Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 15 de julio de 1956 nació en Stretford (Inglaterra) Ian Curtis, cantante y letrista del grupo de Manchester Joy Division. Se crió en Hurdsfield (en el extrarradio de Macclesfield), pero vivió la mayor parte de su vida adulta en Manchester, donde asistió al instituto The King's School. Por el legado musical que dejó —en el que su voz grave y letras depresivas y suicidas fueron su rasgo distintivo— aunado a su forma convulsiva de bailar y la manera en que se quitó la vida, está considerado como uno de los principales 'Poetas Malditos' de la Historia del Rock
Hijo de Kevin y Doreen Curtis, Ian ya mostraba de niño su talento para la poesía y a medida que se iba haciendo mayor, sus ambiciones se centraban en la literatura. Sin embargo también desarrolló un gran amor por la música teniendo entre sus ídolos adolescentes a artistas como David Bowie, Iggy Pop y Velvet Underground. Con once años ganó una beca para asistir al King's School y, aunque sus calificaciones eran razonables, no mostró interés por avanzar en los estudios y su primer trabajo relacionado con la música fue en una tienda de discos del centro de Manchester, donde expandió sus gustos musicales. En agosto de 1975 Ian se casó con su compañera de instituto Deborah Woodruffe, con la que tuvo una única hija, Natalie en abril de 1979.
Joy Division
En 1976 Ian coincidió con Bernard Sumner y Peter Hook cuando asistían a un concierto de los Sex Pistols. Fue allí donde le comentaron el hecho de que estaban intentando formar una banda, ante lo cual él quiso inmediatamente unirse al proyecto, liderándolo como vocalista y letrista. Entre los tres buscaron un baterista y, tras un largo proceso de selección, durante el cual realizaron sus primeras actuaciones como Warsaw en la zona así como las primeras grabaciones, (publicadas años más tarde como 'The Warsaw Demo'), Stephen Morris se unió al grupo.
En diciembre de 1977 entraron en un estudio para grabar cuatro canciones para un EP 'An ideal for living'. El disco atrajo la atención de RCA Records, pero cuando éstos intentaron hacerles sonar de manera 'más profesional', la banda rompió el acuerdo con el sello. El éxito de un grupo de Londres llamado Warsaw Pakt les obligó a cambiar de nombre y eligieron Joy Division (División del gozo), el nombre que recibían las prisioneras obligadas a prostituirse en los campos de concentración, cuyos servicios disfrutaron algunos oficiales nazis durante la segunda guerra mundial, según relataba Karol Cetinsky en su novela 'The House of Dolls'.
Joy Division
En la primera actuación con la nueva denominación se organizó una pelea entre el público, algo que se convertiría prácticamente en costumbre durante sus shows. Además del nombre, el uso de simbología y parafernalia germanófila (muy de moda entonces) hizo creer a muchos que se trataba de músicos neo-nazis, una acusación que ellos negaban rotundamente. Firmaron contrato discográfico con Factory Records, que pertenecía a Tony Wilson y Rob Gretton, productores locales. Allí reeditaron su EP y grabaron material para el programa del influyente DJ John Peel.
Curtis, además de cantante solista era el letrista oficial del grupo y su inspiración venía de sus lecturas de, entre otros, W.S. Burroughs, Kafka, J.G. Ballard y David Bowie. La mayoría de las canciones fueron escritas en su casa en Barton Street, que estaba llena de cuadernos de notas donde Ian anotaba sus ideas según le venían. En enero de 1979 a Ian le diagnosticaron epilepsia. Aunque los ataques variaban en frecuencia e intensidad, la enfermedad fue un obstáculo con el que tuvieron que convivir tanto él como sus compañeros. No sólo tuvo que tomar una fuerte medicación que parecía potenciar dramáticamente sus repentinos cambios de humor, los ataques le podían sobrevenir en el escenario, causados por un excesos de luces o flashes. En los shows Ian parecía estar poseído. Cuando sufrió el primer ataque de epilepsia, algunos pensaron que estaba llevando demasiado lejos su personaje escénico.
Para su álbum debut, 'Unknown Pleasures', que contó con una magnífica portada, obra del diseñador Peter Saville, Wilson puso a disposición del grupo a Martin Hannett, un productor rupturista, cuya labor en el estudio de grabación tuvo mucho que ver con el sonido de la banda.
'Unknown Pleasures' (1979)
Su tratamiento potenciaba las esqueléticas canciones de Joy Division, cuyos lapidarios títulos ('Disorder','Insight', 'Wilderness', 'Isolation') y trabajadas letras seducían por su arquitectura y por sugerir visiones de vidas sin esperanza. La voz de barítono bajo de Curtis le hacía parecer mucho más entrado en años de los que realmente tenía (23 en el momento de su muerte) e impregnaba de oscuridad las canciones de Joy Division. Ian metabolizaba sus pesadillas y transformaba sus dolores secretos en arte tenso. Pero la popularidad no proporcionaba alivio para sus miserias.
Los médicos le atiborraban de barbitúricos y las presiones que recibía a diario por trabajar en un grupo obligado a giras constantes, afectaron a su salud y a su matrimonio. Curtis estaba enamorado de su mujer, pero ella sabía de su relación con Annik Honoré, una belga que no se conformaba con ser una grupie más. Cuando Ian tuvo que dejar el trabajo fijo que mantenía como funcionario en las oficinas municipales de empleo, Deborah tuvo que buscar trabajo para mantener a su hija.
A finales de 1979 la banda volvió a grabar para John Peel y entre los temas que se registraron estaba 'Love will tear us apart', una canción, que a pesar de no ser editada en single hasta meses después, se hizo extraordinariamente popular en sus actuaciones.
En enero de 1980 Joy Division se dispuso a grabar el material para su segundo álbum, 'Closer' y dos semanas después de lo que iba a ser la última actuación de Joy Division en Inglaterra y antes de comenzar una gira por Estados Unidos, Ian fue a ver a su esposa a su casa de Macclesfield, que había iniciado trámites de divorcio, con el fin de convencerla de que desistiese de ello.
'Closer' (1980)
Más tarde le pidió quedarse solo en la casa esa noche ya que a la mañana siguiente tenía que coger el tren para Manchester. Cuando Deborah volvió a la casa al mediodía siguiente encontró el cuerpo de Curtis ahorcado, colgando de una soga en su cocina. En el tocadiscos había estado sonando 'The Idiot' de Iggy Pop. Hoy en día continúan generándose especulaciones sobre cuál fue la verdadera razón que tuvo Ian para suicidarse y si contribuyeron a su fatal desenlance las actividades que llevó a cabo aquel día. Según Deborah, "Ian siempre había dicho que no iba a vivir más allá de los 25 años y se veía a sí mismo como un mártir del rock, como Jim Morrison, pero pensé que maduraría y que se le pasaría, ya que ahora tenía la responsabilidad de una familia y una hija"
Su muerte le convirtió en mito. Tras el suicidio de Curtis, Joy Division tuvo su primer éxito masivo con el relanzamiento de 'Love will tear us apart' y 'Closer' fue publicado en julio de 1980 alcanzando el Top10 de las listas británicas. El legado musical de Curtis es un tesoro inigualable para la música. Tanto su imagen como su estilo de actuar sobre el escenario han sido imitados por algunos artistas posteriores a él. Bandas como The Cure, U2, The Smiths, Bauhaus, Interpol, White Lies, Editors y SUMO son algunas de las muchas influenciadas por el trabajo de Curtis, cuya vida ha sido dramatizada en dos películas británicas: '24 Hour Party People' (2002) y 'Control' (2007).
A pesar de su corta carrera y su estatus de 'grupo de culto', Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic escribe que Joy Division "se convirtió en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".
El oscuro y tenebroso sonido del grupo, que Martin Hannett describió en 1979 como "música de baile con sobretonos góticos", presagiaba el nombre del género gothic rock. Mientras en la música de finales de los 70 el término 'gótico' describía originalmente una 'atmósfera opresiva', el término fue pronto aplicado a grupos específicos como Bauhaus que continuaron la estela de Joy Division. Generalmente éste tipo de bandas adoptaron "líneas de bajo potentes que tomaban un papel importante en la melodía" y "voces propias de la ópera, teutónicas y profundas al imitar a Jim Morrison ó Ian Curtis".
La evolución musical de Joy Division durante los pocos años que duró la banda, aunque paralela a la de otros grupos contemporáneos (The Fall, Magazine, etc.) es clave para entender lo que sucedería durante los años ochenta. Pasaron del punk al post-punk y, ya en 'Closer' a un proto-tecno que podemos reconocer luego en bandas como Depeche Mode, Human League, y otras. La segunda mitad de 'Decades', el último tema de 'Closer', entierra definitivamente toda relación con el punk y anticipa el sonido de New Order, el grupo que el resto de miembros de Joy Division formaron a continuación y que obtendría considerablemente más éxito comercial. En 2005 ambas formaciones fueron incluidas en el UK Music Hall of Fame.
El 15 de julio de 1951 nació en Kingston (Jamaica) el cantante de reggae Gregory Isaacs, a quien el New York Times llamó una vez "la voz más exquisita del reggae"
Tras competir en numerosos concursos de jóvenes talentos en Jamaica, Isaacs comenzó a realizar sus primeras grabaciones a finales delos años sesenta. En 1973 publicó 'My only lover', un gran hit que ha sido mencionado como el primer tema del subgénero del reggae 'lovers rock', caracterizado por su sonido y contenido romántico. Trabaja con los músicos y productores de reggae más renombrados publicando temas como 'Tune in', 'Permanent lover','Wailing Rudy' o 'Tribute to Wa De' y a finales de la década ya se le consideraba uno de los más importantes artistas del género.
En 1982 firma con Island Records y publica 'Night nurse', que introduce a Gregory ante audiencias más numerosas. Aunque no fue un hit en las listas inglesas o americanas, fue un tema muy pinchado en las discotecas y en las emisoras de radio de la época.
Sin embargo su carrera se vio interrumpida por su adicción a la cocaína, a causa de la cual Isaacs tuvo que pasar un tiempo en prisión. En 1983, para celebrar su puesta en libertad, publicó 'Out Deh!'.
A continuación siguió grabando numerosos álbumes (dicen que grabó más de 400 en su carrera), con temas como 'Rumors', 'Mind yu dis', 'Rough neck','Too good to be true' y 'Report to me'.
En 2008 publicó 'Brand New Me', que muchos críticos señalaron como el "retorno en gran forma de Isaacs". Su último trabajo fue 'Isaacs Meets Isaac' (2010) junto a King Isaac. Gregory Isaacs murió en octubre de 2010 a los 59 años.
El 14 de julio de 1912 nació en Okemah (Oklahoma) Woody Guthrie, el compositor y cantante folk más importante de Estados Unidos. En su carrera, que abarcó un cuarto de siglo, Guthrie escribió cientos de canciones, la mayoría de ellas poniendo voz al hombre de la calle.
Las historias que narraba las vivió personalmente en su peregrinaje por el país durante la Gran Depresión acompañado de su guitarra en la que se leía la frase: "Esta máquina mata fascistas". Todas estas canciones están archivadAs en la Librería del Congreso de Estados Unidos y una en concreto, 'This land is your land' se canta en las escuelas de primaria de todo el país.
"Esta tierra es tu tierra, esta tierra es mi tierra Desde California hasta la Isla de Nueva York Desde los bosques de secoyas hasta las aguas de la corriente del Golfo Esta tierra se creó para tí y para mí"
En 1952 Guthrie fue diagnosticado con enfermedad de Huntington, un trastorno neuropsiquiátrico genético hereditario y estuvo ingresado en hospitales psiquiátricos hasta su muerte en octubre de 1967. Uno de los jóvenes admiradores que le visitaba periódicamente durante sus útlimos días fue Bob Dylan, que junto a Pete Seeger, Ramblin' Jack Elliott y uno de los ocho hijos que tuvo Woody, Arlo ayudaron a difundir sus obras.
Tres meses después de su muerte se organizó un concierto homenaje en el Carnegie Hall al que acudieron, entre otros, Bob Dylan(que aparecía en público por primera vez desde su accidente de motocicleta en 1966), The Band, Judy Collins y Richie Havens.
En 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, propuso al cantautor británico Billy Bragg usar las letras que su padre había compuesto en los últimos años de su vida. Bragg trabajó con la banda estadounidense de country alternativo Wilco y grabó 40 temas, algunos de los cuales se publicaron en los discos Mermaid Avenue (1998) y Mermaid Avenue, vol. II(2000). El nombre de estos discos viene de la calle de Coney Island en la que vivió Guthrie.
El 14 de julio de 1901 nació en Londres Gerald Finzi, compositor británico de la primera mitad del siglo XX. Perteneció a una familia judía de ascendencia italiana, siendo el menor de cinco hermanos. Sus padres, en aquel momento judíos ortodoxos practicantes, nunca le transmitieron esa herencia y de hecho, Finzi compuso a lo largo de su vida muchas obras para la liturgia cristiana. El joven Gerald pasó su niñez en Londres, recibiendo una educación de forma privada hasta los ocho años, en 1909, el año que su padre, un próspero agente marítimo, falleció.
Es precisamente esta época un tiempo de grandes pérdidas personales que marcarán el carácter nostálgico y apesadumbrado de la música del compositor. Primero muere su profesor Farrar, después su padre y posteriormente sus tres hermanos. Repuesto, al menos en parte, de tales tragedias, comienza a estudiar con Reginald Owen Morris en 1925, consiguiendo cinco años después la plaza de Profesor de Composición en la Academia Real de Música de Londres, donde permanece hasta 1933. Ese año contrae matrimonio con Joyce Black y adquiere una casa de campo con la intención de dedicarse de forma exclusiva a la composición. Fue fundador de la Newbury String Player en 1939, y murió en Oxford el 27 de septiembre de 1956 a los 55 años.
Finzi y Vaughan Williams
Su imagen popular es la de un pastoralista lírico, lo que hizo que su música pareciese pasada de moda incluso en el transcurso de su vida. En su caso no se puede hablar de experimentación y aún menos de modernidad, pero tenía una voz propia, personal, reconocible en sus ciclos de canciones y obras corales, en la que demuestra una perfecta comunión entre palabra y música, resultado de su gran conocimiento de la literatura inglesa. Su mejor valor, sin duda, es su capacidad de fijar las palabras a la música, habilidad que muy pocos compositores ingleses de cualquier época han igualado; por ello, sus canciones son lo más perfecto de su catálogo.
Finzi publicó en vida solo tres ciclos de canciones, todos para voz y piano y sobre poemas de Thomas Hardy: “A Young Man’s Exhortation” (1933), “Earth and Air and Rain” (1936) y “Before and After Summer” (1949).. Entre sus otros ciclos posteriores, destaca el dedicado a poemas de Shakespeare, el encantador “Let Us Garlands Bring” (1942). Sólo compuso un ciclo para voz y cuarteto de cuerdas “By Footpath and Stile” (1921-22) y para voz y orquesta compuso los “Dies natalis”, un trabajo profundamente místico, y el pacifista “Farewell to Arms” («Adiós a las armas») (1944).
La música de Finzi es francamente triste y otoñal, y su estilo general podría calificarse de elegíaco: hay pocos pasajes ligeros o claramente alegres. Finzi compone música básicamente tonal y su sentido de la tonalidad y de la forma son en él casi idiosincrásicos. Sin embargo, en alguna de sus últimas composiciones hay un uso considerable de la disonancia, especialmente en el "Concierto para violonchelo y orquesta, Op.40": I. Allegro Moderato, Parte 1, Parte 2, II. Andante Quieto, III. Allegro Giocoso (Yo-Yo Ma, violonchelo, The Royal Philharmonic & dir. Vernon Handley). Finzi, melódica y armónicamente, debe bastante a Elgar y a Vaughan Williams. En su música también se pueden encontrar destellos ocasionales de Bliss y de Walton, así como también es patente el cariño y profundo conocimiento que tenía por la música de Parry.
Sin embargo, Finzi no debe a ninguno de ellos la delicadeza y perfecta unión de la música y el texto, ni su imaginería, ni su visión de un mundo no mancillado por la sofisticación o la nostalgia. El sentido adulto de pérdida inspira alguno de los mejores pasajes de la música de Finzi, como pueden ser la grandeza melancólica que destila “Intimations of Immortality” o la energía que anida en “Lo, the full, final sacrifice”. En la apacible “Elegía para piano y cuerdas" (Daniel Hope, violín & Simon Mulligan, piano) y en la vigorosa "Gran Fantasía y Tocata" I. Molto grave II. Allegro vigoroso (Leon McCawley, piano), demuestra la admiración que Finzi sentía por Johann Sebastian Bach. El "Concierto para clarinete" I. Allegro vigorosoII. Adagio ma senza rigoreIII. Rondó: Allegro Giocoso (Robert Plane, clarinete; Northern Sinfonia & dir. Howard Griffiths), es posiblemente su trabajo instrumental más famoso, con un lirismo y encanto contagiosos unidos a una fuerte base emocional, en el que destaca la fertilidad y alegría de su invención temática.
El 13 de julio de 1936 nació en Cleveland Heights (Ohio) el cantante y saxofonista de jazz Albert Ayler, una figura fundamental entre los músicos de free jazz de los 60. Nació en una familia negra de clase media. Su padre tocaba el saxo tenor en la banda municipal y Albert tuvo sus primeras experiencias musicales en entierros y desfiles.
Con siete años ya tocaba el saxo alto y con diez tocaba regularmente en la iglesia local durante los cultos. Con influencias de Wardell Gray y Charlie Parker estudió, ya con dieciséis años, con Benny Miller en la Academy of Music, más tarde con Lloyd Pearson en la John Adams High School, para unirse a Little Walter en 1952 a una banda de R&B, que no tuvo mucha repercusión. En 1959 ingresa en el ejército dos años. En ese tiempo se cambia al saxo tenor y conoce países como Francia, Dinamarca y Suecia, además de tocar en la banda del regimiento, donde coincide con Stanley Turrentine. De vuelta en Cleveland, ya licenciado, su estilo iconoclasta, alejado de las tradicionales armonías del jazz, no le facilita conseguir trabajo en el difícil y tradicional mercado americano del jazz, por lo que en 1962, se instala en Suecia donde el clima para el avant-garde era más favorable.
Es aquí donde comienza su carrera discográfica. Pronto grabaría trabajos como 'I'll remember April' (1962). El contacto con el pianista McToy Tyner, en la misma onda musical que Ayler, le ayudó a mantenerse firme en su estilo libre. En sus grabaciones, las improvisaciones incluían los 'pitidos' de los metales -que hasta el momento se habían suprimido cuidadosamente de las grabaciones- así como la respiración y tecleado de los músicos. El sonido pasa a ser más importante que las notas y el timbre prevalece sobre melodía y armonía, rompiendo las formas clásicas occidentales del jazz.
El álbum 'My Name is Albert Ayler' (1963) grabado junto a Niles-Henning Orsted Pedersen, Niels Bronsted y Ronnie Gardiner en la radio nacional danesa, despertó entusiasmo en la crítica especializada. A pesar de ello, siguió sin tenerlo fácil en su país, donde por fin consiguió un contrato con ESP para su trío con Gary Peacock y Sunny Murray, con los que graba 'Spiritual Unity' (1964), 30 minutos de improvisación de intenso free-jazz.
Los hermanos Ayler en 1966
Arropado por varios líderes del jazz neoyorquino (como Eric Dolphy que, según se dice, lo calificó como el mejor interprete que había visto en su vida), Ayler empezó a encontrar respeto y audiencia. También comenzó a influir en la nueva generación de músicos de jazz que se estaba gestando, así como en veteranos músicos, como John Coltrane, que se mostró impresionado cuando lo vio en un concierto en Suecia. En 1964, dio una gira de conciertos por Europa, con su trío habitual, pero ampliándolo con Don Cherry y su hermano pequeño Donald Ayler a las trompetas. De la gira, se grabaría el disco 'The Hilversum Session'. Álbumes como 'Bells' (1965) y 'Truth is Marching In' (1966) marcan su listón más alto y libre de la creatividad individual en el free jazz.
Ayler y M. Sampson en Newport, 1967
En 1966 los hermanos Ayler forman un quinteto con el que actúan con gran éxito en grandes festivales, como el de Newport, en 1967 y, tras la muerte de Coltrane, a Ayler se le consideró por un tiempo su heredero musical. Siguió actuando por Europa e integró a su mujer Mary Parks en la banda, algo que no entendieron los críticos. En julio de 1970 actuó en sendos memorables conciertos en la fundación Maeght de Saint-Paul de Vence (Francia).
El modo poco convencional con el que trataba Ayler la composición musical y las misteriosas causas de su muerte le han convertido en una de las pocas figuras de culto en el jazz. En noviembre de 1970, Albert desapareció y veinte días más tarde fue encontrado muerto flotando en el East Side River de Nueva York. Aunque hubo sospechas de asesinato, la investigación oficial concluyó que fue suicidio.
El 13 de julio de 1921 nació en Viena el compositor austríaco nacionalizado estadounidense Ernest Gold, que entre 1945 y 1992 escribió cerca de 100 bandas sonoras para el cine y la televisión.
Nacido como Ernst Gold, era hijo de un violinista austríaco y una cantante clásica. Ya con cinco años empezó a componer música y poco después estudiaba en la Academia de Música de Viena. Cuando en 1938 el Tercer Reich se anexionó Austria, emigró con su familia a EEUU y siguió su formación en Nueva York con Otto Cesena. En 1945 modificó su nombre a Ernest y se trasladó a Los Angeles donde trabajó como arreglista y componiendo música para westerns y films de serie B hasta que, en 1958, comienza con 'Fugitivos' una larga relación profesional con el director Stanley Kramer.
Un año después, la melodía popular australiana 'Waltzing Matilda', incluida en la banda sonora de 'La hora final', fue conocida en todo el mundo. Recibió un Oscar y un Grammy en 1961 por la banda sonora de 'Exodo', su obra más conocida. También compuso un musical, 'I'm Solomon' (1968) y varias obras clásicas como un concierto y una sonata para piano, y una obra para cuarteto de cuerdas. Murió en marzo de 1999 a los 77 años.
Fue compositor, entre otras, de las siguientes bandas sonoras:
- 'The Falcon's Alibi' (1946) - Ray McCarey
- 'Mundo desconocido' (1951) - Terry O. Morse
- 'The Screaming skull' (1958) - Alex Nicol
- 'Demasiado pronto para vivir' (1958) - Art Napoleon
Muchos artistas han grabado versiones y remezclas del tema principal de la película ("Theme of Exodus"), entre ellos Ferrante y Teicher, cuya versión ocupó la posición número 2 en la lista de sencillos de Billboard.
Otras versiones grabadas fueron las del director de orquesta anglo-italiano Mantovani, el saxofonista brasileño Bob Fleming (en su álbum 'Mr. Sax'), Peter Nero, Connie Francis y las Duprees, con letra escrita por Pat Boone. La cantante Édith Piaf también interpretó el tema con letra en francés.
