Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 9 de octubre de 1944 nació en Chiswick, Londres (Inglaterra) el músico John Entwistle, conocido por haber sido bajista de los Who. Su estilo endiabladamente rápido y ruidoso con el instrumento era tan importante en el sonido del grupo como la voz de Daltrey, las composiciones y la guitarra de Pete Townshend o la anárquica pero esencial batería de Keith Moon. Entwistle también tocaba la trompeta y el piano, cantaba y componía canciones. Su forma de tocar el bajo como si fuera una guitarra influyó a muchos bajistas como Geddy Lee, Phil Lesh o Billy Sheehan.
Fue el primer bajista en usar amplificadores Marshall, los cuales normalmente estaban reservados a guitarristas y asimismo fue el primero de los miembros de los Who en publicar un álbum en solitario: 'Smash Your Head Against the Wall' en 1971. Le siguieron 'Whistle Rhymes' (1972), 'Rigor Mortis Sets In' (1973), 'Mad Dog' (1975), 'Too Late the Hero' (1981) y 'The Rock' (1996). Bill Wyman de los Stones una vez lo definió como "el hombre más tranquilo en privado y el más ruidoso sobre el escenario" y está considerado uno de los mejores bajistas de rock de la historia.
John permaneció con los Who los más de treinta años que el grupo permaneció unido, tocando con su propia banda o con la de Ringo Starr en los descansos que se tomaba el grupo entre disco y disco. Aparentemente John no era una lumbrera administrando su dinero y en sus últimos años con The Who, fueron la amistad y caridad de Daltrey y Townshend las que mantuvieron el estado financiero de Entwistle a flote. En junio de 2002 un día antes de comenzar una gira, John Entwistle fue encontrado muerto a los 57 años en una habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas. La causa fue un infarto provocado por una sobredosis de cocaína.
El 9 de octubre de 1940 nació en Liverpool John Lennon. Como guitarrista y principal compositor junto con Paul McCartney, fue la visión y el liderazgo de Lennon lo que condujo a la transformación de la pequeña banda de skiffle de Liverpool en el mejor grupo de la historia.
Hijo de un Alfred y Julia Lennon, vivió con sus padres hasta los cinco años. Su padre Alfred, marino mercante que pasaba largas temporadas navegando, abandonó el hogar cuando en uno de sus regresos descubrió que Julia estaba embarazada de otro hombre. A partir de entonces se hizo cargo de él su tía Mimi, hermana mayor de Julia, que moriría en 1958 atropellada por un coche.
Lennon consiguió su primera guitarra con dieciséis años y en un año formó The Quarrymen. Al año siguiente (1958) conoció a Paul McCartney a quien invitó unirse al grupo y únicamente le bastó a Paul para ello conocer cuatro acordes y demostrar su habilidad afinando una guitarra. Con la incorporación de George Harrison y más tarde Ringo Starr, se convertirían en el grupo que a lo largo de la década siguiente cambió la historia de la música popular.
Tras la ruptura en 1970, Lennon comenzó a grabar álbumes con su segunda esposa Yoko quien le acompañaba tanto en las grabaciones como en sus múltiples reivindicaciones y protestas pacíficas desde la cama de un hotel en Amsterdam, o enviando semillas a los principales dirigentes mundiales rogando a todos que le dieran una "oportunidad a la paz".
Yoko y John en Amsterdam
Temas como 'Give peace a chance', 'Cold turkey','Instant karma','Power to the people','Happy x-mas (war is over)' mantuvieron a Lennon vigente durante un tiempo en el que el mundo y la sociedad americana sufrieron profundos cambios. También Lennon sufrió transformaciones. Él y Yoko pasaron por la terapia primal con el Dr. Arthur Janov
en Los Ángeles. Diseñado para liberar el dolor emocional de
la niñez temprana, el tratamiento consistía en dos medios días a la
semana con Janov durante cuatro meses.
Su primer álbum en solitario (sin contar las indescriptibles experiencias anteriores con Yoko 'Unfinished Music No.1: Two Virgins', 'Unfinished Music No.2: Life with the Lions' y 'Wedding Album') fue 'Plastic Ono Band', en el que arropado por viejos amigos como Klaus Voorman, Ringo Starr y Billy Preston ofreció una obra tremendamente personal en el que Lennon se confiesa públicamente y rompe con su pasado de Beatle, con temas como 'Mother', 'Working class hero','Love'y'God'.
Se instaló en Nueva York con Yoko y en 1971 publicó 'Imagine', su trabajo más popular, que contenía una canción en la que descargó toda su rabia contra su ex-colega McCartney: 'How do you sleep', un tema muy duro con Paul en el que John únicamente le atribuía el mérito de 'Yesterday'. Otros grandes temas del álbum fueron 'Jealous guy','Oh my love' e 'Imagine' que, aunque popular en su momento, adquirió su verdadera fama internacional convirtiéndose en himno universal a partir de la muerte de John.
Estos discos precedieron a su separación de Yoko, su famoso 'lost weekend' acompañado de la asistente personal de Yoko, May Pang, en el que, a pesar de entregarse a la vida disoluta y a la botella junto a viejos amigos como Harry Nilsson y Phil Spector, logró firmar trabajos como 'Walls and Bridges' (que contiene 'Whatever gets you through the night', el único nº1 de su carrera en solitario, aunque compartido con Elton John) y 'Rock and Roll', con versiones de oldies de los cincuenta. Esta etapa de su vida, le sirvió para quitarse de encima ese complejo de apóstol de la cultura y misionero político que arrastraba, así como para recuperar viejas amistades y cerrar heridas, como su relación con Paul.
John, Sean y Yoko
De vuelta con Yoko, el día de su 35 cumpleaños nació su segundo hijo Sean al que dedicó cuerpo y alma, abandonando la música durante cinco años, mientras Yoko se encargaba de administrar y acrecentar la fortuna familiar. En noviembre de 1980 se publicó 'Double Fantasy' con magníficas críticas y el regocijo de sus fans, ya que Lennon en los cinco años que dedicó a la crianza de su hijo Sean no había vuelto a pisar un estudio. El álbum contenía temas como '(Just like) Starting over','Woman' y 'Beautiful boy'.
John firma un autógrafo al asesino
Tres semanas después, mientras celebraban todavía la buena acogida del disco, un perturbado, a quien poco antes había firmado un autógrafo, lo asesinó sin sentido disparándole cinco veces por la espalda cuando John salía de su casa en el edificio Dakota de Nueva York. Lennon tenía 40 años el día de su muerte, y a partir de entonces -aunque suene a tópico y relamido- el mundo no volvió a ser el mismo.
En 1984 Yoko Ono publicó un nuevo álbum acreditado a ambos: 'Milk and Honey' en el que se incluían seis temas grabados por John antes de morir, como 'I'm stepping out', 'Nobody told me' y 'Borrowed time'.
El 9 de octubre de 1922 nació en Santiago de Cuba la cantante conocida como 'la reina del bolero' Olga Guillot. Fue descubierta en 1954 cuando cantaba en los locales de La Habana y fue invitada a viajar a Nueva York donde Decca Records le ofreció un contrato discográfico.
Reconocida ya como una gran figura, el 31 de octubre de 1964 realizó su primer e histórico concierto en el Carnegie Hall de Nueva York siendo la primera artista de habla hispana en presentarse en ese prestigioso teatro. A lo largo de su carrera de más de cuarenta años obtuvo 20 discos de oro, 10 de platino y uno de diamante. Olga Guillot, considerada una de las exponentes musicales más relevantes de Cuba al igual que Celia Cruz, murió de un infarto en julio de 2010 a los 87 años.
El 9 de octubre de 1835, nació en París el compositor, director de orquesta, organista y pianista francés de música académica, Charles Camille Saint-Saëns. Perdió el padre cuando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de una tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.
El entrenamiento musical de Saint-Saëns comenzó tempranamente: a los dos años y medio comenzó a aprender piano con su tía- abuela, a los tres años compuso su primera pieza para piano. A los siete empezó a estudiar composición, y a los once ya estaba presentándose a tocar Bach y Mozart ante audiencias embelesadas. Saint-Saëns acabó convirtiéndose en un virtuoso del piano, aclamado por Franz Liszt como el mejor organista del mundo. Estudió órgano con Benoit y composición con Halévy. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d'argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.
Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré y a André Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa. Puede considerársele un jalón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel.
Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, y se entretuvo en discusiones con los mejores científicos europeos y escribió doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y organizaba sus conciertos de tal modo que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica, Problemas y misterios, un volumen de poesía, “Rimes familières”, y la comedia “La crampe des écrivains”, que tuvo un gran éxito.
Su extensa obra —elaboró más de 400 composiciones, en las que abordó casi todos los géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere -sobre todo, en Francia- demasiado académica. Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.
En 1872 Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: aunque con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra “La princesse jaune”. A esta misma época pertenecen también algunas de las producciones sinfónicas más importantes del músico en cuestión: los poemas “La rueca de Onfalia” (1871), “Phaéton” (1873) (Max McBride & The Sydney Youth Orchestra), “Danza macabra” (1874) (Ensemble Musica Nigella / Pas-de-Calais & dir. Takénori Némoto Violín solo, Lisa Schatzman) ó “La jeunesse d'Hercule” (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para piano, “en sol menor” (1868) (Georgii Cherkin - piano), “mi bemol mayor” (1869) y “do menor” (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos. Su “Sinfonía nº 3 opus 78” en do menor (1886) aparece entre sus mejores composiciones.
La infatigable actividad creadora de Saint-Saëns abarca todos los campos de la música y todas las combinaciones instrumentales y vocales posibles. Sin embargo, su gran aspiración fue siempre el teatro. Le dio ocasión a ello Liszt, su gran admirador, quien promovió en Weimar la representación de “Sansón y Dalila”, (Maria Callas & Georges Pretre), celebrada el 2 de diciembre de 1877; se trata de la mejor obra del músico, tanto por su vigoroso planteamiento como por la fuerza de los coros y la amplitud descriptiva del ambiente, y es la única aún hoy representada.
Ana Pavlova bailando El cisne.
Las composiciones posteriores de Saint-Saëns presentan bien valor académico y formal, dentro de una cuidadosa dignidad de construcción -así, el “Concierto para violonchelo en La menor Op. 33” (1872) Parte 1, Parte 2, Parte 3, (Cello: Jacqueline Du Pre, Orquesta: The Philadelphia Orchestra, Dir.: Daniel Barenboim), “Henri VIII” (1883), “Sonata para violoncelo y piano nº 2 OP. 32” (Christian Poltéra, cello, Kathryn Stott, piano), “Ascanio” (1890), “Déjanire” (1898), los dos conciertos: “Concierto para violín en do mayor” (1879) y “Concierto para violín en si menor” (1880) (Vadim Brodski, violín), "Sonata pata para violín y piano" Op. 75 (1885) (Frank Peter Zimmermann, violin, Enrico Pace, piano) “Sinfonía en do menor con órgano y dos pianos” (1886), y el quinto “Concierto para piano” (1895) (Sviatoslav Richter) -, o bien meramente descriptivo y agradable, como en su "fantasía zoológica". Camille Saint-Saens compuso “El Carnaval de los animales” en 1886, aunque mucho tiempo no la interpretó en sus conciertos y prohibió que se hiciera, tan sólo permitía la ejecución de “El cisne” (Yo-Yo Ma, chelo) porque le preocupaba que afectara a su reputación de compositor serio. Esta prohibición fue revocada en su testamento.
“El Carnaval de los animales” (1-7), (8-13) (Charles Dutoit, Christopher van Kampen, Cristina Ortiz, London Sinfonietta & Pascal Rogé), es una fábula musical, e incluso una sátira. La orquestación tan extraña como apropiada está interpretada por dos pianos, dos violines, una viola, un violonchelo, un contrabajo, una flauta, un clarinete, un acordeón y un xilófono.
Otras obras posteriores de gran elegancia son, entre otras, el “Cuarteto de cuerdas nº 1 Op.112” (1899) Parte 1, Parte 2, Parte 3 (Mathilde Milwidsky, Venetia Jollands, Emily Kay & Robert Max) o “Violines en la tarde” (según un poema de Anna de Noailles), para voz, violín y piano. (1907) (Philippe Jaroussky - contratenor, Jérôme Ducros – piano, Renaud Capuçon – violin) , entre otras.
También escribió música de escena para “Horace” (1860), “Antigone” (1893), “Lola” (1900), “Andromaque” (1903), “On ne badine pas avec l’amour” (1917); cantatas y oratorios, como “Le Déluge” (1875), “La Fiancée du Timbalier” (1887), “La Nuit persane” (1891) (Natalie Dessay, soprano), “Hymne à la paix” (1919), “Ivanhoé”; música religiosa: una “Messe” (1856) 2- Gloria (Roy Massey, organ Worcester Cathedral Choir & Donald Hunt), el “Oratoire de Noël” y su “Requiem” (l'Orchestre National d' Île de France', dir. Jacques Mercier & Michel Piquemal & 'Choeur Régional Vittoria d'Île de France)
Durante los últimos años de su vida Saint-Saëns fue interesándose cada vez más por la música popular árabe; pero su producción no anduvo, en este ámbito, más allá de un genérico orientalismo amanerado. Acariciado por el honor y la fama, terminó casi repentinamente sus días en Argel, donde pasaba el invierno desde hacía ya algunos años, poco después de la primera Guerra Mundial, en cuya época figuraba entre los nacionalistas más ardientes. Notables son también los artículos que publicó durante su vida en diversos periódicos y revistas, reunidos en los volúmenes “Harmonie et mélodie”, “Portraits et souvenirs” y, singularmente, “École buissonnière.”
Casino de Dieppe
El 6 de agosto de 1921, para celebrar sus 75 años de carrera como pianista, dio un concierto de sus obras en el Casino de Dieppe. El 21 fue a Béziers para dirigir una reposición de Antígona. De regreso a Argel, donde pasaba largas temporadas, trabajó en la orquestación de algunas obras. Camille Saint-Saëns falleció, víctima de sus afecciones pulmonares el 16 de diciembre de 1921, a los 86 años, en el Hôtel de l’Oasis, de Argel, en un día que pasó apaciblemente y en el que trabajó un poco e incluso cantó algunas arias de Verdi.
Sus restos mortales se trasladaron a París para celebrar el 24 de diciembre un funeral de estado, de una majestuosidad imponente, en la iglesia de la Madeleine. Se inhumaron en el cementerio de Montparnasse, al lado de los de su madre y de los de sus dos pequeños. Allí leyó un discurso Léon Bérard, Ministro de Instrucción Pública y Bellas Artes que finalizaba con las siguientes palabras: "Las obras maestras de Saint-Saëns son uno de los más gloriosos resplandores del genio francés."
El 8 de octubre de 1948 nació en Nueva York el guitarrista norteamericano John Williams Cummings, Johnny Ramone. Fue uno de los fundadores de la legendaria banda de punk americana Ramones (1974-1996). Además del cantante Joey, Johnny fue el único miembro que permaneció desde la fundación hasta su fin en 1996.
El estilo agresivo de Johnny a la guitarra fue uno de los factores clave que hicieron de los Ramones uno de los grupos más influyentes del rock. Y en eso deben estar de acuerdo tanto la revista Rolling Stone como Time Magazine cuando ambas lo catalogan como uno de los veinte mejores guitarristas de todos los tiempos.
John Cummings creció como hijo único en una familia obrera del barrio neoyorquino de Queens. La educación autoritaria de su padre -albañil de profesión-, tendría bastante que ver en su formación, ya que la disciplina adquirida con él sería la que aplicaría más tarde dirigiendo a la banda. Sus primeras experiencias musicales las tuvo a mediados de los años sesenta como bajista del grupo escolar Tangerine Puppets. Aquí conoció a Thomas Erdelyi, el guitarrista de la banda escolar, que sería, bajo el nombre de Tommy Ramone, el futuro productor y batería de los Ramones.
También en la misma high-school (a la que según sus propias palabras no faltó ni un sólo día) trabó amistad con Douglas Colvin, más tarde conocido como Dee Dee Ramone. Asímismo entró en contacto con Jeffrey Hyman (futuro Joey Ramone), a quien consideró entonces un 'hippie'. Cuando terminó los estudios anduvo varios años mezclado en todo tipo de actividades delictivas, una época que años más tarde comentaría de este modo: "Era un chico malo; cada minuto del día. Desde que me levantaba hasta que me acostaba a dormir." Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, cambió de la noche a la mañana, abandonó el alcohol y las drogas y se propuso, haciendo acopio de toda la autodisciplina de la que fue capaz, llevar una vida recta, para lo que comenzó a trabajar de albañil, como su padre.
Unos años después, se reencontró con Douglas Colvin y ambos se compraron una guitarras para formar un grupo, el grupo que en febrero de 1974 se daría a conocer como Ramones.
La música de Ramones tomaba como modelos grupos como The Who, Kinks, Beach Boys, Stooges y MC5, además de los grandes del rock and roll de los años cincuenta. Típicas eran las estructuras y armonías simples, así como la ausencia de solos, introducciones o puentes.
Crearon de ese modo la antítesis de estilos como el rock progresivo o la fusión. Los temas tenían la característica de estar interpretados a gran velocidad y a gran volumen. Igualmente simples eran las letras, que muchas veces recordaban a rimas infantiles, aunque en ellas trataban problemas de temática social y se hacian las grandes preguntas existenciales de los setenta. Cuando Tommy Ramone dejó el grupo en 1978, fue Johnny el que tomó las riendas de la dirección artística del grupo. Comparaba el grupo con un equipo de base-ball, diciendo que él era el entrenador. Su papel autoritario en la banda dio lugar a una imagen equivocada de Johnny, que fue el más incomprendido del grupo.
Tampoco ayudaron a ello sus ideas políticas. Miembro de la Asociación Americana del Rifle y votante confeso de los republicanos, su ideología chocaba con la del resto del grupo. Más conflictos en el seno de la banda surgieron cuando Johnny le birló la novia a Joey Ramone, con la que se casaría a finales de los noventa. Joey descargó su rabia en el tema 'The KKK took my baby away'(El Ku KLux Klan se llevó a mi chica', haciendo referencia a la filiación política de Johnny). Desde aquel episodio Joey y Johnny permanecieron años sin hablarse, aunque continuaron tocando profesionalmente juntos en Ramones.
A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 álbumes y un total de 212 canciones. A pesar de su fama e influencia actuales, el grupo sólo consiguió un disco de oro gracias al recopilatorio 'Ramonesmania' en 1988 y sólo dos de sus álbumes, 'Rocket to Russia' (1977) y 'End of the Century' (1980) consiguieron sobrepasar el top 50 en el Billboard estadounidense. Ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial y sin embargo ocupan con todo merecimiento un sitio de honor en el rock del siglo XX. La banda se disolvió en 1996 y Johnny murió en septiembre de 2004 a los 55 años.
El 7 de octubre de 1944 nació en Oakland (California) la cantautora estadounidense Judee Sill, redescubierta por muchos a comienzos de los años 2000, 25 años tras su muerte. Influida por las métricas y suites de Bach, sus canciones trataban sobre el éxtasis y la redención cristiana.
Judee pasó su infancia en el bar de su padre, que murió en 1952 de una infección pulmonar. Su madre, alcohólica crónica, se casó entonces con Kennetth Muse, un dibujante animador de la serie 'Tom y Jerry', que compartía con ella el amor por la botella. Judee intentó escapar del hogar a través de una boda apresurada, pero fue capturada y la boda anulada. Tras unos episodios en los que se vio involucrada en robos a mano armada, fue ingresada en un correccional. Una vez cumplida esta etapa, se matriculó en el Valley College de Los Angeles para estudiar música.
Al mismo tiempo se ganaba la vida tocando en bares y no tardó en consumir drogas y sucumbir a la heroína. Se casó con el también drogodependiente pianista Bob Harris, que murió en 1973 de una sobredosis. Para entonces, Judee ya había abandonado la relación que más de una vez la había llevado a robar y a prostituirse para conseguir droga. Tras una estancia en la cárcel y estar una vez a punto de morir de sobredosis, abandonó las drogas por completo.
Se enfrascó entonces en la lectura de libros religiosos y místicos y retornó a la costa oeste donde conoció a David Geffen, que había estrenado nuevo sello con Asylum y que contaba con otras cantautoras como Joni Mitchell y Carole King. Geffen le ofreció un contrato y Sill grabó el primer disco que publicó Asylum. Su primera grabación fue 'Jesus was a crossmaker', producida por Graham Nash. "Si no hubiera escrito esa canción, solo me quedaba el suicidio", comentaría Judee después. A continuación graba su primer álbum, 'Judee Sill', con temas como 'Crayon angels' y 'Lady O', que había compuesto dos años antes para The Turtles.
Su música, una mezcla de folk y country inyectado con piano gospel y cuerdas barrocas y madrigales medievales, hace que Judee Sill pase a formar parte de lo que de inmediato se conoce como Laurel Canyon Sound, delicadas pero duras canciones confesionales y
californianas. “Bach, Pitágoras y Ray Charles, en ese orden”, respondió Judee Sill una de
las veces que le preguntaron cuáles eran sus influencias. Sus cuidadas composiciones, y sus personales textos, llenos de referencias místicas y religiosas, así como su claro tono de voz ayudan a que sea rápidamente conocida en los círculos de folk y durante un tiempo acompaña a Graham Nash y David Crosby como telonera en sus conciertos.
En 1972 y 1973 actúa en Inglaterra donde aparece en directo por TV y en Radio One. Al año siguiente aparece su segundo álbum, 'Heart Food', grabado con la colaboración de músicos como Buddy Emmons, Spooner Oldham, Chris Ethridge, Jim Gordon y Doug Dillard. y en el que disfrutó de plena libertad creativa. Geffen satisfizo todos sus caprichos y dispuso de orquesta sinfónica y coros celestiales. Con temas como 'Soldier of the heart', 'The kiss' y 'The pearl', el espíritu es el mismo que en el primer álbum, pero composiciones litúrgicas como 'The donor' lo hacen aún más extremo en su intensidad evangélica y sexual.
Demasiado para lo que se escuchaba entonces. Una gira por Londres (donde, desde el escenario, rogaba al público que comprara sus discos para “no tener que seguir teloneando a bandas de mierda como la que tocará hoy después de mí”) apenas sirvió para darla a conocer. Desilusionada, Judee Sill se distancia de Geffen, a pesar de tener ya grabadas algunas canciones, nunca termina su tercer álbum, sale a conducir a toda velocidad por las noches de Beverly Hills y tiene varios accidentes de tráfico que afectaron su espalda y la engancharon a los calmantes.
Luego Judee Sill desapareció de los sitios que solía frecuentar, sitios, que también solían desaparecer habitualmente. Cuando en noviembre de 1979, se anunció su fallecimiento por "una aguda intoxicación de cocaína y codeína", todos se asombraron mucho. Les sorprendió su muerte porque en realidad pensaban que Judee Sill había o debería haber muerto varios años antes. 25 años después es redescubierta y en 2005 aparece al doble álbum 'Dreams come true', que contiene las ocho canciones acabadas en 1974, así como versiones alternativas y maquetas. Al año siguiente, bajo el nombre 'Abracadabra' se publica otro doble con sus dos únicos álbumes oficiales, y, finalmente, en 2007 se editan las grabaciones que Judee realizó en los estudios de la BBC entre 1972 y 1973, 'Live in London'.
John permaneció con los Who los más de treinta años que el grupo permaneció unido, tocando con su propia banda o con la de Ringo Starr en los descansos que se tomaba el grupo entre disco y disco. Aparentemente John no era una lumbrera administrando su dinero y en sus últimos años con The Who, fueron la amistad y caridad de Daltrey y Townshend las que mantuvieron el estado financiero de Entwistle a flote. En junio de 2002 un día antes de comenzar una gira, John Entwistle fue encontrado muerto a los 57 años en una habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas. La causa fue un infarto provocado por una sobredosis de cocaína.
