12 enero 2012

Long John Baldry


El 12 de enero de 1941 nació en East Haddon (Northampton) el cantante anglo-canadiense de blues Long John Baldry. Cantó con la mayoría de los mejores músicos británicos y tuvo un nº1 en el Reino Unido en 1967 con el tema 'Let the Heartache Begin'.

Long John, a quien le pusieron el apodo por su estatura (2,05m), era un estudiante de diseño gráfico publicitario cuando a principios de la década de los sesenta, frecuentaba los bares y clubes del Soho londinenses en los que sonaba el blues, especialmente en el Gyre and Gimble (the G's) en Villiers Street, lugar al que también ara asiduo un ya reputado Alexis Korner, a la búsqueda de nuevos talentos. Fue a principios de 1961 cuando le oyó interpretar 'Sinner man', un clásico del blues más negro de los USA  y quedó tan encantado que le pidió que hiciese unas pruebas con su banda, que por aquel entonces andaba tocando en el Ealing Club en West London.

Desde ese instante, febrero de 1961, Long John formó parte de Alexis Korner's Blues Incorporated, una etapa fructífera para John, en la que compartió escenario con personajes de relevancia en el futuro próximo del R&B británico como Mick Jagger, Paul Jones y músicos como Keith Richards o Charlie Watts o Jack Bruce, bajista de Graham Bond. Eric Clapton ha asegurado en más de una ocasión: "Mi verdadera inspiración para hacerme músico, fue ver en directo un concierto de Long John Baldry en el Marquee, durante los primeros años de existencia del club". En 1962 Long John colaboró con ellos en la grabación  del primer álbum de blues británico, 'R&B from the Marquee' que, a pesar de llevar en el título el nombre del club, no fue grabado allí sino en los estudios de la Decca en West Hampstead (Londres). Contiene joyas como 'Got my mojo working', 'Hoochie Coochie man', interpretadas por Cyril Davies y 'How long blues', cantada por Baldry.

En 1963 John Baldry, tras una gira en solitario por Alemania, se unió a la Cyril Davies R&B All Stars, en la que tocaban los jóvenes Jimmy Page a la guitarra y Nicky Hopkins al piano. Tras la muerte de Cyril Davies en 1964, tomó el mando y el grupo se convirtió en Long John Baldry and his Hoochie Coochie Men a los que añadió dos nuevas incorporaciones: Geoff Bradford como guitarrista y un nuevo cantante llamado Rod Stewart al que John descubrió en la estación de ferrocarril de Twickenham, oyéndole interpretar con la armónica una canción de Muddy Waters 

McCartney y Long John en 1963
"Cuando John se acercó a mi en aquella estación, no me lo podía creer, yo había estado viéndole tocar en varios clubs de Londres, verdaderamente lo admiraba, me comentó que el había tocado junto a Muddy Waters, entonces me preguntó: 'Te gustaría cantar conmigo en The Hoochie Coochie Men?' no me salían las palabras, lo único que fui capaz de hacer fue estrechar su mano afirmando y se me venían a la cabeza la cantidad de grandes músicos que habían estrechado esa mano anteriormente, por aquel entonces él ya era uno de los grandes", recordaba Stewart en una entrevista.
El 6 de febrero de 1964 los Hoochie Coochie Men debutaron en el Marquee, permaneciendo 17 meses. En una de las visitas de Baldry al Cavern de Liverpool, trabó amistad con Paul McCartney, quien le invitó ese mismo año a participar en el show de TV 'Around the Beatles'.

Stewart, Baldry, Driscoll y Auger
En 1965, Baldry reformó el grupo renombrándolo Steampacket, con Baldry y Stewart como vocalistas, incorporando a Julie Driscoll como vocalista femenina y Brian Auger al órgano. Las obligaciones contractuales con mánagers y sellos discográficos diferentes fueron un obstáculo para que se publicara una grabación oficial de Steampacket. Años más tarde, coincidiendo con el ascenso al estrellato de Rod Stewart se editaron una serie de actuaciones en directo y ensayos del grupo.


Bluesology
Steampacket se disolvió en 1966 y Baldry ofreció al cuarteto Bluesology -un grupo que había fundado el pianista Reg Dwight (Elton John)-, ser su banda de acompañamiento. El cuarteto había adquirido experiencia en el R&B acompañando a artistas norteamericanos que venían de gira a Gran Bretaña, como Doris Troy, Major Lance, y Patti LaBelle, y gracias a sus ocasionales giras por el continente europeo, donde el blues británico gozaba de mayor estima que en Inglaterra. Baldry aumentó la banda a nueve miembros, añadiendo dos guitarristas (Neil Hubbard y Caleb Quaye), un cornetista y el saxofonista Elton Dean.


Al año siguiente, Baldry grabó una balada pop, 'Let the heartaches begin', que alcanzó el nº1 en Gran Bretaña, a la que siguió en 1968, 'Mexico', que fue el himno oficial del equipo olímpico inglés ese año.

Reg Dwight, visto que Baldry comenzaba a apartarse del R&B, decide marcharse para formar equipo de composición con Bernie Taupin, e inspirándose en el nombre del saxofonista del grupo, se cambia el nombre artístico a Elton John. A continuación, el grupo sigue en solitario, así como Long John Baldry. En 1969, Elton John intentó suicidarse con el gas de un horno tras una relación fallida con una mujer. Taupin y Baldry lo encontraron a tiempo y Long John -que era claramente homosexual- le quitó la idea de la chica de la cabeza. Según cuentan "le hizo sentirse a gusto con su propia sexualidad", hecho que Elton rememora y agradece en su canción 'Someone saved my life tonight'.

En 1971 se publicó 'It ain't easy', el álbum más popular de Long John Baldry y en el que Rod Stewart y Elton John se reparten las labores de producción, así como en el siguiente trabajo, 'Everything stops for tea' (1972). Long John sufrió en 1975 unos problemas mentales que lo mantuvieron un tiempo hospitalizado y en 1979, tras su recuperación, publicó 'Baldry's out', álbum en el que oficializaba y proclamaba su homosexualidad. El álbum incluía una versión de 'You've lost that lovin' feelin' de los Righteous Brothers, cantada a dúo con la cantante de Seattle Kathi McDonald, que fue Top5 en Australia. Kathi permanecería veinte años en el grupo de Baldry.

Tras una etapa en Nueva York y Los Angeles, Baldry se instaló en Vancouver, donde se hizo ciudadano canadiense. Realizó giras por la costa Oeste así como el noroeste de Estados Unidos. Continuó grabando y trabajando como actor de voces en numerosos films de animación. En 1991 publicó 'It still ain't easy' y en 1997 recibió un premio Juno en la categoría de 'álbum de blues del año', por  'Right to sing the blues'. Antes de morir en julio de 2005 a los 64 años, víctima de una neumonía, publicó en 2002 un disco homenaje a Leadbelly, 'Remembering Leadbelly'

Ruth Brown


El 12 de enero de 1928 nació en Portsmouth (Virginia) la cantante de R&B Ruth Brown, quien, al igual que sus ídolos Sarah Vaughan, Dinah Washington y Billie Holiday fue una de las más importantes vocalistas de su generación. Tan emprendedora y vital era Ruth, que su sello de entonces, la incipiente Atlantic Records, se llegó a llamar 'la empresa que Ruth construyó'.

Tras escapar de casa con el trompetista y futuro marido Jimmy Brown en 1945, comenzó a cantar en los clubes de Washington DC. Un disc-jockey local se quedó prendado de ella y se la recomendó a Ahmet Ertegun de Atlantic. El fichaje fue inmediato. Debutó con 'So long', tras lo que Ertegün le sugirió a Ruth cambiar su repertorio compuesto principalmente por baladas y le preparó una serie de temas de R&B. Su segundo single, 'Teardrops from my eyes', alcanzó el nº1 de las listas de R&B. Apodada 'Miss Rhythm', en unos pocos meses le elevarían el rango a 'reina del R&B'.

Continuó con hits como 'I'll wait for you' (1951), 'I know' (1951), '5-10-15 hours' (1953), '(Mama) he treats your daughter mean' (1953), 'Oh what a dream' (1954), 'Mambo baby' (1954) y 'Don't deceive me' (1960). En los sesenta se retiró para criar su familia, pero volvió a mediados de los setenta protagonizando un musical de Broadway: 'Black and Blue' (1989), que le supuso un Tony por su papel y un Grammy por el álbum que publicó, 'Blues on Broadway', con temas del musical. Fue admitida en el salón de la Fama del Rock and Roll en 1993 y, en noviembre de 2006, Ruth Brown murió a los 78 años de complicaciones surgidas tras un infarto sufrido el mes anterior.

Mississippi Fred McDowell


El 12 de enero de 1904 nació en Rossville (Tennessee) el cantante y guitarrista de blues Mississippi Fred McDowell, que fue una influencia directa en músicos como Bonnie Raitt, R.L. Burnside, Rolling Stones y muchos otros.

Nunca se dedicó profesionalmente a la música, siguiendo con su vida de granjero, tocando sólo los fines de semana y en ocasiones especiales. Gracias a las grabaciones que Alan Lomax realizó a finales de los cincuenta, su música se dio a conocer a mayores audiencias y grabó varios discos para los sellos Arhoolie, Testament y Capitol, como 'Amazing grace', 'Mississipi delta nlues' o 'Long way from home' (1966). Su estilo fue muy particular, limitado en técnica y repertorio, y repetitivo, pero muy intenso y brillante, especialmente con el bottleneck. En 1969, ante el horror de los puristas del blues, publicó el álbum 'I do not play no rock'n'roll', en el que por primera vez grabó con una guitarra eléctrica y acompañado de un sección rítmica de músicos blancos. En 1971, los beneficios obtenidos por los derechos de autor de la grabación de su tema 'You gotta move' en el álbum 'Sticky Fingers' de Rolling Stones, le permitieron abrir una gasolinera. Pocos meses después, en julio de 1972, murió a los 67 años.

10 enero 2012

Jerry Wexler


El 10 de enero de 1917 nació en el Bronx neoyorquino el periodista musical Jerry Wexler, que, además de acuñar el término 'rhythm and blues' en los años cincuenta se convirtió en productor de Atlantic Records y como tal trabajó en obras fundamentales de Ray Charles, Allman Brothers, Aretha Franklin, Led Zeppelin, Dusty Springfield, Wilson Pickett y Bob Dylan. Murió a los 91 años en agosto de 2008.

Nacido en el seno de una familia judía, pasó su infancia en el Bronx de Nueva York y comenzó a estudiar en la Kansas State University hasta que fue reclutado por la Armada de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, volvió a la Universidad y tras graduarse, entró a trabajar en Broadcast Music, Inc.(BMI) y en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM).

Foto 'familiar' de Atlantic Records en 1956: Jerry Wexler, Ruth Brown. Clyde McPhatter, Laverne Baker y Ahmet Ertegün

En 1953 pasó a ser uno de los socios del sello discográfico Atlantic Records. Al poco tiempo comenzó a grabar con Ray Charles, The Drifters y Ruth Brown. Junto a los hermanos Ertegün consiguió hacer de Atlantic Records uno de los gigantes de la industria musical de su tiempo.

Wexler con Sam & Dave
En los años sesenta oyó hablar del pequeño sello de Memphis Stax Records. Tomó un avión para verlo en persona y quedó impresionado. Allí tenía todo lo que necesitaba para sus grabaciones. Un estudio propio y una banda de gran talento llamada Booker T & the MG's, como sección de ritmo residente. Wexler cerró un trato con el propietario de Stax Records, Jim Stewart, que permitía grabar a Jerry en su estudio temas de intérpretes con contrato bajo Atlantic Records.

Wilson Pickett y Jerry en Muscle Shoals
Sam & Dave fueron los primeros que trajo a grabar a Memphis y el hit 'The midnight hour' (1965) de Wilson Pickett también surgió aquí. Pero Stewart, viendo que no salía beneficiado con el trato, rompió el acuerdo al año siguiente. Wexler encontró al sustituto en la persona de Rick Hall, dueño de los estudios FAME en Muscle Shoals (Alabama), donde se grabaron más hits de Wilson Pickett y 'When a man loves a woman' de Percy Sledge.

Aretha y Jerry
En 1967 durante la grabación del gran éxito 'I never loved a man (The way that I love you' de Aretha Franklin, Hall tuvo serias discusiones con el marido de Aretha, por lo que Wexler y Franklin abandonaron los estidos FAME y acabaron el trabajo en Nueva York. Cuando ese mismo año se vendieron los estudios Atlantic por 17 millones y medio de dólares, Jerry continuó como empleado y se trasladó a Miami donde fundó Criteria Records, en los que producía trabajos de Aretha Franklin, Donny Hathaway y Roberta Flack. En 1968 y bajo recomendación de Dusty Springfield, Wexler firmó contrato con Led Zeppelin.

En 1976 abandonó definitivamente Atlantic y dos años después firmó con Warner Records, siendo responsable de que grupos como B-52's y Dire Straits firmaran con el sello. En 1979 Wexler produjo el controvertido álbum de Bob Dylan 'Slow Train Coming', en el que el cantautor se confesaba cristiano. Cuando Dylan le explicó el sentido de sus canciones y Jerry percibió que estaba intentado evangelizarle le dijo: "Escucha, Bob. Estás tratando con un judío ateo de 62 años. Déjate de rollos y hagamos un álbum".
A principios de la década de 1980 comenzó a grabar con algunas estrellas del pop británico como George Michael. A finales de los años noventa se retiró de la industria musical y murió en Sarasota, Florida, el 15 de agosto de 2008, a los 91 años.

Jim Croce


El 10 de enero de 1943 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el cantautor norteamericano Jim Croce. Sencillas y delicadas canciones de amor y otras cargadas de humor sobre personajes pintorescos de la América profunda, son el legado de Jim, cuya trágica muerte sucedió justo antes de publicarse lo que iba a ser un álbum millonario en ventas. Sus canciones, así como su persona, eran cálidas y accesibles. Croce fue un enjuto hombre común con camisas y botas de obrero con la extraordinaria capacidad de cantar sobre cosas y lugares comunes de forma que se transformaban en nuevos para su audiencia.

Criado en una familia de origen italiano, Jim mostró pronto interés por la música. Con cinco años ya sabía tocar el acordeón y poco más tarde aprendió a tocar la guitarra. En la universidad formó varias bandas y tras graduarse tocó en pequeños clubes, bares y cofee-houses, donde tocó "cualquier cosa que la gente quisiera oir: blues, rock, a capella, canciones del ferrocarril... cualquier cosa"

Por esta época conoció en un festival de música folk a su futura mujer, Ingrid, con quien comienza a actuar como dúo, cantando temas de Woody Guthrie, Gordon Lighfoot y Joan Baez, pero al  mismo tiempo ambos comienzan a escribir canciones. En 1968, un productor discográfico amigo de ellos, les anima a ir a Nueva York para grabar un disco. Graban para Capitol Records el álbum 'Jim & Ingrid Croce', tras lo que viajan durante dos años más de 400.000 kilómetros intentando vender su álbum en el circuito de universidades, y en pequeños bares.

Ingrid y Jim Croce
Desilusionados por la falta de éxito comercial, Ingrid y Jim venden todo lo que tienen menos una guitarra y vuelven a Philadelphia, donde ella da clases para niños y él, tras desempeñar trabajos en la construcción y como camionero, consigue un trabajo en una emisora local en la que compone jingles publicitarios. Frustrado, da clases de guitarra y se alista unos meses en el ejército.


A través de un amigo común conoce a Maury Muhleisen, un cantante, pianista y guitarrista de formación clásica con quien Jim comienza a actuar formando un dúo, en el que Maury es solista y Croce le acompaña.

Maury Muhleisen y Jim Croce
Poco después los papeles se invierten y es Muhleisen quien acompaña con su guitarra las canciones de Jim que, con sus textos autobiográficos y su extraordinaria honestidad a la hora de cantarlas, engancha a un cada vez mayor número de seguidores con temas como 'Photographs & memories', 'New York's not my home' o 'Lover's cross'.

En 1972, Croce firma un contrato con ABC Records y graba 'You Don't Mess Around With Jim' (1973), cuyo tema homónimo, editado en single, alcanza el Top10 americano. Otros temas del álbum que recibieron mucha difusión por radio y TV fueron 'Operator' y 'Time in a bottle', canción escrita para su hijo, que estaba en camino. En 1973 graba otro álbum, 'Life and Times', que contenía su primer nº1, 'Bad, bad Leroy Brown' (tema que incluso recibió una versión de Sinatra)

Tras dos años de giras constantes, Croce sentía nostalgia por su hogar, donde le esperaban su esposa Ingrid y su recién nacido hijo Adrian James. Una vez concluyera la gira de 'Life and Times', tenía previsto tomarse un descanso. Desafortunadamente, la gira no llegaría a su fin. El 20 de septiembre de 1973 la avioneta en la que viajaba se precipitó al vacío poco después de despegar, a causa de un fallo del piloto. Todos sus ocupantes murieron, incluidos Jim y Maury Muhleisen. Jim tenía 30 años. Tres meses después, 'Time in a bottle', que había sido editada en single, alcanzó el nº1 de las listas USA. A continuación se publicó el álbum 'I Got a Name', que Jim había dejado grabado antes de morir, el cual contenía nuevas joyas del cantautor, como el tema que dio título al album y 'I'll have to say I love you in a song', su último Top10 en las listas.

Scott McKenzie


El 10 de enero de 1939 nació como Philip Blondheim en Jacksonville (Florida), el cantante norteamericano Scott McKenzie, el mejor ejemplo de lo que se denomina un 'one hit wonder',  por su publicación en 1967 de 'San Francisco (Be sure to wear flowers in your hair)', una canción que se convirtió en el himno de toda una generación.

The Smoothies
Pasó su juventud en Virginia y se interesó muy pronto por la música, interés que compartía con su amigo John Phillips. Ambos formaron a finales de los cincuenta un grupo folk, The Smoothies, cuyas armonías vocales recordaban a los Four Freshmen. Obtuvieron un pequeño éxito con el disco 'Softly', publicado en el sello Decca. En una de sus giras por Canadá, coincidieron con una pareja de cómicos, uno de los cuales hizo un chiste, comentando que Blondheim tenía el aspecto de un 'perrito escocés', por lo que le llamó 'Scottie' durante la gira. Phillips le sugirió añadir McKenzie, el nombre que le había puesto a su recién nacida hija, por lo q ue Philip Blondheim pasó a llamarse Scott McKenzie.

The Journeymen
En 1961, McKenzie y Phillips se unen  a Dick Weissman, cantante y virtuoso del banjo, educado en el conservatorio y procedente de Philadelphia, para formar el trío The Journeymen. Con el mismo mánager que dirigía a The Kingston Trio, The Journeymen se hicieron un nombre en el Greenwich Village y grabaron tres álbumes en el sello Capitol donde demostraban su dominio de los instrumentos, sus cuidados arreglos y sus perfectas armonías vocales. Scott tuvo que pasar por una arriesgada operación de garganta que, lejos de afectarle negativamente, suavizó y dejó más brillante su tono de voz. Su tercer trabajo, 'New Directions in Folk Music' (1963), mostraba ya las influencias blues y pop que el folk estaba adoptando en su evolución.

New Directions in Folk Music (1963)
Durante una gira por California, Phillips conoce a una joven adolescente, Michelle Gilliam, con quien comenzó un relación, lo que lleva al divorcio de su esposa. Al mismo tiempo, Scott, que siempre había sufrido cierto miedo escénico, empezó a desarrollar una paranoia que le hacía desconfiar de sus compañeros, llegando a pensar que estos conspiraban para envenenarle. Weissman ejercía de mediador y catalizador en la cada vez más difícil relación entre Scott y Phillips, cuyas mentes ya no estaban por un proyecto en común.


Por otro lado, la invasión británica de grupos beat había barrido el movimiento folk del principio de la década y las guitarras eléctricas lo invadían todo.

En la primavera de 1964 el trío se separa. Phillips se estableció en California, formando con Michelle The New Journeymen (que derivaría en The Mamas & the Papas) y Scott permaneció en Nueva York intentándolo en solitario. Dos años más tarde y tras haber sido rechazado en una audición para el grupo The Monkees (parece ser que su aspecto era demasiado 'viejo' para su edad, 27), Scott acude a la llamada de Phillips, que se encuentra en la cúspide de la fama gracias al éxito de The Mamas & the Papas, y dispuesto a organizar el primer (y único, a la postre) Festival Internacional Monterey Pop.

CANCIONES CON HISTORIA
Monterey es una pequeña ciudad cercana a San Francisco que en la primavera de 1967 tiene un dilema. Está a punto de celebrarse en ella un Festival Pop y no sólo The Mamas & The Papas, Simon & Garfunkel y Grateful Dead -entre otros artistas- han confirmado su asistencia: decenas de miles de hippies de todo el país también.

Las autoridades de la ciudad temen por la seguridad y bienestar de sus ciudadanos e instan a John Phillips, organizador del evento, a tomar las medidas pertinentes. Phillips, que además es músico y miembro del grupo abanderado del flower-power The Mamas & The Papas, no se lo piensa dos veces. En escasa media hora tiene lista una canción 'publicitaria' del festival, en la que llama a la paz y armonía entre sus asistentes. El nombre de Monterey no es citado ni una sola vez. La idea es que los hippies se dirijan a la vecina y cosmopolita San Francisco y se acerquen por Monterey únicamente para asistir a los conciertos. Las autoridades de la pequeña ciudad parecen satisfechos, pero para que el plan funcione, hay que grabar y publicar la canción inmediatamente para desviar 'las hordas de melenudos' hacia San Francisco.  

Phillips, demasiado ocupado en la organización del Festival y algo 'disperso' por el consumo de marihuana y LSD, no se encuentra en las mejores condiciones para cantar y le pide a su viejo amigo Scott McKenzie que le saque del apuro. Además, Scott, que vestía kaftanis, siempre iba descalzo y con flores en el pelo, era el intérprete perfecto para su canción.  Ensayaron el tema una tarde, al día siguiente se grabó y se puso a la venta cuatro días después. "E igual de rápido se convirtió en un hit internacional", recuerda Phillips, "Scott no había grabado nunca como solista y en una semana era conocido en todo el mundo, el 'Gran Guru del Flower Power" y añadía jocosamente, "Scott nunca me perdonó por aquello." Así nació el himno de la generación hippy: "If you're going to San Francisco, don't forget to put flowers in your hair..."


El single fue Top5 en Billboard y nº1 en el Reino Unido y numerosos países europeos. En algunos de ellos, 'San Francisco' se adoptó como un himno a la libertad y se pudo oir durante la Primavera de Praga en 1968. La enorme popularidad de la canción -que vendió más de siete millones de copias en el mundo- hizo que miles de jóvenes de la época viajaran a California y hoy representa como ninguna la atmósfera de aquel 'verano del amor'.

A 'San Francisco' le siguieron algunos éxitos menores, como 'Like an old time movie', también escrita y producida por Phillips, pero Scott, incapaz de sacudirse el estigma del hit con el que debutó y agobiado por su fama de 'guru hippy', tras publicar el álbum 'Stained Glass Morning' (1970), compuesto por temas propios y en el que colaboraron músicos de la talla de Barry McGuire, Ry Cooder, Rusty Young, Bunk Gardner y Craig Doerge, dejó de grabar y vivió semiretirado de la música hasta 1986, año en que formó parte de diversas formaciones de The New Mamas & the Papas con los que fue actuando hasta 1998, año en el que se retiró de los escenarios. Murió el 18 de agosto de 2012 a los 73 años.