Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 17 de abril de 1940 nació en Liverpool el cantante pop inglés Billy Fury, una estrella del rock & roll británico que rivalizó en las listas con los Beatles, consiguiendo 24 hits en Inglaterra.
A mediados de los cincuenta, Fury, formó una banda de skiffle, que ejerció una gran influencia en sus paisanos Beatles. Tras conseguir algún éxito menor liderando los Blue Flames (donde ya militaba Georgie Fame), Billy disolvió el grupo y comenzó a buscar nuevos músicos. John Lennon y sus Silver Beatles fueron uno de los numerosos candidatos y les fue ofrecido el puesto con una condición: que echaran a Stu Sutcliffe. Lennon se negó, pero no sin antes pedirle un autógrafo a Fury.
Billy Fury tendría numerosos hits hasta mediados de la década como 'Colette', 'Halfway to paradise', 'Jealousy', 'When will you say I love you?' o 'In thoughts of you', y también apareció en varias películas inglesas de la época. En 1971 sufrió la primera de tres operaciones de corazón que tendría a lo largo de los siguientes años. En los ochenta se encontraba en bancarrota. Cuando en enero de 1983 tenía previsto nuevo álbum y una gira para recuperar su economía, fue encontrado inconsciente en su hotel muriendo horas después a los 43 años.
El 17 de abril de 1970 se publicó en Inglaterra el álbum 'McCartney', primer trabajo en solitario de Paul McCartney, que significaba la confirmación oficial y definitiva de un hecho que muchos se negaban a aceptar: la separación de los Beatles. El disco salió a la calle dos semanas antes de que 'Let it Be', el último trabajo 'oficial' (que no cronológico) del cuarteto, viera la luz.
Una semana antes de la aparición de 'McCartney' (también llamado 'el de las cerezas') se filtró una nota de prensa promocional en la que se le hacían tres preguntas a Paul: "¿Está Vd planeando la grabación de nuevo single o álbum con los Beatles?". Respuesta: "No". "¿Es posible que el tándem Lennon/McCartney se vuelva a reunir para componer juntos?". Respuesta: "No". "¿Echa de menos a George Martin? ¿Ha habido algún momento, por ejemplo, en el que dijera: Me gustaría que Ringo estuviera aquí?". Respuesta: "No".
Echar de menos a los Beatles era la última cosa que se le pasaba por la cabeza a Paul. Al contrario, su mente estaba puesta en reivindicar su nuevo status de artista solitario, componiendo, interpretando, grabando y produciendo -él solo- su álbum debut en su casa de St. John's con un Studer de cuatro pistas y un solitario micrófono. Paul toca todos los instrumentos, bajo, batería, guitarra acústica y eléctrica, piano, melotrón, órgano y xilofón. La única persona aparte de él que recibe créditos en el álbum es su esposa Linda, que aporta segundas voces y realizó las fotografías de la familia feliz que ilustran la portada del disco.
Años más tarde, McCartney confesaba que fue el álbum en solitario que más disfrutó: "Linda y yo estábamos recién casados y teníamos un bebé, así que disfrutábamos ese resplandor dorado que te da el primer año de matrimonio". Esa felicidad se reflejaba en canciones como 'The lovely Linda'y 'Maybe I'm amazed', una de sus mejores canciones (que demuestra quien fue el arquitecto del sonido de 'Abbey Road' y que llegaría a ser un hit años después -1977- en su versión en directo del álbum 'Wings over America') y 'Every night'.
También se vio el lado experimental de McCartney que, a antiguos descartes de los Beatles, como 'Teddy Boy'o 'Junk', añadió nuevos instrumentales, como 'Valentine Day', 'Momma Miss America' o 'Hot as sun/Glasses', que fue escrita en 1959 en tiempos de los Quarrymen y otros que parecen más bien piezas inacabadas o garabatos musicales influidos por el cannabis, como 'That would be something','Oo You' y 'Kreen-Akrore', en la que nos demuestra su soltura con las baquetas. En 'Man we was lonely' se oyen muestras de lo que está por venir ('Another day' y 'Ram').
Los fans respondieron y 'McCartney' alcanzó el nº1 de las listas americanas en su tercera semana de publicación, aunque no hubo single de presentación. A pesar de que -ironías del destino- 'Let it be', con su discutida mezcla de Phil Spector le arrebató el nº1 tras otras tres semanas de permanencia, 'McCartney' consiguió lo que Paul había pretendido: consolidar al ex-Beatle como artista en solitario.
El 16 de abril de 1965 se publicó en el Reino Unido el álbum debut homónimo del músico de folk escocés Bert Jansch. Tocado con guitarras prestadas y grabado con un magnetófono portátil de bobina en la cocina de un piso de Camden Town, el master fue vendido por 100 libras a Nat Joseph, fundador de Transatlantic Records, que lo editó, vendiéndose más de 150.000 copias.
Las canciones contenían sorprendentes sonidos de guitarra (que influirian notablemente no sólo en otros músicos de folk sino también en los guitarristas de rock que usaban acústicas, como Jimmy Page o Neil Young) y evidenciaban la fuerte personalidad de Jansch, desde la pausada 'Strolling down the highway' hasta la conmovedora 'Needle of death', que trata sobre un amigo que murió de sobredosis; desde la reflexiva y emocionante 'Running from home', hasta la fascinante y guitarrera 'Angie', compuesta por Davy Graham y popularizada por Paul Simon.
Jansch exhibe un sonido similar a las primeras grabaciones de Donovan con sus giros escoceses, aunque Bert es más oscuro y menos pop que su contemporáneo. De hecho, Donovan versionó varios de sus temas y compuso otros inspirado en Jansch, como 'Berts Blues' y 'House of Jansch'. Gracias a su innovadora técnica de guitarra y su sólido material, el álbum causó sensación y ha seguido siendo influyente desde entonces.
El 16 de abril de 1943 nació en Dulwich (Londres) el músico y cantante británico Dave Peverett, quien tras pertenecer unos años al grupo Savoy Brown (con los que grabó 5 álbumes), en 1971 él y otros miembros de la banda fundaron Foghat, otro grupo basado en el blues, pero con más énfasis en el sonido rock de la guitarra slide de Rod Price, otra incorporación de Foghat.
A lo largo de los setenta publicaron una serie de éxitos como 'I just want to make love to you', 'Stone blue', 'Drivin' wheel' y 'Slow ride'. Todos ellos se convirtieron en clásicos de las FM y Foghat fue de los pocos grupos que sobrevivieron a la época disco. En los ochenta descendió su popularidad y Peverett decidió tomarse un descanso para dedicarse más a la familia.
A pesar de su desaparición, su música siguió muy viva gracias a la nostalgia de los 70 que desarrolló Hollywood en los ochenta y noventa. La música de Foghat se usaba con profusión en las bandas sonoras de los films que querían capturar la atmósfera de la época. En 1993, Peverett y los demás volvieron a reunirse y, aunque no resultó tan fructífero como en años anteriores, siguieron adelante hasta la muerte de Dave Peverett en febrero de 2000 a los 56 años.
A día de hoy la banda sigue activa liderada por el baterista Roger Earl que lleva en la formación desde sus inicios.
El 15 de abril de 194 nació en Chattanooga (Tennessee) en la más absoluta pobreza, la cantante de blues, Bessie Smith. Apodada la 'Emperatriz del Blues' pasó de cantar en la calle por unas monedas a ser la artista que más discos vendió en su época. Su estilo vocal y su presencia física, además de sus dotes cómicas y dramáticas despertaban tal atención cuando aparecía en persona, que prácticamente se desataban las masas. Los que se quedaban fuera de los teatros clamaban por entrar y los que permanecían dentro no querían salir sin oír algo más de Bessie. En momentos críticos, Smith fue la artista que salvó Columbia Records de la quiebra. En su mejor momento, en 1925, Bessie adquirió un vagón de ferrocarril diseñado especialmente para ella y para su troupe, en el que vivían y viajaban. Este pequeño lujo le permitió permanecer inmune a algunos de los efectos del racismo que encontró en sus viajes por los Estados Unidos, llegando a ganar unos $2.000 semanales.
Ma Rainey
Bessie hizo su primera aparición ante el público a la edad de nueve años, en el teatro Ivory. Hasta que cumplió los diecinueve, estuvo trabajando en el Rabbit Foot Minstrels y en el Florida Cotton Blossoms, actuando asimismo en varios espectáculos ambulantes a lo largo de la Costa del Golfo.
Uno de los muchos mitos acerca de Bessie es que fue amadrinada (algunas versiones sostienen que fue raptada) por Ma Rainey, la 'Madre del Blues', que la forzó a hacer los tours con ella. En realidad fue contratada como bailarina en 1912 por Lonnie y Cora Fisher, managers de la troupe llamada los Stokes. En la misma troupe figuraba una cantante desconocida entonces, Ma Rainey. Ambas se hicieron amigas y sin duda Bessie recibió influencias (más escénicas que vocales) de Rainey.
Bessie Smith
Pronto Smith desarrolló su talento para el canto y la comedia y desde el principio su habilidad para comunicarse con el público fue uno de sus distintivos. Su voz era extraordinaria. Capaz de llenar la sala con ella sin necesidad de amplificación, cautivaba al oyente con su belleza. Dan Morgenstern de Jazz People, citaba al guitarrista Danny Barker: "Ver a Bessie en directo era todo un espectáculo. Era una gran y hermosa mujer y dominaba el escenario como ninguna. Si ella estaba allí no apartabas la cabeza. Solo tenías ojos para ella. Si conoces algo sobre las iglesias del sur, reconocerías al instante una similitud entre lo que ella hacía y lo que hacen los predicadores y pastores de las iglesias sureñas, manejando a la gente. Ella lograba hipnotizar a las masas"
Bessie Smith
Cuando Mamie Smith grabó el primer blues vocal en 1920 y vendió 100.000 copias en el primer mes, los ejecutivos de las compañías discográficas descubrieron un nuevo mercado. Habían nacido los 'race records' (discos de raza). Producidos únicamente para los estados del Sur y zonas determinadas del Norte, donde se congregaban los negros, sorprendieron a los ejecutivos cuando vieron que el mercado se expandía a clientes blancos sureños a quienes los sonidos del blues no les sonaban extraños.
Bessie llegó a Philadelphia en 1923 "alta, gorda y muy asustada", pero no tardó en hacer de la gran metrópoli su nuevo hogar. Cantó sobre todo en teatros, apareciendo tan pronto en los escenarios de Cleveland o Chicago, como en los de Memphis y Nueva Orleans.
Su primera sesión de grabación se llevó a cabo el 16 de febrero de 1923, en la que grabó los temas 'Downhearted blues' y 'Gulf Coast blues', acompañada por el pianista Clarence Williams. Se vendió la increíble cantidad de 780.000 copias en los seis meses siguientes. El contrato discográfico de Bessie le concedía $150 por canción grabada, sin derechos posteriores. Frank Walker, quien supervisaría todas sus grabaciones con Columbia Records, rápidamente negoció nuevos contratos más interesantes para Smith y así comenzó su exitosa carrera discográfica en la que grabaría 160 títulos. Al borde de la suspensión de pagos, Columbia se recuperó gracias a las ventas obtenidas con sus artistas exclusivos Eddie Cantor, Ted Lewis, Bert Williams y su mayor estrella: Bessie Smith.
Durante los diez años de su carrera discográfica, fue en los primeros seis cuando Bessie grabó el grueso de su discografía, acompañada de algunos de los más importantes nombres del jazz. Entre la élite se encontraban los pianistas Fred Longshaw, Porter Grainger y Fletcher Henderson; los saxofonistas Coleman Hawkins y Sidney Bechet; el trombonista Charlie Green; los clarinetistas Buster Bailey y Don Redman y el cornetista Joe Smith
Gracias a la popularidad de sus grabaciones, sus apariciones públicas crecían en número. En los desplazamientos que realizaba para actuar en Detroit, Chicago, Washington, Atlanta y Nueva York, hordas de admiradores la recibían en cada estación, precisando cada vez más despliegue policial para controlar el entusiasmo de las masas. El crítico y promotor John Hammond escribió en 1937: "Bessie Smith fue la más grande artista de jazz que produjo Norteamérica: de hecho, no estoy seguro de que su arte se limitara a las fronteras del término 'jazz'. Era un ser extraordinario, una artista completamente integrada capaz de proyectar toda su personalidad en su música. Estaba bendecida, no sólo con una gran capacidad de emoción; también con una tremenda voz que penetraba en las entrañas de los oyentes."
En cierto modo, la grandeza del arte de Bessie Smith sólo puede explicarse en base a la complejidad de su propia personalidad. Ésta mujer de carácter violento y tormentoso, adicta a la ginebra, era capaz de sorprender, tanto por su generosidad como por sus celos, y podía mostrarse cruel y vulnerable al mismo tiempo. De su alma torturada surgía una música que ha pasado a constituir un auténtico modelo de perfección. En efecto, Bessie sigue siendo hoy en día, como lo fue en su época, la 'Emperatriz del Blues'. Aunque su cuerpo escultural engordó con el paso de los años la impresionante belleza de Bessie contrastaba con la corta estatura y las facciones poco atractivas de Ma Rainey. Bessie cantaba así en 1926 en 'Young woman's blues':
Soy una mujer joven, pero he recorrido mucho mundo (2)
Algunos me llaman vagabunda, otros holgazana,
Nadie sabe mi nombre, nadie conoce mi vida.
Valgo tanto como cualquiera de tu ciudad,
No soy rubia, sino color marrón oscuro
No voy a casarme, no voy a echar raíces,
Voy a beber un buen trago y conquistar a estos morenitos...
Aunque Bessie puso todo el alma en esta confesión, lo cierto es que se casó con un hombre analfabeto llamado Jack Gee, que se convirtió en su empresario, para ruina de ambos. Bessie estuvo trabajando la mayor parte de su vida en teatros profesionales. Sin embargo el declive que experimentó su carrera artística, tras los años de la Depresión, y las trágicas circunstancias que rodearon su muerte, son claros indicios de que el público fue perdiendo interés por su estilo de blues a partir de los años treinta. Otra de sus luchas fue la botella. Aunque capaz de largas temporadas de abstinencia, sus borracheras eran famosas entre su troupe y sus allegados. Igualmente conocida fue su promiscuidad bisexual.
En 1929 la industria del disco se vio seriamente amenazada por el cine sonoro, la radio y la gran Depresión. No obstante, Bessie seguía siendo contratada, pero tuvo que rebajar considerablemente su caché y se vio obligada a vender su querido vagón vivienda. Ahora las ciudades a las que acudía eran más pequeñas y los teatros mucho más cutres que aquellos a los que ella estaba acostumbrada. Aún así protagonizó en 1929 el film semi-autobiográfico 'St Louis Blues'.
En 1931 Columbia rescindió el contrato con Bessie y ésta realizó sus últimas grabaciones en 1933. La Depresión había azotado América, pero ella siguió adelante. En 1935 sustituyó a Billie Holiday en el show del Apollo Theater 'Stars over Broadway' y el productor de Holiday, John Hammond, ofreció a Bessie grabar para Okeh Records y actuar en un nuevo show, 'From spirituals to swing'.
Sus malos días parecían haber llegado a su fin en el verano de 1937. La industria musical parecía revivir gracias a la aparición de la Era del Swing, sobre todo a la orquesta de Benny Goodman. Bessie había demostrado su adaptabilidad por lo que ella era capaz de cantar swing como el mejor. Las cosas se pusieron aún mejor: El blues había recobrado su popularidad en los gustos de la audiencia y una fría tarde de un domingo de febrero de 1936, Bessie realizó una memorable actuación en el Famous Door de la calle 52 de NYC, acompañada por Bunny Berigan, Joe Bushkin y otros habituales de la banda del club. El impacto de aquella actuación permaneció en las personas presentes durante más de cincuenta años. Mucho tuvo que ver la negativa de Mildred Bailey a aparecer tras la actuación de Bessie. Este evento generó nuevos proyectos. Se programaron grabaciones con Lionel Hampton y Count Basie y se comenzó a escribir el guión de una nueva película con ella de protagonista. Hasta su vida personal parecía brillar con nueva luz en 1937 gracias al apoyo de su nueva pareja, Richard Morgan.
Richard Morgan y Bessie en 1937
En la mañana del 26 de septiembre, Bessie y Morgan conducían desde Memphis a Darling (Mississippi) para actuar allí al día siguiente. En las cercanías de Clarksdale, se vieron envueltos en un accidente de tráfico que resultó fatal para la cantante. Uno de los mitos persistentes acerca de su muerte fue que murió desangrada porque no la admitieron en un hospital para blancos. Esta historia se afianzó con el desafortunado artículo de John Hammond publicado en Down Beat en 1937 y fue perpetuada en la obra de teatro de Edward Albee de 1960 'The Death of Bessie Smith'. En realidad fue trasladada inconsciente al hospital para negros G.T. Thomas de Clarksdale, donde se le amputó el brazo derecho. Murió a la mañana siguiente sin haber recobrado el conocimiento. Chris Albertson comenta en la biografía de Bessie: "La ambulancia que trasladaba a Bessie, jamás pudo haberla llevado a un hospital de blancos. En el profundo Sur de los campos de algodón, a ningún conductor de ambulancia, negro o blanco se le habría pasado por la cabeza llevar a un negro a un hospital para blancos".
Su funeral, celebrado el 4 de octubre de 1937 en Philadelphia, fue uno de los eventos más multitudinarios que recuerda la ciudad. Cuando la comunidad negra supo de la muerte de la cantante, su cuerpo tuvo que ser trasladado a otro recinto que pudiera albergar a los más de 10.000 admiradores que se congregaron para darle el último adiós. La policía pasó momentos duros para contener a las masas. Para aquellos que habían conocido a Bessie en sus mejores días, la imagen les resultaba tremendamente familiar...
El 15 de Abril de 1688 nació en Buttelstedt, cerca de Weimar, el compositor alemán Johann Friedrich Fasch, uno de los más importantes músicos contemporáneos de J. S. Bach, cuyas obras orquestales determinan la transición entre el estilo barroco tardío y el clasicismo de Haydn y Mozart.
Thomasschule en Leipzig
Johann Friedrich Fasch, perteneció al coro infantil de Weissenfels y tuvo como maestro de música a Johann Kuhnau en la Thomasschule de Leipzig. A los 13 años ingresó a la Thomasschule y sus primeras composiciones siguieron el estilo de su amigo Telemann. Siendo estudiante en la Universidad de Leipzig fundó un Collegium Musicum, una de las primeras sociedades organizadoras de conciertos públicos, que rivalizó en importancia con la Thomasschule dentro de la vida musical de la ciudad.
En esta ciudad cosmopolita encontró los conciertos de Vivaldi, y si bien no tenía una instrucción regular en composición, pronto logró fama como tal y recibió encargos para los festivales Peter-Paul de Naumburg en 1711 y 1712.
Su hijo, Carl Friedrich Christian
Con intenciones de estudiar, Fasch realizó un largo viaje a través de varias ciudades. Eventualmente llegó a Darmstadt y estudió composición con Graupner y Grünewald. Entonces ocupó diversos cargos, incluyendo el de violinista en Bayreuth (1714), organista en Greiz (hasta 1721) y Kapellmeister para el Conde Morzin en Lukavec. En 1722 aceptó el puesto de Kapellmeister en Zerbst, y al no lograr el cargo de Thomaskantor en Leipzig, permaneció por el resto de su vida en Zerbst. Durante los 36 años que pasó allí, Fasch se ocupó sobre todo de componer cantatas para la iglesia y música festiva para el conde. Su fama como compositor se extendió más allá de Sajonia y sus obras se hicieron conocidas en varias cortes e iglesias desde Hamburgo hasta Praga e incluso Viena. Disfrutó de cercanas relaciones con la Hofkapelle de Dresden en donde el Kapellmeister Pisendel interpretó numerosas partituras suyas, a través de su hijo Carl Friedrich Christian Fasch, clavecinista en la corte de Federico el Grande en Berlín desde 1756
El hecho interesante es que el repertorio de Fasch, tal vez más que el de cualquier otro compositor barroco, marca la transición del barroco al rococó y a los principios clásicos. Fue un iniciador y marcó el desarrollo de la ruptura de los moldes del estilo fugado en favor de un impulso temático hacia la escritura romántica que iba a emerger. Murió a los 70 años el 5 de diciembre de 1758, en Zerbst, dejando el legado de un músico muy interesante.
Ninguna partitura de Fasch se publicó mientras él vivió. La extensa cantidad de manuscritos se distribuyó ampliamente y dificultó el acceso, perdiéndose la mayor parte de su creación vocal (que incluía 12 ciclos completos de cantatas, al menos 16 misas y cuatro óperas) pero conservándose casi toda la producción instrumental. De ella solamente se han examinado profundamente los conciertos, las sinfonías y las sonatas, quedando aún por investigar más de 90 suites-oberturas y mucha música litúrgica, que aparentemente contienen su escritura más progresista. Las obras de Fasch, de puño y letra, se encuentran dispersas en numerosas bibliotecas en toda Europa.
Durante el siglo XIX la música de Fasch fue ensombrecida por el estudio de Bach y solamente en 1900, una vez que Hugo Riemann conoció algunas de sus oberturas, se le reconoció como uno de los innovadores más importantes en el periodo de transición entre Bach y Haydn. Posterior investigación ha reafirmado esta sentencia. De hecho, el aspecto más sorprendente de la obra de Fasch es la naturaleza transitiva y la síntesis de los estilos barroco y clásico con un gradual incremento en los elementos “modernos”.
Entre sus obras principales se incluyen los conciertos para diferentes instrumentos que se conservan, como por ejemplo su Concierto en Re mayor (Musica Antiqua Köln, Reinhard Goebel), las sinfonías y la música de cámara. Gozó de gran consideración entre sus contemporáneos y Johann Sebastian Bach, por ejemplo, poseía partituras suyas manuscritas.
Los conciertos demuestran claramente el desarrollo del barroco al temprano estilo clásico. Todos tienen tres movimientos según el tipo de Vivaldi y llaman la atención por un inusual tratamiento de los instrumentos orquestales, sobretodo los de viento, ya que además de combinaciones desacostumbradas, muchos conciertos empleaban pares de instrumentos de viento como solista. En el caso de las suites para orquesta, Suite en Si bemol mayor Obertura (Das Kleine Konzert, dir. Hermann Max), Fasch sigue el modelo de una obertura francesa seguida por movimientos de danza. En las sinfonías y sonatas la tendencia es más clásica con la estructura repetitiva en la mayoría de los movimientos allegro.
A mediados de los cincuenta, Fury, formó una banda de skiffle, que ejerció una gran influencia en sus paisanos Beatles. Tras conseguir algún éxito menor liderando los Blue Flames (donde ya militaba Georgie Fame), Billy disolvió el grupo y comenzó a buscar nuevos músicos. John Lennon y sus Silver Beatles fueron uno de los numerosos candidatos y les fue ofrecido el puesto con una condición: que echaran a Stu Sutcliffe. Lennon se negó, pero no sin antes pedirle un autógrafo a Fury.
Su primera sesión de grabación se llevó a cabo el 16 de febrero de 1923, en la que grabó los temas 'Downhearted blues' y 'Gulf Coast blues', acompañada por el pianista Clarence Williams. Se vendió la increíble cantidad de 780.000 copias en los seis meses siguientes. El contrato discográfico de Bessie le concedía $150 por canción grabada, sin derechos posteriores. Frank Walker, quien supervisaría todas sus grabaciones con Columbia Records, rápidamente negoció nuevos contratos más interesantes para Smith y así comenzó su exitosa carrera discográfica en la que grabaría 160 títulos. Al borde de la suspensión de pagos, Columbia se recuperó gracias a las ventas obtenidas con sus artistas exclusivos Eddie Cantor, Ted Lewis, Bert Williams y su mayor estrella: Bessie Smith.
Aunque Bessie puso todo el alma en esta confesión, lo cierto es que se casó con un hombre analfabeto llamado Jack Gee, que se convirtió en su empresario, para ruina de ambos. Bessie estuvo trabajando la mayor parte de su vida en teatros profesionales. Sin embargo el declive que experimentó su carrera artística, tras los años de la Depresión, y las trágicas circunstancias que rodearon su muerte, son claros indicios de que el público fue perdiendo interés por su estilo de blues a partir de los años treinta. Otra de sus luchas fue la botella. Aunque capaz de largas temporadas de abstinencia, sus borracheras eran famosas entre su troupe y sus allegados. Igualmente conocida fue su promiscuidad bisexual.
