Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 2 de marzo de 1950 nació en New Haven (Connecticut) la cantante y batería norteamericana Karen Carpenter, quien junto a su hermano Richard formó el dúo Carpenters, uno de los grupos americanos de mayor éxito comercial de la historia. Entre 1970 y 1984 los hermanos Carpenter obtuvieron tres premios Grammy y lograron 17 hits en el top20; 10 singles fueron disco de oro, así como nueve álbumes (uno de ellos multiplatino). La aterciopelada voz de Karen y los cuidadosos y meticulosos arreglos de Richard contrastaban con el rock salvaje y estrepitoso que dominaba las listas de la época. Aún así fueron inmensamente populares, vendiendo más de 100 millones de copias de sus discos.
Richard y Karen Carpenter
Cuando Karen contaba trece años, la familia se mudó a Downey, un suburbio de Los Angeles. Asistió a la Downey High School donde se unió a la banda del instituto. Allí, aunque le ofrecieron tocar el glockenspiel, ella prefirió la batería. Ella y su hermano -que ya de niño fue considerado un prodigio con el piano- comenzaron a ensayar juntos y a finales de 1965 fundaron un trío de jazz con su amigo Wes Jacobs, que tocaba el bajo y la tuba.
Karen, Wes Jacobs y Richard
Un día de 1966, durante una audición en la que Richard acompañaba al piano, el bajista Joe Osborn, tras oir cantar a Karen, la fichó para su naciente sello Magic Lamp Records, donde la cantante grabó dos temas compuestos por su hermano, 'Looking for love' y 'I'll be yours'. El single apenas se vendió y el sello quebró poco después, sin embargo Osborn les dejó seguir utilizando su estudio para grabar sus demos.
Richard y Karen con Spectrum (1967)
En 1967 Karen y Richard se unieron a cuatro músicos de Long Beach para formar un grupo llamado Spectrum. Uno de ellos, John Bettis, sería el coautor de muchos de los éxitos de Carpenters y trabajaría con la banda hasta la muerte de Karen. El grupo realizó numerosas actuaciones en el Whisky a Go Go, pero en 1968 se separaron. Richard y Karen mandaron sus demos a todas la discográficas que conocían y en abril de1969, Herb Alpert, propietario de A&M Records, interesado en su sonido, les firmó el contrato que cambiaría sus vidas.
Recibieron carta blanca en el estudio y su álbum debut, 'Offering', apareció en octubre de 1969 con temas que Richard había compuesto con Bettis en su etapa de Spectrum, como 'All of my life', 'Don't be afraid' e 'Invocation', pero el tema que más atención despertó fue su versión del tema de Beatles'Ticket to ride', lo que motivó que el álbum se reeditara con este título.
A continuación, Richard eligió 'Close to you', un tema de Burt Bacharach y Hal David, que ya habían grabado sin éxito Richard Chamberlain (1963), Dionne Warwick (1965) y el propio Bacharach (1968). Fue publicado como single en mayo de 1970 y fue su primer nº1 y el tema que los lanzó a la fama internacional. Se mantuvo cuatro semanas en el puesto de honor, fue disco de oro, y con él, Carpenters obtuvo su primer Grammy.
Richard andaba constantemente en busca de temas que pudiesen ser un hit para la banda y un día, viendo anuncios por TV, escuchó un jingle que acompañaba la publicidad de una entidad bancaria, que le gustó. Descubrió que los autores, Paul Williams y Roger Nichols pertenecían como él a A&M Records y les pidió la versión completa, ya que en el jingle solo aparecían dos estrofas sin estribillo. Así nació 'We've only just begun', su segundo single de éxito internacional, nuevo disco de oro y ganador de dos premios Grammy.
Karen, además de una extraordinaria cantante, fue una gran intérprete con las baquetas y tocó la batería en prácticamente todos sus temas hasta 1973. A partir de aquí y debido al éxito del grupo y a las numerosas giras, se le sugirió que actuara de pie con el micrófono en mano, dejando que la batería la tocase un músico de sesión.
Karen y Richard en 1974
En 1973 publicaron el single 'Top of the world', su segundo nº1 en USA, aparecido un año después de ser incluido en el álbum 'A song for you' (1972), al que siguió en 1974 'Jambalaya' y su tercer y último nº1 en las listas norteamericanas, 'Please Mr. postman' (1975). Por esta época, Karen, obsesionada con su figura, ya estaba siguiendo dietas severas de adelgazamiento y comenzó a mostrar síntomas de anorexia. En otoño su precario estado de salud ya no se podía disimular más. Además de su esquelético aspecto, Karen estaba física y mentalmente exhausta.
Tras finalizar unos shows en Las Vegas sin aparente problema, pasó cinco días bajo observación en una clínica de Los Angeles donde los médicos le desaconsejaron acudir a la gira europea prevista a continuación. Esta cancelación, que supuso que más de 150.000 personas en Europa se quedaran sin ver a su banda favorita, les significó a los Carpenters 250.000$ en pérdidas y sería la primera de varias cancelaciones de giras y conciertos que se producirían a partir de entonces cada vez más a menudo.
Aunque en menor medida, debido a la invasión en el panorama musical de la música disco, sus publicaciones seguían ocupando puestos destacados en los hit parades: 'Only yesterday','Solitaire' (1975), 'There's a kind of hush', 'I need to be in love' (1976) -la favorita de Karen de todo el repertorio Carpenters- y 'Calling occupants of interplanetary craft' (1977).
Tras publicar en 1978 un álbum navideño, 'Christmas Portrait', Richard Carpenter tuvo que someterse a una cura de desintoxicación para combatir su adicción y dependencia de los tranquilizantes. Karen se quiso mantener activa y acometió la grabación de un álbum en solitario en Nueva York con la ayuda del productor Phil Ramone y la banda de Billy Joel
En él Karen mostraba otra faceta de su voz, con un registro más agudo, diferente del que practicaba con su hermano en Carpenters. interpretando temas de diversos autores como 'Lovelines','If I had you' y 'Still crazy after all these years'.Cuando Richard, tras su recuperación, y los ejecutivos de A&M escucharon el álbum, no mostraron mucho entusiasmo por él y se quedó sin publicar. Aunque Richard incluyó algunos temas con diferentes arreglos en el álbum 'Lovelines' (1989), no se publicó en su forma original (como Karen lo aprobó) hasta 1996, trece años tras su muerte.
Karen y Tom Burris
Karen, que hasta los 26 años había vivido con su madre, salió durante su vida con varios hombres. En agosto de 1980 se casó con Tom Burris, un promotor inmobiliario nueve años mayor que ella, divorciado y padre de un chico de 18 años, que pronto resultó ser un fraude. Karen descubrió horrorizada que Burris se había realizado la vasectomía, lo que le hacía imposible formar una familia y poco después se descubrió que la aparente fortuna del promotor era una fachada que le duró poco.
En junio de 1981 los Carpenters publicaron su último álbum, 'Made in America' y en abril de 1982, Karen grabó su última canción 'Now', cuyas sesiones se llevaron a cabo en una pausa de dos semanas de un tratamiento psicoterapéutico que estaba siguiendo en la ciudad de Nueva York para tratar su anorexia. En noviembre se encontraba recuperada, había ganado casi 15 kilos y mientras ponía fin a su matrimonio hacía planes para grabar un nuevo álbum con su hermano. Tres meses después fue hallada sin vida en su dormitorio, víctima de un ataque cardíaco. El abuso de un fármaco que tomaba para provocar el vómito, que en grandes cantidades actúa como un veneno, terminó de debilitar la frágil salud de la cantante, que murió el 4 de febrero de 1983 a los 32 años.
El 2 de marzo de 1965 se estrenó en EEUU la película musical 'The sound of music' (Sonrisas y lágrimas, La novicia rebelde) basada en el musical de mismo nombre estrenado en Broadway en 1959 con partitura de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein y basada en hechos reales. La versión fílmica la protagonizaron Julie Andrews y Christopher Plummer y la película consiguió cinco premios Oscar y dos Globos de oro. Un día antes del estreno, se publicó el álbum con su correspondiente banda sonora.
María (Julie Andrews)
Primera parte.
En los meses previos a la anexión de Austria por parte de Alemania (el Anschluss), en un convento de la ciudad de Salzburgo, María (Julie Andrews), una joven novicia con una clara falta de disciplina, es enviada por la Madre Abadesa (Peggy Wood) a casa del Capitán Georg Ritter von Trapp (Christopher Plummer) para que ejerza de institutriz de sus siete hijos.
Von Trapp pasa revista
El Capitán Von Trapp es un viudo que mantiene a raya a su prole con un estilo autoritario y dominante, prácticamente igual que en sus tiempos en la Armada Imperial austrohúngara. María pronto se hace con el cariño de los niños, enseñándoles a jugar y a cantar. Por sus cualidades, también se gana el corazón del Capitán, cuya prometida, la Baronesa Schroeder (Eleanor Parker), se sabe derrotada.
Segunda parte.
Después del matrimonio entre María y el Capitán, y a su regreso del viaje de novios, las tropas de Hitler se han instalado en Viena.
La familia Von Trapp
Ante la ocupación y después de que el ejército alemán intente que el Capitán vuelva a su antiguo puesto militar, éste, junto con su familia, decide huir aprovechando la celebración de un concurso de canto en el que Max (Richard Haydn), un amigo de la pareja, los ha inscrito. El capitán se despide de sus ciudadanos entonando la canción 'Edelweiss', himno patriótico en la película en protesta contra la dominación alemana. Al acabar la función consiguen huir a Suiza gracias a la ayuda de la Madre Abadesa.
El álbum con la banda sonora se publicó un día antes del estreno del film y alcanzó el nº1 de las listas americanas y británicas. En el Reino Unido fue el álbum más vendido en los años 1965, 1966 y 1968 y el segundo más vendido de toda la década.
El día 1 de Marzo de 1810, nace en Zelazowa, en las proximidades de Varsovia, el compositor y virtuoso pianista polaco Fréderic François Chopin (Fryderyk Franciszek Chopin, en polaco), considerado como uno de los más importantes de la historia, representando el Romanticismo musical en su estado más puro. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.
Nicolás Chopin
Su padre, Nicolás, era un francés emigrado a Polonia en 1787 que trabajó desde 1802 como preceptor en casa del conde Skarbek en Zalazowa, y desde 1810 como profesor de literatura y lengua francesa en el Instituto de Varsovia y en la Escuela de Artillería. Niño prodigio, Fréderic actúa con cinco y seis años en los salones aristocráticos de Varsovia. Su primera aparición pública tiene lugar a la edad de ocho años con motivo de un concierto benéfico. De esta misma época es su primera composición impresa: la “Polonesa en sol menor” (1817).
Chopin en 1829
Entre 1823 y 1826 cursa estudios en el Instituto de Varsovia, posteriormente inicia el estudio de música en profundidad en la Szkola Glowna Muzyki, bajo el magisterio de Jozef Elsner, diplomándose en composición en 1829. Durante estos años da conciertos en Berlín, Praga y Viena, entre otros muchos sitios, ganándose una sólida reputación como virtuoso del instrumento. El 11 de octubre de 1830, con 20 años, da su último concierto en Polonia y compone su primer concierto para piano. Un año después se instala en París donde desarrolla una intensa actividad como compositor y comienza a introducir sus propias obras en sus recitales como intérprete.
Poco a poco fue introduciéndose gradualmente en la actividad musical de París, desistiendo del viaje a Londres que originalmente había planeado realizar. Su primer concierto público fue tan fabuloso que se convirtió en el tema de conversación de toda la ciudad. Éste se llevó a cabo el 26 de febrero de 1832 en la SalaPleyel, calle Cadet: en el programa figuraba su “Concierto en fa menor” y las “Variaciones mozartianas”, en la segunda parte compartió el escenario con notables pianistas como Camille-Marie Stamaty, George Osborne y Ferdinand Hiller, para interpretar una Polonesa de Kalkbrenner, a seis pianos. Entre el público se encontraban músicos de la talla de Mendelssohn y Franz Liszt, y entabló pronto amistad con el último, que también radicaba en la ciudad. Se sentía sorprendido y estimulado por la intensa vida cultural y también por la libertad de acción que podía ejercer.
En abril de 1832 el cólera hizo estragos en la capital francesa, diezmó a las clases trabajadoras e hizo huir a las provincias a los más pudientes. Orlowski, compatriota y amigo de Chopin escribió a los suyos: «Me ocurre que voy a verlo y vuelvo sin haber cambiado una palabra con él, tan melancólico está. En París la situación es mala. Los artistas se ven reducidos a la miseria, porque el cólera ha hecho huir a las provincias a todas las familias ricas...».
James de Rothschild
Pronto sin embargo el azar tiende una mano de ayuda: En el mismo año, un día que Chopin paseaba por el bulevar , se encontró a Valentín Radziwill, padre del príncipe Antonio, quién lo lleva a una velada ofrecida por James de Rothschild. El joven se sienta al piano sin haberse preparado y obtiene un éxito mucho mayor que en ninguno de los conciertos que había dado hasta entonces. Allí está presente la élite de la sociedad y de la noche a la mañana el nombre de Chopin vuela de boca en boca. Se aprecia su distinción, su talento. Se le piden lecciones: la baronesa de Rothschild se inscribe a la cabeza de la lista. Entre las familias adineradas, los Rothschild se entusiasmaron particularmente con el talento de Chopin, y, junto a otras familias pudientes —como la princesa de Vaudemont, el príncipe Adam Czartoriski, el conde Apponyi o el mariscal Lannes— lo tomaron bajo su protección.
La situación cambia bruscamente, el horizonte se aclara y la esperanza renace en Chopin. De todos modos, el oficio de profesor no es en modo alguno lo que tenía en vista pero pronto llegaría a convertirse en un pedagogo muy requerido y bien pagado hasta el fin de su vida.
De 1834 a1835 viaja por Renania, Checoslovaquia y, nuevamente, Alemania. Reencuentra viejas amistades, entre ellas la familia del conde Wodzinsky, pretendiendo, sin éxito, la mano de la joven María Wodzinska.
George Sand
En 1836 tuvo su primer encuentro en París con Aurore Dudevant, escritora francesa seis años mayor que el compositor y más conocida por su seudónimo, George Sand, relación que marcará decisivamente los últimos años de su vida. Tiempo después, en un carta, Chopin dejó esta descripción de ese primer encuentro: "Hoy he conocido a una gran celebridad, madame Dudevant, conocida como George Sand. Su apariencia no es agradable. De hecho hay algo en ella que indudablemente me repele. ¡Qué persona más falta de atractivo! ¿Es realmente una mujer? Me inclino a dudarlo..." . Durante los años 1838-39, siempre acompañado por George Sand, la pareja viaja frecuentemente, residiendo en Marsella y Génova..
Museo Chopin en Valldemosa (Mallorca)
En 1838 se instalan en Mallorca (España) buscando un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tras regresar a París, en 1843, rompen su relación y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces. La soledad se une a la nostalgia por su país y su familia. Al año siguiente, algo repuesto, emprende una gira de conciertos por Inglaterra. Su economía no mejora y el húmedo clima de las islas hace que su salud empeore de nuevo.
El 17 de octubre de 1849 fallece en su vivienda del número 12 de la Plaza Vendôme. Apenas tres meses antes de cumplir los cuarenta años. Está enterrado en el cementerio parisiense de Père-Lachaise. Atendiendo al deseo del compositor, su corazón reposa en Varsovia, en la Iglesia de la Santa Cruz.
SU ESTILO
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del Romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Otro aspecto romántico en Chopin es el hecho de que su sentimiento lírico termine por quebrantar siempre la realidad patente. «Rosas, claveles, plumas de escribir y un poco de lacre y en ese instante ya no estoy en mí, sino, como siempre, en un espacio totalmente distinto y asombroso aquellos espaces imaginaires» (Nohant, 1845).
Su preferencia por las formas breves, donde quizás se refleja mejor la sensibilidad del compositor polaco y en donde Chopin alcanza la cumbre de su estilo, en el que el dramatismo, la expresividad y el enraizamiento en lo popular son las notas características, como sus nocturnos “Nocturno nº 2” Opus 9 (Valentina Lisitsa), y baladas, dan fe de su estilo romántico. También el recoger géneros clásicos o históricos para tratarlos en forma no convencional como la sonata, el concierto y el preludio “Preludio Opus 28 nº 4” (Rubinstein).
Monumento a Chopin en Varsovia
Poseedor de una gran cultura literaria, sus formas son, sin embargo, abstractas y libres de referencias de esa índole, a diferencia de Robert Schumann o Liszt, por ejemplo (Kreisleriana o Años de Peregrinaje). El estilo de Chopin viene determinado, primeramente, por la música prerromántica para piano, tanto de compositores extranjeros (Weber, Hummel, el irlandés Field) como polacos (el príncipe Oginski, Franz Lessel, Maria Szymanowska); pero también bebe, y con provecho, de la tradición clásica, con Mozart y Beethoven al frente. Las melodías de la ópera italiana (Bellini, especialmente) se advierten también en su estilo. Pero la más poderosa influencia es, sin duda, la del folklore polaco, que da a su música un carácter marcadamente nacional y convierte al compositor en un avanzado del nacionalismo musical que dominaría la segunda mitad del siglo.
Último piano en el que compuso Chopin
Chopin alcanza su madurez a muy temprana edad. Pero a partir de ese momento resulta difícil advertir una evolución clara. No obstante, sí pueden determinarse tres etapas claramente definidas. La primera se extiende hasta 1830 y se caracteriza por el dominio de formas clásicas como el rondó, la sonata o el trío, que Chopin utiliza con originalidad imponiendo su personalidad pianística. La segunda ocupa toda la década siguiente y en ella el compositor opta por la formas libres, simples, de un solo movimiento, típicas de la expresión musical del Romanticismo. En estas obras el folklore se hace presente cada vez con más fuerza.
En la última etapa, sus años finales, el autor regresa a la sonata, estudios y demás formas clásicas, pero convertidas ya en estructuras adaptadas plenamente al Romanticismo. En este último periodo creativo o «estilo tardío», en el que el dramatismo y los efectos violentos ceden su paso a la gran concentración, la moderación del gesto y un lirismo más profundo. A él pertenecen el “Scherzo n.º 4”, la “Sonata n.º 4”, “la Balada n.º 4”, la “Barcarola”, la “Polonesa-fantasía”, (Martha Argelich) los “Nocturnos” Op. 55 (Claudio Arrau) y 62 - Nº 1 (Aldo Ciccolini) y la “Sonata para violonchelo y piano” (Yo-Yo Ma -violonchelo, Emanuel Ax-piano). Estas obras revelan la búsqueda de nuevos moldes formales, armónicos y sonoros. Lo que hubieran sido sus posteriores composiciones es sólo conjetura.
El fraseo y la “cantabilidad” son los elementos principales y característicos en la música de Chopin. Éste compositor trasciende la naturaleza percusiva del piano para conseguir un legato que más recuerda a la declamación de la voz humana que al propio instrumento de que se trata. Otro de los aspectos fundamentales que contribuyen a sentir la naturalidad mencionada, es el empleo de un rubato muy característico de este compositor: el rubato reservado para la melodía; una melodía entendida como foco de atención, que se desarrolla con independencia respecto al acompañamiento. A esto tenemos que unir su ejemplar empleo de la dinámica, siempre sin exageraciones ni grandes desequilibrios. En estos aspectos podemos vislumbrar la influencia de una formación considerablemente académica en su juventud, ejercida sobretodo por Zywny y Elsner.
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Para piano solo • Polonesas: una veintena de piezas diferentes compuestas, de manera independiente o en ciclos de dos o tres piezas, entre 1817 y 1846, ocupando en la práctica toda su vida como compositor. “Gran Polonesa Brillante”- Andante spianato (Alfred Brendel) • Mazurkas: 46 diferentes, normalmente publicadas en ciclos de cuatro (a veces sólo tres), y compuestas, como las Polonesas, durante toda su vida, a partir de 1825.
- “Mazurka en Si bemol menor” Opus 33 (Vladimir Horowitz)
El 1 de marzo de 1904 nació en Clarinda (Iowa) el trombonista, compositor y director de banda de jazz Glenn Miller, quien al frente de la big band más popular de la era del swing, fue uno de los artistas que más discos vendió entre 1939 y 1943.
Se inició en la música cuando su padre Elmer le regaló una mandolina que luego cambió por un corno que fue el primer instrumento de viento que tocó. En esos tiempos, la familia Miller vivía en Tryon, Nebraska. Pasó su infancia en Nebraska y Oklahoma hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado, donde con doce años abandona el corno y empieza a estudiar la técnica del trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. Siendo aún estudiante universitario, Glenn realizaba audiciones, tocando siempre que se le presentaba la oportunidad. Al descuidar sus estudios y tener que repetir curso, decidió abandonar la universidad dedicándose por completo a la música.
Formó parte como trombonista profesional de las bandas de Boyd Senter, Ben Pollack, Paul Ash y Red Nichols. Durante los años treinta fue un músico de sesión muy ocupado y comenzó a escribir arreglos (en 1943 publicó un 'Método de Arreglo Orquestal'). En 1934 trabajó con los hermanos Dorsey y en 1935 con Ray Noble. Allí fue donde desarrolló el 'sonido Miller', que consistía en doblar la melodía del saxo una octava más alta con el clarinete. Con su primera banda Miller realizó sus primeras grabaciones para Columbia ('Solo hop', 1935) y Brunswick ('Doin' the Jive', 1937).
En 1937 la disolvió para, ese mismo año, formar una segunda banda que consiguió rápidamente el favor del público llenando sus conciertos (que, además eran retransmitidos por radio), lo que dio lugar a una serie de grabaciones como su famosa composición 'Moonlight serenade' (1939), una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EE. UU y su primer nº1, 'Stairway to the stars', seguido de 'Moon love', 'Over the rainbow', 'The man with the mandolin' y 'Blue orchids'. A principios de 1940, 'In the mood' estuvo quince semanas consecutivas en el número uno, y siguió 'Tuxedo junction' que mantuvo a Miller en lo alto de las listas hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por 'Chattanooga Choo Choo'.
Cuando EE.UU entró en la Segunda Guerra Mundial, Miller disolvió su banda y se alistó en las Fuerzas Aéreas donde recibió el rango de capitán y se hizo cargo de la American Band of the Allied Expeditionary Forces Orchestra, en la que tocaban el batería Ray McKinley y el pianista Mel Powell. Con ella se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. El 15 de diciembre, cuando se desplazaba en un avión desde Londres a Paris, que acababa de ser liberada, desapareció cuando sobrevolaban el canal de la Mancha. No se localizaron restos, por lo que Miller fue oficialmente declarado como 'desaparecido en combate'.
Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. También existen varias versiones sobre su muerte. Unas apuntaban a que el avión fue abatido por fuego amigo y otras sugerían hechos más oscuros. Según relata el periodista Hunton Downs en su libro 'The Glenn Miller conspiracy' (2010), Miller operaba como agente secreto de Eisenhower y su misión consistía en contactar con oficiales alemanes para negociar el fin de la guerra. Según Downs, el músico fracasó en su misión, siendo capturado, torturado y asesinado en un burdel de París.
A pesar de la desaparición del músico, la banda continuó sus actividades bajo la dirección de Jerry Gray, el arreglista de Miller, hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el presidente Harry Truman, en Washington. El Mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra. En 1953 se rodó un film (muy dulcificado) sobre su vida, 'The Glenn Miller Story' (Música y Lágrimas), con James Stewart en el papel de Miller.
El 29 de febrero de 1792 nació en Pésaro, Italia el compositor italiano Gioachino Rossini, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Rossini ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas que le han dado fama universal.
Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.
Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L’inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino (Arturo Toscanini & N.B.C. Symphony Orchestra). Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año).
En París, ciudad en la que se estableció en 1824, compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo –cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas– el cultivo de la ópera. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla - Obertura (Claudio Abbado & NBC Symphony Orchestra) escrita en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory (1828).
Durante el resto de su vida sólo escribió dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) -Amén- (Chorus and Orchestra of the Accademia Nacionale di Santa Cecilia) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del mundo operístico.
Contrajo matrimonio en Castenaso en 1822 con la soprano española Isabel Colbran, que interpretó varias de sus primeras óperas. Se separaron en 1837 y Rossini se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, tras la muerte de Isabella en 1845. Gioacchino Rossini murió el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. Fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia y descansan en la Basílica de la Santa Croce.
Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad. Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras rossinianas. Y los afamados “tournedos Rossini”, así como muchos otros platos de cocina, son designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.
- Duetto Buffo di Due Gatti (Duo Humorístico para Dos Gatos) – 1825 http://youtu.be/wtyq-Fy9NTY (Pauline Tinsley y Elizabeth Vaugham)
- Il viaggio a Reims - 1825
- Le Siège de Corinthe - 1826
- Moïse et Pharaon - 1827 Acto 3 “Dal tuo stellato soglio”Pauline Tinsley, soprano; Elizabeth Shelley, mezzo-soprano; David Hughes, tenor; Robert Lloyd, bajo & Chorus and Orchestra of the Royal Opera House & dir. Lamberto Gardelli).
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