95 “Roussalka” (ópera en tres actos, inacabada, basada en Pushkin) [destruida].
1880 “Sérénade florentine” (según un poema de J. Labor), para voz y piano (Bruno Laplante & Marc Durand)
1882 “Benedicat vobis Dominus”, motete para 3 voces mixtas y órgano (o piano).
1883 “Testament” (según un poema de A. Silvestre, estrenada en 1898), para voz y piano
1886 “Recueillement” (incompleta, destruida) Música vocal
1892 “Danse lente” (extracto de Roussalka)
1903 “Transcripción para orquesta de J.S. Bach”: 2 préludes and fugues, para órgano. (Preludio y Fuga en mi menor BWV 533 para 2 Pianos)
1908 “Transcripción para dos pianos de 6 oeuvres d'orgue”, de Cesar Frank Música de piano
1910 “Aux étoiles”, para piano (hay versión para piano a 4 manos y versión para órgano)
1911 “Aux Etoiles”, entreacto para un drama inédito (rév. 1911). Música de orquesta (s.d.) Transcripción para orquesta de J. S. Bach: Prélude et fugue, coral para órgano.
Su principal contribución fueron sus canciones, que demostraron una
sofisticación al unir texto y música, al utilizar adecuadamente
elaborados elementos contrapuntísticos en el acompañamiento y al evitar
modos sentimentales frecuentemente escuchados en las canciones de otros
compositores franceses de la época.
A imagen de los músicos que le son
contemporáneos, Duparc quiso reconciliar, acercar, unir la melodía y la
palabra con el fin de que cese la antigua diferencia entre el discurso
libre de la música y el, imperiosamente sintáctico y sensato del
lenguaje verbal. Poetas, tales como Baudelaire, Verlaine, Rimbaud,
un poco más tarde Artaud, expresaron muy acertadamente la extrema
tensión de la época. Henri Duparc, más que otros, siente físicamente la
división, el abismo creciente, que se abre en el mismo corazón de su
generación.
Compuestas al precio de un esfuerzo
sobrehumano, las diecisiete «mélodies» de Duparc tienen una gracia
inolvidable. Verdadero equilibrio geométrico, de una luminosa claridad,
la palabra responde a la nota, el acorde se apoya con delicadeza en la
rima. El ciclo de sus canciones se acaba en 1885: la última, “La vie antérieure” (Jessye Norman, soprano)
ocupó la mente del compositor durante diez años (1874-84). Este célebre
poema de Baudelaire encuentra su acompañamiento en la sublime «mélodie»
que le acopló Duparc. A pesar de su brevedad -la duración de su
interpretación no excede de los cuatro minutos-, esta obra tiene las
proporciones de un vasto edificio gótico: la riqueza de la expresión
armónica y el lirismo de las pequeñas inflexiones son extraordinarios.
El 20 de enero de 1942 nació en Canton, Ohio el cantante estadounidense Billy Powell, uno de los miembros fundadores en 1963 del grupo vocal de soul y R&B The O'Jays, aún en activo.
El grupo se fundó en 1958 como quinteto y se llamó inicialmente The Triumphs y más tarde The Mascots. En Cleveland, un disc jockey de una radio local llamado Eddie O'Jay se fija en ellos y bajo su patrocinio, adoptan el nombre definitivo de la banda, O'Jays y graban su primer single, 'Miracles' en 1961 bajo el sello Wayco Records, que no logra llamar la atención. Tras cambiar de discográfica, consiguen un pequeño éxito en 1965 con 'Lipstick traces', bajo el sello Imperial Records. Aún así, los O'Jays han de trabajar como acompañantes de otros artistas como Nat King Cole o las Ronettes para sobrevivir.
Ese mismo año, Bill Isles abandona el grupo y el cuarteto restante graba nuevos temas, que tienen un relativo éxito en las listas de R&B como 'Stand in for love', 'Stand tall', 'Let it all out', 'I'll be sweeter tomorrow', 'Look over your shoulder', 'Deeper in love with you' y 'One night affair'. El sello con el que publicaban sus discos a finales de los sesenta, Neptune, filial de Chess Records, cierra en 1970 debido a la venta de Chess. Esto provoca un nuevo abandono en la formación y Bobby Massey, con su marcha, deja el grupo como trío con Billy (William) Powell, Walter Williams y Eddie LeVert.
A continuación firman con Philadelphia International Records, del dúo de compositores y productores Gamble & Huff y con su primer single con la nueva compañía, 'Back stabbers' (1972), consiguen un nº1 en las listas de R&B y un Top5 en el Hot100 de Billborad. Al año siguiente, 'Love train' consigue el puesto de honor en ambas listas.
El 20 de enero de 1913 nació en Irapuato (Guanajuato), el músico y compositor Jesús Navarro Moreno, conocido como Chucho Navarro, uno de los fundadores del trio Los Panchos y el único de los tres que se mantuvo sobre los escenarios hasta su fallecimiento en México a los 80 años el 24 de diciembre de 1993.
El padre de Chucho murió cuando éste cumplió los tres años y la familia se trasladó a Aguascalientes donde pasó su infancia y adolescencia. De su hermana Antonia recibió sus primeras lecciones de guitarra, posteriormente formó con ésta su primer dueto con el que entretenían a los parroquianos que asistían a la fonda de su madre. Su pasión por la música fue tan fuerte que lo impulsó a dejar la carrera de medicina. Hacia 1933 se dedico a cantar como solista y participó en la orquesta de Rafael Hernández. En una de las audiciones que realizó, coincidió con el Charro Gil y en 1936 pasó a integrar como segunda voz, el Trío Los Caporales, con los que viajó en 1939 a New York.
Charro Gil y sus Caporales
Hacia 1940 comenzaron a ser populares, como El Charro Gil y sus Caporales, y fue entonces cuando Gil llamó a su hermano Alfredo Gil, para unirse al trio en una nueva gira en New York. Cuando el Charro Gil regresó a México, Alfredo y Chucho se quedaron en la ciudad, cantando donde podían. Probaron suerte conformando un trío con una voz femenina, pero el proyecto fracasó no siendo del agrado del público.
Trío Los Panchos
Pasó el tiempo y una tarde de 1942 Alfredo y Chucho caminaban por la calle 51 y se encontraron con Hernando Avilés, al cual habían conocido en una fiesta tiempo atrás. Los músicos sintieron que el destino los había unido. A partir de ese día comenzaron los ensayos en la habitación de Chucho o en la de Hernando, bajo condiciones extremas de frío o de calor. Así pasaron unos meses en los que incansablemente buscaban un estilo propio que fuera la llave del éxito. Cuando las voces y las guitarras estaban en su sitio, les faltaba un nombre. Tras muchas propuestas se decidieron por el de Los Panchos, como homenaje a Pancho Villa.
Avilés, Navarro y Gil
En 1948 viajaron por primera vez a Cuba, donde recibieron una de las mayores manifestaciones de fervor público. Eran auténticos ídolos, y el público se lo demostraba cada vez que el trío viajaba a la isla. Los Panchos quedaron estrechamente ligados a la isla, especialmente Chucho, quien se caso con una cubana, Caridad Vázquez, quien junto a su hermana Mercedes, había sido bailarina del recordado Pérez Prado, conocidas como Las Dolly Sisters.
Los Panchos ganaron fama internacional con sus boleros románticos, especialmente en América Latina, donde siguen siendo honrados como uno de los tríos más famosos de todos los tiempos. Vendieron millones de copias de sus discos de 78 rpm y álbumes LP a unos pocos años de su fundación.
Basurto, Navarro y Gil
Las voces solistas que pasaron por el trío fueron las de Hernando Avilés (1944-51 y 1957-59); Raúl Shaw Moreno (1951-52); Julito Rodríguez (1953-57); Johnny Albino (1959-66); Enrique Cáceres (1966-72); Ovidio Hernández (1972-76) y Rafael Basurto (1977-94). En el trío, Chucho fue responsable de la segunda voz, guitarra y conducción desde 1944 hasta 1993. Sin duda era el alma mater, antes de cantar ya había conquistado al público con su simpatía.
En 1964, CBS propuso a los integrantes del trío (entonces formado por los dos fundadores y Johnny Albino) a acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia judeo española, Eydie Gormé.
Elton John repitió fórmula y de nuevo grabó su álbum en los Strawberry Studios, en el Chateu d'Herouville, a las afueras de Paris con los mismos colaboradores (Gus Gudgeon a la producción y Paul Buckmaster a cargo de los arreglos orquestales). El estudio, situado en el primer piso del chateau estaba equipado con una consola MCI 416 y un Ampex de 16 pistas en una pequeña sala de control separada de una espaciosa sala, dos de cuyas paredes eran una doble capa de vidrio que, a la vez que aislarlos del sonido exterior, suministraba abundante luz natural y unas magníficas vistas a la campiña francesa.
Totalmente liberado y sintiéndose confortable en el estudio, comenzó a jugar con sus habilidades vocales y a demostrar su versatilidad componiendo una colección de canciones de estilos pop clásicos y contemporáneos. Como era habitual, Taupin escribía los textos y posteriormente John les ponía música.
Su gran amigo Marc Bolan le inspiró el tema 'I'm gonna be a teenage idol' y otro amigo de Elton, Groucho Marx,
fue el que inspiró el título del álbum: Durante una fiesta en Los
Angeles, al encontrarse, Groucho apuntó con los dos dedos índice hacia
John, a lo que éste dijo: "No me dispares. Yo sólo soy el pianista..."
Cuando Elton estuvo de gira por Australia en 1972, escuchó el tema 'Eagle rock' del grupo australiano Daddy Cool y quedó impresionado. Fue el single de mayor éxito en Australia de principio de los setenta, permaneciendo 10 semanas en el nº1, y sirvió de inspiración para 'Crocodile rock', canción en la que Elton intenta parecerse a Bobby Vee cantando, siendo también un homenaje a los grupos y a la música de los años cincuenta, con reminiscencias de 'Little darling' de los Diamonds y 'Speedy Gonzales' de Pat Boone. Finalmente, 'High flying bird', se produjo para que sonara como un tema de Van Morrison.
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