Art Tatum

El 13 de octubre de 1909 nació en Toledo (Ohio) el pianista norteamericano de jazz Arthur 'Art' Tatum. A pesar de ser prácticamente ciego fue uno de los más grandes pianistas del género. Fue un niño prodigio que era capaz de tocar directamente al piano lo que oia en la radio o en las pianolas. Con un oído fuera de la común, Art percibía la más mínima variación de la afinación en un piano.

Muchos datos de la vida de Tatum permanecen inciertos o ambiguos: Su fecha de nacimiento, la causa de su ceguera, las inquietudes musicales de sus padres, sus asociaciones con músicos clásicos y su habilidad para tocar como sideman. Aún así, una vez escuchada su obra discográfica, es evidente que su inmenso talento le ha convertido en uno de los más grandes pianistas de la historia. Prácticamente cualquier pianista de jazz aún en activo, a sabiendas o no, le debe algo a Tatum, quien en los años treinta transformó el concepto de piano de jazz para siempre. Incluso solistas de otros instrumentos basaron su evolución sonora en los nuevos conceptos que Tatum trajo al teclado. El crítico, productor y escritor de jazz Leonard Feather lo llamó "el más grande solista de la historia del jazz, sin importar el instrumento"

A mediados de los años veinte estudió en la escuela de música de Toledo y actuaba en emisoras locales. El piano como instrumento tenía ya historia de virtuosos, pero ninguno se aproximó a los niveles de aptitud atlética que Tatum desplegaba con tanta naturalidad. Se hizo algo tan natural que a veces él mismo parecía aburrirse de su propia maestría, pasando a toda velocidad por una procesión de marcados contrastes en tiempo y estilo que cambiaban cada pocos compases, bajo una cascada de arpegios que caían como confeti. Su talento al teclado comenzó a ser popular entre los mismos músicos y grandes del jazz como Duke Ellington, Fletcher Henderson y Louis Armstrong, que aprovechaban sus actuaciones en Toledo para pasarse a ver a Tatum en directo.

Adelaide Hall

En 1932 llamó la atención de la cantante Adelaide Hall con quien Tatum realizó sus primeras grabaciones. Tatum mencionó que su mayor influencia había sido Fats Waller, pero según el pianista Teddy Wilson: "El pianista de jazz favorito de Art fue Earl Hines. Tatum compraba todos sus discos e improvisaba sobre ellos. Tocaba e improvisaba sobre la música de Earl... Por supuesto, cuando oías tocar a Tatum, no eras capaz de escuchar nada más que no fuera él. Pero sus ideas las tomó del estilo de Earl, algo que Earl nunca supo". Un momento clave en su meteórico ascenso fue su aparición en un concurso que se celebró en 1933 en el bar Morgan's de Nueva York, en el que participaban además de él, Fats Waller, James P.Johnson y Willie 'The Lion' Smith.

Piezas clásicas del concurso incluían 'Harlem Strut' y 'Carolina shout' de Johnson y 'Handful Keys' de Fats Waller. Tatum triunfó con sus arreglos de 'Tea for two' y 'Tiger rag', en una actuación memorable que fue considerada la última palabra en el estilo de piano stride. James P. Johnson, rememorando la actuación de Tatum, simplemente dijo: "Cuando Tatum tocó 'Tea for Two' aquella noche, creo que fue la primera vez en mi vida que la oi tocada como es debido". Su debut fue histórico porque superó a toda la élite y abanderó el abandono definitivo de la era stride en el piano de jazz. No volvió a ser retado en este estilo hasta que el especialista Donald Lambert inició una rivalidad con él que se quedó en una anécdota.

Durante los años treinta visitó numerosas ciudades del país como Los Angeles, Cleveland, Chicago, Nueva York, y en 1938 se embarcó en el Queen Mary rumbo a a Inglaterra, donde también hizo giras y permaneció tres meses en el Ciro's Club, propiedad del director de banda y violinistra Ambrose.

En 1941 Tatum grabó dos sesiones para Decca Records acompañando al cantante Big Joe Turner. En ellas estaba incluida 'Wee wee baby blues', un éxito que tuvo repercusión nacional. Dos años después Tatum lideró la primera 'clasificación' que medía la popularidad de músicos de jazz del país, publicada por la revista Esquire. Ese mismo año (1943), pensando quizás que el piano sin acompañamiento tenía una audiencia limitada, Art formó un trío inspirado en el de Nat King Cole con el guitarrista Tiny Grimes (más tarde Everett Barksdale) y el bajista Slam Stewart. Durante el corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 rpm, que muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos hasta la fecha.

Sin embargo, el mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida brillantez técnica y una prodigiosa memoria para crear una biblioteca de obras maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante ornamentación.
Sus críticos le reprochaban necesitar demasiadas notas para expresar melodías simples. No obstante, sus interpretaciones de 'Yesterdays', 'Begin the beguine' o 'Humoresque', hacen que con sus arreglos de expresividad exuberante, estos clásicos parezcan composiciones distintas.

En su tiempo Tatum fue con diferencia el pianista más virtuoso del jazz, técnicamente perfecto en ambas manos y reconocido por todos. Un día entró en un club donde Fats Waller estaba tocando. Waller se apartó del piano para hacer sitio a Tatum, anunciando "Yo sólo toco el piano, pero esta noche Dios está aquí". Además, el compositor ruso Sergei Rachmaninoff, tras oír tocar a Tatum, declaró que era el más grande intérprete de piano de cualquier estilo.

Otras celebridades de su tiempo, como Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein y George Gershwin se maravillaron con el genio de Tatum. Horowitz llegó a comentar que si Tatum se dedicara al piano clásico, él lo dejaría al día siguiente. También el legendario saxofonista Charlie Parker estuvo muy influido por Tatum. Recién llegado a Nueva York, Parker trabajó fregando platos en un restaurante de Manhattan en el que actuaba Tatum, y escuchó a menudo al legendario pianista. Desafortunadamente, las dos figuras nunca tocaron juntas.

Aunque Art fue venerado e idolatrado por la mayoría de sus colegas contemporáneos, cuando apareció el bebop -movimiento en el que no participó- su popularidad descendió bastante. En la década de los cincuenta trabajó con Norman Granz, tanto como solista como formando parte de un grupo de All Stars junto con Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy DeFranco y Lionel Hampton. Los dos últimos años de su vida tocaba habitualmente en el Baker's Keyboard Lounge de Detroit, donde realizó su última actuación en abril de 1956. Murió siete meses después, a los 47 años.

Melvin Franklin

El 12 de octubre de 1942 nació en Montgomery (Alabama) el cantante Melvin Franklin del grupo The Temptations. Fue miembro del grupo hasta su disolución oficial en 1994. Hijo de un predicador, con nueve años se traslada a Detroit, donde fue miembro de diversos grupos vocales, como los Voice Masters, en el que militaban también Lamont Dozier y David Ruffin.

Un día cuando volvía a casa tras asistir a clase en la Northwestern High School, Franklin fue abordado por un adolescente que intentaba llamar su atención. Temeroso de que fuera miembro de una banda juvenil, Melvin salió corriendo. Más tarde comprobaría que el supuesto asaltante era Otis Williams, miembro de un grupo vocal, Otis Williams and the Siberians. Franklin se unió a su grupo como voz baja y permaneció con Otis cuando se convirtieron en The Distants, y más tarde, a finales de los años cincuenta en The Elgins junto con Paul Williams, Elbridge Bryant y Eddie Kenricks, todos ellos procedentes de los restos de otro grupo rival, pero amigo, The Primes.

1ª formación de The Temptations

En marzo de 1961 The Elgins firmarían con Motown Records con su nombre definitivo: The Temptations.  Melvin, que por su preferencia por el color azul fue apodado 'Blue' por sus amigos y compañeros, mantuvo una estrecha amistad con Williams y ambos fueron los únicos Temptations que jamás dejaron el grupo. Uno de los más famosos cantantes bajos de la historia del pop, sus profundas notas graves fueron un sello característico del grupo en temas como 'Papa was a rolling stone' y 'My girl', así como en su faceta solista con temas como 'The prophet' y 'Ol' man river'.

Melvin grabó 43 álbumes de estudio con The Temptations. A ellos hay que añadir cuatro álbumes en directo y 109 singles. A finales de los años sesenta le diagnosticaron artritis reumática, por lo que tuvo que tomar cortisona para continuar actuando. El abuso de esta sustancia debilitó su sistema inmune y estuvo expuesto a otras infecciones y enfermedades, entre ellas, diabetes. Murió tras caer en coma a consecuencia de diversas intervenciones quirúrgicas el 23 febrero de 1995 a los 52 años.

Nappy Brown

El 12 de octubre de 1929 nació en Charlotte (Carolina del Norte) el cantante de R&B Nappy Brown, cuyas canciones formaban junto con las de sus contemporáneos Little Richard, Chuck Berry y Fats Domino la primera ola de música realizada por negros que fue aceptada y bien acogida por el público blanco.

Elvis Presley contaba que no se perdía sus actuaciones cuando Nappy iba a cantar a Memphis. Además de su influencia en el blues y el R&B de los años cincuenta, gracias a su poderosa voz combinada con su delicado y emotivo estilo, hoy Nappy Brown está considerado como uno de los precursores del soul. Comenzó su carrera cantando gospel antes de pasarse al R&B. En 1954 consiguió un contrato con Savoy Records, con los que publicó una serie de hits, que incluían 'Don't be angry', 'Piddily patter patter' y 'I don't hurt no more'. Nappy se convirtió en uno de los más populares cantantes de R&B de la década y actuó numerosas veces en los 'Rock and Roll Reviews' de Alan Freed.

En 1957, Brown grabó el tema 'The right time', que no logró entrar en las listas, pero tras 'tomarla prestada' Ray Charles, y convertirla en 'The night time is the right time', el tema fue un hit.
Como muchos otros cantantes de su estilo, a mediados de los años sesenta perdió el favor del público americano y desapareció por un tiempo, hasta que a comienzos de los ochenta, un nuevo interés despertado en Europa por sus viejas grabaciones, hacen que vuelva a los escenarios comenzando por una gira en 1983 por los países escandinavos. Desde entonces siguió actuando y grabando discos como el álbum 'Long Time Coming' (2001) hasta poco antes de su muerte en septiembre de 2008 a los 78 años.

Ralph Vaughan Williams

El 12 de octubre de 1872 nació en Down Ampney Gloucestershire el compositor británico Ralph Vaughan Williams, de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.

Su padre, Arthur, pastor anglicano de Down Ampney, en Gloucestershire, murió repentinamente cuando Ralph apenas tenía dos años de edad, por lo que su madre, Margaret Wedgwood, volvió con sus hijos al hogar familiar de Leith Hill Place, en la región de Surrey. Margaret procedía de una familia acomodada, emparentada con los Darwin, pues era hija de Caroline Sarah Darwin, hermana de Charles Darwin. Ralph estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como “un toque de lustre francés”.

Vaughan Williams (1938)

Como profesores tuvo, entre otros, a los compositores británicos Charles Hubert Hastings Parry y sir Charles Villiers Stanford, cuya ambición era renovar la música británica del siglo XX. A partir de 1903 se dedicó a recopilar canciones folclóricas inglesas a la vez que incorporaba los ritmos, escalas y esquemas melódicos de éstas a su propio estilo. Fue nombrado profesor en el “Royal College of Music” (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el Director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese conocida en todo el continente europeo.

Adeline y Ursula Wood en 1938

Contrajo matrimonio con Adeline Fisher en 1897. Pocos años después de la boda, a Adeline se le diagnosticó una artritis progresiva, que acabó confinándola en una silla de ruedas. Fallecida su primera esposa en 1951, se casó con su asistente personal, Ursula Wood, en 1953. Ambos llevaban manteniendo una relación sentimental desde 1938, cuando se conocieron, al parecer con el consentimiento de la propia Adeline.

Su música suele describirse como "típicamente inglesa", del mismo género que las obras de Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros.

Según el escritor Peter Ackroyd: «si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna». Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».

La música de Vaughan Williams expresa una profunda consideración y fascinación por las melodías populares, buscando sublimarlas y hacerlas etéreas. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas, de las que llegó recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música (aunque más superficial, más como mera cita o paráfrasis que como integración profunda, como habían hecho otros compositores como Béla Bártok o Leos Janaceck). También son características de su música las referencias hacia el paisaje y las personas que en él habitan.

Trabajó como editor musical en el English Hymnal (1906), para el que escribió la melodía Sine Nomine con el texto “For all the Saints”, el poema para violín y orquesta “The Lark Ascending” (1914) (Eleonora Turovsky, violín) y también publicó “Songs of Praise” (1925), “The Oxford Book of Carols” (1928) y la serie de "Hymn-tune Preludes" (1936) 1. “Eventide”, 2. “Dominus regit me” (Northern Sinfonic of England, dir Richard Hickox).
La obra de Williams y todos sus recursos estilísticos y técnicos culminan con sus nueve sinfonías, las cuales suponen su cima en lo que se refiere a inspiración melódica y armónica.

Entre ellas destacan la “Sea Symphony” (nº 1, 1909) (London Philharmonic Choir & London Philharmonic Orchestra), grandiosa obra coral con poemas de Walt Whitman, cuya poesía era fuente constante de inspiración para él, la “London Symphony” (nº 2, 1924, revisada 1921), III mov. (City of Southampton Orchestra, dir.Daniel Bortholossi).

Su tercera sinfonía (1921), subtitulada “Pastoral Symphony” ; la “cuarta sinfonía” (1935), cuyos enérgicos ritmos y fuertes disonancias muestran una faceta poco conocida del compositor; la “Quinta sinfonía” (1943) y la “Sinfonía nº 8” (London Symphony Orchestra, dir. André Previn). Entre otras obras para orquesta, compuso: “In the Fen Country” (1904) y “Norfolk Rhapsody” (1906, rev. 1914), Nº 1 (London Philharmonic Orchestra, dir. Briden Thomson);

“Las avispas” (1909), Parte 3,4 y 5, suite de la música incidental para la obra teatral de Aristófanes del mismo título, una partitura de características chispeantes, hiperactiva en su ritmo y deliciosa por su contenido enraizado en la mejor tradición de las canciones populares inglesas. La Suite es un fino ejemplo de música ligera y porta las características del período de estudios de Vaughan Williams con Ravel, quien no sólo pulió las orquestaciones de su alumno sino que lo introdujo en la colorida música rusa de Borodin y Rimski-Korsakov, como lo muestra la “Obertura de la Suite”. La “Obertura de Las avispas” está llena de encanto y también intenta retomar (con gran acierto) mucho del humor inherente a la pieza teatral de Aristófanes.

Basta escuchar los primeros compases de ésta, después de los unos acordes de alerta, puede escucharse en las cuerdas y los metales un efecto parecido al del vuelo sobre nuestras cabezas de un avispero.
“Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis” (1910, rev. 1913 y 1919) (BBC Symphony Orchestra, dir. Andrew Davis). En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, se realiza una especie de meditación sobre un tema de este compositor inglés del siglo XVI. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. El resultado es de una radiante sonoridad e inspiración.

'Greensleeves' es una canción popular inglesa de la época de Enrique VIII. Según la leyenda fue compuesta por el propio rey para cortejar a Ana Bolena. De entre la gran cantidad de versiones que ha recibido esta bellísima melodía se encuentra la de Vaughan Williams “Fantasia on Greensleeves” (1934) (The Philadelphia Orchestra, dir.Eugene Ormandy).

Vaughan-Williams dijo una vez: “El conocimiento de nuestras canciones folklóricas no nos descubrirá tanto algo nuevo, cuanto algo que había estado escondido para nosotros.” En este sentido, este compositor redescubre algunas melodías inglesas tradicionales al escribir 8 de los movimientos de su obra “Suite para viola y orquesta” (1934) (BBC Symphony Orchestra, dir: Jiří Bělohlávek) con una técnica, que aunque él la llamaba “de principiante”, lo llevó a convertirse en el compositor inglés más amado en su generación.

Obras destacadas:
Conciertos y piezas para solista y orquesta: el “Concierto para piano” (1926–31) (Royal Philharmonic Orchestra, dir. Vernon Handley); los conciertos para violín “La ascensión de la alondra” (1914) y el “Concerto Academico” (1924–25); “Flos campi” (1925) 1/3 2/2, 3/3 para viola, coro y pequeña orquesta; “Cinco variantes de Dives and Lazarus” (1939)  “Concierto para oboe” (1944), “Concerto Grosso” (1950) (The London Symphony Orchestra) y el “Concierto para tuba” (1954).

Óperas: Nocturno de "Whispers of Heavenly Death"1908 (poeta Walt Whitman); “Hugh the Drover” (1910–20); “Sir John in Love” (1924–28), “The Poisoned Kiss” (1927–29; revisiones 1936–37 y 1956–57); “Riders to the Sea” (1925–32) y “The Pilgrim's Progress” (1909–51), basada en el libro de John Bunyan; “The Shepherds of the Delectable Mountains” (1921) (Corydon Singers, City of London Sinfonia, dir. Metthew Best);
Ballets: “Old King Cole” (1923); “On Christmas Night” (1926); “Job” (1930) (London Symphony Orchestra, Adrian Boult); “The Running Set” (1933); “The Bridal Day” (1938–39).

Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst.

Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un personal lenguaje (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, en la que cabe destacar su “Misa en Sol menor” o la cantata “Dona Nobis Pacem”.
Corales: “Toward the Unknown Region” (1906); “Five Mystical Songs” (1911); “Fantasia on Christmas Carols” (1912); “Misa en Sol menor (1922) para coro a cappella”; “Sancta Civitas” (1923-25), oratorio ; “Dona nobis pacem” (1936); “Serenade to Music” (1938, para 16 voces solistas y orquesta ); “The Voice out of the Whirlwind” Motete para coro y Orquesta (1947) (Royal Liverpool Philharmonic Choir and Orchestra).
Cámara: “Quinteto en Re mayor” (1903)  (The Nash Ensemble) ; “Cuarteto de cuerdas Nº 1” (1908); “Romance (Andantino) para viola y piano” (1914) “Seis estudios en canciones populares inglesas” (1926), para violonchelo y piano; “Cuarteto de cuerdas Nº 2” (1942–44); “Sonata para violín y piano” (1952);

Vaughan Williams con Gustav Holst y sus asistentes en la St Paul's School Arriba de izq. a dcha: Adeline Vaughan Williams, Nora Day, Vally Lasker y Dorothy Langman.

James Muir Mathieson, un verdadero músico de cine, director del departamento musical de los Estudios Denham de Alexander Korda tuvo la idea de encargar la composición de las bandas sonoras de películas de propaganda no a los músicos en nómina de los estudios (aunque algunos eran excelentes) sino a las grandes glorias de la música británica del momento. Evidentemente, el nombre de Ralph Vaughan Williams fue uno de los primeros en aparecer, y fue a buscarlo a su casa de campo, donde encontró a ese hombre de casi 70 años recogiendo chatarra con su carrito. El anciano, en cuanto Mathieson le propuso su idea, se sintió orgulloso de responder a esa particular «llamada a las armas» y poder hacer algo por su país.

Y así, a una edad tan tardía, el mejor músico británico del siglo XX se puso manos a la obra con la que sería su primera banda sonora. Fue para la película «Los Invasores» («49th Parallel»), en 1941, de Michael Powell y Emeric Pressburger, una película que narraba las tropelías de la tripulación de un submarino alemán que huía a través de Canadá después de que su navío naufragase en aquellas costas, con el objetivo de llegar hasta la aún neutral Estados Unidos.

Williams sorprendió a todos con su energía y su inventiva, y se tomó el trabajo muy en serio. Leyó el guión, vio los copiones y ajustó cada nota a cada escena en donde iba a ir, llegando a modificar la partitura incluso durante las sesiones de grabación. También fue él quien propuso hacer algo que hoy es muy común en las bandas sonoras, especialmente para televisión: usar la misma música en diferentes momentos pues, según él decía, la misma pieza o frase musical, acompañando a una imagen diferente, podía cobrar un sentido nuevo. O, en el otro extremo, para marcar el impacto de una explosión, bien se podía usar el mismo efecto musical que se había empleado para un choque u otra explosión.

«Los invasores» fue todo un éxito en el Reino Unido y en Estados Unidos, llegando a ganar un Oscar a la mejor historia original. Luego continuó componiendo música para otras películas de propaganda y programas de la BBC, y también pudo componer música para el cine pues, acabada la guerra, aún siguió colaborando en otras películas. “The Flemish Farm” (Jeffrey Dell )(1943), una incursión de comandos en Europa en la Segunda Guerra Mundial.

Su interés y pasión vienen especialmente ilustrados con lo que le ocurrió con la banda sonora de «Scott en la Antártida» (1948), una película sobre la gesta de este explorador. El proyecto le interesó desde el principio y, ya mientras se estaba escribiendo el guión, comenzó a documentarse y, por su cuenta, a escribir música. Había compuesto 18 temas para una banda sonora muy larga y, en la película, sólo se usan la mitad de ellos. Posteriormente, el propio Williams, reescribiría la música usada en la película para su «Sinfonía Antártica». Sin embargo, más de la mitad de los 18 temas originales no llegaron a ser interpretados en esa época.

Ralph Vaughan Williams en 1958

En 1957, ya con 85 años, compuso su última banda sonora para el documental «La Inglaterra de Isabel». Moriría al año siguiente, el 26 de agosto en Londres, habiendo trabajado casi hasta el último día de su vida. Fue enterrado, como un héroe nacional, en la Abadía de Westminster, y sus cenizas reposan muy cerca de las de su admirado Henry Purcell y otros compositores ingleses como Herbert Howells y Charles Villiers Stanford.

Dottie West

El 11 de octubre de 1932 nació en McMinnville (Tennessee) la cantautora country Dottie West. En los años sesenta fue una de las pocas cantantes de country que se defendían en una industria hasta entonces dominada por hombres, iniciando el camino para futuras artistas como Lynn Anderson, Crystal Gayle, Dolly Parton y Tammy Wynette.

Tuvo una infancia difícil como la mayor de diez hermanos en un hogar extremadamente pobre con un padre violento y alcohólico, que además, abusaba de ella. Sus únicos momentos de felicidad los tenía escuchando por la radio los conciertos del Grand Ole Pry. A pesar de todo, Dottie logró finalizar la secundaria y recibió una beca para estudiar música en Tennessee. Allí comenzó a tocar en los locales de música country, donde conoció al guitarrista Bill West, con quien se casó en 1953. Una vez finalizados sus estudios se trasladaron a Cleveland, donde West actuó ocasionalmente en la TV local.

En 1961, ya con tres hijos, se mudó a Nashville, donde dos años más tarde, Dottie consiguió que Jim Reeves cantara una de sus canciones. Jim le facilitó la firma de un contrato con RCA Records y su primer single -haciendo dúo con Reeves-, 'Love is no excuse', -producido por Chet Atkins-, alcanza el Top10 de las listas country. Le siguió otra de sus composiciones, 'Here comes my baby' (1964), por la que obtuvo un Grammy, siendo la primera artista femenina de country en conseguirlo en la historia. En los setenta Dottie compuso una canción para la compañía Coca-Cola, 'Country sunshine', muy popular en Estados Unidos.

Dottie West y Kenny Rogers

A finales de la década grabó una serie de dúos con Kenny Rogers que llevó su carrera en otra dirección más orientada hacia el pop. 'Every time two fools collide' fue su mayor éxito juntos. En 1980 West consigue su primer nº1 en solitario en las listas country con 'A lesson' in leavin'. Aunque siguió siendo una artista muy popular, en 1990, tras divorciarse, atravesó graves problemas económicos. Cuando estaba preparando un disco de dúos con diversos cantantes country para recuperarse, sufrió un accidente de automóvil el 30 de agosto de 1991. Murió a causa de las heridas internas cinco días después. Dottie tenía 58 años.

Cecilia

El 11 de octubre de 1948 nació en Madrid la cantautora española Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia. Era hija de diplomáticos, por lo que pasó una infancia itinerante (Reino Unido, EEUU, Jordania y Portugal) y fue educada por una monja estadounidense que la animó a cantar y tocar la guitarra.

Ya en España, tras licenciarse en Derecho, decidió dedicarse de lleno a la música y a componer sus propias letras, que poseían una calidad poética y literaria notable, muy por encima de lo habitual en su tiempo. Sus primeras composiciones son en inglés, pero posteriormente se inclina más a componer en su idioma materno, el español, cosechando así sus grandes éxitos. En 1970 forma el grupo Expresión, grabando un single ('Have you ever had a blue day?' y 'Try catch the sun').

En 1971, es contratada por la multinacional americana CBS (hoy Sony-Music), y como el nombre de 'Eva' ya existía en el mercado discográfico, eligieron 'Cecilia', que coincidía con el hit de Simon y Garfunkel, publicado esos días por el mismo sello. Graba un primer single 'Mañana' y en la cara B 'Reuníos', dedicada esta última a los Beatles. El disco pasa bastante desapercibido, pero en 1972  graba su primer álbum 'Cecilia' y empieza a cosechar sus primeros éxitos con canciones como 'Dama dama', 'Fui', 'Señor y dueño' o 'Nada de nada'.

En 1973 se publica su segundo trabajo, 'Cecilia 2', con un aire más intimista y más maduro con temas como 'Andar', 'Un millón de sueños', 'Mi ciudad' y 'Canción de amor'. Es en 1975, después de editar varios singles cuando publica el álbum 'Un Ramito de Violetas', cuyo tema homónimo la consagró para siempre. En este mismo disco se encuentra la canción 'Mi querida España', con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción.

Como muchos otros artistas, Cecilia tuvo algunos problemas con la censura franquista. Algunas letras tuvieron que ser modificadas, ciertos temas fueron descartados de los discos y algunas de sus portadas fueron sustituidas. La canción 'Dama, dama' fue suavizada en los versos que dicen "Puntual cumplidora del tercer mandamiento, algún desliz en el sexto" quedando el final del mismo "... algún desliz inconexo". El tema 'Mi querida España' tuvo que ser modificado, quedando eliminadas las referencias a las Dos Españas ("Esta España viva, esta España muerta, esta España blanca, esta España negra"). Sin embargo, el texto fue publicado sin censura en la carpeta del LP. En algunas de sus actuaciones en vivo Cecilia interpretaba los textos originales. Entre los temas descartados para su publicación se encuentra la canción 'Soldadito de plomo', una crítica al ejército, que nunca vio la luz en vida de Cecilia.

El álbum más problemático fue 'Cecilia 2'. Su título iba a ser 'Me quedaré soltera' y una fotografía ilustraría la portada, con una Cecilia mostrando su embarazo. La compañía discográfica desechó la idea, cambiando el título al disco y utilizando una fotografía más discreta. El tema 'Un millón de sueños' supuso a Evangelina pasar por el juzgado. Su título original era 'Un millón de muertos' en referencia a la novela homónima de José Maria Gironella. Su alusión a la Guerra Civil española era directa. Cecilia declaró que se trataba de un tema acerca de la Guerra de los 6 días que ella misma vivió en persona, y el tema no fue modificado salvo en el título, si bien recibió el calificativo de 'no radiable' de los censores y quedó fuera de las emisoras de radio por un tiempo. (Wikipedia)

También en 1975 representó a España en el Festival de la OTI, quedando en segundo lugar con 'Amor de medianoche'. En 1976, mientras trabajaba en su siguiente disco dedicado a poemas de Valle Inclán, publicó el single 'Tú y yo', de gran éxito durante ese verano. El 2 de agosto, el coche en el que viajaba de vuelta de un concierto en Vigo, se estrelló de madrugada contra una carreta de bueyes que no llevaba luces de posición, muriendo ella en el acto junto con el batería de su grupo. Cecilia tenía 27 años.

Tras su fallecimiento se publicó un nuevo single a modo de homenaje, compuesto por las canciones 'El viaje' y 'Lluvia'. Siete años después en 1983, se editó un álbum con canciones inéditas, donde cabe destacar 'Doña Estefaldina', un tema con música inspirada en un vals y letra de Valle Inclán, que hubiera formado parte de su nuevo álbum en 1976.
En 1996 se publicó un doble álbum, 'Desde que tú te has ido', con 6 dúos (Miguel Bosé, Merche Corisco, Julio Iglesias, Ana Belén, Manolo Tena y Sole de Presuntos Implicados) y un tema inédito, el que dio título al álbum, canción que hizo popular el grupo Mocedades años atrás.

En los últimos años (2011/13) el sello discográfico Ramalama ha publicado varios álbumes de la cantante con grabaciones inéditas,  actuaciones en directo y maquetas de canciones que quedaron sin acabar con temas como 'Mi muñeca', 'Cíclope' y 'Día tras día'.