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El 11 de diciembre de 1970 se publicó en Londres el primer álbum en solitario de John Lennon, tras la ruptura de los Beatles, 'John Lennon/Plastic Ono Band'
Para la revista Rolling Stone es el 22º mejor disco de la historia. Para otros fue el testamento y la despedida de los Beatles de John. El álbum se grabó en los estudios Abbey Road de Londres, tras haber sido Lennon obligado a abandonar EEUU, adonde había viajado para someterse a la famosa terapia de 'primal scream' de Arthur Janov. Contó para ello con la colaboración de Phil Spector a la producción, Ringo Starr a la batería, Klaus Voorman al bajo, encargándose John de todo lo demás, exceptuando una colaboración al piano de Billy Preston en 'God'.
En el álbum Lennon grabó una serie de canciones que harían caer el telón sobre los 60 y sobre sus treinta años de vida pasada con temas muy personales como el abandono de sus padres en 'Mother' o la escasa calidad de vida de las clases obreras en 'Working class hero'. En 'I found out' y en 'God' declara su escepticismo por los 60 y por todos los ideales e 'ismos' que generó la década. ("Ya tengo bastante de religión, desde Jesús hasta Paul" o "Ya no creo en los Beatles, sólo creo en mí y en Yoko").
A pesar de la rabia y amargura que destilan sus canciones, le quedó suficiente optimismo y ternura para canciones como 'Hold on' y 'Love'. Un álbum crudo en arreglos e intenciones que significó un auténtico desahogo emocional de John. Escuchado con atención, el álbum revela las fuentas en las que bebieron gente como Lenny Kravitz, Joe Strummer o John Lydon.
El 23 de noviembre de 1970 se publicó en el Reino Unido el cuarto álbum de la discografía de Cat Stevens, 'Tea for the Tillerman', un álbum cuyos arreglos de pop de cámara lo convirtieron en el más ambicioso de su carrera. Contenía el hit internacional 'Wild world' que dio a conocer al cantautor británico de origen griego en todo el mundo.
Patti D'Arbanville
El tema. cuya letra ha sido tachada de sexista, estaba dedicado a su ex novia Patti D'Arbanville, una espectacular groupie de 18 años. Tras su ruptura, no le bastó 'declararla muerta' en su anterior canción 'My Lady D'Arbanville', aún seguía obsesionado con ella y más cuando se enteró que Patti había sucumbido a los encantos de Mick Jagger... También escribió 'Hard headed woman' pensando en ella.
Otros cortes populares del álbum fueron 'Sad Lisa' y 'Father and son', una conversación entre padre e hijo en la que Stevens canta en voz grave y aguda respectivamente los dos papeles. El padre no entiende el deseo del hijo de marcharse del hogar y el hijo no encuentra palabras para hacerse entender pero sabe que es el momento para buscar nuevos horizontes y perseguir sus propios sueños lejos de casa.
El 19 de septiembre de 1970 se publicó en EEUU bajo el sello de Reprise Records, 'After The Goldrush', tercer álbum del cantautor canadiense Neil Young. Fue uno de los magníficos álbumes en solitario que David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young -tras el gran éxito que les supuso 'Déjà Vu'-, emprendieron cada uno por su lado.
Su tercer trabajo se publicó en un periodo extraordinariamete prolífico de su carrera. En menos de un año había grabado dos álbumes en solitario además del citado 'Deja Vu'. Esta actividad se vería frenada por un accidente que le afectó la espalda y estuvo obligado a guardar reposo, por lo que 'Harvest', su siguiente álbum, no se publicaría hasta 1972.
Aunque durante su permanencia en Buffalo Springfield Young había experimentado con diversos estilos, en 'After The Goldrush', continuó con su mezcla hard-rock con los tonos acústicos de CSN&Y y su anterior trabajo de 1969 'Everybody Knows This is Nowhere'.
Crazy Horse en 1970
Las primeras sesiones de grabación fueron conducidas por Crazy Horse en los Sunset Sound Studios de Los Ángeles en medio de una gira durante el invierno de 1969 que incluyó una participación de Steve Miller y de Miles Davis muy bien recibida en el Fillmore East. A pesar del deterioro de la salud del guitarrista Danny Whitten, las sesiones produjeron cuatro temas, "I believe in you", "When you dance I can really love", 'Birds' y 'Oh, lonesome me'.
Nils Lofgren
La mayor parte del álbum fue grabado en un estudio casero en el sótano de una modesta casa de Young ubicada en el Cañón de Topanga durante la primavera de 1970 con Greg Reeves, Ralph Molina y un por entonces adolescente Nils Lofgren al piano, un nuevo descubrimiento de Neil Young, que procedía del grupo Grind, con base en Washington D.C. A pesar de no tener demasiada experiencia con el piano -su instrumento era la guitarra-, Lofgren practicó en las horas libres ensayando sus partes. Junto a Jack Nitzsche formaría un tiempo con una versión ampliada de Crazy Horse, antes de unirse a la E Street Band de Bruce Springsteen.
Los críticos no estaban nada entusiasmados con la nueva entrega de Young. En Rolling Stone, por ejemplo, escribían: "Los devotos de Neil Young probablemente pasarán las próximas semanas tratando desesperadamente de convencerse de que After the Gold Rush es buena música. Pero se estarán engañando a sí mismos. Aunque el álbum contiene material potente a primera vista, ninguna de las canciones superan una barrera mediocre".
Al igual que otras publicaciones de Neil Young, la reacción crítica valoró el resultado con posterioridad, hasta el punto de que en la actualidad 'After the Gold Rush' es considerado un hito en su carrera musical.
Cinco años después, Rolling Stone rectificó y lo consideraba una 'obra maestra'. Al respecto, la revista Ink Blot publicó: "Uno de sus esfuerzos menos estilizados, el álbum gana su dureza no a base de la sólida composición, sino más bien con las personalidades musicales que Neil muestra... La variedad y la calidad de las canciones hace que After the Gold Rush parezca un álbum de éxitos, aunque en verdad no lo es".
El 16 de mayo de 1970 apareció en EEUU (en el Reino Unido se publicó una semana después) el primer disco en directo del grupo británico The Who, 'Live at Leeds'. Sería la única grabación en vivo que apareció mientras el grupo seguía en activo y actuando regularmente. Para muchos, el mejor disco en directo de una banda de rock y para muchos otros, el mejor disco de The Who.
Pete Townshend
Tras publicar 'Tommy' en 1969, The Who se embarcó en una gira mundial para promocionar el álbum y volvieron a Inglaterra a finales del año con ganas de publicar un disco en directo con las cintas grabadas en el tour. Ante la perspectiva de tener que escuchar más de 80 horas de grabación para seleccionar los temas del disco proyectado, Pete Townshend prefirió celebrar dos nuevos conciertos con el fin de registrarlos, y se cuenta que quemó las cintas del tour, entre otras cosas, para evitar que se 'distrajera' alguna y acabara como disco pirata en la calle, un hecho que era muy habitual entonces.
Roger Daltrey
Los conciertos se programaron para los días 14 y 15 de febrero en las universidades de Leeds y Hull, respectivamente, pero problemas técnicos que surgieron en Hull (en algunos temas no se grabó la pista del bajo), motivaron que finalmente se utilizara sólo lo grabado en Leeds el día de San Valentín. Sin embargo, Daltrey siempre sostuvo que el concierto de Hull fue el mejor de los dos. La banda se empleó a fondo durante más de dos horas, interpretó 'Tommy', sus singles clásicos y un puñado de versiones de rocks favoritos. Desatados en el escenario, el trío de músicos que respaladaba al cantante Roger Daltrey dio rienda suelta a una aterradora energía: el bajo John Entwistle cargando con el peso de las melodías, Keith Moon tocando su batería con ese frenético abandono que le caracterizaba y Pete Townshend demostrando su maestría con el feedback y ejecutando limpios solos pletóricos de emoción.
Keith Moon
Abría el vinilo original 'Young man blues' un tema de Mose Allison, que era un clásico en los shows de The Who y en el que Keith y John demuestran por qué les llamaban 'una de las mejores secciones rítmicas del rock'. Le seguía 'Substitute', composición de Townshend, uno de los primeros singles del grupo en 1966.
John Entwistle
La versión del tema de Eddie Cochran, 'Summertime blues', fue editada en single y la última versión que aparecía en el vinilo original fue 'Shakin' all over', uno de los mejores temas del rock británico de la era pre-Beatle, compuesto por Johnny Kidd, de los Pirates.
La cara B del disco sólo contenía dos temas, ambos de Townshend, 'My generation' y 'Magic bus', una de las más populares del grupo entonces y la pieza que John Entwistle odiaba tocar, ya que durante todo el tema emite una sóla nota ad nauseum.
El resto del concierto consistía fundamentalmente en temas de 'Tommy', en estado puro, sin los sofisticados arreglos que tenía la obra en la edición de estudio. Estos se recuperaron en la magnífica edición en CD de 2001, que ofrecía el concierto completo en la Universidad de Leeds. Posteriormente, en 2010, con motivo del 40 aniversario de la edición del vinilo original, se publicó una edición deluxe, que en esta ocasión incluía los dos conciertos (el de Hull y el de Leeds) completos.
Portada española
La funda que contenía el vinilo de 1970 era tremendamente sencilla, una funda de cartón con el nombre de la banda en letras de molde como 'sellado', en claro homenaje de Pete a los discos piratas de la época. "Es muy fácil engañar a la gente con los discos grabados en los estudios especializados; hay demasiados trucos técnicos, créeme. Y hay sobrados casos en los que un grupo, cuyos discos de estudio son más que correctos, es una auténtica mierda en directo. Con una grabación realizada en un concierto es casi imposible engañar a la gente. Quizá por esto me gustan tanto los discos piratas..."
La primera edición era desplegable y dentro tenía, a un lado el vinilo, y en el otro una bolsa con diversas fotocopias de recuerdos del grupo (una carta de EMI Records rechazándolos, la letra manuscrita de partes de 'Tommy', un recibo de una compra de bombas de humo, posters, fotografías, etc). Las primeras 500 copias incluían además una copia del contrato de su actuación en Woodstock.
El 8 de mayo de 1970 apareció en el Reino Unido bajo el sello Apple Records, 'Let it Be', el último álbum de The Beatles publicado un mes después de su ruptura oficial. Fue, efectivamente el último disco con material nuevo de la banda, pero no fue lo último que grabaron. Aunque el grueso de 'Let it Be' se grabó durante los primeros cuatro meses de 1969 con la idea de grabar un álbum (cuyo nombre iba a ser 'Get Back'), el proyecto fue aparcado para acometer la grabación de 'Abbey Road'.
Los Beatles y Yoko Ono
El concepto original de 'Get Back' fue capturar a los Beatles tocando en directo, sin recordings o remezclas para un especial de TV. El grupo comenzó los ensayos el 2 de enero de 1969, pero ocho días después, tras una discusión con Paul, George se marchó, dejando el grupo temporalmente. Esa misma tarde, en su casa, compuso 'Wah Wah', que publicaría en su primer trabajo en solitario 'All Things Must Pass'. El proyecto para el programa de TV dio lugar al proyecto para el álbum, cuya preparación y ensayos iban a ser filmados. "No era exactamente como estar en un estudio de grabación con un grupo intentando grabar un álbum", recuerda Glyn Johns, uno de los ingenieros de las sesiones, "Había tantos otros aspectos de lo que querían conseguir además del álbum, y hubo todo tipo de circunstancias y cambios personales que influyeron en aquello".
Billy Preston
Harrison añade: "No era nada divertido. Todos estábamos hartos y todos queríamos dejar el grupo. Aunque salvamos el tipo y logramos grabar algunos temas interesantes, todo el disco está producido bajo una gran depresión". Para ayudar a la distensión de la cargada atmósfera de trabajo, George llamó a su viejo amigo de la etapa de Hamburgo, Billy Preston, para que colaborara con ellos. Llegó a ser tan intensa su colaboración, que en el tema 'Get back' recibió derechos de coautoría. "Traje a Billy, y eso ayudó a que los otros se controlaran un poco más. Sobre todo John y Paul, que tuvieron que comportarse con más generosidad."
Publicado el 11 de abril de 1969, el single 'Get back' se convirtió en el decimoséptimo nº1 de Beatles en EEUU. Tuvo que pasar un año para que el álbum que lo contenía viera la luz.
El álbum 'Let it Be' (hasta entonces el proyecto se llamaba 'Get Back'), no tenía créditos de producción. Fueron Glyn Johns y George Martin los que supervisaron las sesiones, pero su trabajo sería ensombrecido durante años por otro gran productor proveniente de EEUU: Phil Spector, conocido por su labor con Ike & Tina Turner, Crystals y Ronettes, además de su legendario 'muro de sonido'. Aunque se editaron algunas impresiones promocionales del álbum, los Beatles no estaban muy satisfechos con el trabajo de Johns y Marton y las cintas fueron aparcadas, mientras la banda se concentraba en la grabación de 'Abbey Road'.
Phil Spector y John Lennon en 1970
"16 meses después, tras la ruptura del grupo, John decidió entregar las cintas a Phil Spector para que produjera un álbum con ellas, que básicamente eran grabaciones de ensayos," rememora Glyn Johns, "y Spector convirtió aquello en un pedazo de mierda edulcorada con violines y coros."
Mientras los historiadores del rock siguen discutiendo hoy aún acerca de la 'spectorización' del disco 'en directo desde el estudio' de los Fab Four, el público lo compró encantado y no les importó que unas semanas antes Paul McCartney anunciara que los Beatles se habían acabado para siempre.
Se dio la circunstancia de que mientras Spector estaba remezclando partes de 'Let it Be' en los estudios de Abbey Road, McCartney estaba masterizando su primer álbum en solitario 'McCartney' en una sala contigua. Precisamente fue 'Let it Be' el álbum que desplazó el trabajo debut de Paul del primer puesto de las listas.
McCartney, que siempre repudió las mezclas de Spector, se tomó su pequeña venganza logrando publicar una edición 'desnuda' del álbum en 2003, 'Let it Be...Naked', sin los arreglos orquestales añadidos por el productor americano: "La mejor versión fue la primera, antes de que nadie la manipulara; las primeras mezclas de Glyn John eran fantásticas, aunque muy espartanas; hubiera sido un disco muy avanzado si hubiera salido tal cual entonces. Antes de que lo pulieran, era de los mejores álbumes de los Beatles porque era vanguardista. Me encantaba."
La última actuación de los Beatles en la azotea del edificio Apple en Savile Row
Tres de los temas del álbum proceden de la grabación efectuada el 30 de enero de 1969 en la última actuación en directo de los Beatles en la azotea de los estudios Apple. El primero, 'Dig a pony', composición de Lennon que al principio eran dos temas diferentes, 'All I want is you' y 'Dig a pony'.
Paul McCartney
'Ive got a feeling' y 'One after 909' son dos de las pocas canciones de Lennon/McCartney en las que realmente colaboraron Paul y John. (La mayoría son de uno o de otro, aunque las firmen los dos). En el caso de la primera, McCartney compuso la primera parte: "I've got a feeling..." y Lennon la segunda: "Everybody had a..." y la otra, 'One after 909', fue compuesta en 1959 una de las tardes en las que John y Paul se reunían a ensayar en casa de Julia, la madre de John.
George Harrison
Harrison aportó dos temas. El primero'I me mine', se grabó a toda prisa en enero de 1970, cuando vieron en las primeras pruebas de la película que se mostraban escenas del ensayo de la canción, por lo que fue la última sesión de grabación de los Beatles, aunque John no participó esta vez. George se refería al tema como un 'vals pesado' y según él trataba sobre el ego: "Tras mis primeras experiencias con el ácido, miré a mi alrededor y todo lo que veía tenía que ver con mi ego, ya sabes 'mi hoja de papel', 'mi ropa', 'dámelo a mí', 'yo soy'. Me volvió loco; odiaba todo lo que tenía que ver con mi ego; fue un flash sobre todo lo falso y precario que tanto me desagradaba."
El segundo tema de George, 'For you blue', otra de las canciones inspiradas por Patti Boyd, se grabó en enero de 1969 en los estudios Apple con John a la slide steel guitar y Paul al piano.
John Lennon
Otro tema de Lennon, uno de sus favoritos,'Across the universe', había sido grabado en febrero de 1968, antes de las sesiones del álbum 'Blanco'. No se usó durante meses hasta que se incluyó en un álbum benéfico de la World Wildlife Fund (a esta edición le añadieron sonidos de animales salvajes en la mezcla) y en 'Let it Be'. Lennon recuerda: "Estaba acostado al lado de mi primera mujer y estaba bastante irritado. Supongo que ella me había dado la lata con algo, luego se había dormido y yo seguía oyendo sus palabras una y otra vez, como si fuera un río sin fin. Bajé las escaleras y aquello se convirtió en una especia de melodía cósmica más que en una canción de cabreo... Me sacó de la cama. Yo no quería escribirla, sólo estaba algo irritado y fui abajo, pero no pude volver a la cama hasta que la acabé. No es mía. Llegó a mí."
Ringo Starr
'Two of us' es uno de los temas que aportó McCartney. La compuso pensando en él mismo y en su mujer, Linda. "Two of us riding nowhere..." Se grabó el 31 de enero de 1969 y George sustituye el bajo tocando notas graves con la guitarra.
Para 'Let it be' se grabaron dos versiones, una para el single y otra para el LP. En la versión single se incluye a Billy Preston al órgano y en la del álbum Harrison cambia de guitarra y el solo es diferente al de la versión en sencillo. John se limita a tocar el bajo, así como en'The long and winding road', que se grabó el 31 de enero. Fue una de las más afectadas por la edulcoración de Phil Spector. La grabación original se realizó en una sola toma. Tres meses después, el productor americano añadió cuerdas, arpa y batería además de un grupo coral.
Completan el álbum dos bromas musicales, 'Dig it', una letanía de nombres de personalidades e instituciones improvisada por Lennon en el estudio sobre un acompañamiento musical igualmente improvisado y acreditado a los cuatro músicos. La interpretación inicial duraba cinco minutos y debía aparecer íntegramente en el álbum. El montaje final fue de 51 segundos. La otra pieza es una versión de una canción tradicional, 'Maggie May', que se grabó espontáneamente entre toma y toma de 'Two of us'. Era una de las canciones que los Beatles usaban en sus primeros tiempos para calentar las voces antes de grabar.
El 17 de abril de 1970 se publicó en Inglaterra el álbum 'McCartney', primer trabajo en solitario de Paul McCartney, que significaba la confirmación oficial y definitiva de un hecho que muchos se negaban a aceptar: la separación de los Beatles. El disco salió a la calle dos semanas antes de que 'Let it Be', el último trabajo 'oficial' (que no cronológico) del cuarteto, viera la luz.
Una semana antes de la aparición de 'McCartney' (también llamado 'el de las cerezas') se filtró una nota de prensa promocional en la que se le hacían tres preguntas a Paul: "¿Está Vd planeando la grabación de nuevo single o álbum con los Beatles?". Respuesta: "No". "¿Es posible que el tándem Lennon/McCartney se vuelva a reunir para componer juntos?". Respuesta: "No". "¿Echa de menos a George Martin? ¿Ha habido algún momento, por ejemplo, en el que dijera: Me gustaría que Ringo estuviera aquí?". Respuesta: "No".
Echar de menos a los Beatles era la última cosa que se le pasaba por la cabeza a Paul. Al contrario, su mente estaba puesta en reivindicar su nuevo status de artista solitario, componiendo, interpretando, grabando y produciendo -él solo- su álbum debut en su casa de St. John's con un Studer de cuatro pistas y un solitario micrófono. Paul toca todos los instrumentos, bajo, batería, guitarra acústica y eléctrica, piano, melotrón, órgano y xilofón. La única persona aparte de él que recibe créditos en el álbum es su esposa Linda, que aporta segundas voces y realizó las fotografías de la familia feliz que ilustran la portada del disco.
Años más tarde, McCartney confesaba que fue el álbum en solitario que más disfrutó: "Linda y yo estábamos recién casados y teníamos un bebé, así que disfrutábamos ese resplandor dorado que te da el primer año de matrimonio". Esa felicidad se reflejaba en canciones como 'The lovely Linda'y 'Maybe I'm amazed', una de sus mejores canciones (que demuestra quien fue el arquitecto del sonido de 'Abbey Road' y que llegaría a ser un hit años después -1977- en su versión en directo del álbum 'Wings over America') y 'Every night'.
También se vio el lado experimental de McCartney que, a antiguos descartes de los Beatles, como 'Teddy Boy'o 'Junk', añadió nuevos instrumentales, como 'Valentine Day', 'Momma Miss America' o 'Hot as sun/Glasses', que fue escrita en 1959 en tiempos de los Quarrymen y otros que parecen más bien piezas inacabadas o garabatos musicales influidos por el cannabis, como 'That would be something','Oo You' y 'Kreen-Akrore', en la que nos demuestra su soltura con las baquetas. En 'Man we was lonely' se oyen muestras de lo que está por venir ('Another day' y 'Ram').
Los fans respondieron y 'McCartney' alcanzó el nº1 de las listas americanas en su tercera semana de publicación, aunque no hubo single de presentación. A pesar de que -ironías del destino- 'Let it be', con su discutida mezcla de Phil Spector le arrebató el nº1 tras otras tres semanas de permanencia, 'McCartney' consiguió lo que Paul había pretendido: consolidar al ex-Beatle como artista en solitario.
El 11 de marzo de 1970 se publicó en Estados Unidos bajo el sello de Atlantic Records, 'Déjà Vu', el segundo álbum del trío Crosby Stills & Nash, a los que se añadió Neil Young para la ocasión. Fue una de las secuelas más esperadas de la historia del rock, que no defraudó a nadie y alcanzó fácilmente el nº1 de las listas Billboard y el nº5 en el Reino Unido.
Young, Nash, Crosby y Stills en 1970
Era el segundo grupo de todos ellos y su segundo LP juntos, para el que los estadounidenses David Crosby (ex-Byrds), Stephen Stills (ex-Buffalo Springfield), y el británico Graham Nash (ex-Hollies) contaron con la ayuda del canadiense Neil Young (ex-Buffalo Springfield). La expectación causada tras las buenas sensaciones desplegadas en su primer trabajo, 'Crosby, Stills & Nash' (1969) y en su primera actuación en directo como grupo en el Festival de Woodstock, hizo que se emplearan a fondo con la producción.
El cuarteto con Taylor y Reeves
La base rítmica la componían Dallas Taylor a la batería y Greg Reeves al bajo, ambos procedentes de la factoría Motown, cuyos nombres también aparecían en la portada, aunque con letras más pequeñas. Necesitaron casi 800 horas para grabar 'Déjà Vu', y no lo hicieron en las condiciones más propicias. Graham Nash recordaba: "Durante la grabación de nuestro primer álbum estábamos enamorados unos de otros. Estábamos enamorados de la música y de maravillosas, divertidas, bellas y únicas mujeres. Stephen de Judy Collins, yo mismo de Joni Mitchell y David de Christine Hinton. Cuando comenzamos a grabar 'Deja Vu', yo había roto con Joni, Stephen hizo lo mismo con Judy Collins y Christine murió en un accidente de tráfico. Fueron momentos difíciles para todos y fue un álbum más oscuro que el anterior pero el trabajo y las grabaciones nos ayudaron a sobrellevar nuestras desgracias personales."
David Crosby
El que peor lo llevó fue Crosby. La muerte repentina de Christine le hizo muy difícil continuar y David se refugió en la heroína. "Tuve muchos problemas para entrar en el estudio cada día. A veces rompía a llorar, incapaz de cantar una nota. Los demás me ayudaron a seguir adelante." Aún así, las discusiones entre los músicos eran constantes y la coca y el alcohol corrieron a raudales durante las sesiones de grabación. Young se ausentaba muy a menudo (de hecho no aparece en todos los temas) y Nash, con su flema británica, trataba de poner paz en todo ese caos.
Exceptuando 'Woodstock', todos los temas fueron grabados como sesiones individuales por cada miembro, con los demás contribuyendo con lo que hiciera falta. A pesar de todo ello, les salió una verdadera obra maestra, un disco con unas letras magníficas que capta como pocos el espíritu de la costa Oeste californiana de principios de los 70.
Nash y Joni Mitchell
'Carry On' (que les llevó más de 100 horas de grabación) es un tema de Stills en el que se perciben sus aires de bluesman, confirmados en '4+20', precursor del material que el guitarrista exploraría en su álbum en solitario. En 'Our house' y 'Teach your children', (ésta última con un delicioso solo de steel guitar a cargo de Jerry García, y ambas publicadas en single) Nash hace valer su don único para las melodías simples y pegadizas. La primera hace referencia a la vida confortable y hogareña que llevó durante su breve relación con Joni Mitchell y en la segunda se refleja la filosofía hippie que Nash, consecuentemente ha seguido practicando durante toda su vida.
I'll light the fire
You put the flowers in the vase
That you bought today.
Staring at the fire
For hours and hours
While I listen to you
Play your love songs
All night long for me
Only for me
Encenderé el fuego
Tú pones las flores en el jarrón
que compraste hoy.
Mirando hacia el fuego
horas y horas
mientras te escucho
cantar tus canciones de amor
durante toda la noche para mí
Sólo para mí
'Almost cut my hair', muestra a un Crosby que carga contra los autoritarismos dejándose la garganta en el intento. Fue grabada en vivo en el estudio y en él se desprende una paranoia típica de la época hippie, parecida a la mostrada en 'Drug store truck drivin' man' de los Byrds, sólo que con una textura y atmósfera más enfadadas.
Almost cut my hair
Happened just the other day
It's gettin' kind of long
I could've said it was in my way
But I didn't and I wonder why
I feel like letting my freak flag fly
And I feel like I owe it, yeah ... to someone, yeah
Casi me corté el pelo
Me ocurrió el otro día
Está algo largo
Y pude haber decidido que le llegó la hora
Pero no lo hice y me pregunto porqué
Siento que dejaré ondeando my estandarte de freak
Y siento como si se lo debiera, sí... a alguien, sí
El otro tema de Crosby, 'Déjà vu', que dio título al álbum, se llevó otras 100 horas de grabación y era sucesor de trabajos experimentales de su carrera con los Byrds en los que mostraba su relativo abandono por ritmo o medida, en favor de envolver al oyente con tonos y atmósferas.
'Helpless', con su simple cadencia de acordes (re-la-sol) que se repiten durante todo el tema, es una extraña mezcla de grandeza y frugalidad que refleja perfectamente la pasión de Young por los paisajes de su Canadá natal. El tema ya lo había tocado con Crazy Horse antes de unirse al CS&N y tardaron bastante en ponerse de acuerdo en qué tratamiento darle para 'Deja Vu'. Se grabaron varias versiones hasta que se decidieron por la versión lenta y arrastrada que apareció en el álbum. Junto con los temas de Nash, fue el tema más popular del álbum.
En 'Country girl' consigue una pieza asombrosa y panorámica, en la que la ambición de los arreglos, remite a trabajos anteriores del Young como 'Down by the river' o 'Southern Man'.
Joni Mitchell no asistió al Festival de Woodstock porque su mánager le recomendó acudir en su lugar a un especial de TV de Dick Cavett. Cuando Nash volvió de su legendaria actuación en el evento, le contó su experiencia a su entonces compañera sentimental. Con el relato de Nash e imágenes en directo que vio por TV en su hotel, Joni compuso el tema'Woodstock', que según Crosby: "capturó el sentido y la importancia del Festival mejor que cualquiera de los que estuvimos allí". Joni publicó su versión ese mismo mes en su tercer álbum 'Ladies of the Canyon'. Cierra el álbum 'Everybody I love you' otro himno hippie, compuesto por Stills y Young y que suponía un regalo para todos los fans de Buffalo Springfield.
'Déjà Vu' fue indiscutiblemente el mejor trabajo del cuarteto. Recibió títulos como 'la banda sonora de la generación Woodstock' o 'hito de la música popular'. Poco después de publicarse, CSN&Y grabaron el single 'Ohio', compuesto por Young en respuesta a la masacre de la Universidad Estatal de Kent, sucedida en mayo de 1970, en la que cuatro estudiantes fueron asesinados por la Guardia Nacional durante una protesta pacífica. En la cara B se publicó 'Find the cost of freedom', un tema de Stills, que también se convirtió en un himno de protesta contra la guerra de Vietnam.
Los cuatro músicos aprovecharon el gran éxito obtenido por 'Déjà Vu' realizando una exitosa gira recogida en el doble álbum 'Four Way Street' y grabando sus respectivos trabajos en solitario, todos ellos con una gran aceptación.
David Crosby : guitarra, voces
Stephen Stills : guitarra, bajo, teclados, voces
Graham Nash: guitarra, teclados, voces
Neil Young: guitarra, teclados, armónica, voces
Neil Young, Stephen Stills, Greg Reeves, Graham Nash, David Crosby y Dallas Taylor
Dallas Taylor: batería y percusión
Greg Reeves: bajo
Jerry Garcia: pedal steel guitar en 'Teach your children'
En el álbum Lennon grabó una serie de canciones que harían caer el telón sobre los 60 y sobre sus treinta años de vida pasada con temas muy personales como el abandono de sus padres en 'Mother' o la escasa calidad de vida de las clases obreras en 'Working class hero'. En 'I found out' y en 'God' declara su escepticismo por los 60 y por todos los ideales e 'ismos' que generó la década. ("Ya tengo bastante de religión, desde Jesús hasta Paul" o "Ya no creo en los Beatles, sólo creo en mí y en Yoko").
A pesar de la rabia y amargura que destilan sus canciones, le quedó suficiente optimismo y ternura para canciones como 'Hold on' y 'Love'. Un álbum crudo en arreglos e intenciones que significó un auténtico desahogo emocional de John. Escuchado con atención, el álbum revela las fuentas en las que bebieron gente como Lenny Kravitz, Joe Strummer o John Lydon.
