Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 25 de octubre de 1924 nació en Nueva Orleans el músico Earl Palmer, llamado 'el baterista más grabado de la historia'. Su trayectoria como baterista de sesión a lo largo de cincuenta años lo llevó a tocar en hits de Little Richard, Fats Domino, Frank Sinatra, Ray Charles, Rick Nelson, Beach Boys, Neil Young, Dizzy Gillespie, Count Basie, B.B. King, Randy Newman, Elvis Costello, Tom Waits y muchísimos más.
Su contribución al rock and roll fue premiada cuando fue admitido -por primera vez un músico de sesión accedía a ello- en el Salón de la Fama del Rock and Roll en el año 2000. Palmer murió a los 84 años en septiembre de 2009. Su batería se puede oir en temas tan diversos como 'The fat man' (Fats Domino, 1949), 'Summertime blues'(Eddie Cochran, 1958), 'La Bamba' (Ritchie Valens, 1959), 'The lonely bull' (Herb Alpert, 1962), 'You've lost that lovin' feelin'(The Righteous Brothers, 1964), 'River deep-mountain high' (Ike & Tina Turner, 1966) o 'Sweet little bullet from a pretty blue gun' (Tom Waits, 1978).
Earl aparece unos segundos en un video del grupo Cracker, 'I hate my generation' (1996). El cantante, David Lowery contó en una entrevista que cuando le preguntaron al septuagenario Earl si era capaz de seguir los temas a la batería, Palmer le miró de arriba a abajo, murmurando: "¿Bromeas?, Yo inventé esta mierda!"
El 25 de Octubre de 1825 nació en Viena, el compositor, violinista y director de orquesta austriaco, conocido como «el rey del vals», Johann Strauss II o segundo (llamado así para diferenciarlo de su padre, el también compositor Johann Strauss). Formó parte de la dinastía de músicos que convirtió esta modalidad de baile en un símbolo de Viena.
Niño prodigio, compuso su primer vals cuando sólo contaba seis años. No obstante, su dedicación a la música encontró la firme oposición de su progenitor, que quería que fuese comerciante. Sin embargo, gracias al apoyo de la madre, pudo tomar lecciones de violín y composición en secreto y dedicarse a la música. Johann Strauss hijo, quien a partir de 1841 fuera estudiante de la universidad politécnica, no tenía gran interés en la árida contabilidad siendo expulsado de este centro después de dos años, por "conducta contraria a la disciplina". Ni siquiera un profesor particular pudo salvar la situación: Johann faltaba a las clases dando preferencia a la música.
Durante un año continuaba con sus estudios de violín y música, luego solicitó el permiso policial para "tocar con una orquesta de entre 12 y 15 personas en establecimientos de hostelería". El 15 de octubre debutó, con éxito, con su orquesta en el establecimiento "Dommayer" en Hietzing. Después de esta primera actuación, varios establecimientos le ofrecieron la oportunidad de presentarse y poco después se publicarían ya sus primeras composiciones por la editorial Mechetti. Desencadenándose una lucha musical entre padre e hijo, los dos pondrían todo su empeño en ganarse a los críticos de la prensa, intentando así ganarle terreno al otro.
El verano de 1847 la familia hizo las paces: se dice que en la víspera del santo del padre, Johann hijo le tocó una serenata, con lo que el primero le perdonaría. Cuando Strauss padre murió en septiembre de 1849, el hijo se encargó de la orquesta de su progenitor. En los funerales del 11 de octubre haría la primera salida a escena con la orquesta paterna, tocando el réquiem de Mozart. Los músicos, sin embargo, se oponían al joven sucesor con lo que no le quedó más remedio que disolver eventualmente la orquesta y reorganizarla . "Jean", como le gustaba llamarse, pronto se encargó de la dirección de la música de baile de la corte. Ya a la temprana edad de 28 años disponía de un cuerpo orquestal de 300 instrumentistas, divididos en varios conjuntos musicales. Tocaban en diferentes establecimientos y salones de baile. Strauss mismo iba de un lugar a otro, a veces dirigiendo en más de 6 estrados durante una sola noche.
"Jetty", su primera mujer, una cantante siete alos mayor que él, se encargó de la "gestión de los conciertos". Dividió la orquesta en cuatro grupos y cada noche dirigía uno tras otro. El exceso de trabajo (una nueva gira de conciertos en 1851 por Alemania, Praga y Varsovia) debilitó sus fuerzas en 1853 y su hermano Josef tuvo que hacerse cargo de la dirección de la orquesta. A partir de 1855, y durante 16 años, fue contratado cada verano en Pavlosvsk, cerca de San Petersburgo. Reemprendió sus viajes: América (1872), Italia (1874), París (1875 y 1877), Alemania (1876), Ostende y Berlín (1875), Alemania y Rusia (1876) y nuevamente Berlín (1879).
Angelika Dittrich
En 1863 fue elegido director de música de los bailes de la Corte, y recibió numerosas distinciones honoríficas austríacas y extranjeras, como la Legión de Honor, de Francia, en 1877.
Su segunda esposa, Angelika Dittrich (actriz), con quien se casó en 1878, no era una ferviente partidaria de su música y la diferencia de edad y opiniones, y sobre todo su indiscreción, llevó a que Johann le pidiera el divorcio. A Strauss no le concedió el divorcio la Iglesia Católica Romana y, por lo tanto, cambió de religión y nacionalidad y se convirtió en ciudadano de Sajonia-Coburgo-Gotha el 28 de enero de 1887.
Adele y Johann
Strauss buscó consuelo en su tercera esposa, Adele (con quien se casó el 15 de agosto de 1882) y en sus últimos años fluyeron sus talentos creativos, lo que resultó en gran parte buena música.
Johann Strauss murió de neumonía en Viena el 3 de junio de 1899 a la edad de 73 años y fue sepultado en el Zentralfriedhof de Viena (Cementerio Central de Viena). En el momento de su muerte, se encontraba trabajando en su ballet “Aschenbrödel” (Cenicienta).
Strauss se consagró a la composición de operetas, con títulos como “El murciélago” (1874) y “El barón gitano” (1885) y de valses: “El Danubio azul” (1867) (Orchestre Philharmonique de Berlin & Herbert von Karajan) , “Vals de los bosques de Viena” (1868) (Dir. André Rieu), “Rosas del sur” (1880), “El vals del emperador” (1889) y “Voces de primavera” (1883) (Orchestre Philharmonique de Berlin & Herbert von Karajan) son algunos de sus valses más populares. También compuso polkas y marchas, “Pizzicato Polka” (Johann Strauss Ensemble), “Tritsch-Tratsch Polka” (Vienna Philharmonic Orchestra, Dir. Zubin Mehta).
El “Danubio azul” es considerada como la más importante de las 498 composiciones de danza compuestas por el "rey del vals". Consiste en una introducción (44 compases) del vals propiamente dicho, dividido en cinco partes, algunas de las cuales va precedida de una "entrada" para terminar en una extensa "coda" de 148 compases. Allí se afirma el carácter decididamente rítmico de la melodía, orientada directamente, incluso con su variedad de acentos y de movimientos, a los fines de la danza. Bajo este aspecto, la obra constituye un verdadero modelo en su género. En “el bello Danubio azul” (tal es su título original en alemán) pudo escucharse por primera vez en 1867, pero no tal como hoy lo conocemos, sino en una versión coral. La orquestal, desde el mismo momento de su estreno (1890), tuvo una acogida triunfal que no ha remitido con el tiempo.
De sus operetas, debe destacarse la opereta en tres actos “El murciélago” - "Mein Herr Marquis" (Lucia Popp soprano, Bayerischer Staatsoperchor, dir. Carlos Kleiber), ópera cómica en tres actos con el libreto de C. Haffner y R. Genée, basado en la comedia Réveillon, de Meilhac y Halévy, que fue representada por primera vez en Viena, en el Theater An der Wien, el 6 de abril de 1874. La acción transcurre en un balneario termal junto a Viena, donde una joven casada, muy sensible a los requerimientos amorosos de un tenor, lo recibe en su casa en ausencia del marido. Pero la policía, que está buscando al marido, se presenta en la casa y detiene en su lugar al tenor.
Aclarado el equívoco que, a su vez, da lugar a otros divertidos “quid pro quos”, el asunto termina, como no podía menos, de la mejor manera posible. El título deriva del apodo de "Murciélago" que le dan al director de prisiones, por haberse disfrazado de esta forma para asistir a un baile de máscaras. En la historia de esta forma teatral, marca efectivamente una fecha, por llevar a escena por primera vez hombres actuales y cotidianos, que viven la vida de su tiempo cantando alegremente vestidos a la moda del día, en lugar de personajes imaginarios, ataviados de manera fantástica, ya fuesen históricos, ya mitológicos. El Murciélago debe además su importancia al hecho de haber iniciado la opereta-vals, característica de Johann Strauss hijo, y de sus sucesores, los operistas vieneses y alemanes en general.
En efecto, en el "Murciélago", (Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Karl Böhm) el vals está elevado al nivel de generador lírico de la opereta entera, y sobre todo en el segundo acto (la fiesta en el jardín) anima la escena con la inagotable riqueza de sus melodías.
Monumento a Strauss en Viena
Los historiadores vieneses gustan de utilizar metáforas floridas en las que se sugiere que los Strauss (padre e hijo) más que componer valses, transformaban su ciudad en música. "Si es verdad que tengo talento", escribió en los últimos años de su vida Johann Strauss II hijo, "se lo debo, por encima de todo a mi amada ciudad en Viena... en cuyo suelo está enraizada toda mi fuerza y en cuyo aire flotan las melodías que han sido captadas por mi oído, han embriagado mi corazón y, finalmente, han escrito mi mano".
Orquesta Johann Strauss
La música de Strauss es interpretada regularmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, (“Voices of Spring”, Karajan) como resultado de los esfuerzos de Clemens Krauss quien realizó un programa especial dedicado a Strauss en 1929 con la orquesta vienesa. Varios intérpretes de Strauss, como Willi Boskovsky, continuaron la tradición de dirigir violín en mano como era costumbre en la familia Strauss, así como Herbert von Karajan y Riccardo Muti. Además, la Orquesta de Viena Johann Strauss que se formó en 1966 le rinde homenaje durante las giras de esta conocida orquesta.
El 25 de octubre de 1838 nació el compositor francés perteneciente al periodo romántico Alexandre César Léopold Bizet, conocido por sus familiares y amigos como Georges Bizet. El padre, profesor de canto, le enseñó los primeros rudimentos del arte musical; a los cuatro años ejecutaba los más difíciles ejercicios y a los nueve era admitido en la clase de piano de Marmontel en el Conservatorio de París.
Seis meses después obtenía el primer premio de solfeo. Paralelamente a su formación instrumental, estudió composición con Zimmermann, que sustituía entonces a Charles Gounod. En 1852, un primer premio de piano fue la compensación a sus brillantes y fogosas ejecuciones; en 1854 obtuvo un premio de órgano en la clase de Benoist y al mismo tiempo se matriculó en el curso de composición de Halévy, el célebre autor de Hebrea. En 1854 compuso su primer Nocturno en Fa mayor (1854) (Glenn Gould). Ya en la "Sinfonía en do mayor" (1855) (Donald Johanos & New Zealand Symphony Orchestra) se pudo entrever que la economía, la precisión en la expresión y el ritmo danzante y ágil serían características de su música.Concluyó sus estudios ganando el gran Premio de Roma en 1857 y más tarde, durante sus tres años como becario en Italia, encontró allí un terreno fértil para cultivar sus grandes aficiones artísticas y literarias.
En el año 1857 Bizet consigue el Premio de Roma, instituido por Napoléon en 1803. Este "Prix de Rome" le permitió estudiar tres años en Italia con ayuda de una beca. Ya era autor de varias composiciones, entre ellas la opereta "El Doctor Milagro".
A comienzos del año 1858 aborda el tren en Livorno y después de pasar por Pisa, Pistoia y Florencia llega el 27 de Enero a Roma; se aloja en la Villa Medici y cumple religiosamente con las condiciones del premio otorgado. Cada año envía a París una obra; la primera es un “Te Deum” (Winnender Kantorei und Collegium Musicum an der Schlosskirche). En 1860 llega a Villa Medici Ernest Guiraud con el que traba amistad. Bizet concluye entonces “Vasco de Gama” y una “Suite para orquesta”.
Bizet es uno de los maestros del arte lírico francés por la concisión de pensamiento, por su sugestiva potencia, por la variedad de su vocabulario armónico y por la riqueza y la forma de su orquestación.
Su primera ópera mayor, “Los pescadores de perlas” (Alfredo Kraus), se estrenó en París en 1863. Sin embargo, no fue un éxito y pronto se retiró del cartel. Tampoco lo fue “La Bella muchacha de Perth” (1867) (Orchestre National de la Radiodiffusion française & Dir. André Cluytens). Compuso la suite “Juegos de niños, doce piezas para dos pianos” Opus 22 (1871) (Alfons & Aloys Kontarsky, piano) unas brillantes miniaturas que reflejan el mundo infantil, descritas con una intuición concisa y maravillosa. Bizet orquestó más tarde cinco de estas piezas y también la “Pequeña suite para orquesta sin instrumentos” (1871). Además de su drama musical como tal, Bizet también compuso la música para la obra de Daudet “La artesiana” (1872) (Orchestre de Paris & Daniel Barenboim).
La Opéra Comique le invita a poner música a “Namouna” de Alfred de Musset, que en la ópera se llamará “Diamileh” (1872) (Djamileh: Lucia Popp, Haroun: Franco Bonisolli, Splendiano: Jean-Philippe Lafont).El escenario de todas estas óperas se sitúa fuera de Francia. Bizet presenta con excelente acierto sus exóticos ambientes, especialmente en Los pescadores de perlas.
Junto a este exotismo bien estudiado, Bizet procuró asimilar las figuras de la escena, caracterizándolas individualmente en su música, como en el manifiesto retrato oriental de Djamileh. Por este motivo, la caracterización musical y dramática de “Carmen” (1874-1875), que se convertiría en una de las obras de más éxito en la historia de la ópera, no fue simplemente fruto del azar sino más bien la culminación del desarrollo artístico del compositor. · Carmen – “Habanera” (Opéra de Bizet à la Scala de Milan, Anita Rachvelishvili)
L'amour est un piseau rebelle
Que nul ne peut apprivoiser
Et c'est bien en vain qu'on l'appelle
C'est lui qu'on vient de nous refuser
Rien n'y fait, menaces ou prieres
L'un parle bien, l'autre se tait
Et c'est l'autre que je prefere
Il n'a rien dit mais il me plait
L'amour, l'amour, l'amour, l'amour
L'amour est enfant de boheme
Il n'a jamais jamais connu de lois
Si tu ne m'aimes pas je t'aime
Si je t'aime prend garde a toi
Si tu ne m'aimes pas
Si tu ne m'aimes pas je t'aime
Mais si je t'aime, si je t'aime
Prends garde a toi
L'oiseau que tu croyais surprendre
Battit de l'aile et s'envola
L'amour est loin, tu peux l'attendre
Tu ne l'attends plus, il est la
Tout autour de toi, vite, vite
Il vient, s'en va puis il revient
Tu crois le tenir, il t'evite
Tu crois l'eviter, il te tient
L'amour, l'amour, l'amour, l'amour
L'amour est enfant de boheme
Il n'a jamais jamais connu de lois
Si tu ne m'aimes pas je t'aime
Si je t'aime prend garde a toi
Si tu ne m'aimes pas
Si tu ne m'aimes pas je t'aime
Mais si je t'aime, si je t'aime
Prends garde a toi
· Carmen, "L'amour est un oiseau rebelle" (Aria ActoI) (Elīna Garanča, mezzo-soprano, Berliner Philharmoniker, dir. Gustavo Dudamel). · Carmen, “Micaëla's aria: Je dis que rien ne m'épouvante” (Anna Netrebko Soprano (Micaëla) Munich Opera).
Los críticos de la época fueron duros en su apreciación de la música de Bizet y el estreno de Carmen fue casi un fracaso. El relato de Prosper Merimée (que narra la aventura amorosa entre la gitana Carmen y el joven soldado don José y acaba con la total degradación del soldado, cuya pasión le empuja a matar a Carmen) era un tema demasiado realista para el público de aquel tiempo. · Carmen –“Toreador” (De la película Carmen, con Julia Migenes-Johnson como Carmen, Plácido Domingo de Don Jose y Ruggero Raimondi como El Matador.)
Pero fue precisamente este mismo realismo el que liberó el genio de Bizet. En algunos de los pasajes más emocionantes de esta ópera, Bizet se acercó peligrosamente a la expresión tonal de su amigo Gounod, pero cuando describe una pasión inquieta (como cuando se acerca a la protagonista), su capacidad para caracterizar en música se supera a sí misma. “Carmen” se estrena el 3 de marzo de 1875 en la Opéra Comique de París(Coro y orquesta de la Scala di Milan & dir Daniel Barenboim)
Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito póstumo de Carmen: tres meses después de estrenarse la ópera, y coincidiendo con una grave depresión fruto al parecer del fracaso de la misma, el compositor fallecía a la temprana edad de 36 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a un «reumatismo articular agudo». Sus restos fueron enterrados en el cementerio de Père Lachaise de su ciudad natal.
Aunque conocido sobre todo en su faceta de compositor de óperas, Bizet fue en su tiempo también un extraordinario pianista que mereció los elogios del mismísimo Franz Liszt, quien después de haberlo escuchado interpretar una compleja partitura, lo calificó como uno de los pianistas más brillantes de Europa. El 23 de Octubre se escuchó, por primera vez, Carmen en idioma alemán, en la ópera Real de Viena. El éxito arrollador, le abrió a la obra las puertas hacia el mundo y significó para Bizet ser reconocido como uno de los grandes compositores de todos los tiempos.
El 24 de octubre de 1927 nació en Toulon (Francia) el cantante francés Gilbert Bécaud. Apodado 'Monsieur 100.000 volts' por su dinámica presencia escénica, Bécaud fue uno de los cantantes franceses más populares de los años cincuenta y sesenta y disfrutó de una carrera musical que se extendió más de cuatro décadas. Conocido por su éxito 'Et maintenant' de 1961, también fue actor ocasional, autor de casi 400 canciones y un ambicioso compositor, completando una cantata de Navidad, una ópera y un musical de Broadway. Pero su mayor impacto lo logró como cantante. En una época en la que los cantantes de cabaret mantenían una postura inamovible en escena, las enérgicas y entusiastas actuaciones de Bécaud llevaban a sus audiencias a un estado frenético. Se convirtió en una presencia habitual del Olympia de Paris, donde llegó a actuar en 30 ocasiones, más que ningún otro artista.
Nacido como François Gilbert Léopold Silly en el puerto mediterráneo de Toulon, desarrolló pronto su talento con el piano y con nueve años ya estaba estudiando en el Conservatorio de Niza. Su educación se vió interrumpida por la Segunda Guerra Mundial y dejó la escuela en 1942 para reunirse con su familia en Albertville y colaborar con la Resistencia francesa. Tras la guerra, su familia se instaló en Paris y el joven Gilbert realiza sus primeras actuaciones en night-clubs y cabarets. Por la misma época, comenzó a componer música para películas bajo el nombre de François Bécaud y conoció al también compositor Maurice Vidalin quien le animó a escribir canciones pop con el estilo tradicional de chanson.En 1948 Gilbert escribe temas para la cantante Marie Bizet, a través de la cual, el músico conoce a Pierre Delanoé, quien junto a Bécaud y Vidalin formaría una fructífera asociación creativa.
En 1950, Gilbert es contratado como pianista para acompañar al cantante Jacques Pills. Durante una gira por Estados Unidos, ambos coinciden con Edith Piaf y le componen la canción 'Je t'ai dans le peau'. Pills y Piaf se casan y Bécaud fue el pianista y mánager de Edith Piaf por un breve tiempo. En 1952 cambió su nombre artístico al definitivo Gilbert Bécaud, realizó su debut como cantante, contrajo matrimonio y escribió canciones en colaboración con Louis Amade y un joven Charles Aznavour. Gracias en parte a las influencias de Piaf, Bécaud logró grabar sus primeros singles, 'Mes maines' y 'Les croix' en 1953. Los temas, escritos por Delancé y Amade, respectivamente, ayudaron a Gilbert a establecerse como un artista prometedor de la escena musical francesa
En 1954 realizó su primera aparición en el Olympia como telonero, la noche de su reapertura. Volvió como cabeza de cartel al año siguiente y ofreció un show tan electrizante que produjo que las adolescentes se volvieran locas y comenzaran a destrozar las butacas del teatro. La prensa francesa le puso el apodo de 'Monsieur 100.000 volts' y la publicidad le catapultó a la primera línea de los cantantes franceses, Bécaud publico numerosos hits durante los años cincuenta incluyendo 'La corrida' (1956), 'Les marchés de Provence' (1957), 'Le jour où la pluie viendra' (1957 co-escrita con Delanoé) y 'C'est Merveilleux l'Amour' (1958), entre otros. Adicionalmente, 'Le jour où la pluie viendra' fue adaptada al inglés como 'The day the rains came', un éxito en las listas inglesas para Jane Morgan en 1958.
Fue el primero de varios temas escritos por Bécaud que lograron un gran éxito en versión inglesa y Gilbert consolidó su creciente reputación con largas giras internacionales. Durante este periodo Bécaud tambien actuó en el cine apareciendo por primera vez en la película 'Le pays d'où je viens' (1956) a la que seguirían 'Casino de Paris' (1957) y 'Croquemitoufle' (1959).
En 1960 el cantante ganó el prestigioso premio de Grand Prix du Disque y compuso una extensa obra clásica navideña, una cantata titulada 'L'enfant à l'etoile', estrenada en Nochebuena en una iglesia parisina ante las cámaras de TV. Otro de sus grandes éxitos fue 'Je t'appartiens', que llegó a ser un Top10 en las listas estadounidenses en su versión inglesa, 'Let it be me', cantada por los Everly Brothers. Este tema recibiría innumerables versiones, entre ellas las de James Brown, Jerry Butler, Willie Nelson, Elvis Presley, Bob Dylan y Nina Simone.
El mayor hit de su carrera llegó en 1961 con 'Et maintenant', un tema co-escrito con Pierre Delanoé que se convertiría en uno delos grandes clásicos de la música popular francesa. Traducida al inglés como 'What now my love' también se convirtió en un standard en Estados Unidos e Inglaterra, recibiendo versiones de Shirley Bassey, Sonny & Cher, Frank Sinatra, Elvis Presley y Andy Williams, entre muchos otros.El año 1962 completó una ópera, 'L'Opera d'Aran' parte 1, parte 2, que se estrenó en Paris en octubre de ese año, con dirección de Georges Prêtre. Pasó buena parte de 1964 realizando giras presentando su obra.
Bécaud continuó con sus extensas giras por todo el mundo y a finales de los años sesenta apareció en numerosas ocasiones en la TV francesa. La corbata a lunares y su mano en el oído son imágenes que marcaron su estilo. Aquella corbata era para él un amuleto porque tenía su historia:
Gilbert había estudiado piano y joven aún, buscaba trabajo. Al presentarse en un piano-bar intentado lograr un empleo, el dueño del bar -que solicitaba un pianista-, le dijo que era imposible teniendo en cuenta que la imagen de etiqueta de su establecimiento requería el uso de corbata y él no llevaba. Como iba acompañado de su madre -quien llevaba un vestido azul a lunares- ella misma arrancó el olan de su vestido para confeccionarle de manera improvisada una corbata a su hijo, quien regresó al bar, donde fue inmediatamente contratado. Después de aquel dìa, Gilbert se presentó siempre usando una corbata con lunares.
Otra de sus manías era aparecer en escena siempre con el mismo piano, que poseía una particularidad: estaba ligeramente inclinado. Efectivamente, Gilbert estaba siempre dispuesto a observar la sala mientras estaba sentado al piano y para ello le solicitó a Jaques Dinnat (su escenógrafo) que cortase uno de los tres pies del instrumento a fin de darle cierta inclinación necesaria, lo que fue efectuado por un artesano parisino. Esta inclinación apenas perceptible a la vista, era suficiente para obtener el resultado deseado. Sin que ello afectara su interpretación o la del pianista que lo acompañaba regularmente, Gilbert Sigrist.
Durante los años setenta Bécaud se centró más en las actuaciones que en las grabaciones, aunque siguió colocando canciones en las listas francesas a pesar de los gustos cambiantes de la época. En 1970 tuvo otro hit con 'La solitude, ça n'existe pas' y retornó brevemente a su carrera de actor apareciendo en los films 'Un homme lobre' de Roberto Muller y 'Toute une vie' de Claude Lelouch. A finales del año 1973 tuvo que tomarse un descanso y en este punto de su carrera su larga adicción al tabaco comenzó a pasarle factura en la voz. Sin embargo volvió a los escenarios en 1974, manteniendo una apretada agenda de actuaciones. Ese mismo año fue nombrado Caballero de la Legión de Honor y en 1975 logró su único hit en el Reino Unido con 'A little love and understanding', versión inglesa de 'Un peu d'amour et d'amitie'.
Colaboró con Pierre Grosz en 1976, componiendo 'Mais où sont-ils les jours heureux?' y en 1977 obtuvo otro éxito con 'L'indifference' escrita con su colaborador habitual Maurice Vidalin. Tras otro periodo de inactividad a finales de los setenta, Bécaud co-escribió con Neil Diamond los éxitos 'September Morn' (1980) y 'Love on the rocks' (1981), revitalizando además su propia carrera discográfica con el hit de 1982 'Desirée'. Cuatro años después se estrenó en Estados Unidos su musical 'Madame Roza', teniendo allí más éxito del que obtuvo en Francia. En 1988 Bécaud cambió de sello y firmó con BMG, donde publicó ese mismo año el álbum 'Fais-Moi Signe'.
Tras la muerte de su madre en 1991, se embarcó en una gira alrededor del mundo y contempló la idea de retirarse. Antes, sin embargo, en 1993, publicó su álbum autobiográfico, 'Un Vie Comme un Roman'. Los siguientes años los pasó descansando y cuidando su salud en residencias diferentes, incluyendo una casa flotante en el Sena. No obstante, continuó escribiendo canciones y volvió al estudio en 1996 para grabar el álbum 'Ensemble'. Al año siguiente celebró su 70 cumpleaños con otra serie de triunfales conciertos en el Olympia y en 1999 publicó el álbum 'Faut Faire Avec...'. Realizó su última aparición en directo en Suiza el mes de julio del año 2000 y seguidamente entró en el estudio para grabar lo que sería su última obra, 'Le Cap'. Murió en su casa flotante del Sena el 18 de diciembre de 2001.
El 24 de octubre de 1930 nació en Sabine Pass (Texas) el disc-jockey, compositor y cantante J.P. Richardson Jr, más conocido como The Big Bopper, cuya exuberante personalidad y potente voz le convirtieron en una estrella temprana del rock'n'roll. Desgraciadamente también es famoso por ser uno de los ocupantes de la avioneta en la que perdieron la vida con él, los músicos Buddy Holly y Ritchie Valens.
Jiles Perry Richardson Jr fue el hijo mayor de los tres hijos que tuvieron Elise y Jiles Perry Richardson, un trabajador de los campos de petróleo tejanos. Siendo Jiles aún un niño, la familia se mudó a Beaumont, donde Richardson se graduó en la Beaumont High School en 1948 y era defensa del equipo de fútbol 'Royal Purple', luciendo el dorsal 85. Más tarde asistió a clases de leyes en el Lamar College, donde fue miembro del coro y la banda universitaria.
En 1949 consiguió un trabajo fijo como disc-jockey en la emisora KTRM, por lo que dejó los estudios. Cuatro años más tarde estaba casado y era padre de una niña, Debra Joy. En 1955 fue llamado a filas y recibió instrucción en Ford Ord (California) y pasó el resto del servicio como instructor de radar en Fort Bliss (Texas).
Tras licenciarse en 1957 volvió a su trabajo en la KTRM y presentaba de lunes a viernes un programa de media mañana llamado 'Dishwasher's Serenade'. Estableció un record de horas de emisión permaneciendo cinco días, dos horas y ocho minutos ante el micrófono, pinchando 1.821 títulos de canciones y aprovechando las conexiones con los boletines informativos para ducharse.
Uno de los patrocinadores de la emisora solicitó que le cambiaran el horario a Richardson, por lo que debutó con un nuevo show de tres a seis de la tarde y se hizo llamar Big Bopper, inspirado en el baile (the bop) de moda entre los estudiantes. Gracias al éxito del programa, no tardó en convertirse en el director de programación de la KTRM.
Richardson, que tocaba la guitarra, comenzó por esta época a escribir canciones. George Jones grabaría su canción 'White lightning' con la que Jones lograría su primer nº1 country en 1959. Richardson también compuso 'Running bear' para su amigo Johnny Preston. La inspiración le vino de sus recuerdos de la infancia junto al río Sabine, donde había oído historias sobre los indios y sus costumbres. El mismo Big Bopper participó en los coros durante la grabación, aunque el single no se publicó hasta septiembre de 1959, tras la muerte de Richardson. Unas semanas después, el disco fue nº1.
El hombre que lanzó a Richardson como artista discográfico fue Harold 'Pappy' Daily, que procedía de Houston (Texas). Era el director de promoción de los sellos Mercury y Starday y fichó a Big Bopper cuyo primer single con un claro sabor country, 'Beggar to a king', no llegó a alcanzar las listas. En verano de 1958 se puso a la venta la canción 'Chantilly lace' que llegó al nº6 de las listas pop, permaneciendo 22 semanas en el Top40 nacional. En ella Richardson pretende mantener un flirteo telefónico con su chica.
El tema generó hasta una canción respuesta grabada por Jayne Mansfield, llamada 'That makes it' en la que Mansfield canta lo que se supone que decía la novia de Big Bopper al otro extremo de la línea. Ese mismo año, Richardson publicó un segundo hit titulado 'The Big Bopper's wedding' . Gracias al enorme éxito de 'Chantilly Lace' y a su primer álbum, Richardson se tomó unos meses de excedencia en su trabajo para unirse al 'Winter Dance Party Tour', un espectáculo que giraba por el país con Buddy Holly, Ritchie Valens y Dion and the Belmonts.
El undécimo día del tour, Holly decidió alquilar una avioneta para que les trasladara a él y a dos de sus músicos al siguiente show que tenía lugar en Moorhead (Minnessotta). Llevaban una semana viajando en autobús, que se había averiado en un par de ocasiones, estaban cansados, aún no habían cobrado y sus trajes estaban sucios. Con el aeroplano, tenían la ocasión de llegar antes, lavar la ropa y descansar unas horas. Uno de los que iban a acompañar a Holly era su bajista, Waylon Jennings, quien le cedió el puesto a Big Bopper, aquejado de un resfriado. El guitarrista Tommy Allsup accedió a jugarse su plaza con Ritchie Valens a cara o cruz, ganando este último.
Big Bopper Jr
El resto es conocido. Los tres músicos y el joven piloto de 21 años fallecieron al estrellarse la avioneta en un campo de maíz el 3 de febrero de 1959. En abril de ese año nacía el segundo hijo de Richardson, un varón llamado Jay Perry Richardson, que bajo el nombre artístico de 'Big Bopper Jr' recorrió durante años el mundo interpretando los temas de su padre, entre ellos, las veinte canciones que dejó escritas antes de morir. Jay Perry Richardson murió el 21 de agosto de 2012 a los 56 años.
El 24 de octubre de 1911 nació en Greensboro (Carolina del Norte) el músico y armonicista de blues Sonny Terry, conocido por su particular estilo con la armónica con la que imitaba el sonido de los trenes, ladridos de perros, aullidos. etc. combinado con gritos en falsete de su propia voz, y por su larga asociación junto al guitarrista y cantante Brownie McGhee.
Sonny Terry
En 1914, teniendo Sonny (Saunders Tedell) tres años, su familia se trasladó a una granja de Piedmont Hills, situada al norte de Durham (Carolina del Norte). Más tarde, Sonny acababa de cumplir los once años, cuando, jugando con otros niños sufrió un accidente en el que perdió un ojo. Años después, un nuevo accidente, en el que alguien le lanzó un trozo de hierro a la cara, le dejó ciego, sumiéndole para siempre en la oscuridad. Araíz de su ceguera, Sonny Terry concentró todas sus energías en la armónica, instrumento con el que ya jugueteaba desde niño. Se dedicó a imitar los trenes y la caza del zorro, remedando los ladridos de los perros y el aullido del animal acosado. ('Fox Chase')
Blind Gary Davis
La pericia que demostraba al cambiar su voz con el sonido de la armónica (emitiendo gritos en falsete, alternados con los gemidos de su crossed-harp, no se vio superada por ningún otro músico de la región, ni tan siquiera por De Ford Bailey, intérprete de Nashville, creador del 'Alcoholic Blues' que indujo a Sonny a ganarse la vida por medio de la armónica. Terry se asoció entonces con otro virtuoso instrumentista ciego llamado Blind Gary Davis, con el que se dedicó a cantar por las calles de las ciudades productoras de tabaco.
Finalmente, Sonny conoció a Blind Boy Fuller, con quien trabó una profunda amistad. Cuando Gary Davis se marchó para predicar por las highways, Sonny y Fuller se unieron a él. Los tres músicos ciegos estuvieron actuando juntos una temporada y debía resultar impresionante verlos tocar por las calles de Durham y Raleigh. Tomaron como lazarillo a un chaval pelirrojo de Durham, llamado George Washington. La ciudad de Durham también recibía el nombre de 'Bull City', debido a que la importante firma situada allí 'Genuine Durham Smoking Tobacco' de W.T. Blackwell, utilizaba como anagrama para sus cigarrillos el dibujo de un toro. En consecuencia el joven Washington, que también tocaba el washboard, adoptó el seudónimo de Bull City Red. Fue precisamente Red quien le presentó a Terry a Brownie McGhee, quien profesaba una gran admiración por Fuller.
Terry emigró a Nueva York cuando John Hammond lo fichó para sus conciertos en el Carnegie Hall (1938), compartiendo experiencias con Leadbelly y, al fallecer Fuller en 1940, se quedó definitivamente en la ciudad, donde realizó sus primeras grabaciones comerciales que incluían 'Old Jabo', un tema sobre un hombre a quien le muerde una serpiente, y 'Lost John' en el que demuestra su increíble control de la respiración.
A partir de este momento, las carreras musicales de Terry y McGhee se unen en el dúo Sonny & Brownie, una de las formaciones más estables y exitosas de la historia del blues, realizando un gran número de grabaciones en sellos como Folkways, Savoy y Fantasy cuya popularidad traspasó las barreras raciales llegando a ser muy populares en los círculos folk y blues y actuando para audiencias blancas y negras.
A pesar de su fama de artistas de 'folk puro', ambos lideraron durante un tiempo un combo de jump blues que incluía saxofón y piano que fue llamado indistintamente Brownie McGhee and his Jonk House Rockers o Sonny Terry and his Buckshot Five. En 1955, McGhee y Terry aceptaron unos papeles en Broadway tomando parte en el cast de la obra 'La gata sobre el tejado de zinc', dirigida por Elia Kazan, donde se vieron expuestos a una mayor audiencia.
Cuando, en los años 1960, su blues rural comenzó a perder el favor del público negro, Sonny & Brownie fueron acogidos por el público folk blanco y, sobre todo, por el público en Europa, participando en numerosos Festivales de folk y blues por todo el mundo. Terry también participó en grabaciones de Harry Belafonte y en anuncios comerciales para la TV.
En los años setenta, Terry publicó su libro: 'The Harp Styles of Sonny Terry' y continuó realizando giras sin descanso junto a Brownie McGhee. El constante ajetreo de las giras llevó a un periodo de desafección entre ambos y a comienzo de los años ochenta la pareja artística se separó.
Terry continuó grabando y mostrando su talento con la armónica a nuevas generaciones gracias al apoyo de Johnny Winter, que le produjo el álbum 'Whoopin' (1984), en el que tambien intervinieron Willie Dixon y Styve Homnick. Un año después participó en las bandas sonoras de los films 'El color púrpura' de Steven Spielberg y 'Cruce de caminos' de Walter Hill. Terry murió en marzo de 1986 a los 74 años.
Su contribución al rock and roll fue premiada cuando fue admitido -por primera vez un músico de sesión accedía a ello- en el Salón de la Fama del Rock and Roll en el año 2000. Palmer murió a los 84 años en septiembre de 2009. Su batería se puede oir en temas tan diversos como 'The fat man' (Fats Domino, 1949), 'Summertime blues' (Eddie Cochran, 1958), 'La Bamba' (Ritchie Valens, 1959), 'The lonely bull' (Herb Alpert, 1962), 'You've lost that lovin' feelin' (The Righteous Brothers, 1964), 'River deep-mountain high' (Ike & Tina Turner, 1966) o 'Sweet little bullet from a pretty blue gun' (Tom Waits, 1978).
