Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 1 de febrero de 1957 nació en Kingston (Jamaica) el cantante de reggae Dennis Brown, denominado 'el más grande' por la comunidad Rasta, incluido Bob Marley. En los 29 años que duró su carrera grabó más de 75 álbumes y fue una gran influencia en numerosos cantantes reggae.
Creció en Orange Street, en el corazón de la industria musical jamaicana, siedo testigo de las sesiones de grabación que realizaban todos los que poco después se convertían en estrellas internacionales del reggae. Con once años le picó el gusanillo y grabó su primer éxito, una versión de un hit de los Impressions, 'No man is an island'. Dos años después grabó su primer álbum, 'Just Dennis', en 1975. Bob Marley le calificó como el mejor cantante de reggae del mundo y a la edad de 22 años, Dennis ya estaba considerado una leyenda viva por todo el mundo.
En esta época Dennis Brown se acercó a la cultura Rastafari, pasando a ser junto a Marley, miembro de una de las doce tribus de Israel, de las más influyentes de la época. En 1977 publica, junto a Joe Gibbs, su álbum 'Visions of Dennis Brown', disco que es elegido como el mejor trabajo reggae del año, por delante incluso de 'Exodus' de Marley. Entre los numerosos álbumes de Brown (grabó más de 75) destacan 'Inseparable' (1988), 'Unchallenged' (1990) y 'Victory is mine' (1991)
Desgraciadamente la ganja no fue la única sustancia a la que Dennis se aficionó. Comenzó a consumir cocaína, quizá por el frenético ritmo de trabajo al que se vio sometido durante años por sus numerosas grabaciones y actuaciones, y su adicción fue a más, muriendo de insuficiencia respiratoria en julio de 1999 a los 42 años.
El 1 de febrero de 1972 se publicó en Estados Unidos 'Harvest', el cuarto álbum del canadiense Neil Young. Llegó a ser el disco mejor vendido del año, se mantuvo dos semanas en el nº1 del Billboard200 y se extrajeron dos singles, 'Old Man' y 'Heart of Gold'. Este último alcanzó el nº1, el único de la carrera de Young y fue el tema que lo dio a conocer en todo el mundo.
En otoño de 1970, Young comenzó una gira acústica por Norteamérica en la que interpretaba acompañado a la guitarra o al piano una selección de sus canciones tanto con Buffalo Springfield y CSNY, como de sus álbumes en solitario, así como nuevas composiciones que estrenó en la gira, como 'Journey through the past' -que nunca se llegó a grabar en un álbum de estudio y de cuyo título tomaría el nombre la gira- y 'See the sky about to rain', que vería la luz en vinilo años después ('On the Beach', 1974). Mientras tanto se consumó la separación de CSNY y la banda con la que había estado trabajando hasta entonces Neil, Crazy Horse, había firmado un contrato para grabar por su cuenta.
La gira de Young se prolongó hasta comienzos de 1971 y se centraba cada vez más en sus nuevas composiciones. En la mayoría de sus shows había llenos hasta la bandera incluyendo uno celebrado en el Carnegie Hall y un par de aclamados conciertos ofrecidos en el Massey Hall de Toronto, que se grabaron con la idea de editar un álbum en directo. Ya finalizando la gira, Young llegó a Nashville, donde iba a aparecer en el show de TV de Johnny Cash, al que también estaban invitados Linda Ronstadt y James Taylor. Elliott Mazer, propietario del recién inaugurado Quadrafonic Sound Studio de Nashville, invitó a comer a Young el sábado 6 de febrero de 1971 y le enseñó sus instalaciones, ofreciéndose a grabar su próximo trabajo. Young quedó impresionado y le gustó la idea. Había oído hablar muy bien de los músicos locales, agrupados en la asociación Area Code 615, y tenía suficientes canciones para completar un álbum, por lo que accedió y pidió unos músicos de sesión para empezar esa misma noche. Mazer se apresuró en cumplir sus deseos, pero la mayoría de sus músicos de sesión habituales se encontraban trabajando por ser fin de semana.
Reclutó al bajista Tim Drummond (que pasaba casualmente frente al estudio), al baterista Kenny Buttrey y al guitarrista de steel Ben Keith. Esa misma noche se grabaron las bases de los temas 'Heart of gold', 'Old man', 'Harvest'y 'Dance, dance, dance', que sería uno de los descartes del álbum, así como 'Bad fog of loneliness', aparecidos ambos en 2009 en la recopilación 'Archives Vol 1 (1963-1973)'.Posteriormente se añadieron pistas de piano de Andy McMahon y John Harris en 'Old man' y 'Harvest' respectivamente y Teddy Irwin añadió la segunda guitarra acústica en 'Heart of gold'. El show de Johnny Cash se grabó al día siguiente (domingo) y en él Neil interpretó 'The needle and the damage done', un tema dedicado a su amigo Danny Whitten, guitarrista de los Crazy Horse y compositor de la magnífica canción 'I don't want to talk about it', que estaba muy enganchado a la heroína, y que moriría un año después. Este tema, incluido en 'Harvest' como versión en directo grabada durante la gira, sería, a la postre, el único que permaneció de la idea original del proyectado álbum en directo.
Una vez finalizada la grabación de TV con Cash, Young invitó a James Taylor y Linda Ronstadt a acompañarle al estudio, donde, sentados los tres en un sofá, grabaron los coros de 'Heart of gold' y 'Old man'. Ambas fueron editadas en single y la primera fue su único nº1 y un tema que se negó durante años a tocar en directo. "Heart of Gold me puso en ruta. Pero viajar por ahí no tardó en convertirse en un rollo y me aparté a la cuneta, un lugar más incómodo, pero donde se conoce a gente más interesante". La canción, que en principio formaba parte de 'A man needs a maid' y estaba interpretaba al piano en sus conciertos, acabó siendo un tema independiente tocado con guitarra y armónica. En 1985, Bob Dylan confesó odiar la canción: "La única vez que me molestó oir a alguien que sonaba como yo, fue en 1972, cuando la canción del momento era 'Heart of Gold'. La odiaba cada vez que sonaba por la radio. Siempre me gustó Neil Young, pero me sentía muy incómodo cada vez que escuchaba la canción. Me decía: 'Mierda, ese soy yo. Si suena como yo, también debería ser yo'".
Después de las sesiones en Nashville, Young, que venía sufriendo desde hacía meses de dolores de espalda, se fue de nuevo de gira. Sabía que tenía que sufrir una operación más adelante para corregir unas vértebras que le causaban el dolor y trataba de llenar su programa de actividades para sobreponerse al temor de pasar por el quirófano. Los temas con arreglos eléctricos se grabaron en un granero reconvertido en estudio, perteneciente al rancho The Broken Arrow, que Neil Young había adquirido recientemente. "En aquel tiempo yo era un hippie rico y me compré un rancho -donde aún resido- en el que vivían una pareja de guardeses de mediana edad, Louis Avila y su esposa Clara. En un viejo jeep de color azul, Avila me llevó a dar un paseo por la finca. Llegados a uno de los puntos más altos del territorio, me mostró aquel lago y las praderas de alrededor y me dijo: 'Bueno, dígame, de qué manera un hombre joven como usted, consigue tanto dinero como para comprar una propiedad como ésta'. Y yo le contesté, 'Bueno Louie, fue sólo cuestión de suerte', a lo que dijo, 'Es la cosa más disparatada que he oído en mi vida'. Y le escribí la canción 'Old Man'".
En la grabación del granero, los músicos, en vez de seguir la escucha del resto a través de auriculares, utilizaron altavoces como monitores en el recinto, por lo que los micrófonos recogían un sonido retroalimentado que acabó gustando a Mazer y Young.
En estas sesiones se registraron los temas 'Are you ready for the country', 'Alabama' y 'Words' con Buttrey, Drummond y Keith con la añadidura de Jack Nitzsche al piano y la slide guitar. Young le puso a la banda el nombre The Stray Gators, y sería la que acompañaría al canadiense en su gira de invierno 1973. Posteriormente se añadirían las voces de Crosby, Stills y Nash en un estudio de Nueva York. 'Words', es un tema que alterna el habitual 4/4 con un inusual 11/8 y en 'Alabama', Young retoma su desdén por la corrupción y racismo del sur de EE.UU., ya demostrado en 'Southern Man'.
Alabama, you got
The weight on your shoulders
That's breaking your back.
Your Cadillac
Has got a wheel in the ditch
And a wheel on the track
Oh Alabama.
Can I see you
And shake your hand.
Make friends down in Alabama.
I'm from a new land
I come to you
And see all this ruin
What are you doing Alabama?
You got the rest of the union
To help you along
What's going wrong?
Alabama, tienes
El peso sobre tus hombros
Y está rompiendo la espalda.
Tu Cadillac
Tiene una rueda clavada en la cuneta
Y una rueda en el camino
Oh Alabama.
¿Puedo verte
Y estrechar tu mano?.
Hacer amigos abajo en Alabama.
Soy de una tierra nueva
Vengo a ti
Y veo toda esta ruina
¿Qué estás haciendo Alabama?
Tienes al resto de la Unión
Dispuesto a ayudarte
¿Qué está fallando?
Ambos temas originarían la famosa respuesta del grupo sureño Lynyrd Skynyrd, 'Sweet home Alabama' en cuya letra se cita a Neil Young ("Well I heard mister Young sing about her / Well, I heard ole Neil put her down / Well, I hope Neil Young will remember / A Southern man don't need him around anyhow" "Escuché a Mr Young cantar sobre ella / Escuché al viejo Neil denigrarla / Espero que Neil Young recuerde / Que un hombre del sur tampoco le quiere por aquí"). A pesar del enfrentamiento lírico-músical, Young es un gran amigo de los Skynyrd y ha llegado a tocar el 'Sweet home Alabama' en sus propios conciertos.
Carrie Snodgress y Neil Young
En un tiempo récord, Mazer organizó a través de Reprise Records, una sesión de grabación en la capital británica con la London Symphony Orchestra, conducida para la ocasión por David Meecham. Allí se grabaron los temas 'There's a world' y 'A man needs a maid', una reflexión musical impresionista (los arreglos son de Jack Nitzsche y éste se encontraba por aquel tiempo componiendo bandas sonoras) de un hombre que comienza a vislumbrar el inicio de una nueva relación sentimental.
Carrie Snodgress
Al mismo tiempo, el músico se enfrentó a una serie de dificultades domésticas inesperadas, debido a su brusco cambio de vida (Neil acababa de separarse de su primera mujer, Susan Acevedo): "My life is changing in so many ways / I don't know who to trust anymore" 'Mi vida está cambiando en tantas maneras / Ya no sé en quién confiar." En ese contexto se pregunta si en vez de aceptar los compromisos de una relación, no sería mejor contratar una asistenta del hogar y Young juega en el título con los dos sentidos de la palabra 'maid' (doncella - asistenta), lo que le trajo problemas con las feministas, que indignadas, interpretaban en la letra que Neil consideraba implícitas las tareas domésticas en una relación sentimental.
Hay una referencia autobiográfica ('I fell in love with the actress/ She was playing a part that I knew so well' 'Me enamoré de la protagonista / Estaba interpretando un papel que yo conocía bien') en la que relata el modo en que conoció a su segunda mujer.
Diario de una esposa desesperada
Neil, en el verano de 1970 tuvo la ocasión de ver la película 'Diario de una esposa desesperada', en la que quedó prendado de su actriz principal, Carrie Snodgress, quien meses después consiguió una nominación a los Oscar por su papel de ama de casa dispuesta a deshacerse de las cadenas de un matrimonio que la conduce al hastío y la desmotivación. A través de un amigo, Neil pudo conseguir el teléfono de Snodgress y a partir de ahí comenzaría una relación que se cerraría cuatro años después.
En 'Out on the weekend' rememora con un tono agridulce su relación anterior con Susan Acevedo: "La mujer en la que estoy pensando / me amó hasta el final, pero estoy tan abatido / Ella es tan estupenda, está en mi cabeza, / la oigo diciendo / 'Mira al triste muchacho, fuera el fin de semana, / Tratando de conseguir un sueldo / No conoce la alegría, intenta hablar / Pero no puede decir nada'". El éxito del álbum en el mercado pop y, sobre todo, del single 'Heart of Gold' que disparó su imagen por todo el mundo, pilló a Young desprevenido y su primera reacción fue mantenerse alejado de los focos y renegar del estrellato.
De ahí que gran parte de su trabajo el resto de los años setenta se concentrase en una visión más oscura y maliciosa de los Estados Unidos a trevés de sus incursiones en los territorios del blues y el punk. 'Harvest' recogió en su día críticas muy dispares. En Rolling Stone escribieron: "Es un paso atrás. Cualquiera de las canciones de 'Harvest' recuerdan a una anterior. Es como si hubiese añadido nuevas letras y una steel guitar a 'After the Goldrush'". Años después el veredicto cambió y actualmente la revista lo considera el 78º mejor álbum de la historia. 'Harvest' fue elegido en 2007 por Bob Merserau en su obra 'Los 100 mejores discos canadienses' como el mejor álbum canadiense de la historia. La grabación tardó en completarse un año, debido a la intervención quirúrgica y periodo postoperatorio que sufrió Young. Mazer recuerda: "Estábamos muy preocupados por la salud de Neil. En cambio, el álbum no nos preocupaba en absoluto, ya que teníamos grabado y mezclado 'Heart of gold', que sabíamos con certeza, iba a ser un gran hit".
El 31 de enero de 1928 nació en Atlanta (Georgia) el cantante y compositor de blues y R&B norteamericano Chuck Willis, al que además de 'el rey del stroll', llamaban 'el jeque del blues' por el turbante que lucía en escena.
Descubierto por Zenas Sears, DJ de una emisora de radio de Atlanta en un concurso de jóvenes talentos, Willis firmó un contrato con Columbia Records en 1951, donde grabó su primer single. Pasó a Okeh Records, un sello subsidiario de Columbia, y en 1952 obtuvo su primer Top5 en las listas de R&B con 'My story'. Siguieron otros hits como la versión del tema de Fats Domino'Going to the river', un prototipo del sonido que le haría popular, 'Don't deceive me' (1953), 'You're still my baby' y 'I feel so bad' (1954), ésta última versionada por Elvis posteriormente usando prácticamente el mismo arreglo.
En 1956 se cambió a Atlantic Records, donde continuó publicando éxitos como 'It's too late', 'Juanita' y 'C.C.Rider', que con su ritmo relajado y sus coros inspiró el 'stroll', baile muy popular en EE.UU en la segunda mitad de los años cincuenta. 'C.C.Rider', una versión de un blues de 12 compases interpretado por Ma Rainey antes de que Chuck naciese, alcanzó el nº1 en las listas de R&B y el 12 en las de pop, provocando numerosas versiones, entre otras las de Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Ray Charles, Chuck Berry, Gary Lewis and the Playboys, The Who, The Everly Brothers, Charlie Rich o Janis Joplin.
Le siguió 'Betty and Dupree' (1958), tema en el que Chuck repitió la fórmula 'stroll', consiguiendo repetir en las listas pop con un Top40. Willis, que venía sufriendo de úlcera de estómago durante años, murió en la mesa de operaciones cuando le estaban interviniendo de una peritonitis. Tenía treinta años y su recién publicado single 'What Am I living for?', fue nº1 y Top10 en las lista pop, vendiendo más de un millón de copias.
El 31 de enero de 1921 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el actor y cantante tenor norteamericano Mario Lanza, muy popular en los años cuarenta y cincuenta con temas como 'Celeste Aida', 'Be my love' y 'Because you're mine'. Uno de los más grandes cantantes del bel canto de su generación, apareció en numerosas películas de Hollywood, entre ellas 'El gran Caruso' (1951). Murió de un infarto a los 38 años en octubre de 1959.
El 31 de enero de 1908 nació en Pergamino (Argentina), hijo de madre vasca y padre criollo, el cantautor, guitarrista, poeta y escritor Atahualpa Yupanqui, considerado el más importante músico argentino de folclore.
A causa de su afiliación al Partido Comunista su obra sufrió la censura durante la presidencia de Juan Perón, fue detenido y encarcelado varias veces. Yupanqui recordaba al respecto: "En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan."'Las Coplas del payador perseguido', fueron una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista.
Atahualpa se trasladó a Europa en 1949. Édith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con Chant du Monde, la compañía de grabación con la que publicó su primer LP en Europa, 'Minero soy', que obtuvo el primer premio de Mejor Disco de la Academia Charles Cros. Posteriormente, viajó extensamente por Europa. En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, desarrollando una especia de humanismo libertario, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Aún así para la derecha siguió siendo "ese viejo comunista"; para los
comunistas, un traidor, y para los peronistas, un gorila. En 1967 realizó una gira por España estableciéndose finalmente en París. Volvió periódicamente a la Argentina pero estas visitas se hicieron menos frecuentes cuando la dictadura militar de Jorge Videla llegó al poder en 1976. Yupanqui murió exiliado en París en mayo de 1992 a los 84 años.
El 31 de enero de 1797 nació en Lichtental, Viena, el compositor austríaco Franz Schubert, considerado introductor del Romanticismo musical, gran compositor de “lieder”, así como de música para piano, de cámara y orquestal. Se le considera el último gran representante del estilo clásico que llevaron a su máximo esplendor los compositores Haydn, Mozart y Beethoven y uno de los primeros en manifestar una subjetividad y un lirismo inconfundiblemente románticos en su música.
El Lied (breve composición para voz y piano, antecesor de la moderna canción), uno de los géneros paradigmáticos del Romanticismo, encontró en él a su primer gran representante, cuyas aportaciones serían tomadas como modelo por todos los músicos posteriores, desde Robert Schumann hasta Hugo Wolf y Gustav Mahler.
Hijo de un modesto maestro de escuela, Schubert aprendió de su padre la práctica del violín y de su hermano mayor Ignaz, la del piano, con tan buenos resultados que en 1808, a los once años de edad, fue admitido en la capilla imperial de Viena como miembro del coro y alumno del Stadtkonvikt, institución en la que tuvo como maestro al compositor Antonio Salieri. La necesidad de componer se reveló en el joven Schubert durante estos años con inusitada fuerza, y sus primeras piezas fueron interpretadas por la orquesta de discípulos del Stadtkonvikt, de la que él mismo era violinista.
Tras su salida de este centro en 1813, Schubert, a instancias de su padre, empezó a trabajar como asistente en la escuela de éste, a pesar del poco interés demostrado por el músico hacia la labor pedagógica. En estos años ven la luz sus primeras obras maestras, como el lied “El rey de los elfos”, inspirado en un poema de Goethe, uno de sus escritores favoritos. Después de abandonar sus funciones en la escuela paterna, Schubert intentó ganarse la vida únicamente con su música, con escaso éxito. Fuera del hogar, se refugió en la casa de Franz von Schober. Así comenzó el peregrinaje. Nunca logró mantenerse sólo con sus composiciones y necesitó de la generosidad de amigos, que lo acogían en sus respectivas casas. Schubert tampoco mantuvo una relación duradera ni tuvo hijos, pero se adscribió a un círculo íntimo de amigos que le brindó muchas satisfacciones personales, además de constituir un público fiel y sensible a su arte.
El único campo que podía reportar grandes beneficios a un compositor de la época era el teatro, la ópera, y aunque éste fue un género que Schubert abordó con insistencia a lo largo de toda su vida, bien fuera por la debilidad de los libretos escogidos o por su propia falta de aliento dramático, nunca consiguió destacar en él. Sus óperas, entre las que merecen citarse “Los amigos de Salamanca”, “Alfonso y Estrella”, “La guerra doméstica” y “Fierabrás”, continúan siendo la faceta menos conocida de su producción.
Schubertiada
Si Schubert no consiguió sobresalir en el género dramático, sí lo hizo en el “lied”. Un solo dato da constancia de su absoluto dominio en esta forma: sólo durante los años 1815 y 1816 llegó a componer más de ciento cincuenta “lieder”, sin que pueda decirse de ellos que la cantidad vaya en detrimento de la calidad. Escritos muchos de ellos sobre textos de sus amigos, como Johann Mayrhofer y Franz von Schober, eran interpretados en reuniones privadas, conocidas con el elocuente nombre de «schubertiadas», a las que asistía, entre otros, el barítono Johann Michael Vogl, destinatario de muchas de estas breves composiciones. Los ciclos “La bella molinera” y “Viaje de invierno” "Winterreise" constituyen quizás la cima de su genio en este campo, a los que hay que sumar títulos como “El caminante”, “La trucha”, “A la música”, “La muerte y la doncella” o el celebérrimo “Ave María” (María Callas).
A pesar de la belleza de estas composiciones y de la buena acogida que encontraron entre el público, la vida de Schubert discurrió siempre en un estado de gran precariedad económica. “Escribo todo el día” le comentaba a un visitante, “y cuando he acabado con una obra, comienzo otra”.
En medio de su actividad creativa, su salud se fue deteriorando. Luchaba contra la sífilis desde 1822. La enfermedad final tal vez fuera fiebre tifoidea. A pesar de ello, no hubo evidencias suficientes como para hacer un diagnóstico definitivo. Su consolación durante su enfermedad terminal era la lectura, y se convirtió en un fan apasionado de los escritos de James Fenimore Cooper. Schubert murió a los 31 años, el 19 de noviembre de 1828 en el apartamento de su hermano Ferdinand en Viena.
Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar, empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.
Obras destacables:
• Sinfonía nº 4: Trágica (1816) (La Scala Phil. & Carlo Maria Giulini)
• Sinfonía nº 5 en si bemol mayor (1816) I. Allegro - II. Andante - III. Menuetto - IV. Allegro Vivace (Orquesta Sinfónica de la radio de Baviera & Director: Colin Davis).
• Lied "Die Forelle", (La trucha) (1817) (Barítono- Robert Holl, Piano- David Lutz)
• Lied "An die Musik", (A la música) (1817) (Erich Kleiber, Hilde Gueden, Hilde Rossl-Majdan, Suzanne Danco& Vienna Philharmonic Orchestra)
Muchas son las piezas de Schubert que se han utilizado en el cine, desde su célebre Ave María, hasta La muerte y la doncella, Momento musical, Serenade, sus Impromtus o sus Sonatas para piano.
El Trío No. 2 en mi bemol mayor, para piano, violín y violonchelo, que fuera una de sus últimas composiciones, fechada en noviembre de 1827 y publicada poco antes de su muerte fue utilizada en varios filmes, como “Barry Lyndon” (1975), de Stanley Kubrick, que aprovecha al máximo esa cualidad melancólica que aporta el tema principal del segundo movimiento y sigue siendo, a día de hoy, el director que mejor ha utilizado la pieza. Aparece de nuevo, casi una década después, en “The Hunger”, de Tony Scott, en el momento en el que Miriam (Catherine Deneuve), seduce a John (David Bowie).
En la década siguiente, en 1995, volvemos a escuchar la pieza de Schubert, esta vez en un ambiente nada romántico, resaltando el carácter sensible de los tipos duros de “Crimson Tide” (Marea roja, 1995), también de Tony Scott.
En “La muerte y la doncella” (1995), película de Roman Polanski basada en
la obra teatral de 1992 del chileno Ariel Dorfman, la protagonista, Paulina (Sigourney Weaver), enfrentada a un torturador (Ben Kingsley) que
la sometió a terribles vejaciones años atrás durante una etapa de
violenta represión política en su país, recuerda en el film que cuando
sufría las torturas, él siempre ponía música para que no se escucharan
sus gritos y para crear una determinada atmósfera, un ambiente que
confería a las torturas un punto desquiciado de refinamiento. Siempre
se trataba de la misma pieza, que desde entonces le había perseguido en
todo momento y lugar: El primer movimiento del cuarteto “La muerte y la doncella” (The Alban Berg Quartet), una música hipnótica y de una 'fuerza metafísica arrolladora'.
La
película "Retrato de una dama" dirigida por Jane Campion en 1996, y
protagonizada por Nicole Kildman y John Malkovich, utiliza en su banda
sonora dos “Impromtus” el nº 3 y el nº 4 y, de nuevo, el célebre Cuarteto en re menor II, Andante con moto. En “La pianiste”, siendo su protagonista la profesora de piano Erika Kohut (Isabelle Huppert) -especialista en Schubert- era obligado incluir el trío nº 2. Sobre todo cuando la acción se desarrolla en Viena, tan cerca de la ciudad natal del compositor. La propia Huppert se encarga de interpretar la pieza al piano.
“Land of the Blind” (Tierra de sangre, 2006) ) es otro de los títulos que utiliza los melancólicos acordes de Schubert, en un satírico drama político sobre el terrorismo, la revolución y el poder de la memoria. Heroísmo y romanticismo, precisamente las dos cualidades que contrastan en la tonalidad en mi bemol mayor. Arnand Tucker, que ya hiciera gala de su conocimiento musical en la magnífica “Hilary and Jackie”, incorpora la cualidad melancólica del Trío No. 2 en “And When Did You Last See Your Father?” (La última vez que vi a mi padre, 2008), una película en la que un hijo rememora los conflictivos recuerdos que conserva de su moribundo padre. Por último, en “The Mechanic”, un título de acción pura y dura, en el que siguiendo la estela de “Crimson Tide”, Simon West recurre a esta pieza musical para atribuir ternura y sensibilidad a un individuo que se dedica a asesinar por encargo. El contraste que ofrece la romántica pieza de Schubert con la dureza de las acciones y personajes de la película, proporciona una sensación extraña en el espectador cada vez que se escucha en la película el maravilloso Trío en mi bemol mayor.
En 'Out on the weekend' rememora con un tono agridulce su relación anterior con Susan Acevedo: "La mujer en la que estoy pensando / me amó hasta el final, pero estoy tan abatido / Ella es tan estupenda, está en mi cabeza, / la oigo diciendo / 'Mira al triste muchacho, fuera el fin de semana, / Tratando de conseguir un sueldo / No conoce la alegría, intenta hablar / Pero no puede decir nada'". El éxito del álbum en el mercado pop y, sobre todo, del single 'Heart of Gold' que disparó su imagen por todo el mundo, pilló a Young desprevenido y su primera reacción fue mantenerse alejado de los focos y renegar del estrellato.
De ahí que gran parte de su trabajo el resto de los años setenta se concentrase en una visión más oscura y maliciosa de los Estados Unidos a trevés de sus incursiones en los territorios del blues y el punk. 'Harvest' recogió en su día críticas muy dispares. En Rolling Stone escribieron: "Es un paso atrás. Cualquiera de las canciones de 'Harvest' recuerdan a una anterior. Es como si hubiese añadido nuevas letras y una steel guitar a 'After the Goldrush'". Años después el veredicto cambió y actualmente la revista lo considera el 78º mejor álbum de la historia. 'Harvest' fue elegido en 2007 por Bob Merserau en su obra 'Los 100 mejores discos canadienses' como el mejor álbum canadiense de la historia. La grabación tardó en completarse un año, debido a la intervención quirúrgica y periodo postoperatorio que sufrió Young. Mazer recuerda: "Estábamos muy preocupados por la salud de Neil. En cambio, el álbum no nos preocupaba en absoluto, ya que teníamos grabado y mezclado 'Heart of gold', que sabíamos con certeza, iba a ser un gran hit".
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A causa de su afiliación al Partido Comunista su obra sufrió la censura durante la presidencia de Juan Perón, fue detenido y encarcelado varias veces. Yupanqui recordaba al respecto: "En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina... Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan." 'Las Coplas del payador perseguido', fueron una respuesta a dicha agresión: "y aunque me quiten la vida/ o engrillen mi libertad/ y aunque chamusquen quizá/ mi guitarra en los fogones/ han de vivir mis canciones en l'alma de los demás". Esta canción estuvo prohibida en algunos países, como, por ejemplo, en la España franquista. 
En medio de su actividad creativa, su salud se fue deteriorando. Luchaba contra la sífilis desde 1822. La enfermedad final tal vez fuera fiebre tifoidea. A pesar de ello, no hubo evidencias suficientes como para hacer un diagnóstico definitivo. Su consolación durante su enfermedad terminal era la lectura, y se convirtió en un fan apasionado de los escritos de James Fenimore Cooper. Schubert murió a los 31 años, el 19 de noviembre de 1828 en el apartamento de su hermano Ferdinand en Viena.
Admirado en un círculo muy restringido, la revalorización del compositor se llevó a cabo a partir de su muerte: obras inéditas o que sólo se habían interpretado en el marco familiar, empezaron a ser conocidas y publicadas, y defendidas por músicos como Robert Schumann o Felix Mendelssohn. Es, sobre todo, el caso de su producción instrumental madura, de sus últimas sonatas para piano, sus cuartetos de cuerda y sus dos postreras sinfonías, a cuyo nivel sólo son equiparables las de Beethoven.
La
película "Retrato de una dama" dirigida por Jane Campion en 1996, y
protagonizada por Nicole Kildman y John Malkovich, utiliza en su banda
sonora dos “Impromtus” el nº 3 y el nº 4 y, de nuevo, el célebre Cuarteto en re menor II, Andante con moto. En “La pianiste”, siendo su protagonista la profesora de piano Erika Kohut (Isabelle Huppert) -especialista en Schubert- era obligado incluir el trío nº 2. Sobre todo cuando la acción se desarrolla en Viena, tan cerca de la ciudad natal del compositor. La propia Huppert se encarga de interpretar la pieza al piano.
