Curtis Mayfield

El 3 de junio de 1942 nació en Chicago el cantante, multi-instrumentista, compositor y productor estadounidense Curtis Mayfield, un músico pionero del soul y el funk que fue además uno de los portavoces de los derechos humanos en la década de los sesenta.

Comenzó su carrera en los años sesenta al frente de los Impressions, grupo que logró gran popularidad gracias a temas escritos por Mayfield como 'It's all right', 'People get ready', 'Keep on pushig' y 'We're a winner', canciones que en su voz se convirtieron en himnos de la población afroamericana. Curtis, más alejado de las grandes masas y en contraposición con los artistas de Motown escribía su propio material, lo que no era nada habitual en el mundo soul y en sus letras se involucró en el movimiento del 'orgullo afroamericano' como hacían Aretha Franklin y Nina Simone. En esta línea compuso su álbum debut 'Curtis', aparecido en 1970.

En 1972 llegó su gran éxito: 'Superfly', banda sonora que trascendió a la película y que puso a Mayfield, junto con Marvin Gaye y Stevie Wonder al frente de los nuevos exponentes del 'soul de autor'. Con hits como 'Pusherman', 'Freddies's dead' y el que le dio nombre, 'Superfly' está considerado uno de los álbumes más influyentes de la cultura afroamericana, así como uno de los primeros álbumes conceptuales del soul.

El resto de los años setenta se concentró en componer más bandas sonoras como 'Claudine' y 'Sparkle'. Logró tuvo algunos hits en las listas de R&B, como 'Kung Fu', 'So in love' y 'Only you babe', temas en una onda más comercial y convencional. En los años ochenta siguió publicando álbumes, como 'Love is the Place' (1982) y 'Honesty' (1983) que aún seguían apareciendo en las listas de R&B. En 1983 Curtis se volvió a reunir con los Impressions para realizar una gira. Su posterior álbum 'We Come in Peace with a Message of Love' de 1985, fue su primer trabajo que no lograba entrar en los listados de Billboard.

En 1990 pareció cambiarle la suerte. El grupo que lideró en los años sesenta, los Impressions fueron nominados para ingresar en el Rock and Roll Hall of Fame y uno de sus hits, 'Gypsy woman' (1961) había sido grabado por la banda de Carlos Santana. 'Takin It to the Streets', su primer álbum en más de cinco años se había publicado a comienzos del año y Curtis se encontraba realizando una gira internacional para promocionarlo. Una noche de verano de mucho viento en Brooklyn, Curtis se preparaba para iniciar un concierto y cuando se disponía a enchufar su guitarra, uno de los focos que iluminaban el escenario cayó por un golpe de viento e impactó en la cabeza de Mayfield. El resultado fue la fractura de dos vértebras y una tetraplejia que le inmovilizó las cuatro extremidades.
Asombrosamente, aún fue capaz de grabar en 1997 un último álbum, 'New World Order', componiendo, dirigiendo a los músicos y grabando con gran esfuerzo su voz tumbado en una cama. Murió dos años después, en diciembre de 1999, a los 57 años.

Josephine Baker

El 3 de junio de 1906 nació en St. Louis (Missouri) la bailarina, actriz y cantante Josephine Baker. Fue una de las artistas de cabaret más solicitadas de su tiempo. Pero detrás de esa extravagante mujer que paseaba un leopardo por las calles de Paris y que recibió apodos como 'La Venus de Bronce', 'La Diosa Criolla' o 'La Perla Negra', había algo más que sólo glamour. Gran humanista, intentó dedicar su vida a hacer del mundo que la rodeaba un sitio más armonioso y feliz.

Nacida Freda Josephine McDonald, fue hija de Carrie McDonald. Aunque muchas fuentes citan al batería de vaudeville Eddie Carson como su padre, todos -incluso Josephine- sospechaban que el verdadero padre fue blanco. Carrie había estado trabajando para una familia de alemanes en la época en la que estuvo embarazada pero convenció a la gente de que Carson era el padre y éste le seguía el juego. De todos modos, antes de que Josephine cumpliera un año, Eddie desapareció. Su madre se volvió a casar y tuvo tres hijos más con otro hombre, Arthur Martin. Cuando Baker cumplió ocho años, comenzó a trabajar de criada para familias blancas y en 1918 la familia prosperó mudándose de su pequeño apartamento a una casa unifamiliar. En el nuevo barrio, Josephine trabó amistad con el hijo del vecino, en cuyo sótano los niños chicos del barrio realizaban shows aficionados en los que Baker era la estrella.

Con trece años, Josephine dejó el colegio y el hogar de sus padres y trabajó como camarera para ganarse la vida. Poco después dejó también el trabajo para casarse con un tipo llamado Willie Wells, pero el matrimonio duró poco y tuvo que volver a servir mesas. Se unió a un grupo de artistas callejeros llamados The Jones Family Band y su debut en un escenario fue en el Booker T Washington Theater, un local de vaudeville negro de St. Louis. También actuaron allí los Dixie Steppers, una troupe ambulante de artistas negros, cuyo mánager se fijó en Josephine y decidió contratarla para el grupo. Como de momento no había trabajo para ella como artista, comenzó ejerciendo de ayudante de vestuario y sastra para la estrella de la troupe, Clara Smith. Durante una gira de los Dixie Steppers por el país, Josephine, que entonces contaba trece años, se casó con un guitarista de blues llamado Willie Baker, de quien tomó el apellido.

En abril de 1921, cuando estaba programado un show en Philadelphia, una de las chicas del coro sufrió un pequeño accidente que le imposibilitó actuar. Josephine ocupó su lugar y rápidamente destacó entre las demás. Su físico y su estilo la hacían mucho más interesante de observar. Cuando el show 'Shuffle Along' de Noble Sissle y Eubie Blake pasó por Philadelphia, una de las chicas de su compañía intentó recomendar a Baker para el show, que iba camino de Broadway, pero Baker, con catorce años, aún era demasiado joven para formar parte del espectáculo. Pero Josephine se obsesionó con la idea de actuar en 'Shuffle Along' y decidió dejar a su marido y trasladarse a Nueva York. Allí se dirigió a la compañía de Sissle y Blake, donde consiguió un trabajo como ayudante de vestuario. No perdió el tiempo y se aprendió todos los bailes y canciones.

Por fin, cuando una de las chicas se puso enferma, Baker tuvo su oportunidad. Phyllis Rose, una de sus biógrafas describió la escena: "Sobre el escenario sucedió la mágica transformación. Josephine entró en una actividad frenética en la que cada parte de su cuerpo parecía moverse en diferente dirección. Hizo payasadas sin parar. Se ponía bizca y cruzaba las piernas fuera del compás,  mientras las otras chicas seguían el paso disciplinadamente, causando un efecto de parodia. Las chicas del coro la odiaban. Existía un término para lo que estaba haciendo Josephine: robar protagonismo. Pero la audiencia estaba entusiasmada con ella"

Consiguió un número individual y cuando la compañía se fue de gira por el país, Baker permaneció en el show hasta su fin. Inmediatamente después, fue una de las artistas principales del siguiente show de Sissle y Blake, 'Chocolate Dandies'. Sin embargo, el espectáculo no tuvo éxito y dejó de realizarse en 1925, por lo que Baker volvió a formar parte de un coro en el Plantation Club de Harlem. Una noche, una productora negra adinerada llamada Caroline Dudley pasó por el club con el fin de contratar a Ethel Waters, una de las artistas que actuaba esa jornada, para su revista 'La Revue Negre' que pretendía llevar a Paris. Waters rechazó la oferta y Dudley decidió ofrecérselo a Baker, a quien conocía de 'Shuffle Along'. El deseo de Josephine era cantar, pero Dudley la quería como cómica. Tras ofrecerle un sueldo semanal de 200$ -una considerable suma en 1925-, Baker accedió y el 22 de septiembre la troupe se embarcó rumbo a Francia.

La 'Danse Sauvage'

La 'Revue Negre' debutó en el Theatre des Champs Elysees de Paris ante un enorme entusiasmo. Sin embargo, la fascinación de los franceses con la cultura negra estaba basada en impresiones oscuras y morbosas. Baker comento una vez: "Es increíble la imaginación que pueden desarrollar los blancos cuando piensan en los negros". La 'Revue Negre' aprovechó esta circunstancia exagerando los esteorotipos y tópicos que se habían creado en Europa sobre los afroamericanos. Cuando los propietarios del teatro decidieron añadir además de los típcos blues cantados y los bailes de claqué algo más exótico al espectáculo, crearon un baile más 'auténtico', llamado la 'Danse sauvage'.

En él, Baker bailaba acompañada de un bailarín, Joe Alex y sus trajes consistían en unas pocas plumas y poco más. Fue la sensación de Paris de la noche a la mañana. Seguidamente, Josephine recibió una oferta para unirse al Folies Bergeres para su nueva producción que se estrenaba en abril de 1926. Baker aceptó y mientras tanto realizó una gira con La 'Revue Negre' por Alemania, donde los artistas e intelectuales germanos la recibieron como a una diosa.

De vuelta en Paris, Baker protagonizó el show 'La Folie du Jour' en el Folies-Bergere. Así como en 'La Revue Negre', Baker fue presentada en un contexto 'exótico'. Aparecía desnuda, ataviada únicamente con una falda confeccionada con bananas. Sus rápidos y sensuales movimientos, su simpatía y sentido del humor era justo lo que pedía el público y logró ser inmensamente popular. Para los momentos sombríos que pasaba Europa tras la Primera Guerra Mundial, Baker significó un soplo de alegría y libertad.

En otoño de 1926 surgió un boom comercial en Paris. Se vendían muñecas y perfumes 'Josephine' y las mujeres se alisaban el pelo como ella para lo que se comercializó un producto llamado 'Bakerfix'. Baker inauguró su propio club, 'Chez Josephine' en diciembre de 1926 pero lo cerró un año después. También grabó varias canciones para el sello Odeon francés y participó en la película 'La Sirene des Tropiques' (1927). Entre las canciones que grabó se encuentran: 'Dinah', 'I love dancing', 'Lonesome lovesick blues', 'Blue skies' y 'I've found a new baby'.

Entre 1927 y 1930 Josephine Baker sufrió una profunda transformación. El desgarbado y torpe -aunque no feo- patito, se convirtió en cisne. Algunos de sus biógrafos atribuyen esta metamorfosis a la influencia de un hombre llamado Pepito Abatino, quien se convirtió en su mánager, amante y esposo no-oficial, aunque la mayor parte de su nuevo estilo y elegancia procedían de su propia iniciativa. Durante este periodo Josephine aprendió francés y realizó giras por Europa y por Argentina. Pero siempre volvía a Paris. "No quiero vivir sin Paris. Es mi patria, entendéis?. Tengo que ser merecedora de Paris y llegar a ser una gran artista".

Josephine y 'Cheetah'

La 'nueva' Josephine Baker debutó en el Casino de Paris en 1930. El productor, Henri Varna, le compró un leopardo -'Cheetah'- con el que Josephine fue la sensación en los círculos 'chic' parisinos. Actuaba con el animal -ataviado con un collar de diamentes- y las esporádicas escapadas del felino aterrorizando a los músicos añadían otra nota éxótica' al show. Cantaba en francés y lucía esplendorosos vestidos en una revista llamada 'Paris qui Remue'. Ese mismo año grabó canciones del show para Columbia Records, obteniendo un gran éxito con el tema 'J'ai deux amours'.

Asimismo en la década de los treinta protagonizó dos películas, 'Zou Zou' y 'Princesse Tam-Tam', y en 1934 tomó parte en la opereta 'La Creole' del compositor francés Jacques Offenbach.

Josephine en 1936

En 1935, Josephine Baker decidió volver a Estados Unidos para hacer lo que había logrado en Francia: causar sensación. Había sido contratada para actuar junto a Bob Hope en el Ziegfeld Follies de 1936. Embarcó en septiembre de 1935 para comenzar los ensayos. Cuando debutó la obra, los espectadores no disimularon su disgusto considerando el show excesivamente promiscuo, aunque el motivo fundamental era el color de su piel. El público blanco estaba acostumbrado a ver a los negros en papeles de 'negro' -'mammies' y cantantes de blues- y les resultaba muy difícil aceptar a una mujer negra con estilo, elegante y sofisticada. También allí Baker abrió su propio club 'Chez Josephine', que asimismo tuvo que cerrar poco después. Mientras tanto, Pepito Abatino, tras una discusión con Baker, regresó a Francia, donde murió semanas después.

Antes de volver a Francia, Baker cerró una página de su pasado consiguiendo el divorcio de su segundo marido, Willie Baker, con quien seguía casada legalmente desde 1920. En Paris, Paul Derval, director del Folies-Bergere le ofreció protagonizar su nuevo espectáculo que se estrenó en otoño de 1936. El año siguiente Baker se casó con Jean Lion, un industrial del azúcar. Con este matrimonio, Josephine accedió a la ciudadanía francesa, pero la relación acabó siendo turbulenta y acabó en divorcio catorce meses después.

Castillo Les Milandes

En septiembre de 1939, cuando Francia le declaró la guerra a Alemania en respuesta a la invasión de Polonia, Baker fue reclutada para el Deuxieme Bureau, la agencia de inteligencia militar francesa y pasó la contienda como 'corresponsal de honor' para el Bureu sacando clandestinamente documentos importantes del país. Al comenzar la guerra, Baker se trasladó a su castillo de Les Milandes pero allí también corría peligro y cuatro años después se trasladó a Marruecos, donde atravesó problemas de salud que la impidieron actuar.

Baker en el ejército

En 1942, ya recuperada, actuó en la zona para tropas inglesas, francesas y americanas. Seguidamente realizó una gira por Oriente Medio, donde ofreció actuaciones benéficas para la resistencia francesa. Por todos estos esfuerzos, fue nombrada subteniente de las fuerzas auxiliares femeninas del Ejército del Aire francés. Paris fue liberada en 1944 y Baker regresó a Francia. Dos años después, le fue concedida la Medalla de la Resistence y la Legión de Honor.

Su boda con Jo Bouillon

En 1947, Baker contrajo matrimonio con Jo Bouillon, un director de orquesta francés. Ambos pasaron los años de postguerra restaurando el castillo y la finca de Les Milandes. Cuando acabaron las obras, había dos hoteles, tres restaurantes, un campo de mini-golf, un museo de cera (con escenas de la vida de Baker), establos, una patisserie, una fábrica de foie-gras, una estación de servicio y una oficina de correos. Baker esperaba financiar la obra con los ingresos del turismo; el resto lo obtendría con sus actuaciones.

En 1948 regresó a Estados Unidos, donde no logró causar mucha más sensación que la que causó en 1936. Esta vez, sin embargo, tomó partido ante la discriminación racial y comenzó a exigir en sus contratos actuar ante audiencias no segregadas. El 20 de mayo de 1951 fue declarado el día de Josephine Baker por la NAACP (National Association for the Advancement of Colored People) en honor a su lucha contra el racismo.

La 'tribu del arco iris'

De vuelta en Europa en 1954, Baker decidió fundar una familia. Su deseo era criar un grupo de niños de diversas razas en un ambiente de armonía. Llamó a su grupo la tribu del arco iris. Para 1962 ya había adoptado doce niños, diez chicos y dos niñas. Para entonces, Bouillon, cansado de manejar los asuntos de Les Milandes y en desacuerdo con lo que él consideraba una forma de vida poco realista, en 1960 había abandonado a Baker para marcharse a vivir a Argentina.

Josephine en la Marcha de 1963

Tres años más tarde, Jack Jordan, un productor negro la invitó a participar en la famosa marcha de Washington en la que tomaron parte más de 200.000 personas Uno de ellos fue el reverendo Martin Luther King, Jr, que aquel día pronunció aquel famoso discurso de "Tengo un sueño" en la escalinata del Lincoln Memorial. Para Baker fue una de las experiencias mas memorables de su vida.

Josephine y Grace Kelly

En febrero de 1964, Les Milandes pasaba por serias dificultades financieras. Los cuatro años siguientes, Baker logró evitar la confiscación de sus bienes, pero en otoño de 1968, a pesar de organizar un show en el Olympia de Paris para recaudar fondos, recibió la orden de desahucio. Su problema llegó a oídos de la princesa Grace de Monaco quien dispuso una villa en Roquebrunne (Montecarlo) para que se alojaran Josephine y sus hijos.

A finales de los años sesenta y parte de los setenta, Baker experimentó problemas de salud que la obligaron a diversas estancias hospitalarias.

En 1974 la Societe de Bains de Mer de Monte Carlo invitó a Baker a protagonizar su show anual en beneficio de la Cruz Roja monegasca, la organización que ayudaba a sufragar su casa de Roquebrune. El show se llamó 'Josephine' y contaba la vida de la artista en una sucesión de escenas. Se estrenó en Paris el 8 de abril de 1975, conmemorando sus 50 años en el mundo del espectáculo y fue un rotundo éxito.

Entre la multitud de asistentes se encontraban personalidades como el príncipe Rainiero y la princesa Grace, Sofía Loren, Mick Jagger, Shirley Bassey, Diana Ross y Liza Minelli. Cuatro días después, Baker sufrió una embolia durante el sueño y quedó en coma. Poco después fallecía a los 68 años. Fue la primera mujer de origen estadounidense que recibió honores militares en sus funerales, retransmitidos por la TV nacional, celebrados en la Madeleine de Paris -aunque su tumba se encuentra en el cementerio de Mónaco- y a los que asistieron más de 20.000 personas.

Memphis Minnie

El 3 de junio de 1897 nació en una granja de Algiers (Louisiana), Memphis Minnie, cantante, guitarrista y pionera del blues. Durante tres décadas, Memphis Minnie fue una de las más influyentes artistas del blues en Estados Unidos. Desde comienzos de los años veinte hasta su retirada a mediados de los años cincuenta, publicó más de 180 canciones sin contar las que se publicaron tras su muerte. Con sus composiciones y actuaciones Minnie se abrió paso en un género dominado por hombres y a diferencia de las blueswomen contemporáneas, Minnie tocaba la guitarra y componía sus propias canciones. Clásicos como 'Bumble Bee', 'Hoodoo Lady' y 'Me and my Chauffeur Blues' le procuraron un espacio de honor en la historia del blues.

Nació como Lizzie Douglas en Algiers (Louisiana), ciudad situada a la altura de Nueva Orleans, sólo que al otro lado del río. Minnie fue la mayor de los 13 hijos de la pareja formada por Abe y Gertrude Wells Douglas. Cuando cumplió siete años, ella y su familia se trasladaron a Walls (Mississippi), a unos veinte kilómetros de Memphis y, tres años más tarde, su padre le regalaría un banjo por Navidad. En cuestión de poco tiempo, Minnie Douglas se convirtió en una experta instrumentista de banjo y guitarra. Con trece años se escapó de casa y terminó en Memphis, donde poco después se ganaba la vida tocando en Beale Street. A lo largo de sus años adolescentes, Minnie volvería repetidas veces (cada vez que se quedaba sin dinero) al hogar familiar. Con quince años cantaba en las esquinas de las calles de Memphis. Su familia la llamaba 'Kid' desde pequeña, por lo que actuaba bajo el nombre de Kid Douglas.

Por aquellos tiempos, en Beale Street, las mujeres eran -junto al whisky y la cocaína- algo muy valorado. Beale Street era el único lugar del país donde las mujeres podían actuar en público y, para sobrevivir, muchas de ellas se dedicaban también a la prostitución. Minnie no fue una excepción y se sabe que la tarifa por sus servicios era de 12$, una cantidad casi escandalosa para la época. En 1916 se unió en Clarksdale (Mississippi), a la compañía ambulante Ringling Brothers Circus, con la que estuvo de gira recorriendo todo el Sur. Además del entusiasmo que generaban sus actuaciones, Minnie generó una reputación como una mujer que cuidaba muy bien de sí misma y si era necesario, sabía cómo usar una navaja o una pistola para defenderse.

Minnie y Kansas Joe McCoy

Cuando finalmente regresó a Memphis, contrajo matrimonio con un miembro de la Memphis Jug Band, 'Casey Bill' Weldon, que procedía de Pine Bluff (Arkansas) y era nueve años menor que ella. 'Casey' Bill (el apodo provenía de una contracción de 'Kansas City' Bill) tocaba, al estilo slide, la guitarra hawaiana y se hacía anunciar como The Hawaiian Guitar Wizard. Su relación con Minnie Douglas no duró mucho tiempo (quizás por la gran diferencia de edad que existía entre ellos), y Minnie contrajo de nuevo matrimonio en 1929, esta vez con el guitarrista Kansas Joe McCoy. Ambos actuaban juntos a menudo y un día, mientras se ganaban unos centavos tocando y cantando en las peluquerías de Beale Street, los descubrió un cazatalentos de Columbia Records. A consecuencia de ello, Kansas Joe y Memphis Minnie (como se hizo llamar a partir de entonces) trabajaron juntos durante los seis años siguientes, en el transcurso de los cuales realizaron numerosísimas grabaciones.

McCoy y Minnie grabaron el tema 'When the levee breaks' y 'That will be alright', en los que McCoy cantó la voz solista. Dos meses más tarde se publicó 'Frisco town', en la que ya cantaba ella. Minnie poseía una voz tan potente como la de un hombre, una excelente técnica de guitarra y una vigorosa personalidad que no se traslucía en su aspecto externo de maestra de escuela. Por todo ello se convirtió en una figura sobresaliente del blues y muchos la consideraron como la mejor cantante femenina fuera del género 'clásico'.

Entre sus mejores discos figuran los que grabó con Kansas Joe, como 'I'm gonna bake my biscuit' y 'I want something for you'. En ellos, la primera guitarra proporciona un fondo de graves y la segunda interpreta un serie de arpegios en trono a dicho fondo. Memphis Minnie sufriría, años más tarde, un ataque de meningitis, cuyos síntomas pareció vislumbrar cuando, con macabra ironía, cantaba el 'Memphis Minnie-jitis Blues'

I comin' home one Saturday night, pull off my clothes and I lie down (2)

And next morning just about day, the meningitis began to creep around

My head and neck was paining me, feel like my back was break in two (2)

Lord, I had such a mood that morning, I didn't know what in the world to do

My companion take me to the doctor, "Doctor please tell me my wife's complaint" (2)

The doctor looked down on me, shook his head, "I wouldn't mind telling you, son, but I can't"

"You take her 'round to the city hospital, jus' as quick, quick as you possibly can (2)

Because the condition she's in now, you will never go home live again"

He rode me 'round to the city hospital, the clock was strikin' ten (2)

I hear my companion say, "I won't see your smiling face again"

Llegué a casa un sábado por la noche, me quité la ropa y me tendí sobre la cama (2)

Y a la mañana siguiente, al despuntar el día, la meningitis empezó a invadirme.

Me dolían el cuello y la cabeza, me parecía que la espalda se me iba a partir en dos. (2)

Señor, aquella mañana tenía tal estado de ánimo que no sabía qué hacer.

Mi compañero me llevó al médico, "Por favor, doctor, dígame qué enfermedad tiene mi mujer" (2)

El médico me miró, meneó la cabeza y contestó: "No me importaría decírselo, hijo, pero no puedo"

Llévela al hospital tan pronto como le sea posible (2)

Porque si la deja así, nunca más la verá viva.

Me llevó al hospital municipal, el reloj marcaba las diez. (2)

Oigo a mi compañero decir: "No volveré a ver tu cara sonriente"

Minnie en 1930

En 1930 se publicó una de las canciones favoritas de Minnie: 'Bumble Bee', cuyo éxito les llevó a firmar un contrato con Vocation Records, donde la pareja grabó entre otras, 'I'm talking about you'. Permanecieron dos años grabando para Vocalion y, seguidamente, decidieron trasladarse a Chicago, donde la carrera de Memphis Minnie creció, convirtiéndose en una de las cantantes de más conocidas de la escena local de blues. Cada semana, celebraba sus 'Blues monday parties', los cuales, además de contribuir a desarrollar su fama, brindaron a los cantantes más jóvenes la oportunidad de mostrar su talento. Cantó y tocó junto a Big Bill Broonzy y Tampa Red, con los que contribuyó a 'urbanizar' el country blues que habían importado desde el Sur. Existían pocas intérpretes femeninas en Chicago que pudiesen comparársele y menos aún, que se acompañasen ellas mismas con una guitarra al cantar.

McCoy y Minnie siguieron grabando juntos y por separado para Decca Records hasta que se divorciaron en 1934. Según diversas fuentes de la época, los celos de McCoy por el creciente éxito de Minnie, aceleraron la ruptura. 'You got to move (You ain't got to move)' fue la última grabación que realizaron juntos. De nuevo en solitario, Minnie comenzó a experimentar con diferentes sonidos y estilos. En 1935 grabó cuatro temas para el sello Bluebird bajo el nombre de Texas Tessie: 'Good mornin', 'You wrecked me happy home', 'I'm waiting on you' y 'Keep on goin'.

Memphis Minnie

Ese mismo año volvió con Vocalion para grabar dos temas como tributo al campeón de boxeo Joe Louis, 'He's in the ring (Doing that same old thing)' y 'Joe Louis Strut'. En octubre de 1935, Minnie grabó junto a su primer marido, Casey Bill Weldon 'When the sun goes down Part 2'  y 'Hustlin' woman blues'. Fue por este tiempo cuando Minnie conoció a Lester Melrose, el ejecutivo de la industria del blues más poderoso e influyente durante los años treinta y cuarenta. Con su ayuda, Minnie grabó cerca de 20 temas para Decca y 8 para el sello Bluebird. En 1939 volvió a grabar para Vocalion y conoció a su tercer marido, el guitarrista Ernest Lawlars, también conocido como Little Son Joe.

Ernest 'Little Son Joe' Lawlars

Sus primeras grabaciones juntos (en Okeh Records) fueron 'Nothin in ramblin' y 'Me and my chauffeur blues'. La pareja continuó grabando a lo largo de los años cuarenta temas como 'In my girlish days', 'Hoodoo lady' y 'Looking the world over'. Fue en estos años cuando Minnie incorporó a su repertorio de country blues la guitarra eléctrica, siendo una de los primeros artistas de blues en hacerlo, abriendo el camino a Muddy Waters, Bo Diddley y Jimmy Rogers. También formó una pequeña compañía de vaudeville con la que realizó giras. En esta época, residió en Indianapolis (Indiana) y Detroit (Michigan), volviendo a Chicago al principio de los años cincuenta.

En 1952, Memphis Minnie realizó una sesión en el legendario sello Chess, cuando este contaba solo con dos meses de vida. Entre otras, se editaron 'Broken heart' y una nueva versión de 'Me and my chauffeur blues', con Little Walter. En 1953, se publicó en el sello JOB su última grabación comercial tras 24 años en el blues, 'Kissing in the dark' y 'World of trouble'. En los años que siguieron, la salud de Minnie se deterioró, por lo que se retiró de la música y volvió a Memphis.

Realizó su última actuación en 1958, durante el funeral de su buen amigo, el artista de blues Big Bill Broonzy. Periódicamente aparecería en las emisoras de radio de Memphis animando a los jóvenes músicos de blues a seguir adelante. No dejó de tocar la guitarra hasta que -literalmente- ya no podía sostenerla entre sus manos. En 1960, Minnie sufrió una embolia que la relegó a una silla de ruedas. Al año siguiente, su marido Little Son Joe murió, lo que le provocó un segundo ataque.

La tumba de Minnie en Walls (Mississippi)

A mediados de los años sesenta, Minnie estaba ingresada en una residencia y arruinada. Gracias a la iniciativa de varias revistas de blues como Living Blues y Blues Unlimited, numerosos fans enviaron dinero y varios músicos realizaron conciertos benéficos con el fin de recaudar fondos para su manutención. El 6 de agosto de 1973, Minnie murió a los 76 años tras sufrir un tercer ataque que no superó.

Marvin Hamlisch

El 2 de junio de 1944 nació el compositor neoyorquino Marvin Hamlisch, uno de los de mayor éxito del siglo XX y uno de los muy pocos que han ganado los premios Emmy, Grammy, Oscar, Globo de Oro y Tony, además del premio Pulitzer. Compuso numerosas bandas sonoras (El espía que me amó, Gente corriente, La decisión de Sophie, Bananas) y musicales, (A Chorus Line, They're playing our song).  Su adaptación del ragtime de Scott Joplin para 'El Golpe' en 1973 fue inmensamente popular.

"Creo que a partir de ahora nos podemos tutear." Con estas palabras aceptó Marvin Hamlisch su tercer Oscar de la noche. En abril de 1974 ganó la estatuilla por mejor adaptación de banda sonora por 'El Golpe', mejor banda sonora original por 'Tal como eramos' y mejor canción original (compartido con los letristas Alan y Marilyn Bergman) por 'The way we were'. Las grabaciones de esos trabajos fueron premiados posteriormente en la ceremonia de los Grammy, donde asimismo fue nombrado mejor 'nuevo artista' del año. Escribió tres musicales de Broadway, uno de los cuales, 'The Chorus Line' fue la obra más representada en Broadway (6.137 representaciones) hasta que fue superada por 'Cats' en 1997. Ha compuesto varios cientos de canciones y es, gracias a esa noche mágica de los Oscar, uno de los más reconocidos compositores de nuestro tiempo.

Hamlisch creció en un ambiente musical, ya que su padre tocaba el acordeón en una banda de emigrantes austro-húngaros con los que interpretaba música popular vienesa y americana. Marvin ingresó precozmente en la Juilliard School of Music tras una audición con sólo siete años, en la que interpretó una versión al piano de 'Goodnight Irene'. Sin dejar sus estudios en la Juilliard School ingresó en el Queens College de Nueva York y alternaba sus estudios tocando como acompañante de otros músicos y componiendo. En una entrevista de 1983 comentó: "A pesar de faltar muchos días a clase, los profesores decidieron no ponérmelo difícil. Aceptaron mi primera composición para una banda sonora (The Swimmer) como trabajo de fin de curso, en vez del habitual cuarteto de cuerda."

Sus primeras canciones profesionales las escribió Hamlish para Liza Minelli siendo ambos aún adolescentes y el primer hit con una de sus composiciones lo obtuvo Lesley Gore con la canción 'Sunshine, lollipops and rainbows'. Trabajó como pianista de ensayos en el show de la NBC 'Bell Telephone Hour'. El compositor describió años más tarde ese trabajo: "Fue algo magnífico y enriquecedor, porque cada semana hacías un tipo de música diferente: Lena Horne, Edward Vilella, Leomntyne Price". Con 18 años trabajó como asistente del afamado arreglista vocal Buster Davies en 'Fade Out-Fade In' y en la comedia musical de Barbra Streisand 'Funny Girl'.

Tras entregar su primera banda sonora en 1968, Hamlisch se instaló en Hollywood y encontró rápidamente trabajo en los diferentes empleos que existen alrededor de la creación de las bandas sonoras. Compuso, arregló, orquestó y supervisó la música de numerosas comedias, entre ellas 'Take the Money and run' (1969) y 'Bananas' (1971) de Woody Allen y dramas contemporáneos como 'Kotch' (1971) y 'Save the Tiger' (1973). La canción 'Life is what you make it' de 'Kotch', con letra de Johnny Mercer, significó su primera nominación a un Oscar.
En 1970 escribió música y orquestaciones para la obra de Broadway, 'Minnie's Boys', un tributo a los hermanos Marx y, posteriormente realizó giras acompañando al piano a Groucho Marx en los shows que realizaba el actor entre rodaje y rodaje.

En 1973 llegaron sus mejores años. La canción 'The way we were', además de proporcionarle un Oscar, fue la canción de mayor éxito hasta ese momento de Barbra Streisand (su primer disco de oro). El mismo año se estrenó la comedia 'El Golpe', en la que el trabajo de Hamlisch adaptando y orquestando los ragtime de Scott Joplin, revivieron el interés por la música de este compositor americano de principios del siglo XX.

Todos estos éxitos se quedaron pequeños cuando en 1975 'A Chorus Line' ganó todos los grandes premios posibles y fue el tercer musical en la historia en obtener el premio Pulitzer. Los críticos, entusiasmados citaban la obra como una brillante combinación de texto, música y movimiento. Con música de Hamlisch, el libreto era original de James Kirkwood y Nicholas Dante y las letras de las canciones eran de Edward Kleban. La trama cuenta el proceso de un casting para un musical de Broadway.

En un despiadado proceso de selección, los bailarines y bailarinas no sólo han de demostrar perfección técnica. También deben estar en posesión de una personalidad especial. Al final sólo quedan dieciséis aspirantes, de los cuales, ocho serán los elegidos.

Dos canciones del show se hicieron muy populares fuera del contexto de la obra. El final, que presenta a todos los personajes se conoció como 'One (singular sensation)' y 'What I did for love', que fue un hit en las voces de Jack Jones, Johnny Mathis y Andy Williams, entre otros cantantes de pop. Estos la interpretan como un lamento por el amor de otra persona, aunque en la obra se refiere a los sacrificios hechos por amor al espectáculo. Para muchos, la partitura musical de 'A Chorus Line', representa el Musical de Broadway. El año 2006 se estrenó de nuevo en Broadway y ofreció 759 representaciones. Actualmente se sigue representando por todo el mundo.

Hamlisch creó otros dos musicales para Broadway. 'They're playing our song', basada lejanamente en la relación que sostuvo el autor con la letrista Carole Bayer Sager, que, sin llegar al éxito de 'A Chorus Line', tuvo bastante repercusión nacional. El musical contenía canciones que encajaban perfectamente en el estilo de canción/conversación que practicaban los cantantes Robert Klein y Lucie Arnaz y el tema que dio título al musical se convirtió en un clásico del pop y el jazz. El otro musical, 'Smile' (1986), basado en el film satírico de mismo nobre, obtuvo un éxito sensiblemente menor.

En 1977, Aretha Franklin obtuvo un nº1 en las listas de R&B con 'Break it to me gently' y Carly Simon cantó 'Nobody does it better', tema principal del film de James Bond 'El espía que me amó', ambas composiciones de Hamlisch con letra de Carole Bayer Sager. En los años 80 tuvo nuevos éxitos con las bandas sonoras de 'Gente Corriente' (1980) y 'La decisión de Sophie'.

Otra faceta de su carrera fue la de director de orquesta, actividad que desarrollaba por todo el mundo realizando giras con orquestas como la New York Philarmonic, la Minneapolis Symphony y la orquesta filarmónica de Cleveland y, desde 1986, era profesor en la Juilliard School of Music, donde impartía Introducción al Teatro Musical Americano y en los años 90 ejerció de arreglista y director musical de Barbra Streisand. Su última banda sonora fue la del film 'El soplón' (2009) de Steven Soderbergh.
Murió el 6 de agosto de 2012 a los 68 años.