Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 5 de marzo de 1939 nació en Swift Creek (Georgia) el cantante y guitarrista zurdo de blues Johnny Jenkins, que siendo líder de los Pinetoppers reclutó a un joven Otis Redding como cantante ayudando a lanzar su carrera. Su particular estilo y sus recursos con la guitarra fueron imitados años más tarde por Hendrix. Como muchos bluesmen, su carrera está llena de errores, pésimas decisiones, amargura y dolor, pero al contrario que la mayoría, supo aprovechar sus segundas y terceras oportunidades, gracias a la ayuda de los amigos. Aunque será recordado principalmente por las carreras en las que influyó, poseía su propia personalidad artística y sus grabaciones en solitario son merecedoras de escucha.
The Pinetoppers
Jenkins construyó su primera guitarra con una caja de madera y unas gomas elásticas y comenzó tocando por unos centavos en los bares locales. Más tarde, ya con una guitarra real, Jenkins hacía diabluras con ella. La tocaba del revés y boca abajo con una habilidad que presagiaba su camino al estrellato. A finales de los años cincuenta, Phil Walden, futuro fundador de Capricorn Records, escuchó a Jenkins y su banda The Pinetoppers en un show radiofónico y los contrató. The Pinetoppers tenía entre sus filas a un joven cantante llamado Otis Redding, a quien Jenkis había reclutado tras oírle en un concurso de cantantes aficionados.
Otis Redding
A principios de los sesenta, Jenkins y The Pinetoppers tuvieron un hit local con el tema 'Love twist'y Stax Records le ofreció la oportunidad de grabar un segundo disco en Memphis. Como Jenkins no tenía licencia de conducir, fue Otis quien condujo hasta Memphis a la sesión de grabación. Una vez finalizada, quedaban cuarenta minutos libres de estudio y Otis sugirió grabar un tema que había compuesto, 'These arms of mine'. Fue el tema que lanzó a Otis al estrellato, comenzando a partir de entonces una fugaz pero intensa carrera. Otis le ofreció a Jenkins el puesto de guitarrista en su grupo, pero éste declinó la oferta debido a su miedo a volar. Un miedo que resultó providencial, ya que Otis y varios miembros de su banda murieron en un accidente aéreo unos años después.
Johnny Jenkins
Mientras Otis y su banda triunfaban, Jenkins volvió a realizar giras por el sureste de EE.UU, trabajando durante el día como leñador o mecánico y tocando por la noche en locales baratos y juke joints. Tuvo ocasión de lograr otro hit local con el instrumental 'Spunky' en 1964. Por esta época su acrobático estilo a la guitarra llamó la atención de un joven Jimi Hendrix que se encontraba en Macon visitando a unos parientes. Tras la muerte de Redding en 1967, el hecho de que Johnny no asistiera al entierro reveló otros motivos, además del miedo a volar, que habían generado el desencuentro de los músicos. En 1968 comprobó irritado como un joven guitarrista de Seattle, zurdo como él, estaba asombrando a medio mundo usando los mismos trucos escénicos que él ya había iniciado años antes. También sentía rencor hacía Stax, a quienes acusaba de haber copiado sus técnicas y hallazgos instrumentales en beneficio de Steve Cropper.
Ton-Ton Macoute! (1970)
Phil Walden volvió a concentrarse en la carrera de Jenkins y preparó una sesión de grabación con algunos miembros de Allman Brothers Band en una de las primeras grabaciones para Capricorn Records de la que resultaría el álbum 'Ton-Ton Macoute!' (1970). El disco pretendía ser en principio un trabajo en solitario de Duane Allman, pero cuando surgió el éxito de la banda, el proyecto fue olvidado. Walden encargó a Jenkins que grabara la voz solista y Johnny, cuyo trabajo con la guitarra en el álbum fue mínimo, realizó interpretaciones memorables de temas como 'Rollin Stone' de Muddy Waters, 'I walk on gilded splinters' de Dr. John, 'Down along de cove' de Dylan y 'Bad news' de J.D. Loudermilk. 'Ton-Ton Macoute!' es hoy considerado por muchos como una de las quintaesencias del blues-rock sureño.
Aunque el álbum recibió excelentes críticas, las ventas fueron pobres y tras su publicación, Walden ya estaba inmerso en la promoción de su nuevo grupo de éxito, los Allman Brothers. Jenkins grabó un segundo álbum a mediados de la década que jamás vio la luz. Desilusionado, amargado y harto de la industria se retiró a un segundo plano, ofreciendo conciertos en pequeños locales y desapareciendo de la escena.
Jenkins, mantuvo siempre una visión paranoica de la gente de ciudad, especialmente los blancos. Fue el caso de Phil Walden, su mánager y el de Otis, a quien culpó de haber puesto todos sus esfuerzos en la carrera de Redding, dejando la suya de lado. Más de un cuarto de siglo más tarde, en 1996, Walden, fan de Jenkins por encima de todos los desencuentros, lo volvería a convencer para grabar 'Blessed blues' en su sello Capricorn. Con colaboraciones de Chuck Leavell, JackPearson y otros grandes músicos de sesión de Muscle Shoals, Jenkins sonaba como si no hubiesen pasado los años.
Ya integrado en el blues, el guitarrista publicaría 'Handle With Care' (2001) en el que grabó algunos temas destinados al álbum de los setenta que nunca llegó a publicarse y en el que por fin se pudo disfrutar de Johnny con la guitarra solista, dando una muestra del talento atesorado desde los años sesenta. 'All In Good Time'(2003) fue una colección de versiones e instrumentales y su última grabación. Continuó tocando en directo hasta su muerte en junio de 2006 a los 67 años.
El 5 de marzo de 1948 nació en Sevilla el teclista y cantante español Jesús de la Rosa, compositor principal del grupo Triana con el que supo mezclar a mediados de los años setenta, mediante los álbumes 'El patio', 'Hijos del agobio' y 'Sombra y luz', las fórmulas musicales de King Crimson y Pink Floyd, con melodías y textos propios de la copla, que terminarían de afianzar el nuevo género llamado rock andaluz.
Juan José, Jesús y Eduardo
Jesús que en 1974 provenía de tocar en Madrid con lo que quedaba del grupo Los Bravos, se unió en Sevilla al guitarrista Eduardo Rodríguez (ex- Payos) y al batería y percusionista Juan José Palacios 'Tele' (ex-Gazpacho), para formar el grupo Triana, cuyo propósito inicial era fundir el flamenco con el rock progresivo. Jesús de la Rosa, en esos inicios, tiene compuestas una serie de canciones sin un estilo definido. El único punto en común es su voz trabajada al olor de Procol Harum y Steve Winwood.
El Patio (1975)
Es a partir de la unión de los tres con los productores Teddy Bautista y Gonzalo García Pelayo del sello 'Gong' (Movieplay) cuando se inicia el sonido que les definió como 'rock andaluz'. Las portadas de los discos de Máximo Moreno, el bajo de Manolo Rosas y las guitarras de Antonio García de Diego, hicieron el resto. 'El Patio' (1975), su álbum debut, tiene un gran éxito entre la juventud más inquieta, a pesar de una promoción prácticamente nula. Contiene dos canciones que se convierten en clásicos del grupo y crean escuela dentro del rock andaluz: 'Abre la puerta'y 'En el lago', evocación soñadora de un viaje lisérgico.
Hijos del Agobio (1977)
En 'Hijos del agobio' (1977), editado en un momento muy especial de la historia de España, se abren paso los temas políticos: exaltación de la libertad ("La guitarra a la mañana le habló / de libertad", cantan en 'Rumor') y al mismo tiempo desconfianza de la política organizada ("todos pretenden saber y decir lo que piensa usted / con elegantes palabras y el gesto duro a la vez. / Queremos elegir, / sin que nadie diga más / el rumbo que lleva a la orilla de la libertad", en el tema '¡Ya está bien!').
Jesús de la Rosa en 1979
'Sombra y luz' (1979) recupera los aspectos más progresivos; la música es más oscura y experimental que en los discos anteriores, con mayor presencia de la guitarra eléctrica ('Una historia') y elementos de jazz ('Sombra y luz'). Sólo uno de los temas ('Quiero contarte', reescritura en cierto modo de 'Abre la puerta') mantiene cierta frescura. Tras esta trilogía progresiva, el grupo el grupo cae en una crisis producida por el éxito y la fama, entrando en una fase diferente, intimista y simple, adentrándose en el pop.
Jesús, Juan José y Eduardo
No obstante, tienen aún aciertos tan notables como 'Tu frialdad', su único número uno, y 'Cae fina la lluvia', contenidos en el álbum 'Un encuentro' (1980), que confirma la categoría del trío aunque en ese momento ya habían surgido competidores como Medina Azahara o Alameda. En 'Un mal sueño' (1981) se incluía otro gran tema de Jesús, 'Una noche de amor desesperada',y en su siguiente y último trabajo, se encontraba 'Llegó el día' (1983), el tema más largo grabado por el grupo, que dió título a su último álbum.
La muerte en accidente de circulación de Jesús de la Rosa el 14 de octubre de 1983 puso fin a la vida creativa del grupo. El año 2000 apareció un álbum homenaje en el que participaron numerosos artistas españoles.
El 5 de marzo de 1685 nació en Halle, Alemania el compositor alemán Georg Friedrich Händel, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.
Su padre era barbero y cirujano de prestigio y había decidido que su hijo sería abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y practicaba en secreto, cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de música. De esta forma, Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle, Friedrich Wilhelm Zachau, quien le enseñó a tocar el órgano, el clave y el oboe. A la edad de 17 años lo nombraron organista de la catedral calvinista de Halle. Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del violín y del clave en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó en ese mismo lugar su obra “Almira” y poco después “Nero”. Poco más tarde, insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma, donde disfrutó del mecenazgo tanto de la nobleza como del clero. En Italia compuso óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el éxito de su quinta ópera, “Agrippina” (1709), estrenada en Venecia.
Royal Academy of Music
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de Hannover. Un año más tarde se estrena su obra “Rinaldo” en Londres con un considerable éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. Allí recibe el encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como Royal Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728, que lo hicieron famoso en toda Europa. En esta empresa tuvo el privilegio de contar con los servicios de varios de los principales virtuosos vocales de primera línea de la ópera italiana: el castrado contra-alto Senesino, las soprano Francesca Cuzzoni, Faustina Bordoni, y el bajo Montagnana, entre otros. La estabilidad económica de la empresa, la disposición de los prestigiosos solistas y de una excelente orquesta, así como el gran entusiasmo del público permitió a Händel llevar a la época de gloria de la Royal Academy que incluyó varias de las piezas cumbre de la ópera seria: “Ottone” y sobre todo “Giulio Cesare”,”Tamerlano” y “Rodelinda”, entre muchas otras.
Jorge I
El 11 de junio de 1727 moría de apoplejía Jorge I, pero antes de morir había firmado el "Acta de Naturalización" de Händel. El compositor era ya súbdito británico. Fue el momento de cambiar su nombre a «George Frideric Haendel». A Jorge I le sucedió Jorge II y para su coronación se encargó la música a Haendel. Así nacieron los himnos «Zadok the Priest» (Ambrosian Singers, Menuhin Festival Orchestra & Yehudi Menuhin), «My Heart is Inditing», «Let Thy Hand be Strengthened» y «The King shall Rejoice». Las dimensiones de la orquesta y músicos requeridos eran extraordinarias (se pudo leer en un periódico «habrá 40 voces, y unos 160 violines, trompetas, oboes, timbales y bajos, proporcionalmente, además un órgano, que fue instalado detrás del altar»). A partir de 1740, Haendel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos “El Mesías”, que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia.
En 1751, Haendel perdió la vista mientras componía el oratorio “Jephta”. A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio "El Mesías". Terminado el concierto, se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde se le acostó; nunca más volvió a levantarse. Haendel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759, Sábado Santo. Pocos compositores merecieron tantos elogios en su tiempo, y de ninguno tenemos tan escasa información de su vida personal. Las escasas cartas de Haendel que han llegado hasta nosotros nada revelan acerca de su vida personal; defendía su intimidad y se esforzaba por lograr que su vida pública estuviese separada de su vida privada: nunca se casó, y si mantuvo relaciones con mujeres, nunca habló del tema (en su juventud corrieron rumores acerca de sus vínculos con cantantes italianas).
El estilo de Haendel es una extraordinaria síntesis de los principales estilos nacionales musicales de su época, tomando los mejores elementos y características de cada uno de ellos y superándolos por separado, como sus contemporáneos Bach y Telemann, donde además se añade el estilo inglés de Purcell, al que Haendel le da un nuevo y vigoroso empuje, siendo el verdadero continuador de este compositor. Todo ello fruto de sus estancias en Inglaterra, Alemania e Italia, dando prueba de que Haendel era un auténtico cosmopolita de su tiempo. Sus Suites ofrecen unas cualidades intrínsecas de grandes riquezas en cuanto a su armonía y sentido llegando a alcanzar una profundidad verdaderamente asombrosa.
Su estilo tiene la solidez y el contrapunto de la música alemana, la melodía y el enfoque vocal del bel canto de la italiana, la elegancia y solemnidad de la escuela francesa y la audacia, sencillez y fuerza de la inglesa. Haendel es un fiel continuador de estos estilos y técnicas, en que no aporta ninguna novedad a todas estas corrientes musicales de la primera mitad del siglo XVIII, aunque como Rameau, su música, especialmente en óperas y oratorios, adquiere un nuevo y especial sentido dramático y monumental, triunfante, poderoso y solemne que es único entre la música de su tiempo. Es, en esencia, de corte generalmente italiano, que es el estilo más presente en su música y el que más ha influenciado en todos los aspectos de su obra.
Obra musical:
La vasta y abundante obra de Haendel, muy prolífico como era la norma de la época, se compone de más 600 obras y se divide en 7 grandes grupos, agrupados en dos grandes bloques: música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y música instrumental (orquestal, de cámara y para clave) donde abarca todos y cada uno de los géneros de su época. En cuanto a música vocal, los géneros y obras que el compositor compuso, que suman 290 piezas en total, son 43 óperas en lengua italiana, alemana e inglesa, 2 músicas incidentales para espectáculos en inglés, 26 oratorios en italiano, alemán e inglés, 4 odas y serenatas en italiano e inglés, 100 cantatas en italiano y español, 21 dúos, 2 tríos, 26 arias sueltas, 16 obras para conciertos espirituales, 41 anthems, 5 Tedeum, 1 Jubilate y 3 himnos ingleses.
En música instrumental, 78 en el ámbito orquestal: 34 conciertos para solistas, 23 concerti grossi, 4 oberturas, 7 suites, 2 sinfonías, 6 movimientos de danzas y conciertos sueltos, y 2 marchas. En el ámbito de cámara: 22 sonatas para un instrumento solista y bajo continuo, 25 sonatas en trío y 19 movimientos sueltos de danzas, marchas y sonatas. 186 en el ámbito del clavicémbalo: 30 suites y oberturas, y 156 movimientos de suite sueltas.“Organ Concert Op. IV n.1”, Larghetto e staccato, Allegro, Adagio, Andante (La Divina Armonia & Lorenzo Ghielmi, organo)
Las óperas
Las 43 óperas de Haendel, o si se añade 'Sémele', 'Acis y 'Galatea' y 'Hércules', componen el punto central de su obra junto con los oratorios, siendo uno de los más importantes compositores de ópera universal, el mayor en el ámbito de la barroca, y el más destacado en el subgénero dramático de la ópera barroca, la ópera seria del siglo XVII. Casi todas sus óperas tiene la formula clásica de 3 actos, alternando la dualidad arias da capo-recitativos, sin danzas ni conjuntos, ni ritornellos instrumentales, a excepción de coros como números finales y dúos y tríos en muy contadas ocasiones
Argumentalmente, gran parte de las óperas son de tema heroico, tan de boga en la ópera seria de principios del siglo XVIII, aunque algunas, como 'Il pastor fido', es de temática pastoral, de moda y auge en Italia a finales del siglo XVII y principios del siguiente. Otra temática presente en algunas óperas, y de singular importancia, es la llamada ópera mágica, como 'Rinaldo', 'Orlando', 'Ariodante' y 'Alcina', donde en el argumento, extraído de la literatura épica y caballeresca, tiene una gran importancia y presencia la magia y el encantamiento. La gran mayoría de las óperas tienen una instrumentación muy reducida, aunque su lenguaje orquestal utiliza matices en abundancia y es muy colorista.
Las arias da capo son las grandes protagonistas en ese sentido, con un grandioso vigor melódico, teniendo un ritmo y melodía con gran supremacía y grandes solos obligados. La influencia del contrapunto germano, aprendido de Zachow, se encuentra en el acompañamiento instrumental de las arias, donde se muestra la facilidad y el dominio que tiene Haendel en ese campo, estando más presente en las piezas instrumentales de las óperas, donde a veces se hallan fugas. Si el estilo germano está presente a través del contrapunto, el estilo francés aparece en las oberturas de sus óperas y las danzas y ballets, especialmente en Alcina y Ariodante. Las oberturas, siempre compuestas a la moda francesa, tiene siempre un esquema de dos movimientos: empezando por una lenta y solemne introducción y acabando uno rápido con secciones fugadas.
La soprano Francesca Cuzzoni
El estilo vocal de sus óperas es muy depurado, siendo deudor de Scarlatti y Caldara en su aprendizaje italiano, entre 1706 y 1710, hecho a base de componer sin descanso miles de cantatas. Estas poseían una torrencial fluidez melódica indudablemente forjada en su estancia en Italia. Escrita y pensada la parte vocal para lucir la técnica y capacidades vocales de los grandes castrati y las grandes divas del siglo XVIII, cantantes superdotados, exige un gran virtuosismo en algunos pasajes, ya extendiéndose muchos compases sobre una vocal, o bien desafiando y poniendo al límite la capacidad de los cantantes, amén de otras difíciles técnicas virtuosas como notas agudas y graves y sonido aflautado. Así, los intérpretes actuales, aunque estén muy capacitados, no pueden igualar la técnica de los castrati y las divas del siglo XVIII. En ese sentido, Haendel siempre estuvo a disposición, aunque temporalmente, para cantar sus difíciles y exigentes óperas de casi todos los mejores intérpretes italianos de su época, como los célebres Farinelli, Cuzzoni, o Senesino, aunque el público de Londres no apreciaba ese reparto.
Otras arias destacables son: “Or la tromba in suon festante”, “Cor ingrato furie terribili” (Cristophe Dumaux), “Cara sposa” (Nathaie Stutzmann, dir. y Contralto) , “Venti turbini”, “Combatti da force” (Rosanna Savoia & Orchestra del Teatro alla Scala), “Ah! crudel, scherzano son vuolto” o “Fermati” entre otras.
• Il pastor fido - 1712, 1734 “Occhi Belli” (Soprano Marcy Richardson) • Teseo - 1712 “Obertura” (Lautten Compagney, dir.Wolfgang Katschner) • Silla - 1713 “Mio diletto che pensi?...Sol per te, bell'idol mio” (Patrizia Ciofi, Joyce DiDonato) • Amadigi di Gaula – 1715 ''Ah! spietato! e non ti muove"' (Sandrine Piau, soprano, dir. Christophe Rousset & Les Talens Lyriques) • Radamisto – 1720 “Obertura” (Il Complesso Barocco, dir. Alan Curtis) “Ombra cara” (Philippe Jaroussky, contratenor) • Muzio Scevola – 1721 “Ma come amar” (Nuria Rial, soprano; Lawrence Zazzo, contratenor. Orquesta de Cámara de Basilea) • Floridante – 1721 "Alma mia" (Max Emanuel Cencic, contratenor & I Barocchisti) "Lascioti, o bella, il volto" (Roberta Invernizzi, soprano)
• Ottone, re di Germania – 1722 “Affanni del pensier" (Lynne Dawson Soprano /Lautten Compagney/Wolfgang Katschner) • Flavio, re de’ Langobardi – 1723 • Giulio Cesare in Egitto – 1724 ''Empio, diro, tu sei'' (Marijana Mijanovic, mezzosoprano) “Son nata a lagrimar” (Philippe Jaroussky & Marie-Nicole Lemieux) • Tamerlano – 1724
• Rodelinda, regina de’ Langobardi – 1725 "Vivi Tiranno io t'ho scampato" (Alan Curtis & Il Complesso Barocco) • Scipione – 1726 • Alessandro – 1726 • Admeto, re di Tessaglia – 1726 “Obertura” (Händelfestspiel orchester Hallé, dir. Howard Arman) • Riccardo Primo, re d’Inghilterra – 1727 “T´amo si” (Sandrine Piau, Sara Mingardo)
• Siroe, re di Persia – 1728 • Tolomeo, re d’Egitto – 1728, (Philippe Jaroussky, contratenor & Australian Brandenburg Orchestra, dir. Paul Dyer). • Lotario – 1729 • Partenope – 1730 "Furibondo spira il vento" (David Daniels, contratenor)
• Poro, re dell’Indie – 1731 “Senza procelle” (Europa Galante, dir. Biondi)
• Ezio – 1732
• Sosarme, re di Media – 1732 “Oh Diva Hecate...Dite pace, e fulminate” (Julianne Baird & AmorArtis Orchestra)
• Orlando – 1732 “Fammi combatiere”Bejun Mehta, dir. Rene Jacobs, Freiburg Barocorchestra) • Arianna in Creta – 1733 "In Mar tempestoso" (Ann Hallenberg, Les Talens Lyriques, Christophe Rousset) • Il pastor fido - 1712, 1734 “Occhi Belli” (Soprano Marcy Richardson) • Ariodante – 1734 "Scherza infida" (Ian Bostridge, tenor) "Il mio crudel martoro" (Patricia Petibon) • Alcina – 1735 "Ah, mio cor, schernito sei" (Patricia Petibon) “Verdi Patri” (Graham - Kasarova) • Atalanta – 1736 "Care Selve, Ombre Beate" -(Amados bosques, sombras dichosas) (Arleen Auger, Soprano) • Arminio – 1736 • Giustino – 1736 • Berenice, regina d’Egitto – 1736-37 Andante –Larghetto (Philharmonia Chamber Orchestra & Pierre Boulez) • Faramondo – 1737 • Serse – 1737-38 “Ombra mai fu” (Cecilia Bartoli & Il giardino armonico) Largo (The London Symphony Orchestra) • Imeneo – 1738 "Se potessero i sospir miei" (Ann Hallenberg & Capella Augustina instrumentos de periodo, dir. Andreas Spering)
Los oratorios
• “El Mesías”
Su oratorio más famoso es el renombrado Mesías, compuesto en 1741. Según la tradición, fue realizado tras un largo período de escasez en la producción musical del compositor debido a una inspiración divina. Lo cierto es que Haendel se encontraba en un momento creativo interesante, ya que junto a esta obra escribió el drama coral Samson, que junto a Saul, Jephta y Belshazzar marcan la cumbre del drama coral. Su coro más famoso es el majestuoso "Hallelujah" (Christopher Hogwood, Academy of Ancient Music, Choir of Westminster Abbey)
Este oratorio fue representado en el Covent Garden y dirigido por Haendel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte. El Mesías es más bien una colección de tres cantatas con textos poéticos y narrativos, pero no dramáticos, lo cual es totalmente atípico en Haendel (sólo ocurre, además de en esta obra, en Alexander's Feast, Israel in Egypt y L'allegro, il penseroso ed il moderato). La obra completa consta de 52 números: 16 arias, 1 dueto, 8 recitativos acompañados y 5 secos, 21 coros, y una sinfonía pastoral, todos precedidos de una obertura.
Arias, coros y recitativos destacables:
Parte primera
4. Coro: Magistral forma de polifonía libre “And the glory of the Lord”, ‘y va a mostrarse la gloria de Dios’ (Bow Valley Chorus).
7. Coro: “And He shall purify the sons of Levi”, ‘y los purificará como se depura el oro y la plata’. (The London Philharmonic Orchestra and Chorus). Con la música de dos fugati, la segunda de extraordinaria sonoridad.
10. Recitativo : “For behold, darkness shall cover the earth”, ‘mientras está cubierta de sombras la tierra’ (The London Philharmonic Orchestra and Chorus).
11. Aria: El bajo anuncia las tinieblas que envuelven la campiña como inicio de la noche de la llegada del Niño Dios. “The people that walked in darkness”, ‘el pueblo que andaba en tinieblas’ (The London Philharmonic Orchestra and Chorus).
12. Coro. Canta de manera exultante ”For unto us a Child is born”, ‘porque nos ha nacido un niño’ (The London Symphony Orchestra, dir. Sir Colin Davis).
16. Aria. Brillante aria de soprano “Rejoice greatly, O daughter of Zion” (Kathleen Battle & Robert Sadin).
18. Aria. Único dúo de esta sección a cargo de la contralto y la soprano que también usa textos de dos fuentes y evoca la tranquilidad del pastor. “He shall feed his flock like a shepherd”, (Barbara Bonney & The Freiburg Baroque Orchestra).
Parte segunda
21. Aria. La contralto, de manera entrecortada, entona el número más extenso de la obra, de una gran fuerza “He was despised” ‘fue despreciado’ Parte 1 (Contralto - Anne Sofie von Otter & The English Concert and Choir on authentic instruments).
25. Recitativo. “And they that see Him” (The English Concert, The English Concert Choir & Trevor Pinnock).
37. Coro. “Their sound is gone out” (The English Concert and Choir on authentic instruments).
Parte tercera
43. Aria. Comienza la sección final “I know that my Redeemer liveth” (Sara MacLiver & Soprano Cantillation Choir
Orchestra of the Antipodes). Esta serena aria es la más hermosa de la obra.
52. Chorus. “Worthy is the Lamb” y “Amén”. (Philarmonia Chorus & Orchestra, Otto Klemperer) El novelista austriaco Stefan Zweig llegó a comentar del “Amén”: “Estas dos cortas y abruptas sílabas sirven para construir un monumento que llega al cielo. Una voz seguida de otra, las sílabas se alargan (...) como el aliento de Dios, y la inspiración de Haendel resuena en la palabra final de la sublime plegaria que así llega a ser tan amplia y enorme como el universo”.
Música para teclado
Las obras para teclado de Haendel, en especial las destinadas al clavicémbalo, son una de las cimas, junto con Bach, Rameau, Couperin y Domenico Scarlatti, de la música barroca para estos instrumentos. Haendel, en estos conciertos, demostraba su talento como organista; y su original sonoridad donde con su carisma fascinaba y entusiasmaba al público, sin embargo, se tiene una imagen incompleta de cómo debía de sonar realmente esa música, ya que en las partituras no aparecen las ornamentaciones ni las secciones reservadas a la improvisación. No es de extrañar, pues, que Haendel, como Bach, fuera un notable improvisador al teclado. El famoso científico Isaac Newton comentó en su día sobre la habilidad de Haendel: “No encontré nada que subrayar, sino la elasticidad de sus dedos. Pero no sólo se trataba de darle bien a las teclas, sino de proporcionar una música capaz de encandilar a las audiencias”.
Música instrumental
• 8 suites para clave (HWV 426 - 433)
Estas suites tienen una originalidad y una variedad muy grande en varios aspectos, en referencia a la suite francesa para teclado, siguiendo la norma como el resto de su obra instrumental. Adopta variados patrones y movimientos de diversos géneros: la sonata de iglesia, como en el caso de la Suite 2 (Sviatoslav Richter), la estructura clásica de la suite, como en el caso de la Suite 1 (Simone Stella) , o una combinación de ambos géneros, como en la Suite 7 (Ludger Remy), y diversos estilos, como el concierto en la Suite 3 (Sviatoslav Richter) o la suite nº 4.
Estas suites tienen una gran potencia y sentido dramático, un aire de grandeza que casi desborda el marco del clave, y utilizan tonalidades poco usadas en la primera mitad del siglo XVIII, como en el caso de la Suite en fa sostenido menor (Michael Borgstede, clave) y, entre la producción de teclado, es en estas obras donde está más patente la versatilidad de Haendel.
• “Suite nº 11 en Re menor” I. Allemande (Andantino); II. Courante (Allegro moderato); III. Sarabande (Lento non troppo); IV. Gigue (Allegro) (Eric Heidsieck).
• 6 conciertos para órgano op. 4 (HWV 289 – 294)
• 6 conciertos para órgano op. 7 (HWV 306 – 311)
• 6 concerti grossi op. 3 (HWV 312 – 317) “Concerto grosso en sol mayor HWV 319” (Haïm, dir. & Berliner Philharmoniker)
