Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 15 de julio de 1951 nació en Kingston (Jamaica) el cantante de reggae Gregory Isaacs, a quien el New York Times llamó una vez "la voz más exquisita del reggae"
Tras competir en numerosos concursos de jóvenes talentos en Jamaica, Isaacs comenzó a realizar sus primeras grabaciones a finales delos años sesenta. En 1973 publicó 'My only lover', un gran hit que ha sido mencionado como el primer tema del subgénero del reggae 'lovers rock', caracterizado por su sonido y contenido romántico. Trabaja con los músicos y productores de reggae más renombrados publicando temas como 'Tune in', 'Permanent lover','Wailing Rudy' o 'Tribute to Wa De' y a finales de la década ya se le consideraba uno de los más importantes artistas del género.
En 1982 firma con Island Records y publica 'Night nurse', que introduce a Gregory ante audiencias más numerosas. Aunque no fue un hit en las listas inglesas o americanas, fue un tema muy pinchado en las discotecas y en las emisoras de radio de la época.
Sin embargo su carrera se vio interrumpida por su adicción a la cocaína, a causa de la cual Isaacs tuvo que pasar un tiempo en prisión. En 1983, para celebrar su puesta en libertad, publicó 'Out Deh!'.
A continuación siguió grabando numerosos álbumes (dicen que grabó más de 400 en su carrera), con temas como 'Rumors', 'Mind yu dis', 'Rough neck','Too good to be true' y 'Report to me'.
En 2008 publicó 'Brand New Me', que muchos críticos señalaron como el "retorno en gran forma de Isaacs". Su último trabajo fue 'Isaacs Meets Isaac' (2010) junto a King Isaac. Gregory Isaacs murió en octubre de 2010 a los 59 años.
El 14 de julio de 1912 nació en Okemah (Oklahoma) Woody Guthrie, el compositor y cantante folk más importante de Estados Unidos. En su carrera, que abarcó un cuarto de siglo, Guthrie escribió cientos de canciones, la mayoría de ellas poniendo voz al hombre de la calle.
Las historias que narraba las vivió personalmente en su peregrinaje por el país durante la Gran Depresión acompañado de su guitarra en la que se leía la frase: "Esta máquina mata fascistas". Todas estas canciones están archivadAs en la Librería del Congreso de Estados Unidos y una en concreto, 'This land is your land' se canta en las escuelas de primaria de todo el país.
"Esta tierra es tu tierra, esta tierra es mi tierra Desde California hasta la Isla de Nueva York Desde los bosques de secoyas hasta las aguas de la corriente del Golfo Esta tierra se creó para tí y para mí"
En 1952 Guthrie fue diagnosticado con enfermedad de Huntington, un trastorno neuropsiquiátrico genético hereditario y estuvo ingresado en hospitales psiquiátricos hasta su muerte en octubre de 1967. Uno de los jóvenes admiradores que le visitaba periódicamente durante sus útlimos días fue Bob Dylan, que junto a Pete Seeger, Ramblin' Jack Elliott y uno de los ocho hijos que tuvo Woody, Arlo ayudaron a difundir sus obras.
Tres meses después de su muerte se organizó un concierto homenaje en el Carnegie Hall al que acudieron, entre otros, Bob Dylan(que aparecía en público por primera vez desde su accidente de motocicleta en 1966), The Band, Judy Collins y Richie Havens.
En 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, propuso al cantautor británico Billy Bragg usar las letras que su padre había compuesto en los últimos años de su vida. Bragg trabajó con la banda estadounidense de country alternativo Wilco y grabó 40 temas, algunos de los cuales se publicaron en los discos Mermaid Avenue (1998) y Mermaid Avenue, vol. II(2000). El nombre de estos discos viene de la calle de Coney Island en la que vivió Guthrie.
El 14 de julio de 1901 nació en Londres Gerald Finzi, compositor británico de la primera mitad del siglo XX. Perteneció a una familia judía de ascendencia italiana, siendo el menor de cinco hermanos. Sus padres, en aquel momento judíos ortodoxos practicantes, nunca le transmitieron esa herencia y de hecho, Finzi compuso a lo largo de su vida muchas obras para la liturgia cristiana. El joven Gerald pasó su niñez en Londres, recibiendo una educación de forma privada hasta los ocho años, en 1909, el año que su padre, un próspero agente marítimo, falleció.
Es precisamente esta época un tiempo de grandes pérdidas personales que marcarán el carácter nostálgico y apesadumbrado de la música del compositor. Primero muere su profesor Farrar, después su padre y posteriormente sus tres hermanos. Repuesto, al menos en parte, de tales tragedias, comienza a estudiar con Reginald Owen Morris en 1925, consiguiendo cinco años después la plaza de Profesor de Composición en la Academia Real de Música de Londres, donde permanece hasta 1933. Ese año contrae matrimonio con Joyce Black y adquiere una casa de campo con la intención de dedicarse de forma exclusiva a la composición. Fue fundador de la Newbury String Player en 1939, y murió en Oxford el 27 de septiembre de 1956 a los 55 años.
Finzi y Vaughan Williams
Su imagen popular es la de un pastoralista lírico, lo que hizo que su música pareciese pasada de moda incluso en el transcurso de su vida. En su caso no se puede hablar de experimentación y aún menos de modernidad, pero tenía una voz propia, personal, reconocible en sus ciclos de canciones y obras corales, en la que demuestra una perfecta comunión entre palabra y música, resultado de su gran conocimiento de la literatura inglesa. Su mejor valor, sin duda, es su capacidad de fijar las palabras a la música, habilidad que muy pocos compositores ingleses de cualquier época han igualado; por ello, sus canciones son lo más perfecto de su catálogo.
Finzi publicó en vida solo tres ciclos de canciones, todos para voz y piano y sobre poemas de Thomas Hardy: “A Young Man’s Exhortation” (1933), “Earth and Air and Rain” (1936) y “Before and After Summer” (1949).. Entre sus otros ciclos posteriores, destaca el dedicado a poemas de Shakespeare, el encantador “Let Us Garlands Bring” (1942). Sólo compuso un ciclo para voz y cuarteto de cuerdas “By Footpath and Stile” (1921-22) y para voz y orquesta compuso los “Dies natalis”, un trabajo profundamente místico, y el pacifista “Farewell to Arms” («Adiós a las armas») (1944).
La música de Finzi es francamente triste y otoñal, y su estilo general podría calificarse de elegíaco: hay pocos pasajes ligeros o claramente alegres. Finzi compone música básicamente tonal y su sentido de la tonalidad y de la forma son en él casi idiosincrásicos. Sin embargo, en alguna de sus últimas composiciones hay un uso considerable de la disonancia, especialmente en el "Concierto para violonchelo y orquesta, Op.40": I. Allegro Moderato, Parte 1, Parte 2, II. Andante Quieto, III. Allegro Giocoso (Yo-Yo Ma, violonchelo, The Royal Philharmonic & dir. Vernon Handley). Finzi, melódica y armónicamente, debe bastante a Elgar y a Vaughan Williams. En su música también se pueden encontrar destellos ocasionales de Bliss y de Walton, así como también es patente el cariño y profundo conocimiento que tenía por la música de Parry.
Sin embargo, Finzi no debe a ninguno de ellos la delicadeza y perfecta unión de la música y el texto, ni su imaginería, ni su visión de un mundo no mancillado por la sofisticación o la nostalgia. El sentido adulto de pérdida inspira alguno de los mejores pasajes de la música de Finzi, como pueden ser la grandeza melancólica que destila “Intimations of Immortality” o la energía que anida en “Lo, the full, final sacrifice”. En la apacible “Elegía para piano y cuerdas" (Daniel Hope, violín & Simon Mulligan, piano) y en la vigorosa "Gran Fantasía y Tocata" I. Molto grave II. Allegro vigoroso (Leon McCawley, piano), demuestra la admiración que Finzi sentía por Johann Sebastian Bach. El "Concierto para clarinete" I. Allegro vigorosoII. Adagio ma senza rigoreIII. Rondó: Allegro Giocoso (Robert Plane, clarinete; Northern Sinfonia & dir. Howard Griffiths), es posiblemente su trabajo instrumental más famoso, con un lirismo y encanto contagiosos unidos a una fuerte base emocional, en el que destaca la fertilidad y alegría de su invención temática.
El 13 de julio de 1936 nació en Cleveland Heights (Ohio) el cantante y saxofonista de jazz Albert Ayler, una figura fundamental entre los músicos de free jazz de los 60. Nació en una familia negra de clase media. Su padre tocaba el saxo tenor en la banda municipal y Albert tuvo sus primeras experiencias musicales en entierros y desfiles.
Con siete años ya tocaba el saxo alto y con diez tocaba regularmente en la iglesia local durante los cultos. Con influencias de Wardell Gray y Charlie Parker estudió, ya con dieciséis años, con Benny Miller en la Academy of Music, más tarde con Lloyd Pearson en la John Adams High School, para unirse a Little Walter en 1952 a una banda de R&B, que no tuvo mucha repercusión. En 1959 ingresa en el ejército dos años. En ese tiempo se cambia al saxo tenor y conoce países como Francia, Dinamarca y Suecia, además de tocar en la banda del regimiento, donde coincide con Stanley Turrentine. De vuelta en Cleveland, ya licenciado, su estilo iconoclasta, alejado de las tradicionales armonías del jazz, no le facilita conseguir trabajo en el difícil y tradicional mercado americano del jazz, por lo que en 1962, se instala en Suecia donde el clima para el avant-garde era más favorable.
Es aquí donde comienza su carrera discográfica. Pronto grabaría trabajos como 'I'll remember April' (1962). El contacto con el pianista McToy Tyner, en la misma onda musical que Ayler, le ayudó a mantenerse firme en su estilo libre. En sus grabaciones, las improvisaciones incluían los 'pitidos' de los metales -que hasta el momento se habían suprimido cuidadosamente de las grabaciones- así como la respiración y tecleado de los músicos. El sonido pasa a ser más importante que las notas y el timbre prevalece sobre melodía y armonía, rompiendo las formas clásicas occidentales del jazz.
El álbum 'My Name is Albert Ayler' (1963) grabado junto a Niles-Henning Orsted Pedersen, Niels Bronsted y Ronnie Gardiner en la radio nacional danesa, despertó entusiasmo en la crítica especializada. A pesar de ello, siguió sin tenerlo fácil en su país, donde por fin consiguió un contrato con ESP para su trío con Gary Peacock y Sunny Murray, con los que graba 'Spiritual Unity' (1964), 30 minutos de improvisación de intenso free-jazz.
Los hermanos Ayler en 1966
Arropado por varios líderes del jazz neoyorquino (como Eric Dolphy que, según se dice, lo calificó como el mejor interprete que había visto en su vida), Ayler empezó a encontrar respeto y audiencia. También comenzó a influir en la nueva generación de músicos de jazz que se estaba gestando, así como en veteranos músicos, como John Coltrane, que se mostró impresionado cuando lo vio en un concierto en Suecia. En 1964, dio una gira de conciertos por Europa, con su trío habitual, pero ampliándolo con Don Cherry y su hermano pequeño Donald Ayler a las trompetas. De la gira, se grabaría el disco 'The Hilversum Session'. Álbumes como 'Bells' (1965) y 'Truth is Marching In' (1966) marcan su listón más alto y libre de la creatividad individual en el free jazz.
Ayler y M. Sampson en Newport, 1967
En 1966 los hermanos Ayler forman un quinteto con el que actúan con gran éxito en grandes festivales, como el de Newport, en 1967 y, tras la muerte de Coltrane, a Ayler se le consideró por un tiempo su heredero musical. Siguió actuando por Europa e integró a su mujer Mary Parks en la banda, algo que no entendieron los críticos. En julio de 1970 actuó en sendos memorables conciertos en la fundación Maeght de Saint-Paul de Vence (Francia).
El modo poco convencional con el que trataba Ayler la composición musical y las misteriosas causas de su muerte le han convertido en una de las pocas figuras de culto en el jazz. En noviembre de 1970, Albert desapareció y veinte días más tarde fue encontrado muerto flotando en el East Side River de Nueva York. Aunque hubo sospechas de asesinato, la investigación oficial concluyó que fue suicidio.
El 13 de julio de 1921 nació en Viena el compositor austríaco nacionalizado estadounidense Ernest Gold, que entre 1945 y 1992 escribió cerca de 100 bandas sonoras para el cine y la televisión.
Nacido como Ernst Gold, era hijo de un violinista austríaco y una cantante clásica. Ya con cinco años empezó a componer música y poco después estudiaba en la Academia de Música de Viena. Cuando en 1938 el Tercer Reich se anexionó Austria, emigró con su familia a EEUU y siguió su formación en Nueva York con Otto Cesena. En 1945 modificó su nombre a Ernest y se trasladó a Los Angeles donde trabajó como arreglista y componiendo música para westerns y films de serie B hasta que, en 1958, comienza con 'Fugitivos' una larga relación profesional con el director Stanley Kramer.
Un año después, la melodía popular australiana 'Waltzing Matilda', incluida en la banda sonora de 'La hora final', fue conocida en todo el mundo. Recibió un Oscar y un Grammy en 1961 por la banda sonora de 'Exodo', su obra más conocida. También compuso un musical, 'I'm Solomon' (1968) y varias obras clásicas como un concierto y una sonata para piano, y una obra para cuarteto de cuerdas. Murió en marzo de 1999 a los 77 años.
Fue compositor, entre otras, de las siguientes bandas sonoras:
- 'The Falcon's Alibi' (1946) - Ray McCarey
- 'Mundo desconocido' (1951) - Terry O. Morse
- 'The Screaming skull' (1958) - Alex Nicol
- 'Demasiado pronto para vivir' (1958) - Art Napoleon
Muchos artistas han grabado versiones y remezclas del tema principal de la película ("Theme of Exodus"), entre ellos Ferrante y Teicher, cuya versión ocupó la posición número 2 en la lista de sencillos de Billboard.
Otras versiones grabadas fueron las del director de orquesta anglo-italiano Mantovani, el saxofonista brasileño Bob Fleming (en su álbum 'Mr. Sax'), Peter Nero, Connie Francis y las Duprees, con letra escrita por Pat Boone. La cantante Édith Piaf también interpretó el tema con letra en francés.
El 12 de julio de 1947 nació en Caravaca de la Cruz (Murcia) la cantante y compositora española Mari Trini. Pasó su juventud entre Madrid, Londres y París, donde residió seis años y grabó sus primeras canciones en francés.
Una larga enfermedad sufrida de niña, motivó que Mari Trini comenzara a investigar con una guitarra. Así surgieron los primeros acordes y con ellos, las primeras canciones. Con catorce años, conoció al director de cine estadounidense Nicholas Ray, que se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca llegó a realizarse. Allí permaneció un año, estudiando con Peter Ustinov y participando en algunos programas de radio.
Mari Trini y su madre decidieron cruzar el Canal de la Mancha y establecerse en Paris, ciudad que acogería a la cantautora los siguientes cinco años y donde grabaría sus primeras canciones en francés. Cuando regresó a España la chanson se había instalado en su alma. Se había enamorado de Brel, Brassens, Becaud, y su estilo denotaba la clara influencia del país vecino.
Firmó con RCA y sus primeros trabajos, integrados por canciones de otros compositores (Patxi Andión, Aute o Juan Carlos Calderón), tuvieron escasa repercusión.. Convencida de sus aptitudes como autora, logró interesar al equipo creativo de Hispavox y en 1969 grabó un sencillo, 'Mañana', que se convirtió en su primer éxito. En su segundo álbum, 'Amores', despliega todo su talento como cantautora y graba 'Un hombre marchó','Amores', 'Cuando me acaricias' y 'Vals de otoño', clásicos de su repertorio.
Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: 'Ventanas' (1973), '¿Quién?' (1974), 'Transparencias' (1975) o 'Como el rocío' (1976), son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continúa grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones, así como versiones de sus autores preferidos como 'Ne me quitte pas'. En la segunda mitad de la década de los setenta, Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento. Con sus discos 'Sólo para ti' (1978) y 'A mi aire' (1979), la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.
Un año después grabó 'En Vivo', un doble en directo en el que repasa toda su trayectoria musical. 'Quién me venderá' (1986) y 'En tu piel' (1987), supondrían el final de casi veinte años de colaboración con la discográfica Hispavox. A partir de entonces comenzó a descender su popularidad. Sin embargo, Mari Trini no dejó de grabar y actuar hasta 2001, año en el que se publicó su último trabajo con Los Panchos. Murió a los 61 años en abril de 2009 cuando estaba preparando un concierto de despedida de su carrera.
Tras competir en numerosos concursos de jóvenes talentos en Jamaica, Isaacs comenzó a realizar sus primeras grabaciones a finales delos años sesenta. En 1973 publicó 'My only lover', un gran hit que ha sido mencionado como el primer tema del subgénero del reggae 'lovers rock', caracterizado por su sonido y contenido romántico. Trabaja con los músicos y productores de reggae más renombrados publicando temas como 'Tune in', 'Permanent lover', 'Wailing Rudy' o 'Tribute to Wa De' y a finales de la década ya se le consideraba uno de los más importantes artistas del género.
