Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 22 de mayo de 1813 nació en Leipzig el compositor, director, dramaturgo y ensayista alemán Richard Wagner, conocido principalmente por sus óperas o 'dramas musicales', en las que asumía además de la composición, la escenografía y el libreto.
Johana Rosine, su madre, con ocho hijos, enviudó al mes cumplido de Richard. Por suerte, se casó después con Ludwig Geyer, quien sería muy importante en la faceta artística de Wagner y por ello adquirió mayor compenetración con la música, estudiando a Mozart, Beethoven, Weber y Hoffman. Su admiración hacia Beethoven se reflejó en la transcripción para piano de la novena sinfonía y de la Pastoral, que inspiró una de sus primeras obras: “Sinfonía en Do Mayor” (Rundfunk-Sinfonie-Orchester Berlin & dir. Heinz Rögner).
Minna Planer
También buscó expresarse en el lenguaje dramático, escribiendo las “Bodas”, pero, que por críticas de su familia, tuvo que destruir. En “Las hadas” (1833), muestra su gusto por lo legendario y lo fantástico. En 1836, residiendo en Königsberg, contrajo matrimonio con la actriz Minna Planer. Vive en París en medio de la pobreza hasta 1842 y regresa a Alemania donde empezó a componer con 24 años "Rienzi", Aria "Allmächtger Vater" (Rene Kollo), la ópera que, aunque fue su mayor éxito, renegó de ella por su aire de "grand opera", justo lo que parecía entusiasmar a Hitler, que llegó a apropiarse de la partitura autógrafa. Adolf Hitler la escuchó con entusiasmo a los 17 años, 69 después de que Wagner empezara a componerla, la utilizó para la inauguración en 1939 del Congreso del Partido Nazi (NSdAP), en Nuremberg, y se adueñó de la partitura, que pasó a formar parte de su colección privada y que desapareció durante el bombardeo de Berlín. Wagner no tardó mucho en renegar de ella porque la había compuesto según los cánones de la ópera francesa imperante, es decir, con la liturgia completa de arias, concertantes, ballet y números corales de una gran espectacularidad y complejidad escénica.
Wagner en 1850
1842-1843, "Steuermann! Lass die Wacht!" (Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu & Norbert Ernst, Timonero). Wagner daba un paso de gran importancia hacia el drama musical al utilizar desde la obertura la unión de temas musicales con los personajes principales, los sentimientos y los hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de leitmotiv o tema conductor, que sería esencial en la forma de componer sus óperas posteriores. Por otro lado, la influencia de Weber aumenta su interés por el mundo germánico, sobre todo por el mítico y legendario, tan importante en la tradición cultural alemana.
A pesar de los cambios estilísticos, Wagner todavía utiliza las arias y dúos tradicionales, que poco a poco irán desapareciendo en sus nuevas obras. La ópera no tuvo la acogida de Rienzi, pero gracias a ella consiguió el puesto de director de cámara de la casa real de Sajonia.
Escena de Tannhäuser
Con “Tannhäuser”y su “Coro de lo peregrinos” (Bayerisches Staatsorchester, Chor der Bayerischen Staatsoper München & Robert Heg), en la que trabaja cuando estalla la revolución de 1848 y debe huir a Weimar, donde le deja la partitura a su gran amigo y admirador Franz Liszt que decidió representar la ópera en Weimar, tres años después. Aquí aparece con claridad lo que se llama “Sinfonía Wagneriana” y además se consagra como uno de los mejores directores de orquesta al dirigir la Novena sinfonía, de Beethoven, estrenada en Dresde en 1845, avanzaba en la utilización de los temas conductores, ahora más extensos. Revive el mundo legendario medieval de los caballeros Minnesinger alemanes, equivalentes a los trovadores provenzales. Pero aquí el drama toma un aspecto religioso enfrentándose, por un lado, el amor “carnal” que simboliza la diosa Venus y, por otro, el amor espiritual de Elisabeth.
Escena de Lohengrin
En “Lohengrin” (Otto Klemperer dir. & The Philarmonia Orchestra) utiliza el nuevo método dramático musical en forma intensiva. En la obertura, por ejemplo, escuchamos el “tema del misterio” y el del santo Grial; este último reaparece en la misma forma tras casi cuatro horas de ópera, cuando Lohengrin se identifica como un caballero del Santo Grial. A pesar de que Wagner creía en la eficacia de su sistema, éste realmente tenía sus fisuras, ya que para sus contemporáneos era muy difícil reconocer los numerosos temas que configuran la música y que se relacionaban íntimamente con el texto; sistema que casi nadie comprendía por su complejidad y porque sus óperas sólo se representaban en pocos teatros.
Richard Wagner comenzó la composición de Lohengrin en 1845, pero la participación activa por parte del compositor en los hechos revolucionarios de Dresde (1848-1849) le obligaron a refugiarse primero en Weimar junto a Listz y, al decretarse la orden de busca y captura contra él, a exiliarse en Suiza. “Lohengrin” fue por tanto la primera ópera que se estrenó en Alemania (Weimar, 28 de Agosto de 1850) mientras Richard permanecía en el exilio. En ella encontramos aún influencias notablemente italianizantes y meyerbeerianas.
La influencia de Wagner se extendió más allá de la música hacia la filosofía, la literatura, las artes visuales y el teatro. Incluso hizo construir su propio teatro de ópera, el “Festspielhaus” de Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contiene muchas características de novedoso diseño para la época.
Cosima Liszt von Bülow
Junto con su mujer, Cósima, marcha a Suiza donde conocen a Friedrich Nietzsche. De este periodo también datan las “Wesendock Lieder” (Tiana Lemnitz soprano & Orchestre de la Staatskapelle de Berlin, Dir. Robert Heger) obras para voz y orquesta o piano (1857-1858) (Cinco voces para voz de mujer - Sara Mingardo, contralto, Malcolm Martineau, piano & letra Mathilde Wesendonck) y poco después viene el estreno de “Los maestros cantores”. Sin embargo, sus pensamientos sobre la importancia relativa de la música y el teatro volvieron a cambiar de nuevo y reintrodujo algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, incluyendo “Los maestros cantores de Nuremberg”(1868). Cuando el compositor se había retirado a Mariafeld (cerca de Zurich, mayo de 1864) huyendo de sus acreedores se le presentó como un milagro el secretario del gabinete de Luis II para indicarle que el rey, su más ardiente admirador, se sentiría halagado si aceptase ser su invitado. Rápidamente fueron pagadas las numerosas deudas contraídas por el compositor que se instaló cómodamente en una casa cercana a la residencia de verano del rey en Berg. Para él compuso “La marcha del Homenaje”.
Escena de Tristán e Isolda
El 1 de Junio de 1865 se estrenó su ópera “Tristán e Isolda” (Jessye Norman & último concierto de Karajan), mientras comenzaba su autobiografía "Mi vida" (Mein Leben). Esta ópera se describe a veces como marca el inicio de la música contemporánea. Wagner en una carta a Franz Liszt (16 de diciembre de 1854) escribió: “Nunca en mi vida había disfrutado de la verdadera felicidad del amor erigiré un monumento a este el más encantador de todos los sueños en el que, desde el principio hasta el final, el amor, por una vez, encontrará una total realización. He diseñado en mi mente un Tristán e Isolda, la más simple, y aún así la concepción musical más llena de sangre que pueda imaginarse, y con la "bandera negra" que se agita en el final yo me cubriré - para morir”. A finales del año 1854, Wagner había esbozado los tres actos de la ópera sobre el tema de Tristán, basándose en la narración de la historia por Godofredo de Estrasburgo.
Se trasladó a Suiza y, tras la muerte de su esposa Minna en Dresde (1866), se instaló con Cosima en la hermosa villa de Triebschen a orillas del lago de Ginebra, con sus cuatro hijas. Richard pudo trabajar en sus óperas sin preocuparse de sus gastos y en 1867 terminaba “Los maestros cantores de Nuremberg” (Die Meistersinger von Nürnberg); una obra concebida en teoría como ópera cómica, pero que en realidad es una aproximación a las costumbres de la época de los Cantores Gremiales (Meistersingers) alemanes.
"El Anillo" es un trabajo de extraordinaria escala que Wagner tardó más de un cuarto de siglo en escribir. Como tetralogía, está modelada como los antiguos dramas griegos, que eran presentados como una trilogía de tres tragedias y una sátira. Como tal, "El Anillo” propiamente dicho consiste en un prólogo: “El oro del Rhin”(1869 y tres jornadas, “La Walkiria” (1870) (The Vienna Philharmonic), “Sigfrido” (1871) y “El ocaso de los dioses” (1874) cuyo poema fue leído por Wagner en Dresde, Zurich y París con notable éxito. Los amigos mostraban su admiración ante la epopeya del héroe germano, si bien ponían ciertos reparos de la viablidad de su representación escénica y el desarrollo del argumento.
Tras largos años de convivir con Wagner, Cósima se divorcia de Hans von Bülow y se casa con Richard (1870); para su cumpleaños él le compuso “El idilio de Sigfrido” “Siegfried Idyll”, (Piano transcripción por Glenn Gould). Por ésta época viajó Wagner sucesivamente a Alemania para preparar el camino de su Festspielhaus en Bayreuth y para la fundación de la Sociedad Wagner.
Festspielhaus de Bayreuth
El día de su quincuagésimo noveno cumpleaños puso la primera piedra del Teatro de Bayreuth, y al año siguiente realizó una gira de conciertos por Alemania para recoger fondos, y finalmente y gracias a la generosa ayuda de Luis II se pudo terminar. Ese mismo año (1874) construyó su casa Wahnfried de Bayreuth, a la que se trasladó. En ella terminó “El ocaso de los dioses”, dando fin a la Tetralogía de “El Anillo”, que fue estrenada formando tres ciclos completos en Bayreuth (1876). Las pérdidas económicas fueron cuantiosas; pero era el espectáculo que todos querían ver. Después del festival, Wagner se trasladó con su familia a Londres donde dirigió una serie de conciertos para captar fondos que cubriesen las pérdidas de Bayreuth. Poco después se le presentaron sus primeros problemas de corazón, por lo que se trasladó a Bad Ems (1877) para una cura de salud.
En 1882 Wagner terminó su última ópera, “Parsifal”, en Palermo (The Weiner Philharmoniker, & Georg Solti), drama basado en las leyendas del Santo Grial; tomó como modelo el Parzival de Wolfram von Echenbach (1160-1220 aprox.) quien, a su vez, había sacado el argumento de antiguas leyendas bretonas. Wagner sufrió un primer ataque al corazón en Berlín (1881) y el segundo en Bayreuth, donde ya repuesto estrenó el 26 de julio de 1882 Parsifal, dando 16 funciones en las que el tercer acto de cada una de ellas fue dirigida por el propio compositor. Pensando que podría favorecerle un cambio de clima, Wagner alquiló el Palazzo Vendramin en el Gran Canal de Venecia. Allí falleció repentinamente el 13 de febrero del año siguiente a los 69 años. Cinco días después su cuerpo fue enterrado en el mausoleo de su villa de Bayreuth donde después se enterró también a su esposa.
La fama de Wagner se basa tanto en sus creaciones musicales (que representan la máxima expresión del romanticismo en la música europea) como en sus ideas revolucionarias sobre la teoría y la práctica de la composición operística. En su tratamiento de la armonía Wagner llevó el sistema tradicional de tonalidades hasta sus límites, rompiendo las convenciones que imperaban en las relaciones de tonos y acordes y que, tras el exacerbado cromatismo de obras como el Tristán, inevitablemente conducirían a la atonalidad del siglo XX. En el siglo anterior la ópera era una sucesión de números independientes: arias, recitativos, dúos, interludios y finales. Para Wagner en el drama musical un principio fundamental era la subordinación de todas las artes, incluida la música, a las necesidades dramáticas de la historia (al menos en teoría, ya que en la práctica Wagner, como cualquier compositor, tendía a dar prioridad a la música).
"Separar la música de Wagner de su poema – si tal cosa pudiera imaginarse – sería su destrucción completa… Ni soñando había yo creído posible que la música pudiera adaptarse y subordinarse a una fábula en tan justa medida, sin que por ello se aniquilara a sí misma. La música parece sencillamente proyectar luz y sombras en la obra, adornar, explicar y añadir claridad a las escenas y a los sentimientos"
(Robert Franz)
• “Les deux Grenadiers” (1840, basada en H. Heine)
• “Les Adieux de Marie Stuart” (1840 Bérenger) (Lone Koppel, Danish soprano & Jørgen Ellegård Frederiksen, piano)
• “Das Liebesmahl der Apostel” (1843, R. W.) (Ambrosian Male Voice Chorus Symphonica of London & dir. Wyn Morris)
• “Gedichte für eine Frauenstimme” (1857-58, M. Wesendonk, Schott, 1862); para coro de hombres y orquesta
• “Wesendonck Lieder “(Canciones de Mathilde Wesendonck)
1.- “Der Engel” (El Angel) (Jessye Norman & BBC Symphony Orchestra, dir. Pierre Boulez)
2.- “Stehe still” (Detente!) (Jessye Norman)
3.- “Im Treibhaus” - Studie zu Tristan und Isolde (En el invernadero) (Birgit Nilsson, soprano & London Symphony Orchestra/ Sir Colin Davis)
4.- “Schmerzen”(Penas) (Eileen Farrell & dir. Leopold Stokowski)
5.- “Träume” - Studie zu Tristan und Isolde (Sueños) (Marilyn Horne, mezzo-soprano & The Royal Philharmanic Orchestra, dir. Henry Lewis).
3. Música teatral
(Todos los libretos son de Richard Wagner):
• El oro del Rhin (El anillo del nibelungo-1869) (Sir Georg Solti, dir. & Orchester der Bayreuther Festspiel)
• La Valquiria (El anillo del nibelungo -1870)
BSO en el cine con música de Wagner: “Un chien andalou” (1929) Si originalmente Un chien andalou fue una pieza muda, en 1960, el propio Luis Buñuel supervisó la sonorización de su ilustre película, considerada pieza clave del surrealismo, agregándole varios tangos que mezcla con un corte de Tristán e Isolda. Puede que se trate de un cortometraje, pero su importancia y la influencia en cineastas de todo el mundo, hacen totalmente justificable que inaugure esta selección. “Les cousins” (1959) Sin duda en una cultura como la francesa, en la que proliferaran movimientos como el naturalismo poético y el realismo negro, parece natural que hiciera mella el romanticismo trágico de Tristán e Isolda. Por eso podemos encontrar fragmentos de la pieza de Wagner en películas francesas de diversa índole, entre ellas destaco el uso que hace Claude Chabrol en Les cousins, en la que en una fiesta snob en la que se escucha música clásica, se interrumpe la velada para ofrecer una espontánea representación de la pieza de Wagner.
“Black Moon” (1975) Si el magnífico cortometraje de Buñuel, Un chien andalou, fuera de producción francesa, iniciando esa relación de la obra de Wagner con la producción cinematográfica gala, lo cierto es que pareciera que también está vinculada en muchas ocasiones con el surrealismo pues Louis Malle, volvía a escoger esta misma pieza para uno de los muchos inquietantes momentos de su película de 1975, Black Moon. "Apocalypse Now" (1979) Las valquirias, aquellas deidades femeninas que elegían a los guerreros que habían de luchar junto al mismísimo Odín en la batalla del fin del mundo, han querido hacer una breve visita a Los Callejones y nos han traído del brazo su famosa “Cabalgata” de la ópera de Richard Wagner “Die Walküre“, que popularizó aún más, si cabe, Francis Ford Coppola en su película Apocalypse Now, en 1979.
“Excalibur” (1981) Si en el origen de Tristán e Isolda podemos remitirnos a las leyendas arterias, no es de extrañar que John Boorman escogiera un fragmento de la ópera del drama romántico de Wagner, precisamente para enfatizar el momento en que se encuentran Lancelot y Guenevere, casada con su amigo del alma, el rey Arturo. Drama y romanticismo trágico en una fabulosa película fantástica. “Excalibur” (Symphonie-Orchester Des Bayerischen Rundfunks, Bernard Haitink, Siegfried Jerusalem, Eva Marton & John Tomlinson)
“El dorado” (1988) En 1988 el cineasta español Carlos Saura también escogió un fragmento de Tristán e Isolda para ilustrar la épica y descabellada aventura de Lope de Aguirre, que acaba atrapado en su mundo interior tras ser seducido por la salvaje belleza de su propia hija. Aunque el tono de la película sea menos fantástico que el de la película de John Boorman, lo cierto es que en ambas películas confluyen la superstición, el romanticismo y la fatalidad de la pieza de Wagner. “Reversal of Fortune” (1990) Como si fuera una alusión al estreno de la ópera de Wagner, estrenada el 10 de junio de 1865, bajo la dirección de Hans von Bülow, el cineasta estadounidense Barbet Schroeder, incluyó un fragmento de la ópera en esta película que estrenaba en 1990. Por su interpretación en la película, Jeremy Irons consiguió su Oscar al mejor actor, con un personaje de turbia personalidad que respondía al nombre de Claus von Bülow.
“Shadow of the Vampire” (2000) En el año 2000, E- Elias Merhige nos sorprendía con esta inquietante película en la que el mito de la película que dirigiera Friedrich Wilhelm Murnau en 1922, y leyenda del rodaje de Nosferatu, difuminaban la frontera entre realidad y fantasía para transmitirnos lo que debió ser uno de los rodajes más delirantes de la historia del cine. Fiel al espíritu romántico, no debe extrañarnos que el cineasta alemán utilizara fragmentos de Tristan e Isolda para amenizar y, sobre todo, exaltar el espíritu del actor que daba vida al vampiro. “Melancholia” El ejemplo más reciente, y uno de las más espectaculares, ha sido el maravilloso uso que Lars Von Trier ha hecho de Tristán e Isolda (Tristan und Isolde en su idioma original) en “Melancholia”
El 21 de mayo de 1971 se publicó en Estados Unidos, 'What's Going On', el undécimo álbum del músico Marvin Gaye y el primero en el que controló todo el proceso, desde la composición hasta la producción. Un álbum conceptual contado desde la perspectiva de un veterano de Vietnam afroamericano en su vuelta a casa, que figura entre los diez primeros en la mayoría de las listas de los mejores álbumes de la historia del pop.
'What's Going On' fue el inicio de una nueva tendencia de la música soul. La incorporación de letras con contenidos sociales y políticos -abuso de drogas, pobreza, pacifismo, ecología, guerra del Vietnam- que a lo largo de nueve canciones (la mayoría ligadas entre sí) desgranan las preocupaciones de Gaye en la época. A finales de marzo de 1970, Gaye cayó en una profunda depresion tras la muerte de tumor cerebral de su amiga y compañera de duetos Tammi Terrell. Alejado voluntariamente de la música y los estudios, pensó incluso dedicarse al fútbol americano y llegó a realizar una prueba para los Detroit Lions, que no prosperó...
Unas semanas después entró en contacto con Al Cleveland y Renaldo 'Obie' Benson, ex-Four Tops, que le pidieron ayuda para terminar una canción con trasfondo político llamada 'What's Going On', que habían compuesto tras ser testigos de una carga policial contra jóvenes estudiantes que protestaban contra la guerra. Marvin accedió a producirles el tema para Motown, pero Cleveland y Benson le convencieron para que lo grabara él mismo. Como el tema le fascinaba lo grabó junto con un tema propio, 'God is Love' y presentó las cintas a su cuñado Berry Gordy Jr. (Gaye estaba casado con la hija del mandamás de Motown), para que las publicara como su siguiente single. Aunque Motown ya había publicado temas con contenido sociopolítico ('War' de Edwin Starr, 'Ball of Confusion' de Temptations o 'Heaven help us all' de Stevie Wonder) Berry se negó, al considerar que 'What's Going On' se apartaba de la línea de canción-radiable-comercial que querían mantener en la discográfica y que hasta ahora les había dado muy buen resultado.
Gaye insistió y llegó a amenazar con no volver a grabar un segundo de su música con Motown. Gordy finalmente cedió, seguro de que sería un fracaso de ventas.
Berry Gordy
Publicado en enero de 1971 'What's Going On' alcanzó de forma inmediata el nº1 en las listas de pop y R&B, permaneciendo en ellas cinco y tres semanas, respectivamente. Gaye recordaba en una entrevista con Rolling Stone: "A finales de 1969 comenzé a revisar mi concepto sobre lo que quería transmitir con mi música. Me habían afectado mucho unas cartas que recibí de mi hermano en Vietnam, así como la situación social aquí en casa. Me dí cuenta de que tenía que aparcar mis fantasías y deseos personales si quería escribir canciones que llegaran al alma de la gente. Quería que le echaran un vistazo a lo que estaba pasando a su alrededor en el mundo."
Tras el éxito del single, Berry aceptó que se grabara un álbum que le acompañara y Gaye se puso en marcha produciendo su mejor trabajo, considerado en innumerables listas como uno de los álbumes fundamentales del soul en los años 70. Fue la primera vez que el magnífico grupo de acompañamiento, The Funk Brothers, recibía créditos de participación en un disco.
Otra novedad eran los arreglos con elementos de jazz y música clásica y, sobre todo, el contenido de sus letras, llenas de referencias a la corrupción política, el abuso de drogas y la guerra de Vietnam, en la que su hermano había participado durante tres años. A Berry no le preocupó el giro contracultural de los mensajes de Gaye, sin embargo tenía sus dudas sobre si el novedoso formato musical de mezclar las canciones iba a obstaculizar su emisión en las radios, preocupado principalmente por la repercusión comercial del disco. El uso del 'ciclo' de canciones mezcladas le dio un sentido de cohesión al álbum (la obra se cierra con un reprise del primer tema, 'What's Going On'), por lo que fue etiquetado como el 'primer álbum conceptual del soul'
El 21 de mayo de 1904 nació en Nueva York Fats Waller, uno de los grandes pianistas de la historia del jazz. Además de ser recordado por sus divertidas composiciones y como un auténtico showman, su talento con el piano era extraordinario. Un maestro del stride, técnica que aprendió del maestro James P. Johnson, Waller fue un auténtico mago del estilo derivado del ragtime, en el que la mano izquierda marca el ritmo mientras la derecha interpreta la melodía. Sus dinámicas y creativas interpretaciones se extendieron al órgano y la celesta. Fue, de hecho, el primer organista de jazz importante. Pero "la America blanca prefería que sus jazzmen fueran Falstaff en vez de Hamlet", como escribía Jack Kroll en Newsweek, "Waller no alcanzó las cotas que merecía, porque accedió a enfatizar su lado cómico, dejando que el verdadero jazz apareciera sólo de vez en cuando"
Interpretando canciones cómicas como 'Ain't Misbehavin', 'Honeysuckle rose'y 'Your feet's too big', el pianista de 140 kg de peso desarrolló una imagen escénica exuberante que cautivaba a las audiencias. Agitando la cabeza y lanzando continuos chistes, insuflaba la alegría y comicidad a las mediocres canciones que le solicitaban tocar. "Era capaz de convertir con su voz y su piano las canciones más insulsas y banales del Tin Pan Alley en algo memorable. Siempre encontraba entre la basura musical algo de valor"
Nacido como Thomas Wright Waller, hijo de un pastor baptista abisinio, creció en Harlem (Nueva York). A los seis años comenzó a tocar el órgano y con diez ya actuaba en actos de su colegio. Papá Waller consideraba el jazz 'música diabólica' por lo que animó a su hijo a estudiar piano clásico. Sin embargo, cuando en la adolescencia Waller descubrió a James P. Johnson, la batalla del padre estaba perdida. El joven abandonó los estudios y aceptó un trabajo como organista en un cine, al mismo tiempo que estudiaba jazz con Johnson. Pronto se extendió su fama como pianista de talento.
A comienzos de los años 20, Waller ya se había ganado el apodo de 'Fats' y estaba considerado uno de los pianistas más importantes de Harlem, acompañando en los mejores clubs a artistas como Bessie Smith y Alberta Hunter o actuando solo con el piano o el órgano. En 1922 publicó su primera partitura para pianola, 'Got to cool my doggies now' y su primera grabación, 'Muscle Shoals blues' y 'Birmingham blues' para Okeh Records.
Fats fue un compositor prolífico y vendió su primera canción, 'Squeeze me' en 1923. Al final de la década sus canciones eran interpretadas por los artistas más populares del momento, especialmente Fletcher Henderson y Cab Calloway. Cuentan que Fats fue secuestrado en 1926 por cuatro hombres a punta de pistola cuando salía de una actuación en Chicago. Su sorpresa fue mayúscula cuando se encontró en una sala de fiestas propiedad del mismísimo Al Capone que celebraba su cumpleaños. Pidieron a Fats que tocara el piano y vaya si lo tocó. Tres días duró la fiesta y Waller regresó a casa borracho, cansado y con los bolsillos llenos de miles de dólares que los gangsters le habían dado de propina.
En 1928 Waller y el letrista Andy Razaf escribieron la mayoría de los temas del musical negro 'Keep shufflin'. Más tarde, Waller y Razaf compusieron la música para el musical 'Connies Hot Chocolates', que incluía el yema 'Ain't misbehavin''. Waller vivía al día y frecuentemente andaba corto de dinero, por lo que vendía con facilidad los derechos de sus canciones a cambio de una cena o un viaje en taxi, algo que lamentaría en más de una ocasión.
Durante esa época, tampoco era muy serio con sus tratos, ya que cobraba por adelantado por canciones que nunca llegó a escribir y vendía la misma composición a más de un editor.
En 1934 Waller formó un sexteto llamado Fats Waller and His Rhythm, consistente en Eugene 'Honey bear' al saxo y clarinete, Al Casey a la guitarra, Charles Turner al bajo, Yank Porter en la batería y Herman Autrey (a veces sustituido por Bill Coleman o John 'Bugs' Hamilton) a la trompeta.
Con las humorísticas interpretaciones vocales y la maestría con el piano de stride de Waller como protagonistas, el grupo grabó numerosos temas para el sello Victor durante los años siguientes, produciendo hits como 'Your feet's too big','I'm gonna sit right down and write myself a letter'y 'Lulu's back in town'. Con una popularidad que rivalizó en su momento con la de Louis Armstrong, Fats actuó regularmente en la radio y viajó por todo el país y el extranjero actuando ante salas repletas. En una visita de 1938 a Paris, tocó jazz en el órgano de la catedral de Notre Dame.
Fats Waller murió en diciembre de 1943 de neumonía a los 39 años. Su frenética agenda de actuaciones, unida a su pasión por la comida, la bebida y el jolgorio pudieron con su salud. Aunque Waller fue un modelo para la mayoría de los pianistas de su tiempo, incluidos Count Basie, Teddy Wilson, Art Tatum, Thelonious Monk y Dave Brubeck, la mayoría de sus casi 500 composiciones permanecieron en el olvido hasta que se estrenó en 1978 el musical de Broadway 'Ain't Misbehavion'', que ayudó a que muchas de ellas volvieran a ser interpretadas y grabadas.
El 21 de mayo de 1940 nació en Norfolk (Inglaterra) el músico y cantante británico Tony Sheridan conocido, sobre todo, por su colaboración a principios de los años 60 en Hamburgo con un grupo de jóvenes de Liverpool llamado The Beatles.
Nacido como Anthony Esmond O'Sheridan McGinnity, su madre era inglesa y su padre iraní. Tony creció bajo la influencia de la música clásica y siendo niño aprendió a tocar el violín. Sus dotes artísticas lehicieron bandonar el instituto por la Escuela de Arte y en la adolescencia cambió el violín por la guitarra. En 1956 fundó su primer grupo de skiffle, The Saints con la que se estableció en Londres. Allí llegó a ser un solicitado músico de sesión y reconocidos artistas, como Gene Vincent y Conway Twitty, le llamaban para sus bandas cuando visitaban las Islas.
Entre 1958 y 1959, Sheridan fue el guitarrista de Vince Taylor & the Playboys y fue el primer músico británico que tocó con una guitarra eléctrica por TV en el show 'Oh Boy' de la BBC. En 1959 formó el Tony Sheridan Trio con Brian Locking y Brian Bennett (futuros Shadows) y actuó formando del grupo de acompañamiento en la gira 'Eddie Cochran & Gene Vincent Rock'n'Roll Show Tour', gira que se vio truncada por la trágica muerte de Eddie Cochran.
Tony Sheridan y los Jets en 1960
En 1960 Tony viajó a Hamburgo con su grupo The Jets. Allí actuaron en el 'Kaiserkeller' y otros clubs del barrio de St Pauli. Al poco, los Jets volvieron a Inglaterra y Tony se quedó en Hamburgo, donde continuó actuando como cantante en solitario en el 'Top Ten' de la Reeperbahn (la calle principal del barrio St. Pauli).
George, Pete, John y Paul
En sus shows le solían acompañar varios grupos como Gerry & the Pacemakers, aunque los más conocidos fueron cuatro jóvenes de Liverpool, denominados Beatles, que habían llegado en abril de 1961 en su segunda visita a Hamburgo a tocar en el 'Top-Ten'. No sólo tocaron juntos, también vivían juntos y compartían los pocos ratos libres que les quedaban en Hamburgo. McCartney le menciona en sus recuerdos como el 'maestro' y se trataban con mutua admiración. Especialmente John y George, que aprendieron más de un truquillo del -para ellos- veterano guitarrista.
Bert Kaempfert
Un productor alemán de Polydor, Bert Kaempfert tuvo una visión parecida a la que tuvo Brian Epstein unos meses después, pero su 'buen ojo' demostró tener mala puntería. Bert pensaba que el 'crack' era Sheridan y en junio de 1961 grabó un álbum con él y con los 'Beat Brothers' de acompañantes. (El nombre Beatles -que ya habían adoptado oficialmente desde septiembre de 1960- se parecía demasiado en la pronunciación a otro alemán llamado 'Pidels' el plural de un vulgarismo alemán para pene, por lo que Kaempfert les sugirió cambiarlo para el disco).
Entre los temas grabados se encontraba 'My Bonnie', que apareció en single y fue Top5 en el hit parade alemán. La cara B era una versión del clásico 'When the Saints'. El mismo single que un 28 de octubre de ese mismo año, un aficionado inglés encargó en la tienda de discos de un tal Brian Epstein. El resto es historia... Los Beatles recibieron 300 marcos alemanes por la sesión y Tony Sheridan recibiría años más tarde un disco de oro gracias al millón de copias que se vendieron del álbum.
George, Paul, Ringo, Tony Sheridan y John en Hamburgo en 1962
En 1962 los Beatles volvieron a Hamburgo poco antes de grabar su primer disco y de nuevo coincidieron con Tony Sheridan en el 'Star-Club', aunque en esta ocasión no actuaron juntos.
Tony continuó en Alemania con otros 'Beat Brothers', explotando su relación con los Fab Four y publicó varios álbumes, cuyo mayor éxito fue 'Skinny Minny' (1964), grabado con los escoceses Big Six. Ese mismo año realizó una gira por Australia, donde el tema 'Why', compuesto por Sheridan estaba teniendo un gran éxito. Allí durante su estancia en Sydney, visitaron a la familia del saxofonista de su banda Alex Young, donde dos jóvenes hermanos -que más tarde fundarían el grupo AC/DC- le pedían una y otra vez a Tony que les enseñara sus riffs de guitarran
En agosto de 1967, muy implicado con la guerra de Vietnam, aceptó trasladarse a entretener a las tropas del frente. Allí, uno de los miembros de su banda fue tiroteado y Sheridan fue nombrado capitán honorario del ejército estadounidense por su apoyo a las tropas.
A su regreso a Alemania continuó realizando giras por Europa y residió por un tiempo en Londres. Fue entonces cuando se interesó profundamente en religiones como el budismo. Desde que volvió de Vietnam su música se volvió más acústica e influida por el folk. Presentó un programa de radio sobre blues que tuvo muchos oyentes, sobre todo, desde la antigua Alemania del Este.
En 1978 recibió una oferta de Estados Unidos para actuar en Los Ángeles, donde fue el primer músico tras la muerte de Elvis que tocó con la TCB-Band en la grabación de su álbum 'Worlds Apart', en el que también participó Klaus Voorman. En 1982, pareció haber terminado su búsqueda espiritual y se convirtió al hinduísmo adoptando la doctrina sanniasi y el nombre Swami Prabhu Sharan.
Tras varias giras que le llevaron por medio mundo, se dejó caer en 1986 por Italia, donde grabó junto a su buen amigo Albert Lee el álbum 'Dawn Colous', con canciones propias. En los años 2000, Tony publicó un álbum con sus canciones, 'Vagabon' (2002) y colaboró con el argentino Charly García en su trabajo 'Influencia' (2002) con el tema 'I'm not in love'. Murió en febrero de 2013 a los 72 años.
El 20 de mayo de 1940 nació en Birmingham (Alabama) el músico, cantante y productor de soul 'Shorty' Long, vinculado a la Motown. En su corta carrera, publicó varios singles y un álbum, siendo junto a Smokey Robinson hasta entonces el único artista del sello que estaba autorizado a producir sus propias grabaciones.
Con poco más de metro y medio de altura (de ahí su apodo, 'shorty' = corto), Frederick Earl Long fue uno de los cantantes más funky de los que grabaron en Motown. Aprendió de músicos como Alvin 'Shine' Robinson y W.C. Handy y pronto dominaba varios instrumentos como el piano, órgano, batería, guitarra, trompeta y armónica. En Birmingham trabajó como disc-jockey y realizó sus primeras actuaciones como cantante en un club llamado Old Stables. Cantó con una de las formaciones de los Ink-Spots, liderada por Harvey Fuqua. Este, dirigía un sello en Detroit, Tri-Phi Records, en el que 'Shorty' grabó en 1962 dos temas editados en single: 'I'll be here' y 'Bad Willie', sin repercusión.
El mismo año se publicó 'Too smart', con el mismo resultado. Fuqua, cansado de luchar con los distribuidores y de lo que suponía dirigir una discográfica, vendió su catálogo a su cuñado Berry Gordy, por lo que Long pasó a ser un artista de Motown Records.
Su primer single con el sello fue 'Devil with the blue dress on' (1964), escrita por Long y William Stevenson y que contenía todos los ingredientes para ser un hit, pero por alguna razón, no alcanzó las listas. (La versión de Mitch Ryder fue Top5 dos años después y Springsteen la convirtió en uno de sus himnos particulares). Con el siguiente sencillo, 'It's a crying shame'tampoco sucedió mucho. Entonces 'Shorty' grabó lo que tenía que haber sido un hit millonario en ventas, 'Function at the junction' (1966), compuesto por Long y Eddie Holland. El tema tenía un beat funky, una voz con mucho soul, una buena letra y era muy bailable. En resumen, lo tenía todo para triunfar y sólo alcanzó el puesto 97 de las listas pop.
Su remake del clásico de Big Bopper, 'Chantilly lace' (1967) tuvo cierta popularidad, pero de nuevo, fracasó en las listas. 'Night fo' last', publicado en 1968, alcanzó el puesto 75. Tuvo que aguardar a 1968 para disfrutar de su primer gran éxito con 'Here comes the judge', otro tema funky con una ingeniosa letra que se disparó hasta el 4º lugar de las listas Billboard. Se editó un magnífico álbum que contenía todos los temas anteriores a los que no se les prestó atención en su momento y temas nuevos como 'Don't mess with my weekend' y 'Here comes Fat Albert'.
En 1969 publicó 'I had a dream' y una versión de 'A whiter shade of pale'. Desgraciadamente, cuando su carrera parecía despegar al fin, el 29 de junio de 1969 murió ahogado en el río Detroit, cuando la pequeña barca en la que había salido a pescar con su amigo Oscar Williams, zozobró. Long tenía 29 años. Tras su muerte, Motown publicó un segundo LP, 'The Prime of Shorty Long' que, como el anterior, mostraba el gran talento de este pequeño cantante.
