Renato Carosone

El 3 de enero de 1920 nació en Nápoles (Italia) el cantante, pianista y compositor italiano Renato Carosone, que con su orquesta fue muy popular en Europa y EE.UU durante los años cincuenta.

En 1955 inició su colaboración con el letrista Nicola Salerno (quien firmaba con el pseudónimo de Nisa). La primera canción que compusieron juntos fue 'Tu vuò fa' l'americano' y después vendrían otros éxitos como 'O suspiro', 'Caravan petrol', 'Pigliate 'na pastiglia' y 'O sarracino'. Las actuaciones de Carosone y su orquesta eran solicitadas por toda Italia y en el extranjero, y sus discos se vendían en grandes cantidades.

Su canción 'Torero' (también con letra de Nisa), escrita especialmente para una gira en España, se mantuvo en el Top40 americano durante catorce semanas y fue traducida a doce idiomas. 'Maruzzella' estaba dedicada a su esposa Marisa. En 1957 comenzó en Cuba con su grupo una gira americana que cerró con un concierto triunfal en el Carnegie Hall de Nueva York. En 1960, en pleno éxito, se retiró como músico, dedicándose a otros intereses, entre ellos la pintura. Volvería aún a los escenarios en 1975, retorno que le mantendría sobre los escenarios hasta finales de los años noventa, con conciertos, participaciones en el festival de San Remo y programas televisivos. Murió en mayo de 2001 a los 80 años.

Maxene Andrews

El 3 de enero de 1916 nació en Minnesota la cantante Maxene Andrews, quien junto a sus hermanas LaVerne y Patty fueron conocidas como las Andrews Sisters, el grupo vocal femenino de mayor éxito de la historia. Muy populares en los años cuarenta, grabaron 600 discos, 113 entraron en listas, 46 de ellos en el top10 y vendieron más de 75 millones de copias.

The Andrews Sisters

Patty, la menor de las hermanas y cantante principal, sólo tenía siete años cuando formaron el grupo, y doce cuando ganaron el primer premio en un concurso de talentos en el teatro Orpheum de Minneapolis, donde LaVerne tocaba el acompañamiento de piano para las películas mudas a cambio de clases de danza gratuitas para ella y sus hermanas. Comenzaron su carrera como imitadoras de un exitoso grupo anterior: The Boswell Sisters. Tras cantar con varios grupos de baile y hacer vaudeville, atrajeron por primera vez la atención internacional con sus grabaciones y emisiones por radio en 1937, sobre todo por su hit 'Bei mir bist du schön', que era originalmente una melodía yiddish, cuya letra tradujo al inglés Sammy Cahn y que las chicas armonizaron perfectamente. Vendieron un millón de copias, con lo que se convirtieron en el primer grupo de voces femeninas en ganar un disco de oro.

Maxine, Patty y LaVerne

A este éxito le siguieron varios más durante los siguientes dos años, como 'Hold tight, hold tight', 'Ferryboat serenade' y 'Beat me daddy, eight to the bar', por lo que en 1940 ya eran muy conocidas. Durante la Segunda Guerra Mundial, animaron a las fuerzas aliadas en América, África e Italia, visitando al ejército, la marina, los marines y las bases de los guardacostas, zonas en guerra, hospitales y fábricas de munición, donde cantaban sus nuevos éxitos como 'Shoo-Shoo Baby', 'Rum and Coca Cola' y 'Christmas island'. Se ganaron el sobrenombre de "Sweethearts of the Armed Forces Radio Service" (Amorcitos del Servicio de Radio de las Fuerzas Armadas) por sus numerosas apariciones en programas como 'Command Performance', 'Mail Call' y 'G.I. Journal'.

Las hermanas Andrews grabaron 47 canciones con Bing Crosby, 23 de las cuales se clasificaron en Billboard e incluyen 'Don't fence me in', 'Pistol packin' mama', 'South America, take it away', 'A hot time in the town of Berlin' y 'Jingle bells'.

Maxene, Patty y LaVerne

Se separaron en 1953, principalmente a causa de la decisión de Patty de comenzar su carrera en solitario. Maxene y LaVerne intentaron continuar como dueto, con el apoyo de la crítica durante su gira de 10 días por Australia, pero un intento de suicidio de Maxene en diciembre de 1954 impidió realizar más giras. En 1956 las hermanas se reconciliaron y firmaron un nuevo contrato discográfico con Capitol Records y lanzaron una docena de singles durante 1959, algunos con estilo de rock-and-roll (que no fueron muy bien recibidos), y tres álbumes, entre ellos un genial LP de canciones bailables de los años 20, 'Sing the Dancing 20's', con la orquesta de Billy May.

En 1962, firmaron con Dot Records y grabaron discos durante más de cinco años, tanto versiones de antiguos hits como material nuevo, como 'I left my heart in San Francisco', 'Still', 'The end of the world', 'Puff the magic dragon', 'Sailor', 'Satin doll', 'Come september' y 'A man and a woman'. Realizaron muchísimas giras durante los años 60, apareciendo en los clubes nocturnos de moda en Las Vegas, Nevada, California y Londres.

El fin llegó repentinamente en 1967, cuando la mayor de las hermanas, LaVerne, murió de cáncer después de luchar durante un año contra la enfermedad. Tras su muerte, Maxene no vio necesidad de continuar como un dueto (enseñaba teatro y dicción en un colegio universitario del lago Tahoe y trabajaba con adolescentes problemáticos), y una vez más, Patty estaba deseosa de actuar en solitario. Maxene tuvo una exitosa reaparición en 1979 como solista de cabaret y realizó giras por todo el mundo los siguientes 15 años. Grabó en 1985 un álbum en solitario titulado 'Maxene: An Andrews Sister' para Bainbridge Records. Las dos hermanas se reunieron de nuevo, aunque brevemente, el 1 de octubre de 1987 cuando recibieron una estrella en el famoso Paseo de la Fama de Hollywood. Maxene murió de un infarto en octubre de 1995 a los 78 años.

Roger Miller

El 2 de enero de 1936 nació en Fort Worth (Texas) el actor, músico, y cantante de country Roger Miller.

Roger con dos años

Huérfano de padre a temprana edad, su madre, incapaz de criar a los tres hermanos durante la Gran Depresión de los años treinta, envió a Roger a la granja de sus cuñados en Oklahoma. Creció en un ambiente extremadamente pobre y trabajaba recogiendo algodón. De carácter introvertido, solía escuchar por la radio los conciertos del Grand Ole Opry y, animado por el marido de su prima, Sheb Wooley, que le enseñó sus primeros acordes a la guitarra, decidió ser músico y cantautor de country.

Roger toca el violín en la banda del ejército (1956)

Tras un breve periodo en el ejército, en el que Miller se estrenó con un grupo, se trasladó en 1957 a Nashville, donde intentó conseguir en vano un contrato discográfico. Buscó trabajo como botones en un hotel para subsistir y comenzó a participar en varias grabaciones, entre ellas de Winnie Pearl y Faron Young, como músico de sesión, tocando la guitarra o el violín.

Con Paycheck en 1958

Tras casarse y tener un hijo, Miller aparcó su carrera en Nashville y trabajó durante un tiempo de bombero en Amarillo (Texas). Al mismo timepo tocaba en los clubs de country locales y comenzó a escribir canciones. Allí conoció a Ray Price, quien lo contrató como batería en su grupo los Cherokee Cowboys. En 1958, Price consiguió un Top10 en las listas country con un tema escrito por Miller, 'Invitation to the blues'. También otros artistas estaban teniendo éxito con sus composiciones, como Ernest Tubb, con 'Half a mind', Faron Young con 'That's the way I feel' o Jim Reeves, que consiguió en 1959 un nº1 con 'Billy Bayou'. El éxito como compositor volvió a animarle a intentarlo como intérprete y, primero para Decca, donde grabó a dúo con Johnny Paycheck unas piezas de honky tonk y, poco más tarde para RCA, sello en el que grabó una serie de singles de cierto éxito como 'You don't want my love (In the summertime)' o 'When two worlds collide', que alcanzó el Top10 de las listas.

The Wild Boy

La fama pareció cegarle, porque cambió repentinamente de vida, separándose de su mujer y dándose a excesos en fiestas nocturnas con los que se hizo acreedor del sobrenombre 'the wild boy'. RCA le rescindió el contrato y Miller se trasladó a Hollywood con la idea de ser actor. Allí ganó dinero con sus apariciones en shows televisivos, y en 1964 firmó un nuevo contrato con el sello Smash, en el que, con su primer single, consiguió el espaldarazo definitivo a la fama. 'Dang me' se mantuvo seis semanas como nº1 en las listas de country y consiguió un Top10 en las listas nacionales de pop.

También los siguientes singles, 'Chug-A-Lug' y 'Do-wacka-do', fueron muy populares, y en 1965 se publicó 'King of the Road', tema que desde entonces quedó ligado a su nombre como el mayor éxito comercial de su carrera.

Sus imaginativos textos, llenos de humor, introdujeron un nuevo estilo en las canciones country. Miller fue el primero en contar historias completas, iniciando una tradición que seguirían letristas como Kris Kristofferson o Tom T.Hall. 'King of the Road', -por el que recibió cinco premios Grammy- y el año 1965, fueron el cénit de su carrera y ese año obtuvo nuevos Top10 como 'Engine engine#9', 'One dyin' and one a buryn', 'Kansas City Star', 'England swings' y 'Husband and wives' (1966).

A partir de aquí su popularidad como intérprete decayó, aunque conseguiría dos nuevos éxitos con 'Walkin' in the sunshine' (1967) y su versión de 'Little green apples' (1968), además de seguir componiendo para otros artistas. Fue de los primeros, en 1969 de publicar una versión del tema de Kristofferson 'Me and Bobby McGee'.

King of the Road Hotel en Nashville

En los años setenta, su mayor hit fue 'Tomorrow night in Baltimore' (1971) y en 1973 cambió de discográfica (Columbia) con la que siguió grabando pero, exceptuando su primera grabación con el sello, 'Open up your heart', que alcanzó el puesto 14 de las listas, ninguno de ellos se aproximó al éxito de su etapa a mediados de los sesenta. Se concentró principalmente en la gestión de su recién creada cadena de hoteles llamada muy apropiadamente 'King of the Road'.

Roger con su 'viejo amigo' Willie Nelson

Su último hit lo grabó en 1982 junto con Willie Nelson y Ray Price con la canción 'Old friends', un tema que Miller había escrito para su familia de Oklahoma. Tres años después, compuso un musical para Broadway, 'Big River', con el que obtuvo dos premios Tony. A lo largo de su carrera, Miller fue galardonado con once premios Grammy, lo que había sido un récord hasta que llegó Michael Jackson y su 'Thriller'. Roger murió en Erick (Oklahoma), el sitio que lo vio crecer, a los 56 años en octubre de 1992.

Milt Jackson

El 1 de enero de 1923 nació en Detroit (Michigan) el vibrafonista de jazz Milt Jackson, conocido por haber sido el 'alma mater' de uno de los grupos de jazz más célebres de la historia, The Modern Jazz Quartet.

Fue, junto con Lionel Hampton y Red Norvo, uno de los tres grandes vibrafonistas del jazz. El enfoque de Jackson divergió de sus grandes predecesores, desarrollando un estilo lineal, rítmicamente influido por el bebop más que por el swing. Prefirió un vibráfono ligeramente mayor de lo habitual y ajustó el oscilador para darle un sonido cálido y característico.

The Modern Jazz Quartet

Sus primeros escarceos musicales los dio de la mano del trompetista Dizzie Gillespie en su big band de 1946. Posteriormente durante 1946 y 1948, trabajó con los grandes músicos de la era del bebop como Charlie Parker o Thelonious Monk. Gillespie lo reclamó nuevamente para su sexteto de 1950 y estuvo dos años con él, antes de fundar en 1952 el combo de jazz por el que será conocido internacionalmente y por el que pasará a la historia del jazz: The Modern Jazz Quartet formado originariamente en 1952 por el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath, el batería Kenny Clarke y Milt Jackson al vibráfono, con los que grabó magníficos álbumes como 'Django' (1953), 'Concorde' (1955), 'Fontessa' (1956) y 'Pyramid' (1959).

La discografía de Jackson es impresionante, tanto al frente del MJQ, como liderando otras bandas o trabajando para otros músicos. Aparece en cientos de grabaciones de músicos como Count Basie ('Jam session at Montreaux', 1975), Monty Alexander ('Soul Fusion', 1978) o Dee Dee Bridgewater ('Dear Ella', 1997), por sólo citar unos pocos y fue una gran influencia en jóvenes vibrafonistas como Bobby Hutcherson y Stefon Harris. Murió en octubre de 1999 a los 76 años.

Xavier Cugat

El 1 de enero de enero de 1900 nació en Girona el músico, cantante, compositor, director de orquesta, caricaturista y actor Xavier Cugat.

Nacido en los primeros minutos del siglo XX, su familia se trasladó en 1904 a Cuba. El joven Xavier se adaptó pronto a La Habana, una ciudad donde las melodías aparecían en cada rincón. A los 7 años, cuando entró en el conservatorio Payreda para aprender a tocar el violín, ya demostró que era un alumno privilegiado. Después de las clases, actuaba en un pequeño cine, musicando las películas que en aquel tiempo todavía eran mudas. Tan sólo tres años más tarde, su profesor, que también era el responsable de la Orquesta Sinfónica Teatro Nacional, lo contrató como primer violín.

El trabajo en la orquesta le permitió estar al lado de los grandes profesionales que iban a cantar a Cuba como el tenor Enrico Caruso, que más tarde, cuando los Cugat se trasladaron a EEUU, consiguió que el joven pudiera estudiar con el director artístico del prestigioso Carnegie Hall e incluso que actuara con él. Cugat dio conciertos en varios países europeos y llegó a ser un respetado violinista en los círculos clásicos de la época, pero cuando descubrió los espectáculos de música cubana y antillana con la primera de sus cinco mujeres, la vocalista Rita Montaner, decidió dejar el violín para dedicarse a hacer bailar al público a ritmo tropical.

En 1929 dirige su primera banda, The Gigolos, una orquesta de tangos muy popular en la ciudad, con la que popularizó el tema 'Estrellita'. También trabajó un tiempo como caricaturista en el 'Los Angeles Times', pero el músico dedicaba sobre todo su tiempo a las actuaciones de la sala Coconout Grove, en el Hotel Ambasador, donde Cugat, poco a poco, introdujo en las pistas de baile la rumba, el tango, el mambo, la conga... y bailarinas espectaculares que sabía que animarían al público a seguir el ritmo.

En los años 30, Cugat comenzó una larga carrera de colaboraciones en producciones de Hollywood, como ‘Luces de la ciudad’, de Chaplin (1931), e incluso se atrevió a producir y dirigir un par de filmes.

Orquesta de Xavier Cugat en el Waldorf Astoria

Un año más tarde, consigue dirigir la banda del famoso hotel neoyorquino Waldorf-Astoria, donde permaneció quince años. Cugat ya era el rey de la noche y llenaba la pista de estrellas del cine como Rita Hayworth, Frank Sinatra o Greta Garbo. La orquesta tocaba temas como ‘El manisero’, ‘Copacabana’ o ‘Cielito Lindo’, y sus actuaciones se retransmitían por la radio. Su ejemplo fue muy pronto seguido por otras orquestas, como la de Pérez Prado. En 1940 grabó la canción 'Perfidia', que alcanzó un gran éxito y, con el tiempo, se convirtió en un clásico de la época.

El músico, a quien le gustaba sobre todo ser el centro de interés de la prensa, hizo amistad con Al Capone, de quien adoptó el gusto por los trajes a rayas finas que lucía, acompañándose de un chihuahua en sus actuaciones y apariciones en público. Entre sus amistades también se encontraba Louis B. Miller, propietario de la productora Metro Goldwyn Mayer, con quien participaría en una decena de films (1944-1949), como el clásico ‘Escuela de sirenas’ (1944) o 'La hija de Neptuno' (1949), con Esther Williams.

A menudo y al tratarse de películas de mucho colorido y de comedias musicales románticas, Cugat aparecía pintando o dibujando frente a su orquesta, que, a su vez, interpretaba una vigorosa rumba. En los años 50, apareció la cantante Carmen Miranda y Cugat incorporó sus ritmos brasileños. Más tarde fue Abbe Lane quien se cruzó en el camino del músico y se convirtió en su nueva esposa y la vocalista de la orquesta. La pareja compartió más de una década de una fructífera carrera. El final de la relación con Lane supuso, también, el lento declive de la carrera de Cugat.

En 1978 Cugat, a consecuencia de un problema de salud, se jubiló de la música; su banda fué dirigida por Tito Puente, y, más tarde, por la bailarina, música y cantante Ada Cavallo.

Ese mismo año, después de separarse de Charo, su quinta mujer, se trasladó a Barcelona. Allí  murió, el 27 de octubre de 1990, a los 90 años de edad.Cugat participó en más de cincuenta películas, grabó decenas de discos y realizó innumerables actuaciones en la televisión y en la radio. Además de músico, fue un auténtico hombre de negocios, un catalán que 'hizo las Américas' y triunfó. Una de sus frases más recordadas fue: "Prefiero tocar 'Chiquita Banana' y nadar en mi piscina a tocar Bach y morirme de hambre"

Jacinto Guerrero

El 16 de agosto de 1895 nace en Ajofrín (Toledo) uno de los más conocidos compositores de zarzuelas de los años 20 y 30, Jacinto Guerrero, protagonista importante de la última generación dedicada al género lírico español. Como compositor, trabajó en diferentes campos: desde zarzuelas y revistas, pasando por música para películas, hasta anuncios de radio.

Durante su infancia toca el bombo y platillos en la banda de música de Ajofrín, que dirigía su padre. A los 12 años compone un “Salve a cuatro voces”, que dirige en la procesión de la Virgen de la Esperanza de Toledo. Ejercerá también como capillero y lector de coro en la catedral; organista en la iglesia de San Justo, pianista en un café concierto de la calle del Hombre de Palo y en la primera sala de cine toledana en El Miradero. A los 19 años estrena en la plaza de toros un 'Himno a Toledo' que le permite obtener sendas becas de la diputación y Ayuntamiento para estudiar en el Conservatorio de Música de Madrid.

Ingresa como segundo violín en la orquesta del teatro Apolo. Dos años más tarde obtiene el diploma de primera clase de Armonía. En 1918 compone el sainete de costumbres madrileñas, “La de la cara de Dios”, su primera obra escénica y también la breve pieza sinfónica “Jhaía”, subtitulada Danza mora, que estrena ese mismo año. Al año siguiente se realiza su primer estreno teatral: “El camino de Santiago”, humorada sainetesca, compuesta en colaboración con Eduardo Fuentes y otro año más tarde obtiene el primer gran éxito con el sainete lírico “La pelusa o El regalo de reyes”, que se mantendría en cartel 100 noches seguidas en el Teatro de La Latina de Madrid.

A partir de este momento los estrenos son frecuentes y continuos: “La alsaciana” (1921) estrenada en el Teatro Tívoli en Barcelona, “La montería” (1922), “Los gavilanes” (1923) en tres actos, estrenado en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, “La sombra del Pilar”, “El huésped del sevillano” entre otros.

“La rosa del Azafrán” (1930), es una de sus obras más completas, en dos actos estrenada en el Teatro Apolo de Madrid. En 1929 tras la clausura del Teatro Apolo, viaja a París en donde estrena la revista París-Madrid con Raquel Méller, un montaje de sus números más populares y otras canciones escritas para la cantante. Luego, a solicitud del director británico Georges Berthold Samuelson compone la música para el largometraje “La canción del día”, una de las primeras realizaciones sonoras en español.

Pedro Pérez Fernández, el maestro Jacinto Guerrero, el realizador inglés Georges Berthold Samuelson y Pedro Muñoz Seca

Participa como miembro fundador en la asociación Cinematografía Española y Americana (CEA), creada bajo la presidencia de honor de Jacinto Benavente, con intención de dedicarse a la producción y explotación de películas cinematográficas españolas, sonoras o mudas, de todas clases, incluyendo noticiarios y películas pedagógicas. A partir de entonces compondrá la música para diversas películas.

En 1944 estrenó “¡5 minutos nada menos!”, opereta cómica con la que alcanzaría las 1.890 representaciones consecutivas en el mismo escenario, el Teatro Martín de Madrid y luego compone la música para “Garbancito de La Mancha”, el primer largometraje español de animación. Fue presidente de la Sociedad de Autores (SGAE) y adquirió el modernista palacio de Longoria para ubicar la sede de dicha sociedad en el año 1951. Por su labor recibe la Medalla del Trabajo y el Ayuntamiento madrileño le regala una batuta de oro. Murió en septiembre de 1951 a los 56 años.

Su auténtica vocación y trabajo fue la música. Como compositor dejó un abrumador catálogo de obras en el que se incluye un buen número de composiciones todavía en repertorio. Son obras características de su tiempo, que caminaron de la zarzuela a la revista, de las realizaciones propias del género grande, tan de moda en las décadas previas a la Guerra Civil española, a la ligereza de géneros más dados a la inmediatez y la visualidad escénica.