Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 4 de agosto de 1910, nació en el Bronx, Nueva York, el compositor norteamericano William Schuman, hijo de Samuel y Rachel Schuman. Tocaba el violín y el banjo cuando niño y su pasión irrefrenable era el béisbol. Hasta 1932 se dedicó a tocar en bandas de jazz y componer canciones populares, pero un acontecimiento que cambió su vida para siempre fue escuchar a Toscanini en un concierto en 1930.
Después del concierto exclamaría "Estaba asombrado de ver el océano de instrumentos de cuerda y todos moviendo el arco a la vez. Solamente la visión era impresionante. Pero ese sonido… ¡estaba impactado! Nunca había oído algo semejante. Al día siguiente, decidí hacerme compositor." A partir de entonces abandona sus estudios de comercio en la Universidad y se dedicó a estudiar música seriamente. Estudió con el compositor estadunidense Roy Harris en la Julliard School entre los años 1936-38..
William Schuman en 1943
En 1938 gana un concurso de composición, en apoyo a la República Española, con su “Segunda Sinfonía” (CBS Symphony Orchestra & dir. Howard Barlow). Copland y Koussevitsky lo apoyaron a partir de entonces en su carrera como compositor. Entre 1935 y 1945, enseñó composición en el Sarah Lawrence College. En 1945, se convirtió en presidente de la Juilliard School of Music, fundando el Juilliard String Quartet mientras estuvo ahí. La dejó en 1961 para tomar la dirección del Lincoln Center. A Schuman le fue concedida la Medalla Nacional de las Artes en 1987, como también fue elegido académico por la Real Academia de Música de Inglaterra y por la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Murió en Nueva York el 15 de Febrero de 1992 a los 81 años.
Schumann escribió una gran cantidad de obras en casi todos los géneros, cada una reflejando su personalidad a través de un definido sentido de estructura, línea y dinamismo. Incorporó el jazz y la tradición popular norteamericanas en partituras que van desde un estilo temprano de armonías conservadoras hasta posteriores incursiones en la disonancia. Su música tiene una fuerte estructura rítmica y armónica, con líneas melódicas que se mantienen a pesar del uso frecuente de la politonalidad (dos o más tonos simultáneos). Muchas de sus obras están compuestas en formas musicales barrocas como la fuga y el pasacalle. Schuman dejó un número sustancial de obras:
Sus ocho sinfonías, (numeradas del tres al diez ya que las dos primeras fueron retiradas):
- Cantata “A Free Song” (1943) (Ricardo Herrera, barítono & University of Illinois Chorale & dir. Ian Hobson), ganadora de un Premio Pulitzer de música;
- “Three-Score Set for piano” (1943) (Roger Shields, piano);
- Ballet “Undertow” (1945) (Joseph Levine & Ballet Theatre Orchestra) y “Judith” (1949) escrito este último para Martha Graham;
- “Concierto para violín” (1947 rev. 1959) (Philippe Quint, violín; Bournemouth Sinfonietta & dir. José Serebrier) que ha sido destacada como una de sus "composiciones más poderosas, podría ser considerada incluso una sinfonía para violín y orquesta";
- “George Washington Bridge” (1952) (New England Conservatory, Boston & dir. David Jeong), para banda de concierto;
- “The Mighty Casey” (1953), basada en 'Casey at the Bat' de Ernest L.Thayer, que refleja su gran amor por el béisbol;
- “Credendum: Article of Faith” (1955) (The Philadelphia Orchestra & dir. Eugene Ormandy);
- El “New England Triptych” (1956) (Cincinnati Symphony Orchestra & Max Rudolf), basado en melodías de William Billings;
- Arreglo de la obra para órgano de Charles Ives “Variations on America" para orquesta en 1963;
- “Mail Order Madrigals” (1972) (The Joyful Company of Singers & dir. Paul Broadbent) sobre textos de 1897 del catálogo de la Sears Roebuck, y
- “A Question of Taste” (1989) (The Juilliard Orchestra & dir. Gerard Schwarz), sobre una breve historia de Roald Dahl.
El 3 de agosto de 1973 se publicó en Estados Unidos 'Innervisions', el décimosexto álbum de Stevie Wonder y el tercero de su 'etapa clásica', en la que Wonder controlaba todo el proceso de creación ejerciendo además de hombre orquesta, componiendo, interpretando y produciendo prácticamente la totalidad del álbum. Su magnífico trabajo con el sintetizador ARP y sus experimentos sonoros aprovechando las tecnologías del estudio de grabación fueron fundamentales para que 'Innervisions' fuera uno de los discos más influyentes en la música negra americana de los siguientes años.
Tres días después de la aparición del álbum, Wonder sufrió un grave accidente de automóvil que lo mantuvo cuatro días en coma. Este hecho, su rápida y casi milagrosa recuperación y la consiguiente expectación en los medios incrementaron el interés por el nuevo trabajo de Wonder que fue nº1 en las listas de R&B y top 5 en las listas pop. Tres de los singles que se extrajeron, 'Higher ground', 'Living for the city' y 'Don't you worry 'bout a thing', en el que hacía un guiño a sus fans latinoamericanos jactándose de sus conocimientos de la lengua española ("Todo está bien, chévere"), asimismo fueron hits internacionales.
Es de madrugada, cuando un 6 de agosto de 1973 John Harris conduce su coche a través de la oscuridad de Carolina del Sur. En el asiento del copiloto, su primo Stevie Wonder duerme plácidamente cuando John ha de levantar el pie del acelerador, ya que ante él se desplaza dando bandazos un camión con remolque que transporta troncos de madera.
John decide adelantarlo, pero cuando se encuentra en paralelo con el transporte, el enganche de su remolque se parte y vuelca con la carga, con tan mala fortuna que uno de los troncos atraviesa el parabrisas del coche e impacta en la cabeza del músico. Con graves heridas Stevie es trasladado al Rowan Memorial Hospital de Salisbury. Los médicos diagnostican una fractura de cráneo y trasladan a Stevie inconsciente a una clínica neurológica especializada. El cantante pasa varios días en coma y nadie sabe si el joven músico de 23 años despertará algún día. Incluso los neurólogos del Babtist Hospital de Salem están sin respuestas. Mientras tanto, la cabeza de Stevie se ha inflamado y ha adquirido un tamaño aterrador.
Pero el único amigo de Wonder desde su niñez, el cantante de gospel Ira Tucker, no pierde la esperanza. Pocos meses antes del fatal accidente Stevie había escrito un tema cuyo mensaje espiritual tendría una repercusión extraordinaria. Ira se sienta junto al paciente inconsciente y le susurra la canción al oído. Y así se consigue lo que nadie creía posible: Stevie comienza a mover lentamente los dedos marcando el ritmo de 'Higher Ground' de su álbum 'Innervisions'.
Desde este momento hasta su recuperación plena todavía quedaba un largo y tortuoso camino por recorrer. Cuando recuperó el conocimiento, Stevie comprobó, entre otras cosas, que había perdido el sentido del gusto. Pero lo que más temía el cantante era haber perdido su talento y capacidades musicales. Para comprobarlo, Tucker le trajo un clavinet (pequeño teclado electrónico) a la habitación del hospital. Allí permaneció sin tocar algunos días. Wonder estaba aterrado ante la posibilidad de no saber qué hacer con él, hasta que por fin se decidió a pulsar unas teclas, y comprobó con alivio que su genio permanecía con él.
El 3 de agosto de 1944 nació en Ayelo de Malferit, Valencia, el cantante español Lluis Manuel Ferri Llopis, conocido como Nino Bravo, que falleció en un accidente de automóvil, cuando se dirigía a preparar la producción de un nuevo grupo, ya que quería iniciarse como productor y descubridor de talentos noveles. No le dio tiempo, como tampoco pudo desarrollar su enorme potencial como cantante, que en tan solo tres años de grabaciones hizo de él uno de los artistas más queridos y admirados de España.
Se preparaba para trabajar en el mundo de la joyería y orfebrería. A los 16 años entró como aprendiz en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser lapidador, pero también estaba dotado de unas condiciones innatas para la música que le hicieron formar diversos grupos de aficionados con los que actuaba a menudo en el área de Valencia. Junto a sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda formó el trío Los Hispánicos, que se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, y llegaron a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional 'Fiesta en España'. Sin embargo, sus compañeros de grupo decidieron que el mundo de la música no era lo suyo y disolvieron el trío.
Los Superson
Dada la amistad de Nino con Vicente López, bajista de Los Superson, y aprovechando que estos buscaban sustituto para su cantante Carlos Lardíes, Nino se incorporó al grupo, del que fue titular ya para siempre. Más adelante salieron del conjunto Josep Bosch, guitarra solista y Saturnino (Nino) Naredo, guitarra rítmica, fundadores de la banda, y entraron los hermanos Pepe y Vicente Juezas, guitarra y teclado.
Nino, recién llegado a Cartagena
Esta formación fue la que le acompañó en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, tuvieron que hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Nino, que cumplió en Cartagena. A su regreso, se empleó en una oficina, y realizó su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de La Vall d'Uixò en 1968.
Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas y posteriormente recibió la oferta de un contrato discográfico por parte del sello madrileño Polydor/Fonogram. Las primeras grabaciones fueron de tanteo. Grabó temas de Manuel Alejandro, -'Como todos' y 'Es el viento'- que por entonces estaba consagrado a la carrera de Raphael, de modo que las comparaciones entre los dos cantantes se hicieron inevitables. Ante esta situación, la compañía buscó otros compositores, como Juan Carlos Calderón y el Dúo Dinámico. En 1970 acudió al festival de la canción de Barcelona con el tema 'No debo pensar en ti', pero no llegó a la final.
Sin embargo, su primer gran éxito se lo escribieron Augusto Algueró y Rafael de León. 'Te quiero, te quiero' permitía a Nino Bravo lucir su poderosa voz de tenor, en contraste con los cantantes de escasa voz que abundaban entonces en el pop español. La canción ya había sido grabada por Raphael, Lola Flores y Carmen Sevilla pero por diversas causas no llegaron a salir al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador, siendo elegida canción del verano. Le siguieron 'Noelia', 'Perdona', 'Mi gran amor', 'Mi querida mamá' y 'Voy buscando', entre otras.
Participó en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera en 1970 con el tema 'Esa será mi casa', que no consiguió llegar a la final, que ganó Julio Iglesias con 'Gwendolyne'. El año siguiente perdió nuevamente ante Karina.
Grabó cinco álbumes, el último de los cuales apareció tras su muerte, destacando el tercero, 'Un beso y una flor' (1972), con el que obtuvo gran éxito en España e Hispanoamérica. En noviembre de 1972 participó en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logró empatar en el primer puesto con el estadounidense David Clayton-Thomas. Semanas después salió a la venta su cuarto álbum, titulado 'Mi tierra' (1973), en el que se incluía uno de sus mayores éxitos: 'Libre', firmada por el tándem Herrero y Armenteros.
El 14 de marzo de 1973 realizó su última actuación en Valencia. Allí cantó, por primera y única vez, el Himno de Valencia, ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogieron poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano. La mañana del lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado por su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes Nino Bravo se había convertido en representante del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos grabaran las voces para su primer sencillo. En una curva en la que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el BMW conducido por el cantante se salió de la carretera y dio varias vueltas de campana, falleciendo Nino en el trayecto hacia el hospital.
Tras su muerte apareció un disco póstumo, titulado '...y Volumen 5', que incluía diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encontraba 'América, América', que se convirtió en todo un himno para sus admiradores latinoamericanos y en uno de sus grandes éxitos. También apareció la única canción que compuso Nino, titulada 'Vivir'.
El 12 de septiembre de 1973 se celebró en la Plaza de Toros de Valencia un macroconcierto en homenaje al cantante, al que acudieron más de 20.000 personas, ofrecido por numerosos artistas nacionales como Jaime Morey, Basilio, Mari Trini, Víctor Manuel, Los Mismos, Daniel Velázquez, Fórmula V, Bruno Lomas, Mocedades, Juan Pardo, Julio Iglesias, Dova, Los Puntos, Manolo Escobar y Los Superson, entre otros.
La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum '50 Aniversario'. En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito contemporáneos. Pronto se convirtió en el disco más exitoso del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias. Le siguió una secuela en 1997. Producidos por Juan Carlos Calderón, unió la voz de Nino con las de Raphael, Francisco, Paloma San Basilio o Mocedades.
El año 2009 se puso en marcha una producción audiovisual titulada 'Nino Bravo, ¡el musical!', con realización de Fernando Navarrete, que contaba con un elenco artístico moderno. Un grupo de diez músicos interpretó en directo la banda sonora del espectáculo. Cuatro cantantes –dos masculinos y dos femeninos- ponían voz a las canciones de Nino, además de la imagen y la voz del valenciano, que también estaba presente en el escenario a través de una pantalla gigante.
El 2 de agosto de 1896 nació en Santa Rosalía, Caracas, Lorenzo Herrera (padre), recordado como uno de los más grandes cantantes y compositores venezolanos de la primera mitad del siglo XX.
En 1923 su familia se traslada a Nueva York en busca de nuevas oportunidades para su talento musical. Aunque sus comienzos fueron difíciles, teniendo que trabajar como zapatero, pronto consiguió un contrato con los sellos más renombrados del momento, como RCA Victor y Columbia Records, entre otros. Fue aquí donde compuso la mayoría de sus canciones más populares, incluido el pasodoble 'La sultana del Ávila'
El cuatro venezolano
En 1935 participa en el film 'Joropo', dirigido por Horacio Cabrera Sifontes y seguidamente regresa a Venezuela donde continúa su carrera musical siendo pionero del bolero en el país gracias a sus emisiones radiofónicas. Llevó la música venezolana más allá de sus fronteras, dando conciertos en Canadá, Estados Unidos, Colombia, Argentina entre otros países. Una de sus composiciones más famosas es el merengue 'Compae Pancho', aunque en la mayoría de los discos aparece como 'Compadre Pancho' o 'Compay Pancho'. Es uno de los primeros temas típicos de música venezolana y ha sido utilizado como punto de partida en la enseñanza de la ejecución del 'cuatro' venezolano.
Compuso más de 500 canciones, muchas de las cuales fueron grandes éxitos en su época, aunque hoy hayan sido olvidados. En sus letras plasmaba toda la gracia y humor del verdadero sentir de su pueblo junto al romanticismo de sus valses que conservaban aún los matices sentimentales de principios del siglo XX. Con el merengue criollo su cantar ponía la gracia del refrán de moda en su Caracas y con el joropo soltaba las voces de su llano.
Entre sus temas más conocidos se encuentran: 'Luisa', 'Josefina','Rosalinda','El bachaco','El coletón','Mi rancho','Compae Pancho', 'La mula rucia', 'Canta ruiseñor','El primer amor', 'Chupa tu mamey', 'Ya no sufras corazón','Vente pa´cá mi negra', 'Caminito del llano adentro' y 'El petróleo' (1941), entre muchas otras. Lorenzo Herrera murió en 1960 a los 64 años.
El 2 de agosto de 1944 nació en Evesham (Inglaterra) el músico y batería de origen italiano Jim Capaldi. Fue fundador en 1967 junto a Stevie Winwood del grupo Traffic en el que además de tocar la batería, era cantante, co-compositor y letrista de la mayoría de los temas de la banda.
De niño aprendió a tocar el piano y a cantar con su padre, profesor de música. En la adolescencia se decidió por la batería y en 1963 formó The Hellions, que contaba con Dave Mason a la guitarra. Al año siguiente consiguieron un contrato para tocar en el Star Club de Hamburgo. Allí coincidieron en el mismo hotel con The Spencer Davis Group, por lo que tuvieron la oportunidad de conocer a Stevie Winwood.
De vuelta en Inglaterra The Hellions se establecieron como una banda de suficiente reputación para acompañar a cantantes como Adam Faith y Dave Berry. En 1965 publicaron tres singles, que no entraron en las listas, Desilusionado Dave Mason, deja el grupo. Capaldi, que había cedido la batería a John Palmer, era ahora el cantante solista y cambió el nombre del grupo a Deep Feeling. En 1966 comparten escenario en el Knuckles Club de Londres con un entonces desconocido Jimi Hendrix, que actuaba por primera vez en Gran Bretaña.
Capaldi se reunía de vez en cuando en Birmingham con sus amigos Mason, Stevie Winwood y Chris Wood con los que tocaba en pequeños conciertos informales en el Elbow Room Club. A comienzos del año 1967, tras la disolución de Deep Feeling, deciden formar el grupo Traffic. Firman con Island Records y Capaldi escribe la letra de su primer single, 'Paper sun', que alcanza el Top5 británico. Le sigue 'Hole in my shoe', (nº2), cuya cara B es 'Smiling phases'. A finales de 1967 aparece el álbum 'Dear Mr Fantasy', que contiene, entre otras, 'No face, no name, no number' y 'Coloured rain'.
Traffic en 1968
Dave Mason abandona el grupo pero vuelve en mayo de 1968 para grabar el segundo álbum, 'Traffic' al que contribuye con cinco canciones, entre ellas 'Feelin alright', una de las más populares del grupo. Mason se marcha de nuevo a final de año y Winwood se embarca con Eric Clapton en la efímera aventura de Blind Faith, por lo que Traffic se disuelve.
En enero de 1970, Winwood se encuentra en el estudio, grabando un nuevo álbum en solitario y llama a sus ex-compañeros Capaldi y Chris Wood para que le ayuden. Las sesiones son tan productivas que deciden volver a unirse como Traffic y publican 'John Barleycorn Must Die', obra que comienza una segunda etapa de gran éxito para la banda, en la que publicarían hasta 1974, momento de su separación, tres álbumes más: 'The Low Spark of High Heeled Boys' (1971), 'Shoot Out at the Fantasy Factory' (1973) y 'When the Eagle Flies' (1974), todos ellos Top10 en EEUU.
A pesar del éxito de Traffic, desde 1972 Capaldi empezó a publicar álbumes por su cuenta. Su primer trabajo fue 'Oh how we danced', acompañado de sus colegas de Traffic. Le siguió 'Whale Meat Again' (1974), pero fue el tercero,'Short cut draw blood' (1975), con temas como 'Love hurts' y 'Seagull', el más aclamado por público y crítica.
En toda su carrera publicó trece discos en solitario.
Tocó la batería para Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison y Alvin Lee, entre otros, y como compositor recibió en cinco ocasiones el premio de BMI/Ascap por las 'Composiciones más radiadas de América' certificando unas ventas de más de 25 millones de copias de canciones escritas o coescritas por él, como por ejemplo 'Love will keep us alive', que Jim escribió con Paul Carrack en 1980 para los Eagles. En 1994, veinte años después de separarse, Steve Winwood y Jim Capaldi grabaron juntos un nuevo álbum de Traffic,'Far From Home', que se convirtió en su álbum más vendido en Inglaterra desde 'John Barleycorn'
En su álbum 'Living on the outside' (2001) en el que contaba con colaboraciones de Steve Winwood, Paul Weller, Gary Moore y Ian Paice, George Harrison puso su guitarra en el tema 'Anna Julia', una versión en inglés del éxito del grupo brasileño Los Hermanos. Es, seguramente, una de las últimas grabaciones de Harrison.
Al año siguiente, Capaldi participó en el Concert For George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. Permaneció activo con proyectos de una nueva reunión de Traffic hasta pocos días antes de morir a los 60 años en enero de 2005.
El 2 de agosto de 1951 nació en Burbank (California) el músico y cantautor californiano Andrew Gold. Hijo del compositor Ernest Gold, ganador de un Oscar por la banda sonora de 'Exodo' y de la cantante Marni Nixon, que puso la voz para numerosas actrices como Natalie Wood en 'West Side Story' o Audrey Hepburn en 'My Fair Lady', Andrew continuó la saga familiar y a los doce años comenzó a componer canciones.
Al comienzo de los años setenta, Andrew trabajó como multi-instrumentista, compositor y productor para muchos músicos, entre ellos Linda Ronstadt, a quien le hizo arreglos y tocó en el álbum que la dio a conocer internacionalmente, 'Heart like a wheel', así como en los cuatro siguientes. Formó parte de la banda de Linda entre 1973 y 1977 y de nuevo, esporádicamente, en los años ochenta y noventa.
En 1975 Andrew decide grabar en solitario y publica el primero de los doce álbumes de su carrera. Dos años después tuvo un hit, 'Lonely boy', que alcanzó el Top10 norteamericano. Al año siguiente, su tema 'Thank you for being a friend', también entró en las listas y se hizo tremendamente popular unos años después, cuando fue adoptada como tema de la serie de TV 'Las Chicas de Oro', emitida por la NBC desde 1985 hasta 1992. En el Reino Unido tuvo un Top5 con la canción 'Never let her slip away' (1978), que de nuevo, catorce años después, en versión de Undercover , fue Top5.
En los años ochenta estaba dispuesto a incorporarse al grupo 10cc, con los que ya había colaborado en varios álbumes, pero al separarse éstos en 1983, formó tándem con Graham Gouldman para formar Wax. Grabaron e hicieron giras durante cinco años obteniendo algunos éxitos en las listas , como 'Right between the eyes' y 'Bridge to your heart'.
En 1996 adopta un seudónimo, The Fraternal Order of the All, bajo el cual publica 'Greetings from Planet Love', una gema poco conocida en la que Gold grabó en su estudio casero, prácticamente en solitario, el disco que siempre quiso haber grabado en los años sesenta. El rock británico, sobre todo el sonido Beatles de finales de la década impera en el álbum, con guiños a los Byrds y a los Beach Boys. El álbum es mucho más que un homenaje musical nostálgico. Canciones como 'Mr plastic business man', 'Wink of the third eye/It has no eyes but sight','King of showbix' o 'Tomorrow drop dead' destilan calidad musical por sí solas. Su amor por la música de Lennon/McCartney lo demostró en su último trabajo 'Copy Cat', en el que publica diez versiones de Beatles, prácticamente fotocopiadas de las originales.
Ha intervenido como músico, arreglista o productor en álbumes de artistas como Paul McCartney, John Lennon, Brian Wilson, Eagles, Jackson Browne, James Taylor, Stephen Bishop, Cher y Art Garfunkel. En el hit de éste último 'I only have eyes for you', Andrew toca prácticamente todos los instrumentos.
Andrew murió de un fallo cardíaco mientras dormía el 3 de junio de 2011 a los 59 años.
Schumann escribió una gran cantidad de obras en casi todos los géneros, cada una reflejando su personalidad a través de un definido sentido de estructura, línea y dinamismo. Incorporó el jazz y la tradición popular norteamericanas en partituras que van desde un estilo temprano de armonías conservadoras hasta posteriores incursiones en la disonancia. Su música tiene una fuerte estructura rítmica y armónica, con líneas melódicas que se mantienen a pesar del uso frecuente de la politonalidad (dos o más tonos simultáneos). Muchas de sus obras están compuestas en formas musicales barrocas como la fuga y el pasacalle. Schuman dejó un número sustancial de obras:
- “The Mighty Casey” (1953), basada en 'Casey at the Bat' de Ernest L.Thayer, que refleja su gran amor por el béisbol;
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