Gil Evans

El 13 de mayo de 1912 nació en Toronto el pianista, arreglista, compositor y director de banda Gil Evans. Activo en Estdos Unidos, tuvo un papel destacado en el desarrollo del cool, el modal jazz, el free jazz y el jazz-rock, además de colaborar con Miles Davis en álbumes fundamentales de la historia del jazz. Desarrolló un gran interés por el rock y trabajó en la última etapa de su vida con grandes nombres del género como Police, Sting, Style Council y David Bowie.

Aunque nacido en Canadá, pasó su juventud en California y a partir de 1946 vivió y trabajó principalmente en Nueva York. Había estado trabajando como arreglista en la banda de Claude Thornhill y en su modesto apartamento neoyorquino organizaba encuentros con diversos músicos que pretendían buscar nuevas formas de desarrollo del jazz fuera del bebop, estilo dominante en aquellos días. En 1948 Evans colaboró con Gerry Mulligan y Miles Davis en la creación de un noneto, mayor que los combos habituales de trío a quinteto, y menor que una big band, las cuales se habían vuelto económicamente inviables. Este noneto grabó doce piezas entre 1949 y 1950 que se recogerían en un álbum de 1957 bajo el título 'Birth of the Cool'.

Gil Evans y Miles Davis

Seguidamente, Gil Evans desapareció de la escena del jazz hasta mediados de los años cincuenta, cuando la cantante Helen Merrill insistió en que fuese él quien se encargara en 1956 de los arreglos de su álbum para Emarcy 'Dream of You'.  Sus colaboraciones más celebradas fueron de nuevo con Miles Davis, para quien compuso y arregló temas en álbumes ya clásicos como 'Miles Ahead', 'Porgy and Bess' y 'Sketches of Spain'.

Su propia producción fue relativamente pequeña, pero su influencia mucho mayor. Su gran don arreglando (o más acertadamente, 'recomponiendo') la música de otros se mostraba en sus características manipulaciones del timbre, el color, la textura y la forma. A partir de 1957 publicó discos bajo su nombre como 'Gil Evans & Ten' (1957), 'New Bottle Old Wine' (1958), 'Great Jazz Standards' (1959), 'Out of the Cool' (1961) y 'The Individualism of Gil Evans' (1964).

En los años setenta, siguiendo el ejemplo de Davis, Evans manejó los idiomas musicales del free jazz y jazz rock, ganando nuevas generaciones de admiradores. Tuvo un particular interés en el rock, y concretamente, en la obra de Jimi Hendrix y una prevista colaboración, presentando a Jimi frente a una big band dirigida por Evans, no se pudo llevar a cabo debido a la muerte del guitarrista. En 1974 publicó un álbum con sus propios arreglos de la música de Hendrix, 'Plays the Music of Jimi Hendrix'.

En 1986, Evans produjo y arregló la banda sonora del film basado en la obra de Colin MacIness 'Absolute Beginners', por lo que trabajó con artistas como Sade Addu, Style Council, Smiley Culture y David Bowie.  Un año antes de su muerte en marzo de 1988 a los 75 años, grabó junto a Sting un CD en vivo, 'Last Session', interpretando entre otras, canciones de Police con arreglos de big band.

Ritchie Valens

El 13 de mayo de 1941 nació en Pacoima (California) el cantante y guitarrista de origen mexicano Ritchie Valens, nacido Ricardo Valenzuela, uno de los 'padres del rock and roll' y pionero del 'rock chicano' que, a pesar de ser educado por unos padres que se integraron plenamente en el 'american way of life' de los años cincuenta, nunca olvidaron sus raíces mexicanas.

Desde bien pequeño Valens estuvo rodeado de folklore mexicano, pero al mismo tiempo absorbió los sonidos que emitían las piezas de jump blues y R&B que escuchaba en las radios. Tras su primera y única audición con sólo 16 años, fue contratado por Del-Fi Records en mayo de 1958. En pocos meses Valens grabó hits como 'Donna', 'Come on, let's go', 'We belong together' y, por supuesto, 'La Bamba', que se convirtió en su canción emblemática.

Años después, serviría de inspiración a músicos como Los Lobos, Carlos Santana y los Lonely Boys. Pero cuando aún no había transcurrido un año desde la firma del contrato, desapareció en una de las grandes tragedias del rock el 3 de febrero de 1959 a los diecisiete años. Ese día de invierno -"el día en que murió la música"- Ritchie murió en el accidente de avioneta sucedido en Iowa que se llevó las vidas de Big Bopper y Buddy Holly.

La vida de Valens ha sido retratada en varios biopics, como el film de 1987 'La Bamba', en la que Los Lobos aportaron la banda sonora. La acción transcurre entre los años 1957-59 y Ritchie es interpretado por el actor Lou Diamond Phillips. En 'The Buddy Holly Story' (1978) aparece encarnado por Gilbert Meglar, quien repitió papel en 'The Day the Music Died' (2010).

'San Francisco' y 'Massachusetts'

El 13 de mayo de 1967 se publicó en EEUU el single del cantante Scott McKenzie 'San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair)'. En junio ya era Top5 en EEUU y nº1 en numerosos países europeos, donde la palabra 'San Francisco' empezó a entenderse como un símbolo de libertad. Vendió más de siete millones de copias.

Canciones con historia: 

'San Francisco'

Monterey es una pequeña ciudad cercana a San Francisco que en la primavera de 1967 tiene un dilema. Está a punto de celebrarse en ella un Festival Pop y no sólo The Mamas & The Papas, Simon & Garfunkel y Grateful Dead, entre otros artistas, han confirmado su asistencia: cientos de miles de hippies de todo el país también. Las autoridades de la ciudad temen por la seguridad y bienestar de sus ciudadanos e instan a John Phillips, organizador del evento, a tomar las medidas pertinentes.

The Mamas & The Papas

Phillips, que además es músico y miembro del grupo abanderado del flower power The Mamas & The Papas, no se lo piensa dos veces. En escasa media hora tiene lista una canción 'publicitaria' del festival, en la que llama a la paz y armonía entre sus asistentes. El nombre de Monterey no es citado ni una sola vez. La idea es que los hippies se dirijan a la vecina y cosmopolita San Francisco y se acerquen por Monterey únicamente para asistir a los conciertos. Las autoridades de la pequeña ciudad parecen satisfechos, pero para que el plan funcione, hay que grabar y publicar la canción inmediatamente para desviar 'las hordas de melenudos' hacia San Francisco.

Scott McKenzie

Phillips, demasiado ocupado en la organización del Festival y algo 'disperso' por la ingestión de tripis, no se encuentra en las mejores condiciones y le pide a su viejo amigo Scott McKenzie que le saque del apuro. Además, Scott, que siempre iba descalzo y con flores en el pelo, era el intérprete perfecto para su canción.  Ensayaron la canción una tarde, al día siguiente se grabó y se puso a la venta cuatro días después. "E igual de rápido se convirtió en un hit internacional", recordaba Phillips, "Scott no había grabado nunca y en una semana era conocido en todo el mundo, el 'Gran Guru' del Flower Power" , y añadía entre risas:  "Nunca me perdonó por aquello." Así nació el himno de toda una generación:

If you're going to San Francisco
Be sure to wear some flowers in your hair
If you're going to San Francisco
You're gonna meet some gentle people there

For those who come to San Francisco
Summertime will be a love-in there
In the streets of San Francisco
Gentle people with flowers in their hair
All across the nation, such a strange vibration
People in motion
There's a whole generation with a new explanation
People in motion, people in motion

For those who come to San Francisco
Be sure to wear some flowers in their hair
If you come to San Francisco
Summertime will be a love-in there
If you come to San Francisco
Summertime will be a loving day

Si vas a San Francisco
Asegúrate de llevar flores en tu cabello
Si vas a San Francisco
Vas a conocer a gente muy amable ahí

Para todos aquellos que vengan a San Francisco
El verano será una celebración del amor
En las calles de San Francisco
Gente amable con flores en su cabello
A través de toda la nación
Hay una curiosa vibración
Gente en movimiento
Toda una generación
Con una nueva explicación
Gente en movimiento, gente en movimiento...

Para todos aquellos que vengáis a San Francisco
Aseguráos de llevar flores en vuestro cabello
Si venís a San Francisco
El verano será una celebración del amor.


-x-x-x-x-x-x-

'Massachusetts'

Durante el 'verano del amor', en Estados Unidos el que no quería estar fuera de onda, caminaba descalzo, con flores en el pelo y practicaba (o soñaba) con el amor libre. McKenzie los había convocado con su 'San Francisco' al festival de Monterey y los hippies de los estados de Nueva Inglaterra acudían a la llamada como ratas de Hamelín. Una gran caravana de jóvenes ciudadanos del este de EEUU con grandes expectativas realizan aquel verano el peregrinaje a la tierra prometida a orillas del Pacífico.

Los Bee Gees en 1968

Pero hay tres músicos británicos, que en su adolescencia emigraron a las islas desde Australia, que no participan del mismo entusiasmo. Están de gira por primera vez en Estados Unidos como los Bee Gees y mientras están sentados en el salón de la recepción del hotel St. Regis de Nueva York, se quejan del repentino 'jaleo de las flores' que invade Norteamérica. Sobre todo, la canción de McKenzie que les atormenta desde prácticamente todas las emisoras de radio, es el objeto de su mayor aversión. Los hermanos Gibb deciden tomar pluma y papel y escribir una canción anti-San Francisco; un himno anti-flower power. A través de él, Maurice, Robin y Barry hacen un llamamiento a los hijos de las familias burguesas del Este para que vuelvan a casa, allí donde pertenecen, antes de que las luces del hogar se apaguen defnitivamente. Volver a 'Massachusetts', nombre que, por cierto, los Bee Gees no eligieron porque conocieran el estado o hubieran estado allí, sino porque "sonaba muy bien..." 

Feel i'm goin' back to Massachusetts,
Something's telling me I must go home.
And the lights all went out in Massachusetts
The day I left her standing on her own.

Tried to hitch a ride to San Francisco,
Gotta do the things I wanna do.
And the lights all went out in Massachusetts
They brought me back to see my way with you.

Talk about the life in Massachusetts,
Speak about the people I have seen,
And the lights all went out in Massachusetts
And Massachusetts is one place I have seen.

I will remember Massachusetts...

Siento que he de volver a Massachusetts,
Algo me dice tengo que regresar a casa.
Y todas las luces se apagaron en Massachusetts
El día que la dejé sola, por su cuenta.

Intenté enganchar un viaje a San Francisco,
Tengo que hacer las cosas que me apetecen.
Y todas las luces se apagaron en Massachusetts
Me trajeron de vuelta para descubrir mi camino junto a tí.

Habla sobre la vida en Massachusetts,
Habla sobre la gente que he visto,
Y todas las luces se apagaron en Massachusetts
Y Massachusetts, es un lugar que he visto.

Me acordaré de Massachusetts ...

Mary Wells

El 13 de mayo de 1943 nació en Detroit (Michigan) la cantante de R&B norteamericana Mary Wells cuya voz se adaptó formidablemente al sonido Motown (la llamaban la 'reina de Motown') con los primeros éxitos del sello como 'My guy' en 1964, su único nº1, que pasó a la historia americana del pop por ser el tema que rompió la racha de catorce semanas seguidas en las que los Beatles se habían instalado en el nº1 de las listas de EEUU.

Tras grabar algunos hits menores como 'What's the matter with you, baby?' o 'Use your head', Wells dejó Motown en 1965, y aunque siguió grabando temas como 'Dear lover' o 'The doctor', se retiró por completo en 1974. En los años 80 pretendió volver al mundo del espectáculo y publicó en 1981 el single 'Gigolo' que fue top5 en las listas disco, pero en 1990 sufrió un cáncer de laringe, cuyo tratamiento la dejó arruinada. Afortunadamente fans y amigos como Diana Ross, Mary Wilson, Martha Reeves, Bruce Springsteen, Rod Stewart y muchos más donaron el dinero necesario para sufragar los gastos clínicos de Wells. Murió en julio de 1992 a los 49 años.

Gabriel Fauré

El 12 de mayo de 1845 nació en Pamiers Ariège (Francia), el compositor, pedagogo y organista Gabriel Fauré, uno de los músicos franceses más importantes de su generación, cuyo estilo musical influyó a muchos compositores del siglo XX. Su estilo destaca por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.

Cursó estudios de música en la École Niedermeyer de París con el compositor Camille Saint-Säens. A partir de 1866 hasta 1905 trabajó como organista de varias iglesias, entre ellas las de St. Sulpice y la Madeleine, en París. En 1896 comenzó a ejercer como profesor de composición en el conservatorio de París, y entre 1905 y 1920, se hizo cargo de la dirección. Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin, Florent Schmitt, Nadia Boulanger o el rumano George Enesco. En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director del conservatorio.

En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró debido a su creciente sordera y a su debilidad física. Ese mismo año, obtuvo la Gran Cruz de la Legión de Honor, un reconocimiento rara vez concedido a un músico. En 1922 se le rindió públicamente un homenaje nacional, «una espléndida celebración en La Sorbona, en donde participaron los más ilustres artistas franceses, lo cual le dio mucha alegría. Se trató de un espectáculo conmovedor: el de un hombre presente en un concierto de su propio trabajo e incapaz de escuchar una sola nota. Se quedaba mirando pensativo, y, a pesar de todo, mostraba agradecimiento y satisfacción». Ese mismo año fue invitado a los Grémys celebrados en Villa Frya, donde le confió a su esposa Marie sentir que vivía la «vida de un perezoso». 

Su esposa, Marie Fremiet

Asimismo, en esta época se publicó una nota por el Excelsior titulada 'Mon père' donde el propio Fauré recordaba cómo se adentró en el mundo de la música: “Fue sorprendente descubrir mis tendencias hacia la música puesto que nadie de mi familia era en sí un músico. El talento se mostró ante mí cuando apenas tenía diez años, y en una etapa tan temprana no significaba una preocupación sobre cualquier efecto posible en mi futuro. Tiempo después quizá surgieron dudas sobre la elección de la música como carrera. De cualquier forma, mi padre se encontraba indeciso —yo era el sexto de sus hijos— y él no podría permitirse el lujo de tomar riesgos”.

En sus últimos años Fauré estuvo delicado de salud, en parte por su tabaquismo. Aún así, mostró disposición para ayudar a jóvenes compositores, entre ellos algunos miembros de Les Six, que eran sus seguidores. Respecto a esta etapa de su vida, Nectoux describe: «En su vejez logró una cierta serenidad, sin perder en lo absoluto su vitalidad espiritual notable, aunque apartada del sensualismo y la pasión de los trabajos que escribió entre 1875 y 1895». De igual forma, sostuvo que su humor decrecía notablemente, como si estuviese adoptando un poco el estilo melódico de Wagner.

Sabía que pronto moriría, por lo que en una carta hacia su esposa escrita en octubre de 1924 Fauré concluía diciendo: "Cuando regrese a París, pasaré un pequeño tiempo de cada día dándote cada uno de mis bocetos, borradores y todo lo sobrante que, tras mi muerte, no quiero que sobrevivan, así que puedes quemarlo todo. Mientras he estado enfermo, me he dado cuenta que es algo que de verdad necesito hacer. Así que ayúdame a realizarlo." Fauré murió en París a causa de una neumonía el 4 de noviembre de 1924 a sus 79 años de edad. Tuvo un funeral de Estado en la Iglesia de la Madeleine y su cuerpo se sepultó en el cementerio de Passy en París. Cabe señalarse que su obra “Cuarteto de cuerdas” Op. 121, se interpretó de manera póstuma en 1925.

Obras destacables:

Música incidental:
- “Siciliene” (The Philadelphia Orchestra & Eugene Ormandy)
- “Pelléas et Mélisande”, Op. 80 (Sir Simon Rattle, & Berliner Philharmoniker) compuesta para la producción londinense de la pieza de teatro homónima de Maeterlinck, cuyos movimientos son: 1. Prélude - Quasi adagio 2. Fileuse (Hilandera) - Andantino quasi allegretto, 3. Chanson de Mélisande  4. Siciliene - Allegretto molto moderato  (L'Orchestre de la Suisse Romande & Ernest Ansermet
5. La Mort de Mélisande - Molto adagio (The New Philharmonia Orchestra)
- Ópera 'Penélope' en 1913 (Coro Nacional de Francia).

Música orquestal
La nostálgica “Pavane” Op. 50 (1887) es una obra de orquesta y coro compuesta en 1887. Posee un ritmo procesional lento ya que proviene de una danza cortesana española del siglo XVI  (New Philharmonia Orchestra & Sir David Willcocks). La pavana es una danza profesional común en Europa durante el siglo XVI. El origen del nombre tiene varias opciones:
- Del italiano, "padovano" (de la ciudad de Padua ).
- Del sánscrito, que significa "viento" .
- o también, rememorando los movimientos elegantes del pavo, en alusión al estilo de la danza.
(“Pavana para una infanta difunta” es una pieza para piano solo, escrita por el compositor francés Maurice Ravel pero fue compuesta en 1899 cuando Ravel estudiaba composición en el Conservatorio de París con Gabriel Fauré).
“Pavana de Fauré” en versiones posteriores:
- Bill Evans Trio con orquesta sinfónica
- Ian Anderson, Jethro Tull y Nueva Filarmónica de Frankfurt

Música para instrumentos solos y orquesta:
- “Ballade” para piano y orquesta (1881) (Mateusz Kurcab - piano & Zygmunt Nitkiewicz - director)
- “Berceuse” para violín solo (Benjamin Boursier & Nadya Grytsyuk)

- “Elégie” para violonchelo solo (1883) in Do menor op. 24, (Jacqueline du Pré, cello & Gerald Moore, piano).
- El dueto para piano “Dolly Suite”: Parte 1, Parte 2 (Walter & Beatriz Klein) que fue arreglado para orquesta en el año 1906 por Henri Rabaud.

Vocal
Fauré es un compositor de gran importancia, que capturó en sus arreglos el espíritu característico de su época: el humor de un anhelo nostálgico por lo inalcanzable. Algunas de las canciones, tales como “Après un rêve” (Después de un sueño), (Daniela De Carli mezzo-soprano & Miroslav Georgiev piano), compuesta en 1877 sobre un poema de su amigo, el poeta y profesor de canto Romain Bussine, quien a su vez realizó la transcripción de un antiguo poema toscano anónimo, han alcanzado una inmensa popularidad en el ámbito instrumental. Además de las hermosas canciones individuales, de gran belleza, como:
- “Clair de lune” (Janet Baker, mezzo-soprano),

- “Les roses d’Ispahan”  (Soprano: Elly Ameling & Piano: Dalton Baldwin)
- “En prière”
- “L´automne” (Philippe Jaroussky & Nathalie Stutzmann) y
- “Cinq mélodies de Venise”  (Emily Duncan-Brown & Angel Cabrera),
Los ciclos de canciones 'La bonne chanson' con textos de Paul Verlaine (1891-1892) y 'L'horizon chimérique' (1922).

Emma Bardac

Entre 1892 y 1894 fue cuando Gabriel Fauré hizo los arreglos musicales de los nueve poemas de Paul Verlaine. Por esas inescrutables ironías de la vida Fauré realizó su trabajo musical hondamente enamorado de Emma Bardac. Pero Emma no se casó con Gabriel Fauré. ¡Lo hizo con Claude Debussy!.
La obra escrita inicialmente para tenor y piano, cuyos títulos son:
1. Une sainte en son auréole
2. Puisque l'aube grandit
3. La lune blanche luit dans les bois
4. J'allais par des chemins perfides
5. J'ai presque peur, en vérité
6. Avant que tu ne t'en ailles
7. Donc, ce sera par un clair jour d'été
8. N'est-ce pas?
9. L'hiver a cessé  (Laurent Naouri & David Abramovitz , piano)
Destaca entre los nueve, “La lune blanche luit dans les bois”:

La lune blanche

Luit dans les bois.

De chaque branche

part une voix

sous la ramée.

O bien aimé[e]...

L'étang reflète

profond miroir

La silhouette

du saule noir

où le vent

pleure. Rêvons

c'est l'heure.

Un vaste et tendre

apaisement

semble descendre

du firmament

que l'astre irise. C'est l'heure exquise!

 

La luna blanca/ luce en el bosque/ De cada tallo/ parte una voz /sobre la rama. Oh, bien amada...
El estanque refleja/ profundo espejo/ La silueta/ del sauce negro/ donde el viento llora. Soñemos; es la hora.
Una vasta y tierna/ tranquilidad/parece descender/del cielo /que el astro irisa. Es la hora exquisita!

Música eclesiástica
El Réquiem de Fauré Requiem Opus 48 es una obra placentera por sus dulces, serenas y hermosas melodías que permanece como uno de los elementos típicos en el repertorio coral, con sus arreglos de ritos funerarios, diferenciándose de los tradicionales Requiems para misas. Esta composición sacra se inserta dentro de la corriente del impresionismo por la riqueza orquestal de sus timbres y el empleo de algunas disonancias que crean una atmósfera brumosa y delicada. Se estrenó el 21 de enero del año 1893 en la iglesia de Madeleine en París.
- Requiem Opus 48  (Paavo Jarvi, director; Chen Reiss soprano; Matthias Coerne baritono & Orchestre de Paris)

Música de cámara
Entre la música de cámara de Fauré encontramos dos finas sonatas para violín, un trío de piano y un cuarteto de cuerdas, que datan todos de la época de los últimos años de vida del compositor y varias pequeñas piezas evocadoras:
- “Romance” Opus 28
- “Sonata para violín y piano” (Lola Bobesco violín & Jacques Genty, piano)
- Sonata pata chelo solo (M.Gendron)
- Sonata para violín y piano . (Jean-Marc Kérisit, violin - Brice Martin, piano)
- Cuarteto para piano y cuerdas Nº 2 Opus 45 (Piano: Michel Wagemans, Violín: Joaquín Palomares, Viola: Paul Cortese, Cello: Marçal Cervera)

Música para piano
Fauré realizó un aporte importante al repertorio del piano, particularmente en una serie de 13 Barcaroles Bacarole Nº 3 en sol bemol mayor, Op. 42 (Marc-Andre Hamelin, piano) y un número similar de Nocturnos “Nocturno Nº 1” (Kun Woo Paik); “Nocturno nº 6” (Samson François), con cinco Impromptus y una única balada (Samson François).

Ian Dury

El 12 de mayo de 1942 nació en Harrow, Middlesex (Inglaterra) el actor y cantante de rock & roll Ian Dury. Al frente de su grupo los Blockheads apareció a finales de los setenta en la escena del pop británico cuando reinaban la nueva ola y el punk. Dury -que sufría de secuelas de la polio que contrajo con siete años- cautivó al público con sus letras cáusticas, llenas de juegos de palabras y rebosantes de humor negro.

Ian en 1947

Tras pasar dos años ingresado en un hospital recuperándose de la polio, Dury asistió a una escuela para discapacitados varios años hasta que a los dieciséis años, la dejó para ingresar en el Royal College of Art. Se graduó en 1967 y seguidamente trabajó en el Canterbury Art College dando clases de dibujo y pintura. Por aquel tiempo Dury comenzó a escribir canciones. En 1971, con 28 años, forma su primera banda, Kilburn and the High Roads, con los que interpretaba rock and roll de los años cincuenta por el circuito de los pubs londinenses. Durante los tres años que siguieron, el grupo se convirtió en uno de los favoritos del público y Dury ya empezaba a mostrar su talento para escribir letras en temas como 'Billy Bentley' y 'Upminster kids'.

En 1973 el éxito de la banda permite a Ian renunciar a su trabajo como profesor y uno de los numerosos fans de Kilburn and the High Roads, el crítico británico Charlie Gillett se convierte en su mánager y les consigue un contrato discográfico con el sello subsidiario de Warner, Raft Records. El álbum que Dury presenta para publicar es rechazado por el sello y el grupo decide firmar con Dawn, asociado a Pye Records, que sí accede a publicar el álbum, el cual aparece en 1975 bajo el nombre de 'Handsome'. Sin embargo, para entonces, el pub-rock se encontraba en declive y el disco pasó desapercibido, lo que llevó a la disolución de la banda al final de ese mismo año.

El guitarrista Keith Lucas formaría a continuación el grupo 999, mientras que Dury continuó en solitario componiendo material nuevo con la ayuda del teclista y guitarrista Chaz Jankel que imprimió al rock crudo de Dury unos arreglos más ligeros y orientados hacia el jazz. Ian convocó a músicos veteranos de las escena pub-rock para formar una nueva banda y en 1977 firma contrato con el sello independiente Stiff Records. En él publica el single debut de la nueva banda llamada Ian Dury and the Blockheads, 'Sex & & Rock & Roll', una frase definitiva y definitoria sobre lo que se supone el estilo de vida de una estrella del rock.

El tema se incluyó en el primer álbum de Dury y sus Blockheads, 'New Boots and Panties' que con temas como 'Wake up and make love to me', 'Billericay Dickie', 'Plaistow Patricia' y 'Sweet Gene Vincent' fue disco de oro y top5 en las listas británicas. Para entonces el grupo había crecido con la inclusión del teclista Mickey Gallagher y el guitarrista John Turnball.

Lo intentaron en Estados Unidos, pero alli Dury y sus temas resultaban incomprensibles y 'demasiado británicos'. La pésima distribución de su disco en Norteamérica hizo el resto para que Dury no pasara de tener un seguimiento de culto en USA. En el Reino Unido sin embargo, logró en abril de 1978 colocar su primer top10 en las listas con el tema 'What a waste', al que siguió en diciembre un éxito mayor, 'Hit me with your rhythm stick' que fue nº1 durante dos semanas y vendió más de un millón de copias.

Ian Dury and the Blockheads

En 1979 se publicó el segundo álbum 'Do It Yourself' y tras la gira de promoción, Chas Jankel dejó la formación para establecerse en Estados Unidos. Fue reemplazado por el ex-guitarrista de Dr. Feelgood, Wilko Johnson y el siguiente single de la banda, 'Reasons to be cheerful' fue top10. En noviembre de 1980 apareció 'Laughter', su último trabajo para Stiff Records y el último con los Blockheads hasta 1998. La falta de Jankel, que hasta entonces había sido la inspiración musical para las letras de Dury, fue una baja sensible y el álbum no superó el top40. Tampoco el single que se extrajo, 'Sueperman's big sister' pasó del puesto 51.

Firmó con la multinacional Polydor y publicó el single 'Spasticus Austicus', un tema que compuso para 'El año internacional del discapacitado', una causa a la dedicó mucho esfuerzo aquel año. En las emisoras británicas no entendieron el humor negro de Dury y lo calificaron de mal gusto, vetándolo en la BBC. En Polydor le sugirieron volver a trabajar con Jankel y ante el regocijo de sus fans, ambos grabaron un nuevo álbum con la sección de ritmo formada por Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, 'Lord Upminster' publicado en octubre de 1981. A pesar de las buenas críticas no superó el top50. Tras este fracaso, Dury solo haría breves y esporádicos retornos a los estudios de grabación. En 1984 publicó el álbum '4,000 Weeks Holiday', acreditado a Ian Dury and The Music Students y su último hit significativo fue 'Profoundly in love with Pandora', compuesto y grabado con Jankel que alcanzó el puesto 45 de la lista de singles británicos.

Con Walter Matthau en 'Pirates'

Al final de la década Dury volvió a sus orígenes, la pintura y apareció en numerosas producciones para TV, en algunas de ellas con el papel protagonista. Debutó en el cine en 1985, en el film 'Number One', al que siguieron otros papeles en películas como 'El cocinero, el ladrón, su mujer y su amente' de Greenaway, 'Pirates' de Polanski y 'Juez Dredd' de Danny Cannon. También fue autor de musicales, como 'Apples' (1989), coescrito con Mickey Gallggher y fue junto con Robbie Williams embajador de UNICEF, viajando a países del tercer mundo para promocionar la vacuna contra la polio.

En 1990 reformó inesperadamente los Blockheads para tocar en varios conciertos benéficos organizados en memoria de Charley Charles, baterista original de la banda, que había fallecido víctima del cáncer. La respuesta a los shows fue tan positiva que siguieron aceptando ofertas para tocar y Dury volvió a trabajar con Jankel. El resultado fue el álbum 'The Bus Driver's Payer and Other Stories' publicado en 1992, su primera entrega discográfica en casi diez años. Acogido por la crítica como su mejor trabajo desde 'Do It Yourself', en su grabación participaron varios de los Blockheads originales como Jankel, Gallagher, Turnbull y el saxofonista Davey Payne.

En 1996 se le diagnosticó cáncer terminal de colon, lo que no arredró a Dury, acostumbrado desde niño a vivir con limitaciones. Se casó con la escultora Sophie Tilson, con quien tuvo dos hijos y grabó un nuevo álbum, 'Mr. Love Pants', publicado en 1998. A pesar de que su salud se deterioraba día a día, realizó la gira de promoción del álbum y tuvo tiempo para acompañar a Robbie Williams como embajador de UNICEF en Sri Lanka para fomentar la vacuna contra la polio. En 1999 comenzó a grabar material para un nuevo álbum con los Blockheads, pero Dury murió en su casa en marzo de 2000 antes de que las grabaciones vieran la luz.
En 2010 se estrenó en el Reino Unido un biopic, 'Sex & Drugs & Rock & Roll', dirigido por Matt Whitecross y con Andy Serkis en el papel de Dury.