Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 3 de enero de 1926 nació en Highbury, Londres, Sir George Martin, músico, compositor, orquestador y productor inglés, también llamado el 'quinto Beatle', conocido principalmente por haber sido el responsable de la producción de casi la totalidad de los álbumes de los fab four entre otros muchos proyectos musicales. A lo largo de su carrera produjo una treintena de números 1.
El educado oído de Martin, aunado a su gusto por la música clásica, lo convirtieron en uno de los productores más respetados de todos los tiempos, llevando a los Beatles a niveles creativos insuperables (que incluían arreglos de cuerdas, nuevas técnicas de composición y experimentaciones sonoras con diversos estilos e instrumentos). Además de ser un revolucionario en la técnica, con la ayuda del ingeniero de grabación Geoff Emerick, fue el primer productor en el Reino Unido en utilizar ocho canales de grabación (en dos consolas de cuatro canales cada una) para el disco 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' (1967), obra cumbre de los Beatles.
Además del cuarteto de Liverpool, muchos otros artistas solicitaron sus servicios de producción, como Matt Monro, Cilla Black, America (les produjo cuatro álbumes), Jeff Beck, Ultravox, Kenny Rogers, Shirley Bassey, Cheap Trick, así como McCartney, el beatle con el que mejor se llevaba, al que produjo tres de sus álbumes en solitario, además de los hits 'Ebony and Ivory' y 'Say,say, say'. En 1997 produjo la segunda versión de 'Candle in the wind', dedicada a Lady Di, de Elton John. Fue, sin lugar a dudas, uno de los productores más respetados de la historia de la música popular.
Respecto a lo de 'quinto Beatle', George Martin fue uno de varios que reciben ese título. A Brian Epstein y a Billy Preston también hubo una época en que los llamaron así. Sutcliffe siempre será un 'quinto Beatle', porque entonces eran un quinteto. Pero puestos a dar el título honorífico, yo se lo otorgaría a Martin, porque fue el que más tiempo permaneció junto a ellos y fue el que tuvo más influencia que ninguno de los otros 'quintos' en el sonido y resultado final de la obra de los Beatles. No en vano fue el que supervisó la post-producción de The Beatles Anthology, trabajando de nuevo con Geoff Emerick, utitlizando para las nuevas mezclas de los masters originales el magnetofóno analógico de ocho pistas que se usó en las grabaciones de los años sesenta. Afortunadamente, uno de los ingenieros de EMI aún conservaba el aparato. La experiencia fue sobrecogedora para los implicados en el proyecto, incluidos Martin y McCartney que escucharon sus propias conversaciones entre tomas que se habían registrado treinta años antes.
Martin murió en marzo de 2016 a los 90 años.
El 27 de diciembre de 1931 nació en Gadsden (Tennessee) el guitarrista norteamericano Scotty Moore, conocido por haber acompañado a Elvis Presley durante la primera parte de su carrera.
Scotty y Elvis
Gran admirador de Chet Atkins, Scotty fue contratado en 1954 por Sam Moore para acompañar a un adolescente Elvis Presley. Desde la primera grabación de Elvis, 'That's all right (Mama)' hasta sus primeros años en Hollywood, Scotty participó con su guitarra solista, siendo pionero en el rock en darle protagonismo al instrumento y fundiendo el estilo country con armonías de jazz y R&B. 'Good rockin' tonight', 'Baby let's play house', 'Heartbreak hotel', 'Mystery train','Hound dog' y 'Jailhouse Rock'. En todas ellas se pueden oír sus punteos, que influyeron a otros grandes guitarristas, entre otros, a Merle Travis, Barney Kessel y Keith Richards.
En los años setenta y ochenta trabajó como guitarrista de sesión así como productor para diversos músicos como Dolly Parton, Bob Hope, Perry Como, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis. En 1970 produjo el primer álbum en solitario de Ringo Starr, 'Beaucoups of blues'.
Admitido desde el año 2000 en el Salón de la Fama del Rock and Roll, siguió activo dando conciertos con otros grandes músicos, como McCartney, Clapton, Richards, Knopfler o Lee Rocker (Stray Cats) y continuó participando en numerosos tributos a Elvis y su música hasta su muerte con 84 años en junio de 2016.
El 19 de diciembre de 1941 nació en Chicago el músico, cantante, arreglista y productor norteamericano Maurice White, conocido por ser el fundador y líder del grupo Earth, Wind & Fire. El grupo se formó en Chicago en 1969 y desde entonces han publicado 21 álbumes de estudio y 4 en directo, diez de los cuales alcanzaron el top10 americano. Han recibido seis premios Grammy y vendido más de 90 millones de copias. Maurice fue responsable, según la revista Rolling Stone, de "cambiar el sonido del pop negro", ofreciendo con su banda una amalgama de estilos que incluían ritmos africanos, salsa, samba, funk, soul, jazz, pop y rock.
Aunque nacido en Chicago, White pasó su infancia en Memphis. Allí comenzó su carrera en la música cuando a los seis años se unió a un coro de gospel. Más tarde se sintió fascinado por las bandas de música y aprendió a tocar la batería. Su primera actuación como profesional fue en la high school como miembro de una banda liderada por Booker T. Jones. Finalizado el instituto, White volvió a su ciudad natal para estudiar música en el Conservatorio de Chicago. Alternó las clases con actuaciones en pequeños clubes y llegó a conseguir trabajo como baterista de sesión en Chess Records.
A lo largo de los años sesenta tocaría junto a numerosos grandes artistas de Chess y Motown, además de los nativos de Chicago los Impressions, Billy Stewart y Muddy Waters. Entre 1967 y 1969 formó parte del Ramsey Lewis Trio en cuyas filas conoció la kalimba (instrumento musical africano, llamado también mbira, marímbula, hurdy gurdy o acordeón de mano, consistente en una tabla con lengüetas metálicas de diferenes longitudes que se tocan con los dedos pulgares). El sonido de la kalimba sería una de las características de su futuro grupo, un proyecto que comenzó a tomar cuerpo tras dejar White a Ramsey Lewis.
Formó la banda Salty Peppers junto con Wade Flemons y Don Whitehead y logró firmar un contrato con Capitol Records, sello bajo el cual editaron los singles 'La, la, la' y 'Uh huh yeah', sin demasiada repercusión. White decidió trasladarse a Los Angeles donde añadió a la formación al cantante Sherry Scott y al percusionista Yackov Ben Israel, ambos nativos de Chicago y pidió a su hermano Verdine White que se uniese a ellos con el bajo. Por fin, en 1971 firman con Warner Brothers y se denominan Earth, Wind & Fire, según los elementos que rigen sus signos astrológicos.
Además de Maurice y su hermano Verdine, el grupo estaba compuesto por Phil Bailey a la voz solista, Johnny Graham, Jessica Cleaves y Al McKay, todos ellos multiinstrumentistas. Su primera publicación en Columbia fue 'Open Your Eyes' que en 1974 fue top15 en las listas estadounidenses de álbumes.
Pero su espaldarazo definitivo llegó el año siguiente con 'That's the Way of the World', la banda sonora de una película (con el mismo título) de Stig Shore -que acababa de estrenar 'Superfly'- y que muy poca gente vio, en la que el grupo hacía varios cameos en una trama infumable de un productor (Harvey Keitel) que lucha contra las fuerzas del mal en una discográfica. El film hacía aguas por los cuatro costados, pero la música era soberbia. Cuando White y los demás visionaron la película antes de su estreno, comprobaron que sería un fracaso y para evitar que se les relacionara con el film, se apresuraron a publicar los temas incluidos en él en un álbum.
'That's the Way of the World', alcanzó lo más alto de las listas de álbumes Billboard, donde se mantuvo tres semanas, y el single que se extrajo, 'Shining star', también alcanzó el nº1, dándose la circunstancia de que era la primera vez que un grupo afroamericano copaba el nº1 de singles y LPs simultáneamente. Maurice fue el responsable de incluir la ya mencionada kalimba en sus grabaciones, y gracias a su potente sección de viento y los contrastes vocales del falsete de Philip Bailey y la voz de tenor de Maurice White, fueron capaces de llenar las pistas de baile de todo el mundo durante la segunda mitad de los setenta.
Los cambios en la formación fueron constantes a lo largo de los años pero nunca afectaron a la imagen y atractivo del grupo, cuya inmensa popularidad posibilitó la creación de espectaculares shows en los grandes escenarios y estadios que llenaban en sus giras. En ellos eran habituales los fuegos artificiales, la instalación de decorados de proporciones gigantescas, números de ilusionismo y la imagen de los miembros de la banda 'volando' hacia el escenario.
En 1985, sin dejar la banda, Maurice publicó un álbum en solitario que incluía una versión de 'Stand by me', que tuvo cierta repercusión.
Descontento con el camino que los ejecutivos de Columbia Records querían hacer seguir al grupo, White firmó un nuevo contrato con su antigua casa discográfica, Warner. Allí, el núcleo de Earth Wind & Fire, Maurice White, Verdine White y Philip Bailey grabó el álbum 'Millenium' (1993) en el que los músicos intentaban recuperar el sonido de antaño.
Neil Diamond y Maurice White en 1985
El single 'Sunday morning' fue nominado a un Grammy, sin embargo, debido a las flojas ventas, Warner no les renovó el contrato. En 1995, debido al Parkinson que le diagnosticaron, dejó de hacer giras con Earth, Wind & Fire y se dedicó a producir para otros artistas, algo que ya había hecho anteriormente con The Emotions, Barbra Streisand y Neil Diamond, entre otros. También encontró tiempo para fundar su propio sello, Kalimba Records.
Desde entonces grabó y produjo tres álbumes más con Earth Wind & Fire: 'In the Name of Love'(1997), 'The Promise' (2003) y 'Illumination'(2005),y apareció con el grupo en directo en momentos puntuales como en la fiesta tributo al funk en la ceremonia de entrega de los Grammy en 2004 y junto a Alicia Keys en la fiesta preliminar a la entrega de premios, donde interpretó con ella su hit de 1978 'September'. En 2013, ya sin la intervención directa de Maurice White, la banda publicó 'Now, Then & Forever'. White murió el 4 de febrero de 2017 a los 74 años.
El 3 de diciembre de º942 nació en La Puebla de Cazalla (Sevilla) el cantaor de flamenco José Menese, José se crió en su pueblo natal, donde su padre ejercía el oficio de zapatero y comenzó cantando como aficionado en locales como el Bar Central.
En 1959, el mismísimo Antonio Mairena lo presenta en su debut en el Cine Carretría de Osuna. A principios de los años 60 fue presentado en el mundo cultural madrileño por el letrista Francisco Moreno Galván, también originario de La Puebla de Cazalla. Posteriormente pasó a formar parte del elenco de artistas del conocido tablao flamenco Zambra. La relación de Menese con Moreno Galván fue muy prolongada, y fue éste quien creó la mayor parte de las letras de sus discos posteriores.
Las letras poseían un profundo contenido social y en algunas ocasiones también político, algo que le granjeó la enemistad de las autoridades del régimen franquista si bien éstas nunca hallaron excusa en las cuidadas letras de Moreno Galván para ejercer la censura sobre ellas. De entre estas letras destacan, entre otras, 'Qué bien me suena tu nombre', donde se denuncia el mal uso de la palabra guerrillero por parte de un grupo ultra de finales del franquismo conocido como Guerrilleros de Cristo Rey: "Guerrillero, guerrillero/qué bien me suena tu nombre/va ligado a la leyenda/de libertad e ilusiones/..."
A José Menese se le consideró como el heredero natural de Antonio Mairena, si bien Menese consiguió desprenderse de cualquier influencia estilística para desarrollar su propio estilo en el cante flamenco, lo que unido a una voz clara y desgarrada, lo convirtieron en uno de los cantaores flamencos de más importancia del siglo XX. A pesar de no pertenecer a la etnia gitana, José Menese hacía gala de una potente voz cuyos matices recuerdan a los grandes cantaores gitanos, especialmente a Mairena.
Menese fue un cantaor ortodoxo que siempre respetó los esquemas clásicos del flamenco, rechazando en su repertorio innovaciones como las que otros artistas introdujeron en el cante de finales del siglo XX. A pesar de ello, fue el primer artista flamenco en llevar el cante a escenarios como el Teatro Olympia de París (1973 y 1974) o incluso al Auditorio Nacional de Música de Madrid (1991). En 1995 publicó elálbum 'En el Albéniz' con Enrique de Melchor y sus últimas entregas fueron 'La pureza del cante' en 2002 y 'A mis soledades voy, de mis soledades vengo', en 2005.
Murió en julio de 2016 a los 74 años.
El 1 de diciembre de 1934 nació en Philadelphia (Pennsylvania), el cantante norteamericano de soul Billy Paul, ganador de un premio Grammy en 1972 por su canción 'Me and Mrs Jones'.
Billy, tras un intento fallido con un trio, con el que grabó su primer disco 'Why am I' bajo Jubilee Records, fue llamado a cumplir con el servicio militar. Cuando se licenció participó por un tiempo con los Blue Notes de Harold Melvin. En vísperas de la eclosión del 'sonido Philadelphia' publica su primer álbum en 1968 producido por Gamble/Huff, 'Feeling Good at the Cadillac Club'.
Le siguen 'Ebony Woman' (1970) y el más comercial 'Going East' (1971) para llegar a su álbum de mayor éxito, '360 Degrees of Billy Paul', que contenía varios hits como el mencionado 'Me & Mrs Jones', 'Am I black enough for you' y sus versiones de 'Let's stay together','Your song' y 'It's too late'.
En 1974 tuvo otro éxito fugaz con 'Thanks for saving my life', de su magnífico álbum 'War of the Gods', con temas con influencias psicodélicas de nuevo de Gamble y Huff. Tras un último álbum en 1988 'Wide open', se retiró de los estudios, aunque siguió dando de vez en cuando conciertos en Inglaterra y Estados Unidos. Billy murió en abril de 2016 a los 81 años.
El 28 de noviembre de 1932 nació en Rosario (Argentina) el saxofonista y compositor de jazz Gato Barbieri, Su nombre real era Leandro ya los doce años aprendió a tocar el clarinete tras sentirse impresionado por la escucha de 'Now's the Time' de Charlie Parker.
Se trasladó con su familia a Buenos Aires en 1947 y continuó recibiendo lecciones de música, decidiéndose por el saxo alto; hacia 1953 se convierte en una celebridad musical gracias a sus actuaciones en la orquesta de Lalo Schifrin. A finales de la década, comenzó a dirigir sus propios grupos, tocando ya el saxo tenor. En 1962 se traslada a vivir a Roma con su mujer, italiana de nacimiento. Al año siguiente se muda a Paris, donde conoce a Don Cherry y muy pronto se incorpora a su banda. Son los años más salvajes de Barbieri, cosa que se puede constatar con la audición de su solo en el tema 'Hotel Overture' incluído en 'Escalator Over the Hill' (1971), grabación de la pianista californiana Carla Bley.
El Pampero (1971)
Ya en la década de 1970, experimenta un cambio musical y se decide por la reincorporación en su música de melodías, instrumentos, armonías, texturas y ritmos sudamericanos, con dos excelentes músicos, Domingo Cura y Adalberto Cevasco. Discos como el directo 'El Pampero' y sus obras para Impulse, 'Chapter One: Latin America'; 'Chapter Two: Hasta Siempre' (1973), 'Chapter Three: Viva Emiliano Zapata' (1974) y 'Chapter Four: Alive in New York' (1975), con exploraciones de ritmos y texturas brasileñas, afrocubanas y argentinas, le proporcionaron un gran prestigio en el mundo del jazz.
Fue, no obstante, un éxito comercial lo que lo llevaría a sus cotas más altas de popularidad: su sensual banda sonora para la película de Bernardo Bertolucci'El último tango en París' (1972). Esto lo convirtió en una auténtica estrella, permitiéndole actuar en festivales de jazz como Montreux, Newport o Bologna.
Un contrato con A&M en los Estados Unidos le llevó a realizar discos de fusión entre jazz y el pop a finales de la década de 1970 como 'Caliente!' (1976), que incluye un elenco de lujo con músicos de la talla de Randy Brecker, Eric Gale, Harry Lookofsky, Ralph McDonald, Lenny White o David Spinozza y una conocida versión del tema de Santana, 'Europa'.
Ruby Ruby (1978)
En este trabajo, Gato incorpora el ya tradicional sonido Barbieri. 'Caliente' sería el punto de inicio de un nuevo cambio en el estilo del artista, adquiriendo una sonoridad más acorde con los tiempos y explorando las mezclas entre la música latina y el jazz más comercial. Otros trabajos en esta línea fueron 'Ruby Ruby' (1978), de nuevo acompañado por grandes figuras como Herb Alpert, Alan Rubin, Lew Soloff, Lee Ritenaour, David Spinozza, Steve Jordan, Steve Gadd, Lenny White, Paulinho Da Costa y Ian Underwood, con temas como 'Nostalgia', 'Sunride' y 'Ngiculela-Es una historia- I am singing'de Stevie Wonder, y 'Euphoria', publicado en 1980.
En los ochenta se centró en un sonido latinoamericano más intenso e influido por el rock, aunque sus oscilaciones estilísticas fueron constantes en su carrera.
Aquejado de serios problemas al corazón y afectado por la muerte de su mujer, Barbieri estuvo inactivo prácticamente a lo largo de toda la década de 1990, pero regresó en 1997, tocando intensamente en el Playboy Jazz Festival de Los Ángeles, grabando a partir de entonces varios discos, como 'Que pasa' (1997), 'Che Corazón' (1999) y 'The Shadow of the Cat' (2002), en los que tendía más hacia un sonido de smooth jazz. Gato Barbieri, fue hasta el último momento un músico con enorme influencia y numerosos seguidores en el mundo del jazz y una de las figuras mas representativas del género del cono sur de América. Su última publicación discográfica fue el álbum 'New York Meeting' (2010) con Carlos Franzetti, David Frinck y Nestor Astarita. Murió en abril de 2016 con 83 años.
El educado oído de Martin, aunado a su gusto por la música clásica, lo convirtieron en uno de los productores más respetados de todos los tiempos, llevando a los Beatles a niveles creativos insuperables (que incluían arreglos de cuerdas, nuevas técnicas de composición y experimentaciones sonoras con diversos estilos e instrumentos). Además de ser un revolucionario en la técnica, con la ayuda del ingeniero de grabación Geoff Emerick, fue el primer productor en el Reino Unido en utilizar ocho canales de grabación (en dos consolas de cuatro canales cada una) para el disco 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' (1967), obra cumbre de los Beatles.
Además del cuarteto de Liverpool, muchos otros artistas solicitaron sus servicios de producción, como Matt Monro, Cilla Black, America (les produjo cuatro álbumes), Jeff Beck, Ultravox, Kenny Rogers, Shirley Bassey, Cheap Trick, así como McCartney, el beatle con el que mejor se llevaba, al que produjo tres de sus álbumes en solitario, además de los hits 'Ebony and Ivory' y 'Say,say, say'. En 1997 produjo la segunda versión de 'Candle in the wind', dedicada a Lady Di, de Elton John. Fue, sin lugar a dudas, uno de los productores más respetados de la historia de la música popular. 
Respecto a lo de 'quinto Beatle', George Martin fue uno de varios que reciben ese título. A Brian Epstein y a Billy Preston también hubo una época en que los llamaron así. Sutcliffe siempre será un 'quinto Beatle', porque entonces eran un quinteto. Pero puestos a dar el título honorífico, yo se lo otorgaría a Martin, porque fue el que más tiempo permaneció junto a ellos y fue el que tuvo más influencia que ninguno de los otros 'quintos' en el sonido y resultado final de la obra de los Beatles. No en vano fue el que supervisó la post-producción de The Beatles Anthology, trabajando de nuevo con Geoff Emerick, utitlizando para las nuevas mezclas de los masters originales el magnetofóno analógico de ocho pistas que se usó en las grabaciones de los años sesenta. Afortunadamente, uno de los ingenieros de EMI aún conservaba el aparato. La experiencia fue sobrecogedora para los implicados en el proyecto, incluidos Martin y McCartney que escucharon sus propias conversaciones entre tomas que se habían registrado treinta años antes.
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