Bunny Berigan

El 2 de noviembre de 1908 nació en Hilbert (Wisconsin) Rowland 'Bunny' Berigan. Durante los últimos años de 1930, fue un digno rival de Louis Armstrong en la disputa del cetro de los trompetistas de jazz. Pero como ocurría con la gran mayoría de los músicos de la época, su adicción al alcohol le impedía dirigir seriamente cualquier proyecto colectivo.

Berigan aprendió a tocar la trompeta siendo todavía un adolescente y todavía no había cumplido los 21 cuando se trasladó a Nueva York en septiembre de 1929 para tocar en la banda de Frank Cornwell en el Hofbrau de Broadway y en los clubs de la calle 52, donde pronto se estableció como la nueva figura a tener en cuenta. También conoció a su futura mujer, Donna McCArthur, una bailarina del show. Más tarde se unió a la orquesta de Hal Kemp y con la Depresión encaminándose hacia su segundo año, la banda partió hacia Europa para realizar giras por Inglaterra, Bélgica y Francia. Berigan se convirtió así en uno de los primeros músicos de jazz en dar el salto al viejo continente.

En 1931 dejó la orquesta de Kemp para aceptar uno de los trabajos más codiciados entonces. Se convirtió en trompetista de la banda residente de CBS y a partir de entonces tocaría en cientos de sesiones de los artistas del momento como Connie Boswell, los Dorsey Brothers, Mildred Bailey, las Boswell Sisters, Bing Crosby y muchos otros cantantes, frecuentemente mediocres vocalistas, que interpretaban las insípidas canciones de moda. En la mayoría de estas grabaciones, Berigan permanecía en el anonimato de la orquesta, pero el oyente avispado puede llegar a discernir su poderosa trompeta que, cuando en ocasiones realizaba un solo de 8 o 16 compases, transformaba la pieza con su brillante y audaz sonido.

A principios de 1933 Berigan fue contratado por Paul Whiteman, el entonces llamado 'King of Jazz', para ocupar la plaza que había dejado vacante otra leyenda de la trompeta: Bix Beiderbecke. Un año de giras con esta orquesta mitad jazz y mitad sinfónica le proporcionó un buen dinero pero poca libertad creativa, una necesidad que Berigan alimentaba en los estudios de grabación y en jam sessions.
En 1935 estuvo tocando principalmente en la orquesta de Freddie Rich. Ese mismo año se unió también a la nueva banda de Benny Goodman con el que permaneció unos meses, contribuyendo con su talento y su experiencia a consolidar el éxito fulgurante de la orquesta de Goodman que dió comienzo a la era del swing

Volvió a la más lucrativa labor de músico de estudio y en 1936  grabó sesiones con Billie Holiday bajo produccion de John Hammond. Posteriormente trabajó un tiempo con Tommy Dorsey, en cuyos hits 'Song of India' y 'Marie', Bunny ejecuta unos solos que se convierten en dos de sus interpretaciones más emblemáticas. La colaboración sólo duró tres meses ya que surgieron problemas entre Berigan y el temperamental Dorsey, por lo que en 1937, Bunny decide formar otro grupo.

Bunny, frente a su orquesta en 1939

Contrata al batería Buddy Rich como estrella y en abril de ese año Berigan y su banda firman con el sello discográfico Victor,  logran un programa semanal en la radio y son contratados para tocar en el prestigioso Pennsylvania Hotel. En una de las sesiones de grabación se incluye 'I can't get started', considerada una de las obras maestras del jazz grabado. Fue el único hit de la banda, que entre otros, contó entre sus filas a nombres como Joe Bushkin, Ray Conniff, Hank Wayland, Bob Jenney y George Wettling. Sin embargo, mánagers sin escrúpulos y el excesivo amor de Bunny por la botella terminaron poniendo a Berigan la etiqueta de 'no fiable', por lo que no fue capaz de mantener la banda que se disolvió al final de la década.

Arruinado, busca de nuevo cobijo en la orquesta de Dorsey en la que permanece entre los meses de marzo y agosto de 1940, durante los cuales vuelve a contribuir con su talento a la banda en diez sesiones de grabación, algunas de ellas con un joven Sinatra a la voz solista. Tras dejar de nuevo a Dorsey volvió a formar un pequeño grupo y lideró diversas big band de éxíto moderado entre el otoño de 1940 y el comienzo de 1942 y parecía bien encaminado, cuando su salud empeoró repentinamente. Fue hospitalizado y debido al estado de su hígado, se le aconsejó dejar de beber definitivamente y dejar de tocar durante unos meses, consejos que desoyó emprendiendo una gira de dos semanas con la banda antes de volver a Nueva York donde, el 2 de junio de 1942, murió a los 33 años, víctima de una hemorragia interna. Dorsey corrió con los gastos del funeral y hoy día todos los fans se preguntan de qué hubiera sido capaz este extraordinario trompetista del swing en la era del bop.

Carl Ditters von Dittersdorf

El 2 de Noviembre de 1739 nació en Laimgrube, hoy parte de Viena, el compositor y violinista austríaco August Carl Ditters von Dittersdorf. Contemporáneo de Haydn, Gluck y Mozart fue un músico sobresaliente, creador de 120 sinfonías y muchas otras obras, por ejemplo 32 óperas, casi todas en el estilo vienés del Singspiel que era corriente en la época, y de las que hoy sólo se representa a veces “Doktor und Apotheker”. Hoy en día es más conocido por su música instrumental (Oradea Philharmonic Orchestra & Romeo Rîmbu)

En 1745 a la edad de 6 años empezó a estudiar el violín, logrando obtener el patronato del príncipe Jose Federico de Sajonia-Hildburghausen. Esto le permitió continuar el estudio del violín bajo Francesco Trani y la composición bajo Giuseppe Bonno. En 1761 consiguió un puesto en la orquesta del Teatro Imperial. En 1763 acompañó a Christoph Willibald Gluck en su viaje a Italia, donde Ditters von Dittersdorf celebró grandes triunfos como virtuoso. Este viaje italiano dejó en él una huella profunda. Sus obras muestran la influencia de Gluck y un desarrollo melódico de estilo italiano.

Philipp Gotthard von Schaffgotsch

En 1765 obtiene el puesto de maestro de capilla de la orquesta del obispo de Gran Varadino en Hungría (hoy en Rumanía), sustituyendo a Michael Haydn. Esta orquesta fue disuelta en 1769 por orden de la emperatriz María Teresa, por lo que en 1770 Ditters von Dittersdorf pasó a ser maestro de capilla de la orquesta del príncipe-obispo Philipp Gotthard von Schaffgotsch de Breslau. Uno de sus títulos oficiales en esta época fue el de Guardabosque Mayor de los bosques de la residencia de verano del príncipe-obispo, el castillo de Johannesberg. En 1773 obtuvo el título de nobleza, agregando desde entonces "von Dittersdorf" a su nombre. Ese mismo año, el príncipe-obispo le nombró Amtshauptmann (Capitán) de la ciudad de Freiwaldau (hoy Jesenik). Estos nombramientos y honores eran una estratagema que el príncipe-obispo usaba para retener al talentoso y cosmopolita compositor a su servicio en la provincia.

En 1794 tras 24 años de servicio, tiene un serio enfrentamiento con el príncipe-obispo y es expulsado del palacio de Johannesberg. Al año siguiente, el barón Ignaz von Stillfried le permitió vivir en uno de sus castillos del sur de Bohemia. Los últimos años de su vida los pasó Ditters von Dittersdorf entre penurias económicas y aquejado de gota. Se dedicó a supervisar algunas producciones operísticas, a compilar y editar su obra para publicación y a escribir su "Autobiografía", que fue publicada póstumamente en 1801. Partes de esta autobiografía siguen siendo publicadas hasta esta fecha.
Falleció en Neuhof, Bohemia, el 24 de octubre de 1779.

Obras destacables:
• “Sinfonía de la metamorfosis de Ovidio Nº 2”, Mov.1 Adagio non molto - Allegro, Mov. 2 Andante, Mov. 3 Tempo di Minuetto, Finale: Vivace, ma non troppo presto – Andantino (Hanspeter Gmur & Failoni Chamber Orchestra)

• “Sinfonía en La mayor” (Grave A10): I. Tedesco: Andantino; II. Italiano: Allegro; III. Inglese: Allegretto; IV. Fransesco: Minuetto - Turco; V. Finale (Failone Orchestra & dir. Uwe Grodd)
• “Sinfonía en Do mayor” Mov. 1, Mov. 2, Mov. 3 (Dresden Philharmonic Orchestra & Jorg-Peter Weigle)
• “Concierto para violín y orquesta en sol mayor” (Martin Kos, violín & Czech Chamber Philarmonic Orchestra & dir. Petr Chromčák)

• “Concierto para contrabajo en mi bemol mayor” (Rinat Ibragimov, contrabajo & Catherine Edwards, piano)
• "Sonata en mi bemol Mayor para Viola y Fortepiano". Andante (Anna Barbara & Ursula Dütschler)
• “Concierto para oboe en sol mayor” (Heinz Holliger, oboe)
• “Cuarteto de cuerda Nº 5” (Kubin Quartet)
• “Cuarteto de cuerda Nº 6” (Kubin Quartet)

Dan Peek

El 1 de noviembre de 1950 nació en Panama City (Florida) el músico norteamericano Dan Peek, miembro del trío America desde 1970 hasta 1977 junto con Gerry Beckley y Dewey Bunnell.

Dan en 1970

Hijo de un oficial de la fuerzas aéreas estadounidenses, en 1963 su familia se trasladó a Inglaterra cuando el padre de Dan fue destinado en Londres. Fue allí donde conoció a Beckley y Bunnell, también hijos de oficiales norteamericanos destinados en Londres y casados con inglesas. En 1970 formaron el trío que tuvo su debut discográfico con el álbum 'America' (1971), que en sus primeros días en el mercado sólo tuvo repercusión en Holanda. Cuando el álbum fue renombrado a 'A Horse with no Name', apoyado en el gran éxito del single extraído, fue directo al nº1 de las listas Billboard americanas donde se mantuvo cinco semanas.

Dan, Gerry Beckley y Dewey Bunnell

Dan Peek grabó seis discos más con el grupo: 'Homecoming' (1972), 'Hat Trick' (1973), 'Holiday' (1974), 'Hearts' (1975), 'Hideaway' (1976) y 'Harbor' (1977), a los que contribuyó con numerosos temas como 'Don't cross the river' (Top40), 'Saturn nights', 'Lonely people' (Top5), 'Woman tonight' (#44), 'Can't you see', 'She's beside you', 'Today's the day' (#23), 'Don't cry baby', 'Slow down', 'These brown eyes' o 'Hurricane'.

En 1977, poco después del lanzamiento del álbum 'Harbor', Peek abandonó el grupo por no ser feliz con el frenético estilo de vida aderezado con drogas que exigían las giras y comenzó una carrera en solitario en el campo de la 'música pop cristiana', subgénero que ayudó a crear en cierto modo, con el éxito de su primer álbum en solitario, 'All Things Are Possible' (1979). La canción que dio título al álbum fue nº1 en las listas de Contemporary Christian Music, donde se mantuvo 13 semanas. Otro tema del disco, 'Love was just another world' contó con la participación en las voces de sus ex-compañeros de America, Dewey Bunnell y Gerry Beckley. Fue la última vez que los tres grabaron juntos.

Peek aguardó cinco años antes de lanzar su segundo álbum, 'Doer Of The Word' (1984). El tema homónimo fue un nuevo hit en las listas CCM y dos años más tarde publicó 'Electro Voice' (1986) con una nueva versión de su viejo éxito con America, 'Lonely people', al que cambió partes de su letra para ponerla al día con su renovada fe cristiana. Por ejemplo, las frases "And ride that highway in the sky" (y recorre esa autopista en el cielo) o "You never know until you try" (nunca lo sabrás hasta que lo intentes), se convirtieron en "And give your heart to Jesus Christ" (y entrégale tu corazón a Jesucristo).

Los años noventa Peek los pasó semi-retirado en su casa de las Islas Caimán y solía publicar de vez en cuando algún álbum a través de su página web como 'Bodden Town' (2000), 'Caribbean Christmas' (2001), 'Driftin' Tales from the Lost Islands' (2003) y 'Guitar Man' (2003).
Dan Peek murió el 24 de julio de 2011 a los 60 años en su residencia de Farmington (Missouri).

Sippie Wallace

El 1 de noviembre de 1898 nació en Houston (Texas) la cantante y pianista de blues estadounidense Sippie Wallace, llamada 'el ruiseñor de Texas' y representativa de las cantantes de blues clásico, junto con Ma Rainey, Mammie Smith o Ida Cox. Una de sus especialidades fue el estilo 'shout', precursor del blues moderno, en el cual el/la cantante repite dos frases de una canción e improvisa la tercera. Wallace, que frecuentemente cantaba sin micrófono, recibió sus mayores influencias de Ma Rainey, aunque terminó desarrollando su propio estilo.

Nacida como Beulah Thomas, era hija del diácono George Wallace y Fanny Thomas. Sus primeras experiencias musicales las tuvo en la iglesia de su padre, tocando el órgano y cantando gospel. El apodo 'Sippie' (sorbito) lo recibió por su costumbre de sorberlo todo a causa de sus dientes separados. En 1910 se trasladó con su familia a Nueva Orleans, donde residía su hermano George Wallace Jr, pianista, compositor y músico profesional. Más tarde la familia volvió a Houston y Sippie, a punto de cumplir los veinte, comenzó a actuar en espectáculos ambulantes. Allí aprendió a cantar blues y ragtime, además de formar parte de grupos corales y de baile y de sketches cómicos. Estas experiencias influyeron más tarde en sus contribuciones como artista de blues. LeRoi Jones comentó en Blues People: "Wallace trajo un profesionalismo y un esplendor al blues que jamás había tenido antes"

Hersal y George

En los años veinte Wallace se ganó una reputación a nivel nacional como artista discográfica, trabajando con Okeh Records en Chicago. Grabó una serie de álbumes como solista y trabajó con grandes del jazz como Louis Armstrong, Eddie Heywood, King Oliver, Clarence Williams y Sydney Bechet, así como con sus hermanos George Wallace y Hersal Thomas, un joven y respetado pianista del género que murió en 1926 a los 17 años a causa de una intoxicación alimentaria. Sus dos primeras grabaciones con el sello, 'Shorty George Blues' y 'Up the country blues' fueron hits y Sippie pronto se convirtió en una estrella del blues. Prácticamente todos los sencillos -en su mayoría compuestos por Sippie y sus hermanos- que grabó en los años veinte fueron un éxito.

Cantaba en el tono ligeramente lastimero característico de los intérpretes de Texas y sus composiciones 'Special delivery blues' y 'Suitcase blues' (grabaciones de 1966) se hallan impregnadas de un sentimiento agradablemente sosegado. Cuando en 1929 acabó su contrato con Okeh, Wallace se estableció en Detroit y dejó de actuar y grabar. En los años treinta volvió a la actividad tocando el órgano y cantando gospel para la Leland Babptist Church. Hasta los años sesenta permanecería en la iglesia, grabando en ocasiones muy contadas.

En la década de los sesenta, el revival folk y blues provocó que muchas viejas glorias salieran del letargo. Una de ellas fue Victoria Spivey que animó a Wallace a acompañarla a Europa con el American Folk Blues Festival. Sippie no sólo la acompaño. Asistió a otros festivales como el de Newport (1966), el Chicago Blues Festival (1967) y el Ann Arbor Blues Festival (1972). También volvió a los estudios de grabación y en 1966 se publicó el álbum 'Woman Be Wise' con la participación de Roosevelt Sykes y Little Brother Montgomery.

En 1970 sufrió un ictus pero fue capaz de seguir grabando y actuando, aunque no con la frecuencia que acostumbraba. En 1982, Bonnie Raitt, quien había citado en numerosas ocasiones a Wallace como una de sus influencias principales, compartió el escenario con Sippie y le ayudó a lograr la firma de un contrato con Atlantic Records, donde se grabó 'Sippie', publicado en 1983. El álbum ganó el premio W.C.Handy al mejor álbum de blues del año y recibió una nominación al Grammy. Sippie murió en 1986 el día de su 88 cumpleaños.

Joe Arroyo

El 1 de noviembre de 1955 nació en Cartagena el cantante y compositor colombiano Alvaro José Arroyo González, más conocido como Joe Arroyo, considerado uno de los más grandes intérpretes de música caribeña de su país.

Nacido y criado en el barrio Nariño de Cartagena, Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando desde los ocho años cantaba en bares y burdeles de Tesca, zona de tolerancia de su ciudad natal. En sus inicios cantó con agrupaciones como Los Caporales del Magdalena, Manuel Villanueva y su Orquesta y el Supercombo Los Diamantes (las dos últimas en 1970); en 1971 grabó con La Protesta. En 1973 llega su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, arreglista, compositor y productor de Fruko y sus Tesos, orquesta con la que alcanzó gran fama y con la que grabó ininterrumpidamente hasta 1981.

Joe, Fruko y Wilson Manyona

Entre 1974 y 1975 actuó con Los Líderes ('Los barcos en la bahía'), entre 1976 y 1981 con The Latin Brothers ('La guarapera'), en 1976 con Los Bestiales, en 1978 con Pacho Galán ('Volvió Juanita') y con La Sonora Guantanamera, y en 1980 con Los Titanes. También hizo coros en otros grupos como Piano Negro, Afro Son, Los Rivales, Los Bestiales, Wanda Kenya, los Hermanos Zuleta, el Binomio de Oro, Juan Piña, Mario Gareña, Gabriel 'Rumba' Romero, Claudia Osuna, Claudia de Colombia, Oscar Golden, Yolandita y los Carrangueros, entre otros.

En 1981 fundó su propia orquesta, La Verdad, con la que se dedicó a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música costeña (cumbia, porro, chandé, entre otros) y con diversos ritmos del Caribe (socca, reggae) hasta crear su propio ritmo, el 'joesón'. Algunos de los éxitos grabados con La Verdad son clásicos de la música costeña que le valieron muchos premios y ser considerado el Rey del Carnaval de Barranquilla, del que ganó 18 Congos de Oro y dos Supercongos de Oro (creados especialmente para él) en el Festival de Orquestas. Uno de sus mayores éxitos fue 'Rebelión' (1986), canción que narra la historia de un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo hicieron de 'Rebelión' un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente.

Otras canciones de éxito de Joe Arroyo fueron 'El Caminante', 'Confundido', 'Manyoma', 'Tania' (dedicada a su hija) y 'El Ausente', todas grabadas con Fruko. El álbum 'Fuego en mi mente' (1988) contiene canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con 'La guerra de los callados' (1990) realizó su primera gira española. En 1993 editó 'Fuego' y volvió a tocar en España.
Joe Arroyo grabó con los sellos Tropical (1970-1971), Fuentes (1973-1990) y Sony (1991-2002). Tras 11 años con Sony regresó a Discos Fuentes de Medellín en 2003, donde grabó sus últimos trabajos: 'Se armó la moña en carnaval' (2004), 'Mosaico de trabalenguas' (2006) y 'El Súper Joe' (2007). Arroyo es uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone. Joe murió el 26 de julio de 2011 a los 55 años.

Ali Farka Touré

El 31 de octubre de 1939 nació en una aldea cercana a Timbuktu (Mali) Ali 'Farka' Touré, uno de los artistas africanos más reconocidos internacionalmente. Su música está considerada una fusión de la música tradicional de Mali con su primo de Norteamérica, el Blues. Conocido como el 'John Lee Hooker africano', Touré colaboró con diversos músicos occidentales como Taj Mahal o Ry Cooder y obtuvo dos premios Grammy por sus trabajos 'Talking Timbuktu' (1994) y 'In the heart of the moon' (2005).

Ali Farka Touré empezó a tocar la guitarra a sus 10 años, pero no fue hasta los 17 que verdaderamente consiguió dominar el instrumento. En 1950 comenzó a tocar el gurkel, una guitarra africana de una cuerda que escogió debido a su poder para convocar a los espíritus. También aprendió a tocar el njarka, un violín de una cuerda, protagonista de una de las partes más populares de sus conciertos. En 1956, Ali Farka Touré vio una actuación del gran guitarrista guineano Keita Fodeba en Bamako. Le impresionó tanto que decidió en aquel momento convertirse en guitarrista.

Autodidacto, Ali Farka Touré adaptó las canciones tradicionales utilizando las técnicas que había aprendido con el gurkel. Tras la independencia de Malí, en 1960, el gobierno comenzó a promover la música tradicional, lo que permitió a Ali formar su primer grupo, La troupe 117, con el que actuó en varios festivales por todo el territorio. En 1968 viajó por primera vez fuera de Malí para representar a su país en un festival que tuvo lugar en la ciudad de Sofía, en Bulgaria. Cuando a finales de los años sesenta artistas como Ray Charles, Otis Redding y John Lee Hooker visitaron Bamako, Ali Farka Touré descubrió la música afronorteamericana. Al principio pensó que Hooker tocaba música de Malí, pero entonces se dio cuenta de que esta música venida de EEUU tenía raíces profundas africanas. Inspirado por la fuerza de Hooker, Ali Farka Touré empezó a incorporar elementos propios en sus actuaciones.

Durante los años 70 se instaló en Bamako, donde trabajó como ingeniero de sonido para Radio Malí. En esa época tuvo la oportunidad de escuchar mucha música occidental (especialmente cantantes de soul americano como Otis Redding y James Brown, entre otros). Por entonces publicó también su primer disco, 'Fark'a (1976), en la compañía francesa Son Afric, y realizó conciertos por toda África occidental.
Fue el primer intérprete de blues africano que logró una popularidad masiva en su continente natal, hasta el punto de que se le llamó 'el John Lee Hooker africano'. Musicalmente, su estilo tenía muchas semejanzas con el de R. L. Burnside, con varias superposiciones de guitarras y ritmos. Cantaba habitualmente en lenguas africanas, sobre todo en songhay, fula y tamacheck.

En los años 80 se estableció en la localidad de Niafunké. Comenzó a ser conocido en los países occidentales tras la publicación de su álbum 'Ali Farka Touré', éxito internacional, que propició varias colaboraciones con músicos occidentales (en 1991 con Taj Mahal en el disco 'The Source'; y en 1994 con Ry Cooder en 'Talking Timbuktu', así como la reedición de material antiguo grabado durante los años 70, como 'Radio Mali'. Por 'Talking Timbuktu' fue galardonado con un premio Grammy. En 1999 publicó 'Niafunké', un regreso a las raíces de la música tradicional africana.

Ali 'Farka' Touré y Toumani Diabaté

En 2004 fue nombrado alcalde de Niafunké y con dinero de su propio bolsillo asfaltó las carreteras, construyó varios canales y puso en marcha un generador para proporcionar electricidad al pueblo. En septiembre de 2005 publicó, en colaboración con el intérprete de kora (un instrumento de África occidental, mezcla de arpa y de laúd) Toumani Diabaté, el álbum 'In The Heart Of The Moon', por el que obtuvo su segundo premio Grammy.
Touré murió a los 66 años en marzo de 2006. Su última grabación, realizada en 2005, fue 'Ali and Toumani', publicado en febrero de 2010 otra colaboración de Touré con Diabaté.