Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 29 de junio de 1943 nació en Carolina del Norte la cantante pop Eva Narcissus Boyd, más conocida por Little Eva que entró en la historia del pop por casualidad, ya que, encontrándose trabajando de canguro en casa de la pareja y matrimonio de autores Carole King y Gerry Goffin, éstos, inspirados por la forma de bailar y cantar de Eva, compusieron una canción, en cuya maqueta cantó ella misma. La canción en concreto, 'The Locomotion', iba destinada a la cantante Dee Dee Sharpe.
Cuando el productor escuchó la maqueta quedó tan encantado que la publicó tal cual. 'The Locomotion' alcanzó el nº1, consiguió disco de oro y vendió más de un millón de copias, además de recibir numerosas versiones a lo largo de los años.
Boyd también inspiró otra composición de Goffin y King, 'He hit me (And it felt like a kiss)', grabada por las Crystals. Cuando Little Eva les contó que su novio le pegaba y preguntada porqué lo consentía, dijo que cada bofetada que recibía, era una muestra de lo mucho que la quería. Otros éxitos de Little Eva fueron 'Keep your hands off my baby' (1962) y 'Let's turkey trot' (1963). Cuando llegó la 'invasión británica' a EEUU su popularidad decayó notablemente. Realizó un par de reapariciones, a lo largo de los años, principalmente en los circuitos de 'oldies'. Little Eva murió a los 59 años en verano de 2002.
El 27 de junio de 1925 nació en Nueva York el cantante y compositor de blues y R&B Doc Pomus quien, solo o en sociedad con Mort Shuman, fue una de las figuras clave en el desarrollo de la música popular americana. Son innumerables los artistas de primera fila que han interpretado o versionado alguna canción de Doc: De Brook Benton a los New York Dolls; de Andy Williams a Elvis Costello; de Dolly Parton a The Misfits; de Dusty Springfield a Johnny Thunders.
Nacido Jerome Solon Felder en Brooklyn, Pomus creció en una familia de clase media y su padre era abogado y político local. El joven Jerome fue enviado a un campamento de verano para evitar una epidemia de polio en su barrio con tan mala fortuna, que se contagió en el campamento. Los momentos difíciles de su juventud se hicieron menos duros gracias a su descubrimiento del blues. "Todo cambió para mí cuando escuché por primera vez 'Piney Brown Blues' de Joe Turner", recordaba Pomus en una entrevista de 1988, "Desde aquel momento supe lo que quería hacer en la vida. Iba a ser cantante de blues".
Doc Pomus, actuando en 1947
Con 18 años se dejó caer por los night clubs de la ciudad de Nueva York y Greenwich Village, donde actuaba cantando blues y R&B. Una de esas noches decidió cambiarse el nombre y eligió Doc Pomus "porque sonaba bien". Fue en locales como George's Tavern, donde reinaba una atmósfera bohemia, sudorosa, democrática y seductora, en la que Pomus inició su carrera de cantante, actuando con la ayuda de unas muletas. Durante el día asistía al Brooklyn College y con 19 años grabó su primer disco.
Más tarde grabaría para Chess y Savoy Records temas como 'My good pott' (1947) 'Kiss me Wriss' (1949), 'Send for the doctor' (1950) o 'Give it up' (1951) y cantó en diversos jingles publicitarios sin mayor repercusión. Pero Pomus había encontrado su ambiente. Su condición de judío y enfermo de polio le permitió congeniar con los músicos negros y su mundo. Comenzó a escribir canciones y en 1956 conoció al pianista Mort Shuman, con quien inició una fructífera asociación creativa. En 1957 Doc dejó de actuar como cantante y se dedicó de lleno a la composición. Uno de sus primeros temas fue 'Young blood', que le fue ofrecido a Leiber y Stoller. Éstos, reescribieron el tema y se convirtió en un hit en la voz de los Coasters.
Otro compositor, Otis Blackwell, autor de temas como 'All shook up' y 'Don't be cruel', puso a Pomus y Shuman en contacto con la editora Hill & Range, que los contrató y los instaló en un apartamento del famoso Brill Building, el edificio llamado la 'factoría de canciones', que también albergaba a autores como Goffin & King, Sedaka & Greenfield y Phil Spector. Pomus ganó aquí su primer sueldo fijo ($200 a la semana) y la oportunidad de colocar sus canciones. Entre 1958 y 1965, Pomus y Shuman escribieron algunas de la canciones más intensas y románticas del rock. Era un nuevo estilo de música, no era blues, pero tampoco se podía considerar pop. El dúo estaba ayudando a construir los nuevos caminos y ritmos del rock'n'roll, los mensajes que irradiaba y la importancia que llegaría a tener en la vida cotidiana.
En 1965 sufrió un accidente de automóvil en Inglaterra por el que tuvo que ser hospitalizado durante dos meses quedando relegado a una silla de ruedas el resto de su vida. Mientras, la escena musical estaba cambiando y grupos que componían su propia música como Beatles y Stones tomaron el protagonismo. Rompió su colaboración profesional con Shuman y los siguientes diez años, Pomus dejó de componer y se dedicó al juego profesional, jugando a las cartas con todo tipo de personajes. Lo dejó en 1975, cuando su actividad se volvió "demasiado arriesgada y violenta".
Mort Shuman y Doc Pomus
Con la ayuda de músicos amigos como Dr. John, B.B. King y Phil Spector, Doc volvió a escribir, observando que sus antiguas contribuciones al mundo musical estaban de nuevo en boga. La década de los ochenta estuvo muy activo: Sus colaboraciones con Dr. John, Ken Hirsch y Willy De Ville produjeron temas para Ray Charles, Joe Cocker, Marianne Faithful, Johnny Adams, Irma Thomas y José Feliciano. También compuso música original para películas como 'Dick Tracy' y 'Cry Baby'.
En 1982 compuso para B.B. King el tema 'There must be a better world somewhere', ganador de un Grammy; grabó con Roomful of Blues; se reencontró con sus ídolos Big Joe Turner y Ray Charles y en 1991 fue admitido en el Rock and Roll Hall of Fame.
Por otro lado fundó la Rhythm and Blues Foundation, que se encargaba de ayudar a todos esos músicos olvidados que lo estaban pasando mal. Mike Stoller lo llamó una vez el "arcángel del R&B" y el productor Jerry Wexler afirmó: "Si el negocio musical tuvo alguna vez corazón, ese fue Doc Pomus". Pomus murió en marzo de 1991 a los 65 años.
El 26 de junio de 1903 (otras fuentes citan 1898) nació en Scott (Mississippi) el guitarrista y cantante de blues Big Bill Broonzy, uno de los artistas más influyentes de la escena blues de Chicago previa a la Segunda Guerra Mundial, que elevó el género a nuevos niveles de sofisticación. En su carrera posterior a la guerra, dio a conocer sus canciones a un nuevo público blanco y a numerosos jóvenes guitarristas -entre ellos, Eric Clapton- que llegarían a ser estrellas del rock en los años sesenta y setenta.
Aunque nacido en Mississippi, William Lee Conley Broonzy creció en Arkansas como uno de los diecisiete hijos de una pareja de aparceros que habían nacido esclavos. Bill ayudaba en la granja, pero en 1903, su tío Jerry Belcher le construyó un violín con una caja de puros y le enseñó a tocarlo. Broonzy y su amigo el guitarrista Louis Martin tocaban en fiestas populares hasta 1912, año en que Bill decidió hacerse predicador, por lo que abandonó su violín y la música secular. Unos años después alguien le ofreció un violín nuevo y $50 si actuaba de nuevo. En principio se negó, pero su mujer había aceptado el dinero y ya se lo había gastado, por lo que se vio obligado a tocar. Asimismo seguía trabajando en la granja, pero la sequía de 1916 destrozó su cosecha. Un año después fue reclutado y enviado a Europa a luchar en la Primera Guerra Mundial.
Papa Charlie Jackson
Cuando retornó a casa, a Broonzy le quedaban pocas ganas de seguir en el campo, por lo que en 1920 se trasladó a Chicago, donde consiguió un trabajo en la compañía Pullman. Ganaba suficiente dinero, pero Broonzy era ambicioso y aún le picaba el gusanillo del blues. Sin embargo, las melodías country con las que solía entretener a la gente de Arkansas no tenían ningún atractivo para el público de Chicago, por lo que decidió aprender a tocar la guitarra para lo que contó con la ayuda del popular cantante e instrumentista del banjo de seis cuerdas Papa Charlie Jackson.
Salvo un par de títulos aislados que registró anteriormente en Paramount, Broonzy no empezó a grabar de modo regular hasta 1930, fecha en la que ya era un experto guitarrista de 37 años, capaz de tocar piezas de rag y de baile, como su 'Saturday Night Rub' o su 'Guitar Rag', a la vez que temas de blues al estilo más ortodoxo.
Big Bill Broonzy
Sus múltiples grabaciones, junto a Frank Brasswell como segundo guitarrista, a Georgia Tom y a otros músicos como los Famous Hokum Boys, solían seguir la línea 'hokum', temas basados en el ragtime con letras a menudo sexualmente explícitas. A esta etapa corresponden temas como 'C.C. Rider' (1934) y 'Midnight Special' (1935). En 1937 se asoció con el pianista Joshua Altheimer y formaron los Chicago Five, que incluian bajo, batería, trompeta y saxo alto. Al final de la década, tal como hizo su amigo Tampa Red, fue uno de los primeros en pasarse a la guitarra eléctrica. Pronto Broonzy se convirtió en uno de los cantantes de blues más populares del país, aunque su audiencia estaba limitada a la población negra. Sus composiciones en esta época consistían principalmente en los stomps y rápidas melodías jive.
En 1939, el productor John Hammond estaba preparando su segundo concierto 'Spirituals to Swing' en el Carnegie Hall de Nueva York. En su espectáculo quería poner un especial énfasis en las raíces de la música negra y había elegido a Robert Johnson para representar el 'blues primitivo'. Cuando pocos días antes del concierto le llegó la noticia de que Johnson había sido asesinado un año antes, decidió poner a última hora en su lugar a Big Bill Broonzy. Fue para muchos aquella noche "un descubrimiento inolvidable"
Para entonces, Broonzy, con su blues bailable, era el artista más vendedor del sello Vocalion y los intelectuales blancos del Carnegie Hall desconfiaban de todo lo que sonara a 'comercial'; preferían a los bluesmen 'rústicos'. Por esa razón Broonzy fue anunciado como un ex-aparcero (aunque llevaba 20 años sin pisar una granja).
I dreamed I had a million dollars, Had a mermaid for a wife, I dreamed I winned the Brooklyn Bridge, On my knees shootin' dice. But that was just a dream, Just a dream I had on my mind. Now wehn I woke up, baby, not a penny could I find.
I dreamed I was in the White House, Settin' in the President's chair; I dreamed he shaken my hand, says, "Bill, I'm glad you're here" But that was just a dream, Just a a dream I had on my mind. Now then when I woke up, baby, Not a chair could I find
Soñé que tenía un millón de dólares Y una sirena como esposa, Soñé que ganaba el puente de Brooklyn jugando de rodillas a los dados. Pero fue sólo un sueño, sólo un sueño que tuve en la mente Y cuando me desperté, nena, No pude encontrar ni un penique
Soñé que estaba en la Casa Blanca, sentado en el sillón presidencial Soñe que me daba la mano y decía "Bill, me alegro mucho de que estés aqui" Pero fue sólo un sueño, sólo un sueño que tuve en la mente Y cuando me desperté, nena, ni siquiera una silla pude encontrar...
Existía otro importante aspecto del arte de Big Bill que quedó plasmado en sus numerosos blues lentos y semilentos, que resultaban sumamente conmovedores y sinceros. En su voz se apreciaba una calidad que recordaba los 'field hollers' y, también, una seguridad más propia de los intérpretes urbanos. Él mismo era, en efecto, a la vez un hombre de campo y de ciudad, puesto que su vida transcurrió entre su casa de Chicago y su granja de Arkansas. El doble contacto que no dejó de mantener con la vida rural y con la vida urbana, le permitió cantar sobre ambas con auténtico sentimiento. Por otro lado, Broonzy tocaba la guitarra haciendo un amplio uso de notas apagadas y 'martilleando' las cuerdas, con un marcado y estimulante ritmo. Entonaba sus canciones a ritmo de lamentos, y su música reunía la calidad vocal característica de Leroy Carr y gran parte de la experta técnica instrumental de Scrapper Blackwell.
Tras la muerte de Leroy Carr en 1935, asumió, en gran medida, la función social que éste desempeñaba como compositor de blues urbanos. Con ello se ganó a un público aún más numeroso que el del propio Leroy Carr y, hasta cierto punto, insospechado. Durante los años cuarenta siguió ofreciendo por un lado, su blues bailable acompañado de sus Chicago Five, y por otro, su faceta más folk, sólo con la guitarra, que es la que prefería el público blanco. Imagínese una armónica en lugar de la trompeta en las grabaciones de Broonzy con Chicago Five y se podrá escuchar un adelanto de lo que sería el blues de Chicago posterior a la Segunda Guerra.
Como compositor fue muy prolífico, con más de 300 canciones compuestas o adaptadas bajo su nombre. Continuó grabando en los cuarenta temas como 'Key to the highway', 'Rockin' Chair Blues', 'All By Myself' o 'Wee wee hours', pero cuando surgió el blues electrificado de Muddy Waters, a quien el mismo Broonzy había introducido en la escena musical de Chicago, su propio sonido resultó pasado de moda.
En 1950 había renunciado a su carrera musical y trabajaba de conserje en la Universidad de Iowa, pero pronto fue 'redescubierto' por músicos folk blancos que le instaban a volver a grabar. Así lo hizo, pero a gusto del público blanco, presentándose como 'el último bluesman de su generación' solo con la guitarra e interpretando country blues. En 1951 realizó giras por Europa donde fue muy bien recibido, sobre todo en el Reino Unido, donde un joven Eric Clapton se vio influido por él. En 1953 fue capaz de vivir únicamente de la música, algo que nunca le fue posible incluso en su etapa más popular de Chicago, Disfrutó su papel de 'veterano del blues' y apreció el impacto que el género estaba teniendo en la música popular. En 1957 supo que sufría cáncer de pulmón. Una operación lo dejó sin voz, pero siguió actuando con su guitarra los últimos meses de su vida. Murió en una ambulancia rumbo a un hospital de Chicago en agosto de 1958.
El 24 de junio de 1980 se publicó en Estados Unidos bajo el sello Asylum Records, 'Hold Out', el sexto álbum del músico californiano Jackson Browne. Aunque bastante peor recibido por la crítica que sus anteriores entregas, fue el único de sus trabajos que alcanzó el nº1 de las listas Billboard.
Su álbum anterior, 'Running on Empty' se grabó mientras estaba de gira, en conciertos, habitaciones de hotel e incluso el autobús del grupo y había supuesto su mayor éxito hasta la fecha, alcanzando el puesto nº 3 de las listas. Para su continuación, Browne decidió volver al estudio de grabación. 'Hold Out' se grabó en los estudios Sound Factory y Record One de Los Angeles y tardó casi un año en completarse. Greg Ladanyi, que había ejercido de ingeniero de grabación en 'Running on Empty', se encargó junto con Jackson de la producción.
Aunque el álbum únicamente incluía siete canciones, cuatro de ellas sobrepasaban los cinco minutos. La mayoría fueron completadas en el estudio, una forma de trabajar habitual en Browne.
El tema que abre el álbum, 'Disco Apocalypse' fue la respuesta a la locura de la música disco que se encontró Browne en Los Angeles tras sus meses en la carretera. Según Ladanyi, fue una de las que más trabajo se llevaron, ya que era una de las preferidas de Browne.
David Lindley
Otro tema destacable fue 'That girl could sing' que, editado en single sería un Top30 en otoño de 1980. "El solo de slide que ejecuta Lindley, es sencillamente increíble", explica Ladanyi, "en este disco David toca unos solos que no volvió a repetir. Afortunadamente logramos registrarlos". Hay quien dice que está dedicada a Laura Nyro. 'Boulevard' fue el primer single que se editó del álbum, y alcanzó el puesto nº 19. 'Of missing persons' fue escrita para Inara George, la hija de Lowell George (de la banda Little Feat), un amigo y colaborador de Jackson Browne, que había fallecido un año antes de publicarse 'Hold Out'
El 24 de junio de 1944 nació en Harborne, Birmingham el músico inglés Chris Wood. Aprendió sin ayuda a tocar la flauta y el saxofón con quince años. Pronto se encontró tocando con otros músicos de la escena de Birmingham, entre los que se encontraban futuras estrellas como Christine Perfect (F. Mac), Carl Palmer (EL&P), Stan Webb (Chicken Shack) y Mike Kellie (Spooky Tooth).
Capaldi, Winwood y Wood en 1967
Matriculado en la Royal Academy of Art de Stourbridge, a través de su hermana Stephanie, que diseñaba la ropa de los miembros de Spencer Davis Group, conoce a Stevie Winwood. Con él y con Jim Capaldi, Chris funda en 1967 la banda Traffic, con la que publica una decena de álbumes. En ellos además de tocar saxo y flauta, hace voces y es co-autor de varios temas, entre ellos 'Coloured rain', 'Smiling phases' y 'Dear Mr Fantasy'.
Hendrix y Chris Wood en 1969
Por otro lado, Wood colaboró con numerosos artistas, desde Jimi Hendrix, en su 'Electric Ladyland' de 1968 hasta Dr. John, Ginger Baker, Free y John Martyn, pasando por The Faces. Cuando Traffic se separó la primera vez en 1969 (Stevie Winwood se embarcó en la efímera Blind Faith), Wood siguió un tiempo con Capaldi, Mason y Mick Weaver en el proyecto 'Wooden Frog' y después se marchó a Estados Unidos con Dr. John. Allí se casó con Jeanette Jacobs, una de las cantantes del coro y ambos colaboraron con Ginger Baker en su Air Force Band.
Wood en 1974
Al año siguiente volvió a Inglaterra y fue a ver a Stevie Winwood, que estaba preparando un nuevo álbum en solitario. Chris le enseñó un disco que traía de EEUU de un grupo llamado los Watersons, una familia de músicos folk que grababan canciones tradicionales inglesas. Entre ellas se encontraba 'John Barleycorn', que cautivó a ambos músicos por su relación con la adicción al alcohol y a los antiguos mitos sobre la resurrección. De un proyecto en solitario de Stevie, 'John Barleycorn' (1970) se convirtió en la continuación de Traffic, que se separaron definitivamente en 1975 tras cuatro magníficos álbumes más.
En 1983 Chris Wood se encontraba trabajando en un álbum en solitario llamado 'Vulcan' cuando sus años de abusos de alcohol y drogas le pasaron factura: Murió de una neumonía el mes de julio, a los 39 años. Las cintas de 'Vulcan' permanecieron en propiedad de su hermana Stephanie, quien por fin lo publicó en 2008 bajo el sello Esoteric Recordings.
El 24 de junio de 1974 se publicó en Estados Unidos 'Caribou', el octavo álbum del pianista y cantante Elton John. Fue su cuarto álbum consecutivo que alcanzaba el nº1 en Estados Unidos y el tercero en el Reino Unido. Se extrajeron dos singles de éxito, 'Don't let the sun go down on me' y 'The bitch is back', ambos Top5 en USA.
La misma semana que 'Caribou' llegaba al nº1, MCA Records anunciaba que había firmado un contrato con Elton John por valor de ocho millones de dólares a cambio de cinco álbumes. Esto le convirtió en el artista mejor pagado del negocio discográfico y pocos podían negar que su talento y su gancho comercial lo valían. 'Caribou' fue su cuarto nº1 consecutivo en sólo dos años y en aquel momento no había artista que le tosiera. Sin embargo, el gran éxito del álbum tapó algunos problemas en los que se vio envuelta la grabación.
Caribou Ranch
'Caribou' recibió su nombre por el estudio Caribou Ranch, situado en las montañas de Colorado e inaugurado por James William Guercio en 1972 (En 1985, un incendio destruyó parte de las instalaciones y no se volvió a abrir). Grupos como Chicago o los Beach Boys eran clientes habituales del estudio. Gus Dudgeon, el productor, recuerda las sesiones: "La razón por la que elegimos grabar en Caribou fue que oímos el álbum de Joe Walsh 'Rocky Mountain Way' y nos gustó mucho el resultado" El entorno del estudio era idílico: en plenas rocosas y rodeados de bosques y verdes prados.
La consola Neve 8016 de Caribou Ranch
El primer inconveniente fue la imperiosa necesidad de acabar el álbum en sólo diez días del mes de enero de 1974, ya que Elton tenía que partir en febrero de gira a Japón, Australia y Nueva Zelanda. "Cuando llegamos allí, la mesa de mezclas era diferente a las que yo estaba acostumbrado y por otro lado, estaba la altitud. Nos encontrábamos a 2.600 m de altura y la presión a la que tenían que funcionar los altavoces era distinta a la del nivel del mar, por lo que respondían de otra manera". Dudgeon fue el primero en admitir que "técnicamente, no fue un gran trabajo. No obstante produjo temas que funcionaron muy bien, como 'Don't let the sun go down on me"
'The bitch is back', el tema que abre el álbum comienza con un riff que recuerda a Keith Richards y es uno de los mejores temas rockeros de John, cuyos arreglos parecen jugar con los sonidos imperantes de la época: el descaro de los Stones en 'Exile on Main Street', el cool rock de Roxy Music y la extravagancia glam de David Bowie. Elton y el grupo grabaron las bases y las voces y Dudgeon añadió más tarde -estando John ya de gira por Japón-, algunos arreglos adicionales como metales y segundas voces, entre las que se encontraban las de los Beach Boys Carl Wilson y Bruce Johnston. "En 'Don't let the sun", sigue recordando Dudgeon, "todo el mundo realizó su trabajo a la perfección. También hizo coros Toni Tennille y su marido, los arreglos orquestales".
Del resto del álbum no cabe destacar ningún tema, ya que, exceptuando las dos canciones citadas, 'Caribou' es uno de los trabajos más discretos del pianista-cantante. "Fue el primer álbum en el que -por las prisas- incluimos canciones tontas de relleno", explica Gus, "'Grimsby' es una de las peores. Se suponía que iba a ser un buen chiste, pero le falta gracia y le falta calidad. Así como 'Solar prestige a gammon', otro de los peores temas de John-Taupin." La inmensa popularidad de Elton John en aquellos momentos era tan abrumadora que 'Caribou', a pesar de su escasa calidad y deficiencias técnicas, fue el álbum del pianista que más rápidamente alcanzó el nº1. Dos semanas tras su publicación, el 13 de julio, ya encabezaba las listas de Billboard.
La reedición de 1995 a CD incluyó cuatro canciones más de aquel periodo, aunque sólo dos de ellas, 'Sick city' y 'Cold highway' (caras B de los singles publicados) fueron grabadas en las sesiones de Caribou Ranch. 'Step into Christmas' se grabó en una sesión anterior para un single y 'Pinball Wizard' se grabó en los estudios Rampart de The Who durante las sesiones para la banda sonora de 'Tommy'.
Boyd también inspiró otra composición de Goffin y King, 'He hit me (And it felt like a kiss)', grabada por las Crystals. Cuando Little Eva les contó que su novio le pegaba y preguntada porqué lo consentía, dijo que cada bofetada que recibía, era una muestra de lo mucho que la quería. Otros éxitos de Little Eva fueron 'Keep your hands off my baby' (1962) y 'Let's turkey trot' (1963). Cuando llegó la 'invasión británica' a EEUU su popularidad decayó notablemente. Realizó un par de reapariciones, a lo largo de los años, principalmente en los circuitos de 'oldies'. Little Eva murió a los 59 años en verano de 2002.
