Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 10 de agosto de 1865 nació en San Petersburgo el compositor, director de orquesta e influyente maestro de música ruso Aleksandr Konstantínovich Glazunov. Alternó la recuperación de las raíces musicales rusas con su adscripción a las influencias estilísticas occidentales, que fueron haciéndose más fuertes en sus últimas obras. Era cercano al círculo de compositores rusos de recuperación nacionalista y folclórica conocido como el “Grupo de los Cinco”. Se le considera el último exponente de la escuela nacional rusa de composición, fundada por Mijaíl Glinka, y fue seguidor de la llamada “música de programa”.
Inició en la ciudad natal su educación musical, realizada bajo la dirección de Balakirev y de Rimsky-Korsakov. Gran eficacia tuvo, sin duda, la enseñanza de este último, quien, con su vasta doctrina, ejerció una función sistematizadora sobre el precoz talento de Glazunov, el cual, a los dieciséis años contaba ya en su activo con diversas composiciones, entre ellas, un “Cuarteto, op. 1”, una “Suite para piano, op. 2” y una “Sinfonía, op. 5”, ejecutada por primera vez bajo la dirección de Balakirev y acogida con gran admiración por el público.
El interés de Glazunov por los motivos de la etnofonía rusa y por las viejas leyendas nacionales, de las que extrajo inspiración para uno de sus más animados poemas (Stenka Razin), no fue exclusivo como en otros innovadores de su tiempo, ni siquiera en la fase inicial de su actividad de compositor, y también es ésta una señal de aquella ponderación interior que parece ser la clave constante de todo su arte, al que no siempre corresponde un adecuado vigor imaginativo.
Rimsky-Korsakov en 1893
Después de la muerte de Borodin (1887), realizó, juntamente con Rimsky-Korsakov, la orquestación del “Príncipe Igor”, para lo cual reconstruyó totalmente la obertura a base de los fragmentos que el mismo Borodin le había hecho escuchar al piano.
Entre 1900 y 1906 Glazunov dió clases en el Conservatorio de San Petersburgo y fue su director desde 1906 hasta 1917. En 1928 abandonó la Unión Soviética y se afincó en París. La Universidad de Oxford le otorgó el título de doctor en Música. Murió en París (Boulogne-sur-Seine) el 21 de marzo de 1936.
De su producción musical destacan 8 sinfonías, seis oberturas, los poemas sinfónicos “Stenka Razin” y “El Kremlin” (1892), los ballets “Raymonda” (1898) y “Las estaciones” (1901), “el Concierto para violín opus 82” (1904), música de cámara y obras para piano y para voz. No escribió óperas.
El 9 de agosto de 1963 nació en Newark (New Jersey), la actriz, cantante y productora estadounidense Whitney Houston. Era hija de Cissy Houston, sobrina de Dionne Warwick y su madrina fue Aretha Franklin, por lo que mentores precisamente no le faltaron a la artista.
También hizo sus pinitos en el cine y protagonizó el film 'The Bodyguard' (1992) cuya banda sonora, con seis canciones de Whitney, fue nº1 en decenas de países y ocupa el 6º lugar de los álbumes más vendidos de la historia. En 2009, aparentemente recuperada de su adicción a la cocaína y divorciada de Bobby Brown, con quien mantuvo una complicada y escandalosa relación, acalló rumores de recaídas con su trabajo 'I look to you', que arrancó directamente desde el nº1.
Sin embargo, su gira posterior sufrió varias cancelaciones de fechas y muchos fans abandonaban los conciertos insatisfechos con la actuación de Whitney, cuya voz ya no era la de antes. Continuó asistiendo a centros de rehabilitación de toxicómanos como parte de una terapia a largo plazo para superar definitivamente sus adicciones. El 11 de febrero de 2012, cuando iba a asistir a una fiesta previa a la ceremonia de entrega de los Grammy, fue hallada sin vida en su bañera. Se piensa que pudo haberse quedado dormida por los efectos de un calmante. Whitney tenía 48 años.
El 9 de agosto de 1875 nació en Birmingham (Inglaterra), el compositor, director y pianista Albert W. Ketèlbey, hijo de George Ketelbey y Sarah Aston. A los once años escribió una sonata para piano que interpretó en Worcester, en presencia de Edward Elgar que, en esos momentos, era profesor de música de la ciudad.
Después de estudiar un tiempo en el Milland Institute School of Music y en el Fitzroy College de Londres, consiguió una beca para estudiar en el Trinity College of Music, donde mostró su gran talento para interpretar varios instrumentos orquestales. Ketèlbey usó los pseudónimos Raoul Clifford y Anton Vodorinski para algunas de sus obras. Se sumergió de lleno en el mundo de los teatros londinenses de la última época victoriana como director del Vaudeville Theatre. Ketèlbey continuó escribiendo música vocal e instrumental. Después, se hizo famoso y muchas de las canciones que componía fueron utilizadas como acompañamiento de películas y como música de ambiente en salas de baile. Ketèlbey tuvo un matrimonio largo y feliz con Charlotte Siegenberg (1871-1947). Después de la muerte de su primera esposa, se casó con Mabel Maud Pritchett. Ninguno de los dos tuvo hijos. Albert murió en su casa, "Egypt Hill", en Cowes (Isla de Wight) el 26 de noviembre de 1959.
La obra más importante de Albert W. Ketèlbey es, sin duda “En un mercado persa”.
Los personajes de la obra son: los mercaderes, los mendigos, la princesa con su cortejo, el juglar, el encantador de serpientes, el califa con sus guardias anunciado con trompetas.
Cada personaje tiene una música diferente. Las que más se repiten en la obra son: la escena de los mercaderes, con una música muy rítmica y alegre; y la de la princesa, con una música tranquila y melódica. La obra musical está compuesta por diez escenas:
Llegan los mercaderes a la plaza; Aparecen los mendigos, donde podemos oír sus voces pidiendo limosna; Entra la princesa; Los juglares amenizan a la gente con música divertida; Se oye la música del encantador de serpientes; Entra el califa anunciado por las trompetas; Vuelven los mendigos a pedir limosna; La princesa y el califa se marchan; Los mercaderes recogen las mercancías y se van con sus camellos; La princesa observa la plaza vacía desde su balcón.
Los instrumentos de la orquesta que más destacan en esta obra musical son: violín, viola, violonchelo, contrabajo y arpa (familia de cuerda); flauta travesera, oboe (familia de viento madera); trompeta (familia de viento metal); timbales y sonajas (familia de percusión). Partitura para piano.
El 9 de agosto de 1874 nació en Caracas el compositor, cantante, pianista y director de orquesta y crítico musical Reynaldo Hahn. Venezolano de nacimiento vivió mucho tiempo en Francia y poseía la nacionalidad alemana. Componente de una familia numerosa -tenía 11 hermanos-, su carrera se desarrolló fundamentalmente en Europa.
Llegó a París con 5 años y allí estudió en el Conservatorio de Música, teniendo como profesor a Jules Massenet. Escribió sus primeras composiciones con 14 años, la canción “Si mes vers avaint des ailes” (1888), y la obra “Rêverie”, basadas en poemas de Víctor Hugo. En 1892 escribe sus “Chansons grises” sobre poemas de Paul Verlaine.
“La luna blanca / Brilla en el bosque / De cada rama / Parte una voz / Bajo el follaje...Oh, bien amada.
El estanque refleja / Profundo espejo / La silueta / Del sauce negro / Donde el viento llora...Soñemos, es la hora.
Un vasto y tierno / Sosiego / Parece descender / Del firmamento / Que el astro irisa... / Es la hora exquisita.”
A partir de ese momento sus canciones, óperas y operetas, se convirtieron en grandes éxitos. Escribió canciones en la tradición clásica francesa, con un sabor a fin de siècle.
Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en distintos lugares del sur de Francia, refugiándose finalmente en el principado de Mónaco. En 1945 regresó a París, siendo designado director de la Opera de París. Entre sus obras destacan las canciones, "Fêtes galantes" 1892 (Susan Graham, mezzo-soprano & Roger Vignoles, piano), Nocturne (1895) (Elizabeth Robertson, Mezzo-soprano), “Mélodies”, 40 canciones (1895). Las óperas, “La isla del ensueño” (1898), “La carmelita” (1902), “Nausicaa” (1919) y “El mercader de Venecia” (1935). Varios conciertos como el concierto de Piano en mi Mayor (1931) (Jean Doyen, piano). Las operetas, “Ciboulette” (1923), “Mozart” (1925) (Geori Boué), “El tiempo de amar” (1927), “Brummel” (1931), “Mi bello desconocido” (1933) y “Malvina” (1935). Los ballets, “Le Bal de Béatrice d'Este” (1909), “La Fête chez Thérèese” (1910) (Yves Prin & Orchestre National de l'ORTF) y “Le Diu bleu” (1911). Y el oratorio, “Prometeo triunfante” (1908).
"A Chloris" fué compuesta en 1916 sobre un texto del s. XVI escrito por Théophile de Viau y, se piensa, que Hahn la compuso como un homenaje a Bach (recuerda mucho al segundo movimiento de su "Suite para orquesta núm. 3" (Philippe Jaroussky, countertenor; Jerome Ducros, piano).
También compuso una serie de obras instrumentales entre las que se encuentra el “Piano Concerto III. Reverie, Toccata Et Finale (4/5)”y la“Sonate pour violon et piano 3rd movement “
Fue crítico musical del periódico “Le Figaro” de París, así como gran amigo de Sergei Diaghilev y Marcel Proust. Su amistad con éste último, inspiró el personaje del músico Vintelli en la conocida obra, “En búsqueda del tiempo perdido”. Murió en París en 1947.
Texto del poema de Théophile de Viau (1590-1616) al que Reynaldo Hahn, puso música de forma tan exquisita en 1916:
S'il est vrai, Chloris, que tu m'aimes,
Mais j'entends, que tu m'aimes bien,
Je ne crois pas que les rois mêmes
Aient un bonheur pareil au mien.
Que la mort serait importune
De venir changer ma fortune
A la félicité des cieux!
Tout ce qu'on dit de l'ambroisie
Ne touche point ma fantaisie
Au prix des grâces de tes yeux.
Si es verdad, Chloris, que me amas,
Y he oído, que bien me quieres,
No creo que ni los propios reyes
Posean una felicidad semejante a la mía.
¡Que la muerte sería inoportuna
Si viniera a cambiar mi fortuna
Por la felicidad de los cielos!
Todo cuanto dicen de la ambrosía
no impresiona a mi fantasía
ante la recompensa de tu mirada.
El 8 de agosto de 1964 apareció en Estados Unidos 'Another Side of Bob Dylan', el cuarto álbum del cantautor publicado por Columbia Records. El título -que no era muy del agrado de Dylan- fue impuesto por el productor Tom Wilson que pretendía definir ese 'otro lado de Bob Dylan' en el que el artista, alejado de las raíces folk tradicionales, ofrecía once nuevos temas que ilustraban, con letras introspectivas en las que se percibían influencias de sus lecturas de Baudelaire y Rimbaud, sus últimas reflexiones. Incluía varias canciones de amor y, exceptuando 'Chimes of freedom', carecía de las 'canciones protesta' tan esperadas por sus acólitos. A la crítica no le gustó este giro y a Bob comenzaron a lloverle reproches de "haberse dejado capturar por la parafernalia de la fama, abandonando las raíces puras del folk", hecho que fomentaría que el artista se sintiera cada vez más alejado de los críticos y de los que decían ser sus fans, y desarrollara esa actitud cínica, escéptica y distante con los medios y su público en los años siguientes.
En la primera mitad del año 1964 Dylan tuvo varias experiencias decisivas que marcarían en cierto modo el contenido del álbum. En primer lugar, durante una gira que Dylan realizó por los estados del Sur, escuchó por la radio por primera vez a los Beatles, que en febrero efectuaban su primera visita a Norteamérica, rompiendo todos los récords de audiencia en su aparición en el Ed Sullivan Show. El sonido de los Fab Four le impresionó profundamente: "Cuando los oí por primera vez lo supe: esta música es solo para nosotros, para los jóvenes. Sus acordes eran innovadores y sus armonías vocales encajaban todo a la perfección. Todo el mundo pensó que eran flor de un solo día, pero yo estaba convencido de que durarían. ¡¡Llegaron a tener ocho títulos en el top10!!. Establecieron nuevas escalas de valores y nuevos caminos. Todos te decían entonces: 'O haces folk, o haces rock'. Ellos demostraron que no tenía que ser necesariamente así."
Con la primavera llegó otro hecho fundamental en la vida de Dylan: Su ruptura definitiva con Suzie Rotolo. El continuado flirteo de Bob con Joan Baez terminó incomodando a Suze, que un día de finales de marzo se lo reprochó a su pareja. Suze residía en aquel momento en casa de su hermana Carla, la cual intervino en la discusión. Bob se enfureció y la increpó para que no se metiera en sus asuntos, a lo que Carla reaccionó echándolo de su casa. El cantante explica los hechos en el tema 'Ballad in Plain D', escrito con toda la visceralidad del momento. Es una de las pocas canciones que el cantante se arrepiente de haber compuesto, pero en su día fue su modo de exorcizar sus demonios emocionales.
En abril de 1964 Bob tuvo su primera experiencia con el LSD y unos días después viajó a Inglaterra para dar unos conciertos. Posteriormente visitó Paris donde conoció a la modelo alemana Christa Paffgen'Nico', quien le acompañó en un viaje por Europa que finalizó en Grecia en un pequeño pueblo cercano a Atenas, donde Dylan permaneció una semana más dando los últimos toques a sus nuevas canciones destinadas a su próximo álbum. Una de ellas fue 'I'll keep it with mine', que Bob regaló a Nico, quien la grabaría en su álbum 'Chelsea Girl' de 1967.
De vuelta en Nueva York, Dylan no pierde el tiempo y el 9 de junio graba catorce temas en una sola sesión en la que Bob comparte sendas botellas de 'Beaujolais' con Tom Wilson y los miembros del equipo. Como en los anteriores álbumes, Dylan se acompaña con su guitarra y armónica, y en 'Black crow blues' se sienta él mismo al piano. Varias piezas del álbum tratan de una u otra manera sobre separaciones y relaciones rotas como 'To Ramona', 'I don't believe you (She acts like we never have met' o 'It ain't me, babe'. Esta última, versionada por numerosos artistas, también se puede interpretar como un mensaje a sus exacerbados y puristas fans, a los que el cantautor advierte: "No soy yo quien buscáis". No está dispuesto a convertirse en héroe o mártir de nadie ni de nada...
'Chimes of Freedom', aunque la inclusión en el título de la palabra 'freedom' pueda sugerir que se trata de una canción protesta, es, según Tom Wilson: "una canción que trata sobre los sentimientos y estados de ánimo de las personas en general". Inspirada en un encuentro del cantante con defensores de los derechos civiles en los estados del Sur norteamericano, Dylan desarrolla con imágenes surrealistas sus versos con un estilo influido por Rimbaud que definiría el estilo de composición y escritura en sus próximos trabajos.
'Motorpsycho nightmare' es un tema satírico en el que Dylan despliega todo su humor utilizando arquetipos de la época como Fidel Castro o la 'hija del granjero' para desarrollar un divertido y extravagante relato de aventuras digno de Hitchcock y 'I shall be free no 10' es un blues hablado similar al que ya publicó en 'The Freewheelin'. Con él cierra simbólicamente la etapa de sus primeros trabajos y su última reminiscencia con Woody Guthrie.
En 'Spanish harlem incident' aparece la 'desconocida, bella y enigmática', personificada en una joven de vida bohemia, fruto de la imaginación del autor, un personaje recurrente en la obra de Dylan. 'All I really want to do', también inspirada en la relación del cantante con Suze Rotolo, fue uno de los temas más populares del álbum gracias a las versiones que realizaron Cher y los Byrds en 1965.
La última canción en grabarse aquel 9 de junio fue 'My back pages', que se puede considerar la canción que resume la clave y el leit-motiv de la carrera de Dylan: Nada es tan constante e inherente a la vida misma como el cambio.
Bob examina (sin entrar en demasiados detalles) su vida, sus ideas y expectativas hasta el momento presente. No se siente obligado a renegar de ellas, pero a estas alturas, algunas frases del pasado ya le resultan algo patéticas y cargadas de mesianismo. Con la frase del estribillo: "Antes era bastante mayor, soy más joven desde entonces" pretende cerrar una etapa en la que le habían elevado (a su pesar) a la cúspide del politizado movimiento folk.
Así como en su álbum anterior, en la contraportada aparecían cinco poemas de Dylan bajo el título 'Otro tipo de canciones'. Esto llevaría al autor a firmar un contrato con el editor Bob Markel para la edición de su primera novela, 'Tarantula', la cual, aunque lista para publicar en 1966, no vio la luz hasta 1971.
El 8 de agosto de 1933 nació en Baytown (Texas) el cantante y compositor de soul sureño Joe Tex, nacido en Baytown (Texas). Muy popular en los años sesenta y setenta, fue un predecesor del rap.
Es recordado por sus cuatro éxitos de los sesenta y setenta. 'Hold on what you've got' (1965) llegó al nº5 de Billboard y vendió más de un millón de copias. En 1967, 'Skinny legs and all' repitió ventas mientras que 'I gotcha' consiguió un nº2 en las listas pop de 1972. Finalmente, en 1977, su último hit reseñable fue 'Ain't gonna bump no more (With no big fat woman)'. Tenía un estilo único de cantar y hablar sobre las melodías a modo de predicador que él mismo denominaba 'rap'. Muchos historiadores están de acuerdo en afirmar que Joe Tex fue uno de los pioneros del hip hop y rap que conocemos hoy. Ya en los sesenta, Tex se había convertido al Islam y cambió su nombre por Yusuf Hazziez. En los ochenta se retiró de la música y dedicó todo su tiempo a la religión. Murió de un infarto en agosto de 1982, cinco días después de haber cumplido los 49 años.
