Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 1 de noviembre de 1950 nació en Panama City (Florida) el músico norteamericano Dan Peek, miembro del trío America desde 1970 hasta 1977 junto con Gerry Beckley y Dewey Bunnell.
Dan en 1970
Hijo de un oficial de la fuerzas aéreas estadounidenses, en 1963 su familia se trasladó a Inglaterra cuando el padre de Dan fue destinado en Londres. Fue allí donde conoció a Beckley y Bunnell, también hijos de oficiales norteamericanos destinados en Londres y casados con inglesas. En 1970 formaron el trío que tuvo su debut discográfico con el álbum 'America' (1971), que en sus primeros días en el mercado sólo tuvo repercusión en Holanda. Cuando el álbum fue renombrado a 'A Horse with no Name', apoyado en el gran éxito del single extraído, fue directo al nº1 de las listas Billboard americanas donde se mantuvo cinco semanas.
En 1977, poco después del lanzamiento del álbum 'Harbor', Peek abandonó el grupo por no ser feliz con el frenético estilo de vida aderezado con drogas que exigían las giras y comenzó una carrera en solitario en el campo de la 'música pop cristiana', subgénero que ayudó a crear en cierto modo, con el éxito de su primer álbum en solitario, 'All Things Are Possible'(1979).La canción que dio título al álbum fue nº1 en las listas de Contemporary Christian Music, donde se mantuvo 13 semanas. Otro tema del disco, 'Love was just another world' contó con la participación en las voces de sus ex-compañeros de America, Dewey Bunnell y Gerry Beckley. Fue la última vez que los tres grabaron juntos.
Peek aguardó cinco años antes de lanzar su segundo álbum, 'Doer Of The Word' (1984). El tema homónimo fue un nuevo hit en las listas CCM y dos años más tarde publicó 'Electro Voice' (1986) con una nueva versión de su viejo éxito con America, 'Lonely people', al que cambió partes de su letra para ponerla al día con su renovada fe cristiana. Por ejemplo, las frases "And ride that highway in the sky" (y recorre esa autopista en el cielo) o "You never know until you try" (nunca lo sabrás hasta que lo intentes), se convirtieron en "And give your heart to Jesus Christ" (y entrégale tu corazón a Jesucristo).
El 1 de noviembre de 1898 nació en Houston (Texas) la cantante y pianista de blues estadounidense Sippie Wallace, llamada 'el ruiseñor de Texas' y representativa de las cantantes de blues clásico, junto con Ma Rainey, Mammie Smith o Ida Cox. Una de sus especialidades fue el estilo 'shout', precursor del blues moderno, en el cual el/la cantante repite dos frases de una canción e improvisa la tercera. Wallace, que frecuentemente cantaba sin micrófono, recibió sus mayores influencias de Ma Rainey, aunque terminó desarrollando su propio estilo.
Nacida como Beulah Thomas, era hija del diácono George Wallace y Fanny Thomas. Sus primeras experiencias musicales las tuvo en la iglesia de su padre, tocando el órgano y cantando gospel. El apodo 'Sippie' (sorbito) lo recibió por su costumbre de sorberlo todo a causa de sus dientes separados. En 1910 se trasladó con su familia a Nueva Orleans, donde residía su hermano George Wallace Jr, pianista, compositor y músico profesional. Más tarde la familia volvió a Houston y Sippie, a punto de cumplir los veinte, comenzó a actuar en espectáculos ambulantes. Allí aprendió a cantar blues y ragtime, además de formar parte de grupos corales y de baile y de sketches cómicos. Estas experiencias influyeron más tarde en sus contribuciones como artista de blues. LeRoi Jones comentó en Blues People: "Wallace trajo un profesionalismo y un esplendor al blues que jamás había tenido antes"
Hersal y George
En los años veinte Wallace se ganó una reputación a nivel nacional como artista discográfica, trabajando con Okeh Records en Chicago. Grabó una serie de álbumes como solista y trabajó con grandes del jazz como Louis Armstrong, Eddie Heywood, King Oliver, Clarence Williams y Sydney Bechet, así como con sus hermanos George Wallace y Hersal Thomas, un joven y respetado pianista del género que murió en 1926 a los 17 años a causa de una intoxicación alimentaria. Sus dos primeras grabaciones con el sello, 'Shorty George Blues' y 'Up the country blues' fueron hits y Sippie pronto se convirtió en una estrella del blues. Prácticamente todos los sencillos -en su mayoría compuestos por Sippie y sus hermanos- que grabó en los años veinte fueron un éxito.
Cantaba en el tono ligeramente lastimero característico de los intérpretes de Texas y sus composiciones 'Special delivery blues' y 'Suitcase blues' (grabaciones de 1966) se hallan impregnadas de un sentimiento agradablemente sosegado. Cuando en 1929 acabó su contrato con Okeh, Wallace se estableció en Detroit y dejó de actuar y grabar. En los años treinta volvió a la actividad tocando el órgano y cantando gospel para la Leland Babptist Church. Hasta los años sesenta permanecería en la iglesia, grabando en ocasiones muy contadas.
En la década de los sesenta, el revival folk y blues provocó que muchas viejas glorias salieran del letargo. Una de ellas fue Victoria Spivey que animó a Wallace a acompañarla a Europa con el American Folk Blues Festival. Sippie no sólo la acompaño. Asistió a otros festivales como el de Newport (1966), el Chicago Blues Festival (1967) y el Ann Arbor Blues Festival (1972). También volvió a los estudios de grabación y en 1966 se publicó el álbum 'Woman Be Wise' con la participación de Roosevelt Sykes y Little Brother Montgomery.
En 1970 sufrió un ictus pero fue capaz de seguir grabando y actuando, aunque no con la frecuencia que acostumbraba. En 1982, Bonnie Raitt, quien había citado en numerosas ocasiones a Wallace como una de sus influencias principales, compartió el escenario con Sippiey le ayudó a lograr la firma de un contrato con Atlantic Records, donde se grabó 'Sippie', publicado en 1983. El álbum ganó el premio W.C.Handy al mejor álbum de blues del año y recibió una nominación al Grammy. Sippie murió en 1986 el día de su 88 cumpleaños.
El 1 de noviembre de 1955 nació en Cartagena el cantante y compositor colombiano Alvaro José Arroyo González, más conocido como Joe Arroyo, considerado uno de los más grandes intérpretes de música caribeña de su país.
Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares y burdeles de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal. En sus inicios cantó con agrupaciones como Los Caporales del Magdalena, Manuel Villanueva y su Orquesta y el Supercombo Los Diamantes (las dos últimas en 1970); en 1971 grabó con La Protesta. En 1973 llega su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, arreglista, compositor y productor de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó ininterrumpidamente hasta 1981.
Joe, Fruko y Wilson Manyona
Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes ('Los barcos en la bahía'), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers ('La guarapera'), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán ('Volvió Juanita') y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes. También hizo coros en otros grupos como Piano Negro, Afro Son, Los Rivales, Los Bestiales, Wanda Kenya, los Hermanos Zuleta, el Binomio de Oro, Juan Piña, Mario Gareña, Gabriel 'Rumba' Romero, Claudia Osuna, Claudia de Colombia, Oscar Golden, Yolandita y los Carrangueros, entre otros.
En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña (cumbia, porro, chandé, entre otros) y con diversos ritmos del Caribe (socca, reggae) hasta crear su propio ritmo, el 'joesón'. Algunos de los éxitos grabados con La Verdad son clásicos de la música costeña que le valieron muchos premios y ser considerado el Rey del Carnaval de Barranquilla, del que ganó 18 Congos de Oro y dos Supercongos de Oro (creados especialmente para él) en el Festival de Orquestas. Uno de sus mayores éxitos fue 'Rebelión' (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de 'Rebelión' un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente.
Otras canciones de éxito de Joe Arroyo fueron 'El Caminante', 'Confundido', 'Manyoma', 'Tania' (dedicada a su hija) y'El Ausente', todas grabadas con Fruko. El álbum 'Fuego en mi mente' (1988) contiene canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con 'La guerra de los callados' (1990) realizó su primera gira española. En 1993 editó 'Fuego' y volvió a tocar en España.
Joe Arroyo grabó con los sellos Tropical (1970-1971),Fuentes (1973-1990) y Sony (1991-2002). Tras 11 años con Sony regresó a Discos Fuentes de Medellín en 2003, donde grabó sus últimos trabajos: 'Se armó la moña en carnaval' (2004), 'Mosaico de trabalenguas' (2006) y 'El Súper Joe' (2007). Arroyo es uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone. Joe murió el 26 de julio de 2011 a los 55 años.
El 31 de octubre de 1939 nació en una aldea cercana a Timbuktu (Mali) Ali 'Farka' Touré, uno de los artistas africanos más reconocidos internacionalmente. Su música está considerada una fusión de la música tradicional de Mali con su primo de Norteamérica, el Blues. Conocido como el 'John Lee Hooker africano', Touré colaboró con diversos músicos occidentales como Taj Mahal o Ry Cooder y obtuvo dos premios Grammy por sus trabajos 'Talking Timbuktu' (1994) y 'In the heart of the moon' (2005).
Ali Farka Touré empezó a tocar la guitarra a sus 10 años, pero no fue hasta los 17 que verdaderamente consiguió dominar el instrumento. En 1950 comenzó a tocar el gurkel, una guitarra africana de una cuerda que escogió debido a su poder para convocar a los espíritus. También aprendió a tocar el njarka, un violín de una cuerda, protagonista de una de las partes más populares de sus conciertos. En 1956, Ali Farka Touré vio una actuación del gran guitarrista guineano Keita Fodeba en Bamako. Le impresionó tanto que decidió en aquel momento convertirse en guitarrista.
Autodidacto, Ali Farka Touré adaptó las canciones tradicionales utilizando las técnicas que había aprendido con el gurkel. Tras la independencia de Malí, en 1960, el gobierno comenzó a promover la música tradicional, lo que permitió a Ali formar su primer grupo, La troupe 117, con el que actuó en varios festivales por todo el territorio. En 1968 viajó por primera vez fuera de Malí para representar a su país en un festival que tuvo lugar en la ciudad de Sofía, en Bulgaria. Cuando a finales de los años sesenta artistas como Ray Charles, Otis Redding y John Lee Hooker visitaron Bamako, Ali Farka Touré descubrió la música afronorteamericana. Al principio pensó que Hooker
tocaba música de Malí, pero entonces se dio cuenta de que esta música
venida de EEUU tenía raíces profundas africanas. Inspirado
por la fuerza de Hooker, Ali Farka Touré empezó a incorporar elementos
propios en sus actuaciones.
Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero de sonido para Radio Malí. En esa época tuvo la oportunidad de escuchar mucha música occidental (especialmente cantantes de soul americano como Otis Redding y James Brown, entre otros). Por entonces publicó también su primer disco, 'Fark'a (1976), en la compañía francesa Son Afric, y realizó conciertos por toda África occidental.
Fue el primer intérprete de blues africano que logró una popularidad masiva en su continente natal, hasta el punto de que se le llamó 'el John Lee Hooker africano'. Musicalmente, su estilo tenía muchas semejanzas con el de R. L. Burnside, con varias superposiciones de guitarras y ritmos. Cantaba habitualmente en lenguas africanas, sobre todo en songhay, fula y tamacheck.
En los años 80 se estableció en la localidad de Niafunké. Comenzó a ser conocido en los países occidentales tras la publicación de su álbum 'Ali Farka Touré', éxito internacional, que propició varias colaboraciones con músicos occidentales (en 1991 con Taj Mahal en el disco 'The Source'; y en 1994 con Ry Cooder en 'Talking Timbuktu', así como la reedición de material antiguo grabado durante los años 70, como 'Radio Mali'. Por 'Talking Timbuktu' fue galardonado con un premio Grammy. En 1999 publicó'Niafunké', un regreso a las raíces de la música tradicional africana.
Ali 'Farka' Touré y Toumani Diabaté
En 2004 fue nombrado alcalde de Niafunké y con dinero de su propio bolsillo asfaltó las carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo. En septiembre de 2005 publicó, en colaboración con el intérprete de kora (un instrumento de África occidental, mezcla de arpa y de laúd) Toumani Diabaté, el álbum 'In The Heart Of The Moon', por el que obtuvo su segundo premio Grammy.
Touré murió a los 66 años en marzo de 2006.Su última grabación, realizada en 2005, fue 'Ali and Toumani', publicado en febrero de 2010 otra colaboración de Touré con Diabaté.
El 31 de octubre de 1922 nació en Broussard (Louisiana) el saxofonista estadounidense Illinois Jacquet. Cuando en mayo de 1942 el joven Illinois de 19 años se aproximó al micrófono en los estudios de Decca Records para grabar su solo en el tema 'Flying time' de la banda de Lionel Hampton, Jacquet era un joven saxofonista con un potencial y unas habilidades extraordinarias, pero carecía de identidad propia. Era la segunda vez que participaba en una grabación profesional y recientemente había cambiado -bajo consejo de Hampton- del saxo alto al tenor. "No tenía ni idea de qué iba a tocar ni a quién se suponía que tenía que imitar." Uno de los músicos le sugirió buscar su propio estilo y a continuación Jacquet interpretó uno de los dos o tres solos más influyentes de la historia del jazz, una obra maestra de 80 segundos que se convirtió en la prioridad de aprendizaje -nota por nota- de todos los saxofonistas tenores que le siguieron. Pero 'Flying home' no marcó ni el principio ni el fin de su larga carrera de siete décadas. El fue uno de los grandes supervivientes del jazz, un extraordinario instrumentista cuando era joven y una legendaria figura clásica en sus últimos años.
De orígenes criollo-franceses por parte de padre, Jean Babtiste Jacquet se trasladó -siendo aun un niño- con su familia a Houston (Texas), donde los tejanos tenían dificultades para pronunciar su nombre, por lo que se lo cambió a Illinois. Su madre era una nativa americana de la tribu de los Sioux y las dos versiones que contaba de cómo surgió el nombre tenían conexión con ella: por un lado decía que procedía de la palabra sioux 'Illiniwek' (hombres superiores) y por otro comentaba que fue en honor de un amigo de la familia procedente de Chicago que asistió en el parto cuando Jacquet vino al mundo.
Criado en una familia musical (su padre y sus tres hermanos eran músicos profesionales), debutó a la edad de tres años cantando en la radio en Galveston (Texas) una canción para promocionar un show de sus hermanos. Comenzó siendo bailarín de claqué, pero se pasó enseguida a la batería y a los saxos alto y soprano. También llegó a dominar el fagot, un instrumento poco usual en el jazz. Un verdadero niño prodigio, con quince años se unió a la orquesta de Milton Larkin donde pronto se ganó una gran reputación. Pero la segregación que se sufría en el Sur terminó desanimándole y se trasladó a Los Angeles en 1939.
El aun adolescente Jacquet pronto conectó con la comunidad del jazz de L.A., donde un joven cantante llamado Nat Cole le consiguió un trabajo en la recién formada big band del popular vibrafonista Lionel Hampton. Jacquet fue contratado en 1941 pero Hampton insistía en que se cambiara al saxo tenor, lo que pareció ser una decisión acertada, ya que el sonido gutural del instrumento encajaba mejor en el estilo de Illinois y Hampton observaba cómo la audiencia respondía poderosamente a los solos de Jacquet en los conciertos que la big band daba en directo.
Así que Hampton se llevó a Illinois a un estudio en mayo de 1942 para grabar la histórica sesión que produjo 'Flying home'. La grabación fue un éxito y recibiendo infinidad de versiones, incluidos músicos country. Cuando Jacquet, exhausto de interpretar su solo noche tras noche, dejó la orquesta de Hampton, este exigió a su sucesor que lo interpretara exactamente igual, y el solo se convertiría en una las lecciones avanzadas de cualquier buen saxofonista. A continuación Jacquet firmó con el director de banda Cab Calloway, apareciendo en varios films, entre ellos 'Stormy weather' y el corto musical 'Jammin' the Blues'.
Cuando el promotor Norman Granz reunióa los músicos para su proyecto 'Jazz at the Philarmonic' de 1944, Illinois Jacquet fue una de las elecciones evidentes. El concierto debut en el Philarmonic Hall de Los Angeles produjo una grabación, 'Blues (Part2)' en cuya interpretación, Jacquet se mordió el labio tratando de llevar su instrumento a lo más alto de su tesitura. Su música recibió poderosas influencias del blues tejano y numerosos saxofonistas de R&B y, posteriormente de R&R, se vieron influidos por él, llegando muchos a asegurar que 'Blues (Part 2)' se puede considerar el primer rock'n'roll grabado de la historia.
Tras la Segunda Guerra Mundial, Jacquet se trasladó a Nueva York y sustituyó a Lester Young en la orquesta de Count Basie, con la que ya había actuado en alguna otra ocasión. En 1946 formó su propio sexteto y siguió tocando con diferentes formaciones de Jazz at the Philarmonic, realizando grabaciones para los pequeños sellos Aladdin y Apollo y más tarde de manera más prolífica para el sello de Granz, Clef. Cuando el furor por las big bands llegó a su fin, Jacquet se reveló como un elegante baladista y en ocasiones ejecutaba solos con el fagot. Compositor de varios standards del jazz, como 'Robbins nest' y 'Port of Rico', ocasionalmete seguía reuniéndose con bandas lideradas por Hampton y Basie.
En los años sesenta y setenta realizó tours, predominantemente por Europa y siguió grabando discos entre los que destacan 'Illinois Flies Again', 'Bottoms Up' (1968) y 'The Blues, That's Me!' (1969).
En 1983 recibió la oferta de trabajar una temporada como artista residente en la Universidad de Harvard, siendo el primer músico de jazz en desempeñar el papel, por lo que regresó a Estados Unidos.
Este trabajo estimuló su faceta creativa y en plenos años ochenta formó la Illinois Jacquet Big Band. "Pensé que si lograba hacer que mis alumnos de la Universidad sonaran tan bien, también sería capaz de formar mi propia big band". El álbum 'Jacquet's Got It!', nominado a un Grammy, documenta esta fase de su carrera.
En 1993 compartió el escenario en la Casa Blanca con el entonces presidente Clinton, gran aficionado al saxofón y mantenía, a pesar de su edad, una apretada agenda de actuaciones, recibiendo el año 2000 el premio a la Excelencia Artística concedido por el Jazz Lincoln Center y en mayo de 2004 fue nombrado Doctor honoris causa por la Julliard School of Music. Ofreció su último concierto en el Lincoln Center de Nueva York el 16 de julio de 2004, una semana antes de morir en su casa, víctima de un infarto.
El 31 de octubre de 1896 nació en Chester (Pennsylvania) la actriz y cantante de jazz, blues y gospel Ethel Waters. Su infancia estuvo plagada de dificultades, de hecho, Ethel abría su autobiografía 'His eye is on the sparrow' con estas palabras: "Nunca fui una niña. Nunca recibí el más mínimo afecto o cariño de mi familia. Nunca tuve la sensación de pertenecer a alguien. Me sentía una extranjera en todas partes". Nació y creció rodeada de violencia y pobreza y recibió poca o ninguna educación, teniendo que trabajar muy joven. Sin embargo, pese a todas las dificultades, Waters hizo historia en diversas ocasiones: fue la primera mujer negra en aparecer en la radio (1922), la primera artista negra en triunfar como solista en el Palace Theater de Nueva York (1925), la primera mujer negra en protagonizar un show radiofónico en una cadena comercial (1933), la primera artista negra en aparecer en TV (1939) y la primera mujer negra en protagonizar un show de Broadway con un papel dramático (1939).
La madre de Ethel, Louise Anderson, era una tranquila y religiosa joven de quince años que fue violada a punta de navaja por un chico blanco de Chester, John Waters. Poco después de nacer Ethel, Louise se casó con un trabajador del ferrocarril llamado Norman Howard. Ethel usaría el apellido de su padrastro durante unos años y adoptaría otros, depende de con quién viviese en cada momento, pero finalmente se decidió por el de su padre biológico, Waters. El hecho de que fuera producto de una violación, no ayudó a que su madre la aceptara con agrado, por lo que fue enviada junto a su abuela, Sally Anderson -la única persona a quien Ethel pudo considerar una madre- y sus dos tías Vi y Ching. Sally trabajaba como auxiliar doméstica y pasaba el mayor tiempo fuera de casa. Las tías de Ethel, más que ocuparse de ella en ausencia de su abuela, abusaban físicamente de ella.
Cuando asistía a la escuela, Ethel disfrutaba aprendiendo, pero la mayor parte de su infancia la pasó en la calle. Ya con ocho años ayudaba a limpiar casas profesionalmente y con 13 años dejó la escuela para casarse, pero el matrimonio duró poco, debido a los abusos físicos de su marido y Ethel se trasladó a Philadelphia para trabajar como doncella, lavaplatos o camarera en hoteles y en casas de apartamentos de la ciudad. En su 17 cumpleaños se encontraba celebrando con amigos una fiesta de Halloween en un club local donde fue invitada a cantar dos canciones. Su interpretación conmovió de tal manera a la audiencia, que le ofrecieron trabajo en el Lincoln Theatre de Baltimore a 10 dólares semanales. Ethel que ganaba con su trabajo menos de 5 dólares a la semana, no se lo pensó y se dedicó de lleno a la música.
Tras esta etapa, Ethel se apuntó al circuito del vaudeville negro y viajó durante un tiempo con un espectáculo itinerante hasta llegar a Chicago. Seguidamente viajo hasta Atlanta donde trabajó en el mismo club con Bessie Smith, quien pidió que no cantase blues para no competir con ella, por lo que Waters tuvo que cantar baladas y canciones populares, además de bailar, terreno en el que desarrollaría la mayor parte de su carrera profesional (en musicales, programas de televisión, etc.), regresando al blues ocasionalmente.
Ethel poseía una voz dulce, pero su mayor cualidad era su habilidad para transmitir emociones mientras cantaba. Cuando cantaba el blues, la audiencia era capaz de sentir su dolor y cuando Ethel interpretaba canciones humorísticas, les hacía olvidar sus penas por unos instantes. Era una voz inusual en el circuito del vaudeville, ya que no cantaba blues al estilo tradicional de Bessie Smith; ella lo hacía con una voz brillante y clara, al contrario que el estilo rudo y crudo del blues sureño. Waters se convirtió en una sensación y al cabo de unos años, protagonizaba revistas, películas y obras en Broadway.
En 1921 consiguió firmar su primer contrato discográfico con Swan Records, donde gracias a su éxito y al de Fletcher Henderson salvaron la compañía de la bancarrota.
Allí grabó los primeros números blues del sello: 'Down home blues' y 'Oh daddy'. Más tarde Paramount adquirió Swan Records y Ethel permaneció con ellos hasta 1924, cuando firmó con Columbia Records, con los que se pasó al mercado pop, obteniendo en 1926 su primer hit,'Dinah'. Trabajó con Pearl Wing, haciendo giras por el sur y en 1925 actuó en el Plantation Club de Broadway. Con Columbia siguió grabando éxitos y standards como 'Am I blue?' (1929), 'Heebie' jeebies', 'Sweet Georgia Brown' (1925), 'Someday sweetheart' (1927), 'I got rhythm' (1931) y 'Miss Otis regrets' (1934). En los años treinta cambió repetidas veces de sello discográfico, grabando para Brunswick, Decca y Columbia, de nuevo.
En 1933, trabajó en el Cotton Club de Harlem compartiendo cartel con Duke Ellington. Allí estrenó su canción emblemática, 'Stormy weather', que según su autobiografía, "salía de las profundidades de mi infierno personal". Más tarde debutó en Broadway con la revista musical 'As thousands cheers', donde fue la primera artista afroamericana que aparecía en un show de Broadway. Llegó a ser la cantante mejor pagada de Nueva York.
Ethel Waters en 'Pinky' (1949)
Sin embargo e inexplicablemnte, en los años cuarenta no le fue fácil encontrar trabajo. En 1942 viajó a Los Angeles para tomar parte en la película 'Cairo' y permaneció allí un año para el rodaje de otro film, 'Cabin in the sky' (1943). Cuando volvió a Nueva York, la escena de los night-clubs había cambiado y pasó dificultades.A finales de los años cuarenta volvió a trabajar con Fletcher Henderson y en 1949 recibió la nominación a mejor actriz secundaria por su papel en la película 'Pinky'.
Participó en varios films para la gran pantalla y la TV, como la serie 'Beulah', que abandonó poco después por considerar que los guiones presentaban una imagen degradada de los afroamericanos. En los años cincuenta continuó apareciendo en shows de TV, como el de Tennessee Ernie Ford. Sin embargo, su carrera estaba decayendo. Fue víctima de un robo en el que perdió sus joyas y miles de dólares en efectivo y sus últimos años padeció una salud frágil. En 1964, sufrió un ataque cardiaco y su actividad musical decreció notablemente. Dedicó su tiempo a partir de entonces en propagar su fe religiosa junto al evangelista Billy Graham hasta el día de su muerte a los 80 años en septiembre de 1977.
En 1977, poco después del lanzamiento del álbum 'Harbor', Peek abandonó el grupo por no ser feliz con el frenético estilo de vida aderezado con drogas que exigían las giras y comenzó una carrera en solitario en el campo de la 'música pop cristiana', subgénero que ayudó a crear en cierto modo, con el éxito de su primer álbum en solitario, 'All Things Are Possible' (1979). La canción que dio título al álbum fue nº1 en las listas de Contemporary Christian Music, donde se mantuvo 13 semanas. Otro tema del disco, 'Love was just another world' contó con la participación en las voces de sus ex-compañeros de America, Dewey Bunnell y Gerry Beckley. Fue la última vez que los tres grabaron juntos.
Los años noventa Peek los pasó semi-retirado en su casa de las Islas Caimán y solía publicar de vez en cuando algún álbum a través de su página web como 'Bodden Town' (2000), 'Caribbean Christmas' (2001), 'Driftin' Tales from the Lost Islands' (2003) y 'Guitar Man' (2003).
