Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 14 de mayo de 1969 se publicó en EEUU bajo Reprise Records'Everybody Knows This is Nowhere', el segundo álbum en solitario de Neil Young. Fue su primera grabación con el grupo Crazy Horse, una banda que -aunque con vida propia- creció asociada al nombre del canadiense y por la que pasaron grandes músicos como Danny Whitten, Nils Lofgren y Jack Nitzsche.
Una noche de agosto de 1968, Neil Young entró en el 'Whisky a Go Go' de Los Ángeles y se encontró con el sonido potente de una banda llamada The Rockets. Aunque habían lanzado un buen álbum ese mismo año, eran prácticamente desconocidos. Asombrado ante lo que estaba oyendo, Neil pidió subir al escenario y que le dejaran tocar. Tras la jam de aquella noche, les rogó que le acompañaran a los estudios Wally Heiders para tocar con él en las sesiones de su siguiente LP. Ya había compuesto varios temas y en los primeros ensayos que realizó con la banda, Young comprobó que había acertado.
Danny Whitten
Al poco, varios miembros de The Rockets, en concreto Danny Whitten y Billy Talbot a las guitarras y bajo y el puertorriqueño Ralph Molina a la batería, se rebautizaron como Crazy Horse -nombre que adoptaron bajo sugerencia de Young- y se unieron al músico canadiense. Aunque tras la experiencia de Buffalo Springfield, Young no quería sufrir nuevamente los traumas de estar en un grupo, necesitaba un conglomerado dinámico de músicos para proyectar sus nuevas canciones y estos músicos no sólo eran un 'backing group', eran gente normal con los que Neil podía comunicarse sin problemas de ego. 'Everybody knows this is Nowhere' se grabó en las semanas siguientes al encuentro.
Neil y su 'Old Black'
En 'Cinnamon girl' se hace patente el gran papel que jugaba Danny Whitten y su guitarra en el sonido de Crazy Horse. Danny acompaña a Young cantando la voz aguda y, durante la grabación, Neil estrenó su recién adquirida Gibson Les Paul, 'Old Black'. El tema está dedicado a la californiana Jean Ray, hermana de Brian Ray, guitarrista de la actual banda de Paul McCartney.
'Round and round (It won't belong)' tiene una estructura circular e hipnótica que casa perfectamente con el tono sentencioso de la letra, que habla de pérdida, desesperanza, ofreciendo un brazo tendido a la amistad en su desarrollo final. Aquí, Robin Lane, hija de una actriz y Ken Lane, el pianista habitual de Dean Martin, que había diseñado un par de portadas de Buffalo Springfield y en aquel momento casada con Andy Summers (futuro Police), acompañó cantando a Young. Se grabó sin que ella lo supiera y sin duda, no se arrepintió, porque oportunidades como la que le brindó Young no se le ofrecerían en su posterior y corta carrera profesional con los Chartbusters.
'Down by the River' llama la atención por su duración (más de nueve minutos). Esta canción -junto a 'Cowgirl in the sand' - la compuso Neil una noche que se encontraba enfermo en su casa de Topanga Canyon, bajo el delirio de una fiebre de 40 grados y en ellas las guitarras de Young, Talbot y Whitten dialogan entre pasajes que transportan a la psicodelia de Pink Floyd. En 'Down by the river', Neil cuenta la historia de un hombre que, tras sorprender a su mujer con otro, se cita con ella en el río para matarla de un tiro. Unas horas después aparece el sheriff y el asesino es llevado a prisión... La guitarra de Young aparece escupiendo frases amargas y agresivas, nada complicadas técnicamente, pero con un sentimiento imposible de igualar, con una ferocidad que hace perfectamente creíble que la matara río abajo. Pero su muerte es puramente simbólica porque sólo el Amor ofrece posibilidades de escape:
"Toma mi mano y yo tomaré la tuya
Juntos podríamos
Toda esta locura es demasiado dolor
Es imposible vivir hoy".
Acevedo y Young en 1967
Aunque ese amor resulta difícil de concretar y parece diluirse en la inmensidad, perdiéndose en una desafección emocional de Young que coincidía con la separación de su primera esposa, Susan Acevedo, cuyo paso por la vida de Neil se podría calificar de efímero. En 'The losing end (When you're on)' habla de su frustrada relación:
"Nunca cambiarás tus maneras?
Es tan difícil que el amor salga bien
Cuando estás en el lado perdedor
Y yo me siento así de nuevo"
Neil Young y Crazy Horse en 1970
En 'Running dry (Requiem for the rockets)' aparece un instrumento poco usual en la obra de Young. El violín eléctrico de Bobby Notkoff (otro ex de los Rockets), que ofrecía un sentimiento de lamento -casi más quejumbruso que la propia voz de Young- a una pieza cuyos estribillos sintonizan con el tema que domina el álbum en conjunto: la soledad.
Neil Young y Crazy Horse formaban un grupo sólido y poderoso y Whitten, Molina y Talbot acompañaron a Young -con la adición de Jack Nitzsche al piano eléctrico- en los directos el resto del año. Y aunque posteriormente el cantante haría incursiones en otros estilos con otros músicos -unos meses después, Young debutaba en Woodstock con Crosby Stills & Nash- siempre ha regresado a Crazy Horse. Neil Young y el Caballo Loco son una combinación tan extraordinaria como lo fueron, en su día, Bob Dylan y The Band.
El 13 de mayo de 1912 nació en Toronto el pianista, arreglista, compositor y director de banda Gil Evans. Activo en Estdos Unidos, tuvo un papel destacado en el desarrollo del cool, el modal jazz, el free jazz y el jazz-rock, además de colaborar con Miles Davis en álbumes fundamentales de la historia del jazz. Desarrolló un gran interés por el rock y trabajó en la última etapa de su vida con grandes nombres del género como Police, Sting, Style Council y David Bowie.
Aunque nacido en Canadá, pasó su juventud en California y a partir de 1946 vivió y trabajó principalmente en Nueva York. Había estado trabajando como arreglista en la banda de Claude Thornhill y en su modesto apartamento neoyorquino organizaba encuentros con diversos músicos que pretendían buscar nuevas formas de desarrollo del jazz fuera del bebop, estilo dominante en aquellos días. En 1948 Evans colaboró con Gerry Mulligan y Miles Davis en la creación de un noneto, mayor que los combos habituales de trío a quinteto, y menor que una big band, las cuales se habían vuelto económicamente inviables. Este noneto grabó doce piezas entre 1949 y 1950 que se recogerían en un álbum de 1957 bajo el título 'Birth of the Cool'.
Gil Evans y Miles Davis
Seguidamente, Gil Evans desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill insistió en que fuese él quien se encargara en 1956 de los arreglos de su álbum para Emarcy'Dream of You'. Sus colaboraciones más celebradas fueron de nuevo con Miles Davis, para quien compuso y arregló temas en álbumes ya clásicos como 'Miles Ahead', 'Porgy and Bess' y 'Sketches of Spain'.
Su propia producción fue relativamente pequeña, pero su influencia mucho mayor. Su gran don arreglando (o más acertadamente, 'recomponiendo') la música de otros se mostraba en sus características manipulaciones del timbre, el color, la textura y la forma. A partir de 1957 publicó discos bajo su nombre como 'Gil Evans & Ten' (1957), 'New Bottle Old Wine' (1958), 'Great Jazz Standards'(1959), 'Out of the Cool' (1961) y 'The Individualism of Gil Evans' (1964).
En los años setenta, siguiendo el ejemplo de Davis, Evans manejó los idiomas musicales del free jazz y jazz rock, ganando nuevas generaciones de admiradores. Tuvo un particular interés en el rock, y concretamente, en la obra de Jimi Hendrix y una prevista colaboración, presentando a Jimi frente a una big band dirigida por Evans, no se pudo llevar a cabo debido a la muerte del guitarrista. En 1974 publicó un álbum con sus propios arreglos de la música de Hendrix, 'Plays the Music of Jimi Hendrix'.
En 1986, Evans produjo y arregló la banda sonora del film basado en la obra de Colin MacIness'Absolute Beginners', por lo que trabajó con artistas como Sade Addu, Style Council, Smiley Culture y David Bowie. Un año antes de su muerte en marzo de 1988 a los 75 años, grabó junto a Sting un CD en vivo, 'Last Session', interpretando entre otras, canciones de Police con arreglos de big band.
El 13 de mayo de 1941 nació en Pacoima (California) el cantante y guitarrista de origen mexicano Ritchie Valens, nacido Ricardo Valenzuela, uno de los 'padres del rock and roll' y pionero del 'rock chicano' que, a pesar de ser educado por unos padres que se integraron plenamente en el 'american way of life' de los años cincuenta, nunca olvidaron sus raíces mexicanas.
Desde bien pequeño Valens estuvo rodeado de folklore mexicano, pero al mismo tiempo absorbió los sonidos que emitían las piezas de jump blues y R&B que escuchaba en las radios. Tras su primera y única audición con sólo 16 años, fue contratado por Del-Fi Records en mayo de 1958. En pocos meses Valens grabó hits como 'Donna', 'Come on, let's go', 'We belong together' y, por supuesto, 'La Bamba', que se convirtió en su canción emblemática.
Años después, serviría de inspiración a músicos como Los Lobos, Carlos Santana y los Lonely Boys. Pero cuando aún no había transcurrido un año desde la firma del contrato, desapareció en una de las grandes tragedias del rock el 3 de febrero de 1959 a los diecisiete años. Ese día de invierno -"el día en que murió la música"- Ritchie murió en el accidente de avioneta sucedido en Iowa que se llevó las vidas de Big Bopper y Buddy Holly.
La vida de Valens ha sido retratada en varios biopics, como el film de 1987 'La Bamba', en la que Los Lobos aportaron la banda sonora. La acción transcurre entre los años 1957-59 y Ritchie es interpretado por el actor Lou Diamond Phillips. En 'The Buddy Holly Story' (1978) aparece encarnado por Gilbert Meglar, quien repitió papel en 'The Day the Music Died' (2010).
El 13 de mayo de 1967 se publicó en EEUU el single del cantante Scott McKenzie'San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair)'. En junio ya era Top5 en EEUU y nº1 en numerosos países europeos, donde la palabra 'San Francisco' empezó a entenderse como un símbolo de libertad. Vendió más de siete millones de copias.
Canciones con historia:
'San Francisco'
Monterey es una pequeña ciudad cercana a San Francisco que en la primavera de 1967 tiene un dilema. Está a punto de celebrarse en ella un Festival Pop y no sólo The Mamas & The Papas, Simon & Garfunkel y Grateful Dead, entre otros artistas, han confirmado su asistencia: cientos de miles de hippies de todo el país también. Las autoridades de la ciudad temen por la seguridad y bienestar de sus ciudadanos e instan a John Phillips, organizador del evento, a tomar las medidas pertinentes.
The Mamas & The Papas
Phillips, que además es músico y miembro del grupo abanderado del flower powerThe Mamas & The Papas, no se lo piensa dos veces. En escasa media hora tiene lista una canción 'publicitaria' del festival, en la que llama a la paz y armonía entre sus asistentes. El nombre de Monterey no es citado ni una sola vez. La idea es que los hippies se dirijan a la vecina y cosmopolita San Francisco y se acerquen por Monterey únicamente para asistir a los conciertos. Las autoridades de la pequeña ciudad parecen satisfechos, pero para que el plan funcione, hay que grabar y publicar la canción inmediatamente para desviar 'las hordas de melenudos' hacia San Francisco.
Scott McKenzie
Phillips, demasiado ocupado en la organización del Festival y algo 'disperso' por la ingestión de tripis, no se encuentra en las mejores condiciones y le pide a su viejo amigo Scott McKenzie que le saque del apuro. Además, Scott, que siempre iba descalzo y con flores en el pelo, era el intérprete perfecto para su canción. Ensayaron la canción una tarde, al día siguiente se grabó y se puso a la venta cuatro días después. "E igual de rápido se convirtió en un hit internacional", recordaba Phillips, "Scott no había grabado nunca y en una semana era conocido en todo el mundo, el 'Gran Guru' del Flower Power" , y añadía entre risas: "Nunca me perdonó por aquello." Así nació el himno de toda una generación:
If you're going to San Francisco Be sure to wear some flowers in your hair If you're going to San Francisco You're gonna meet some gentle people there
For those who come to San Francisco Summertime will be a love-in there In the streets of San Francisco Gentle people with flowers in their hair All across the nation, such a strange vibration People in motion There's a whole generation with a new explanation People in motion, people in motion
For those who come to San Francisco Be sure to wear some flowers in their hair If you come to San Francisco Summertime will be a love-in there If you come to San Francisco Summertime will be a loving day
Si vas a San Francisco Asegúrate de llevar flores en tu cabello Si vas a San Francisco Vas a conocer a gente muy amable ahí
Para todos aquellos que vengan a San Francisco El verano será una celebración del amor En las calles de San Francisco Gente amable con flores en su cabello A través de toda la nación Hay una curiosa vibración Gente en movimiento Toda una generación Con una nueva explicación Gente en movimiento, gente en movimiento...
Para todos aquellos que vengáis a San Francisco Aseguráos de llevar flores en vuestro cabello Si venís a San Francisco El verano será una celebración del amor. -x-x-x-x-x-x-
'Massachusetts'
Durante el 'verano del amor', en Estados Unidos el que no quería estar fuera de onda, caminaba descalzo, con flores en el pelo y practicaba (o soñaba) con el amor libre. McKenzie los había convocado con su 'San Francisco' al festival de Monterey y los hippies de los estados de Nueva Inglaterra acudían a la llamada como ratas de Hamelín. Una gran caravana de jóvenes ciudadanos del este de EEUU con grandes expectativas realizan aquel verano el peregrinaje a la tierra prometida a orillas del Pacífico.
Los Bee Gees en 1968
Pero hay tres músicos británicos, que en su adolescencia emigraron a las islas desde Australia, que no participan del mismo entusiasmo. Están de gira por primera vez en Estados Unidos como los Bee Gees y mientras están sentados en el salón de la recepción del hotel St. Regis de Nueva York, se quejan del repentino 'jaleo de las flores' que invade Norteamérica. Sobre todo, la canción de McKenzie que les atormenta desde prácticamente todas las emisoras de radio, es el objeto de su mayor aversión. Los hermanos Gibb deciden tomar pluma y papel y escribir una canción anti-San Francisco; un himno anti-flower power. A través de él, Maurice, Robin y Barry hacen un llamamiento a los hijos de las familias burguesas del Este para que vuelvan a casa, allí donde pertenecen, antes de que las luces del hogar se apaguen defnitivamente. Volver a 'Massachusetts', nombre que, por cierto, los Bee Gees no eligieron porque conocieran el estado o hubieran estado allí, sino porque "sonaba muy bien..."
Feel i'm goin' back to Massachusetts,
Something's telling me I must go home.
And the lights all went out in Massachusetts
The day I left her standing on her own.
Tried to hitch a ride to San Francisco,
Gotta do the things I wanna do.
And the lights all went out in Massachusetts
They brought me back to see my way with you.
Talk about the life in Massachusetts,
Speak about the people I have seen,
And the lights all went out in Massachusetts
And Massachusetts is one place I have seen.
I will remember Massachusetts...
Siento que he de volver a Massachusetts, Algo me dice tengo que regresar a casa. Y todas las luces se apagaron en Massachusetts El día que la dejé sola, por su cuenta.
Intenté enganchar un viaje a San Francisco, Tengo que hacer las cosas que me apetecen. Y todas las luces se apagaron en Massachusetts Me trajeron de vuelta para descubrir mi camino junto a tí.
Habla sobre la vida en Massachusetts, Habla sobre la gente que he visto, Y todas las luces se apagaron en Massachusetts Y Massachusetts, es un lugar que he visto.
El 13 de mayo de 1943 nació en Detroit (Michigan) la cantante de R&B norteamericana Mary Wells cuya voz se adaptó formidablemente al sonido Motown (la llamaban la 'reina de Motown') con los primeros éxitos del sello como 'My guy' en 1964, su único nº1, que pasó a la historia americana del pop por ser el tema que rompió la racha de catorce semanas seguidas en las que los Beatles se habían instalado en el nº1 de las listas de EEUU.
Tras grabar algunos hits menores como 'What's the matter with you, baby?' o 'Use your head', Wells dejó Motown en 1965, y aunque siguió grabando temas como 'Dear lover' o 'The doctor', se retiró por completo en 1974. En los años 80 pretendió volver al mundo del espectáculo y publicó en 1981 el single 'Gigolo' que fue top5 en las listas disco, pero en 1990 sufrió un cáncer de laringe, cuyo tratamiento la dejó arruinada. Afortunadamente fans y amigos como Diana Ross, Mary Wilson, Martha Reeves, Bruce Springsteen, Rod Stewart y muchos más donaron el dinero necesario para sufragar los gastos clínicos de Wells. Murió en julio de 1992 a los 49 años.
El 12 de mayo de 1845 nació en Pamiers Ariège (Francia), el compositor, pedagogo y organista Gabriel Fauré, uno de los músicos franceses más importantes de su generación, cuyo estilo musical influyó a muchos compositores del siglo XX. Su estilo destaca por la elegancia de su escritura, la perfección de la
forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo,
Gabriel Fauré es una de las figuras clave de la evolución de la música francesa
desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por
Claude Debussy y Maurice Ravel.
Cursó estudios de música en la École Niedermeyer de París con el compositor Camille Saint-Säens. A partir de 1866 hasta 1905 trabajó como organista de varias iglesias, entre ellas las de St. Sulpice y la Madeleine, en París. En 1896 comenzó a ejercer como profesor de composición en el conservatorio de París, y entre 1905 y 1920, se hizo cargo de la dirección. Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin, Florent Schmitt, Nadia Boulanger o el rumano George Enesco. En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director del conservatorio.
En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró debido a su creciente sordera y a su debilidad física. Ese mismo año, obtuvo la Gran Cruz de la Legión de Honor, un reconocimiento rara vez concedido a un músico. En 1922 se le rindió públicamente un homenaje nacional, «una espléndida celebración en La Sorbona, en donde participaron los más ilustres artistas franceses, lo cual le dio mucha alegría. Se trató de un espectáculo conmovedor: el de un hombre presente en un concierto de su propio trabajo e incapaz de escuchar una sola nota. Se quedaba mirando pensativo, y, a pesar de todo, mostraba agradecimiento y satisfacción». Ese mismo año fue invitado a los Grémys celebrados en Villa Frya, donde le confió a su esposa Marie sentir que vivía la «vida de un perezoso».
Su esposa, Marie Fremiet
Asimismo, en esta época se publicó una nota por el Excelsior titulada 'Mon père' donde el propio Fauré recordaba cómo se adentró en el mundo de la música: “Fue sorprendente descubrir mis tendencias hacia la música puesto que nadie de mi familia era en sí un músico. El talento se mostró ante mí cuando apenas tenía diez años, y en una etapa tan temprana no significaba una preocupación sobre cualquier efecto posible en mi futuro. Tiempo después quizá surgieron dudas sobre la elección de la música como carrera. De cualquier forma, mi padre se encontraba indeciso —yo era el sexto de sus hijos— y él no podría permitirse el lujo de tomar riesgos”.
En sus últimos años Fauré estuvo delicado de salud, en parte por su tabaquismo. Aún así, mostró disposición para ayudar a jóvenes compositores, entre ellos algunos miembros de Les Six, que eran sus seguidores. Respecto a esta etapa de su vida, Nectoux describe: «En su vejez logró una cierta serenidad, sin perder en lo absoluto su vitalidad espiritual notable, aunque apartada del sensualismo y la pasión de los trabajos que escribió entre 1875 y 1895». De igual forma, sostuvo que su humor decrecía notablemente, como si estuviese adoptando un poco el estilo melódico de Wagner.
Sabía que pronto moriría, por lo que en una carta hacia su esposa escrita en octubre de 1924 Fauré concluía diciendo: "Cuando regrese a París, pasaré un pequeño tiempo de cada día dándote cada uno de mis bocetos, borradores y todo lo sobrante que, tras mi muerte, no quiero que sobrevivan, así que puedes quemarlo todo. Mientras he estado enfermo, me he dado cuenta que es algo que de verdad necesito hacer. Así que ayúdame a realizarlo." Fauré murió en París a causa de una neumonía el 4 de noviembre de 1924 a sus 79 años de edad. Tuvo un funeral de Estado en la Iglesia de la Madeleine y su cuerpo se sepultó en el cementerio de Passy en París. Cabe señalarse que su obra “Cuarteto de cuerdas” Op. 121, se interpretó de manera póstuma en 1925.
Música orquestal
La nostálgica “Pavane” Op. 50 (1887) es una obra de orquesta y coro compuesta en 1887. Posee un ritmo procesional lento ya que proviene de una danza cortesana española del siglo XVI (New Philharmonia Orchestra & Sir David Willcocks). La pavana es una danza profesional común en Europa durante el siglo XVI. El origen del nombre tiene varias opciones:
- Del italiano, "padovano" (de la ciudad de Padua ).
- Del sánscrito, que significa "viento" .
- o también, rememorando los movimientos elegantes del pavo, en alusión al estilo de la danza.
(“Pavana para una infanta difunta” es una pieza para piano solo, escrita por el compositor francés Maurice Ravel pero fue compuesta en 1899 cuando Ravel estudiaba composición en el Conservatorio de París con Gabriel Fauré).
“Pavana de Fauré” en versiones posteriores:
- Bill Evans Triocon orquesta sinfónica
- Ian Anderson, Jethro Tull y Nueva Filarmónica de Frankfurt
Vocal
Fauré es un compositor de gran importancia, que capturó en sus arreglos el espíritu característico de su época: el humor de un anhelo nostálgico por lo inalcanzable. Algunas de las canciones, tales como “Après un rêve” (Después de un sueño), (Daniela De Carli mezzo-soprano & Miroslav Georgiev piano), compuesta en 1877 sobre un poema de su amigo, el poeta y profesor de canto Romain Bussine, quien a su vez realizó la transcripción de un antiguo poema toscano anónimo, han alcanzado una inmensa popularidad en el ámbito instrumental. Además de las hermosas canciones individuales, de gran belleza, como:
- “Clair de lune” (Janet Baker, mezzo-soprano),
- “Les roses d’Ispahan” (Soprano: Elly Ameling & Piano: Dalton Baldwin)
- “En prière”
- “L´automne” (Philippe Jaroussky & Nathalie Stutzmann) y
- “Cinq mélodies de Venise” (Emily Duncan-Brown & Angel Cabrera),
Los ciclos de canciones 'La bonne chanson' con textos de Paul Verlaine (1891-1892) y 'L'horizon chimérique' (1922).
La luna blanca/ luce en el bosque/ De cada tallo/ parte una voz /sobre la rama. Oh, bien amada... El estanque refleja/ profundo espejo/ La silueta/ del sauce negro/ donde el viento llora. Soñemos; es la hora. Una vasta y tierna/ tranquilidad/parece descender/del cielo /que el astro irisa. Es la hora exquisita!
Música eclesiástica
El Réquiem de Fauré Requiem Opus 48 es una obra placentera por sus dulces, serenas y hermosas melodías que permanece como uno de los elementos típicos en el repertorio coral, con sus arreglos de ritos funerarios, diferenciándose de los tradicionales Requiems para misas. Esta composición sacra se inserta dentro de la corriente del impresionismo por la riqueza orquestal de sus timbres y el empleo de algunas disonancias que crean una atmósfera brumosa y delicada. Se estrenó el 21 de enero del año 1893 en la iglesia de Madeleine en París.
- Requiem Opus 48 (Paavo Jarvi, director; Chen Reiss soprano; Matthias Coerne baritono & Orchestre de Paris)
Música de cámara
Entre la música de cámara de Fauré encontramos dos finas sonatas para violín, un trío de piano y un cuarteto de cuerdas, que datan todos de la época de los últimos años de vida del compositor y varias pequeñas piezas evocadoras:
- “Romance” Opus 28
- “Sonata para violín y piano” (Lola Bobesco violín & Jacques Genty, piano)
- Sonata pata chelo solo (M.Gendron)
- Sonata para violín y piano . (Jean-Marc Kérisit, violin - Brice Martin, piano)
- Cuarteto para piano y cuerdas Nº 2 Opus 45 (Piano: Michel Wagemans, Violín: Joaquín Palomares, Viola: Paul Cortese, Cello: Marçal Cervera)
Música para piano
Fauré realizó un aporte importante al repertorio del piano, particularmente en una serie de 13 Barcaroles Bacarole Nº 3 en sol bemol mayor, Op. 42 (Marc-Andre Hamelin, piano) y un número similar de Nocturnos “Nocturno Nº 1” (Kun Woo Paik); “Nocturno nº 6” (Samson François), con cinco Impromptus y una única balada (Samson François).
.jpg)
