Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 28 de enero de 1929 nació en Pensford (Somerset) el clarinetista inglés Acker Bilk. Fue uno de los representantes junto a Chris Barber y Kenny Ball, del boom de jazz tradicional que surgió a finales de los cincuenta en el Reino Unido.
Su padre fue predicador y su madre organista, por lo que tomó contacto con la música muy joven. Su preferencia por el clarinete fue casual. Cuando estaba cumpliendo su servicio militar en Egipto, se quedó dormido durante una guardia y fue arrestado durante tres meses en el calabozo. Fue allí donde Bilk, para aprovechar el tiempo, aprendió a tocar el instrumento con el que se haría conocido. De vuelta en Inglaterra, a mediados de los años cincuenta entró a formar parte del grupo de Ken Coyler y en 1958 fundó su propia banda, la Paramount Jazz Band.
La característica imagen de Bilk con su perilla y su bombín comenzó a hacerse popular en el Reino Unido y en centroeuropa, especialmente en Alemania, donde fue muy querido. En 1960 obtuvo un nº1 en ambos países con 'Summer set', al que siguieron otros éxitos menores como 'Buona sera' y 'That's my home'.
En 1961 compuso el tema 'Stranger on the shore' para una serie de la TV británica. Se volvió a grabar y editar en single con la participación de la Leon Young String Chorale. El tema vendió un millón de ejemplares y alcanzó al nº1 de las listas americanas, convirtiéndose Bilk en el segundo artista británico en lograrlo. En el Reino Unido permaneció un año en las listas y es allí el tema instrumental más vendido de la historia. Bilk murió el 2 de noviembre de 2014 a los 85 años.
El 23 de enero de 1752 nació en Roma el compositor clásico italiano Muzio Clementi, considerado el primero que escribió específicamente para piano y conocido principalmente por su colección de estudios para piano “Gradus ad Parnassum”.
Fue el primero de siete hijos de Nicolò Clementi, un platero altamente respetado y romano por herencia y de Magdalena Kaiser de nacionalidad suiza. Su talento musical empezó a manifestarse a temprana edad; a los siete años comenzó su instrucción musical y sus progresos fueron tan notables que a los trece años ganó un lugar como organista de la iglesia. En 1766, Sir Peter Beckford (1740–1811), un acaudalado inglés primo del excéntrico William Beckford, mostró interés en el talento musical del muchacho y trató de convencer a Nicolò para llevarlo a su mansión de Blandford Forum en Dorset, Inglaterra donde Beckford acordó proveer pagos trimestrales para mantener la educación musical de Clementi. A cambio de esta educación, Clementi se encargaba de los eventos musicales en la Mansión. Clementi pasó los siguientes siete años dedicándose enteramente al estudio y práctica del clavicordio. Sus composiciones de este período inicial, sin embargo, fueron pocas y casi todas se han perdido.
En 1770, Clementi se presenta por primera vez en público como pianista. La audiencia estuvo muy impresionada con su ejecución, fue el comienzo en ese entonces de una de las carreras como concertista de piano más exitosas en la historia. En 1774, Clementi fue liberado de sus obligaciones para con Peter Beckford y se trasladó a Londres, donde entre otras realizaciones hizo varias presentaciones en público como clavicordista e intervino en conciertos para cantante y arpa. Su renombre creció, al menos en parte a la popularidad de sus Sonatas Opus 2 recientemente publicadas. Su fama y prestigio aumentaron rápidamente y fue considerado por muchos círculos musicales como el pianista virtuoso más grande del mundo.
Clementi inició una gira europea en 1781 que le permitió viajar por Francia, Alemania y Austria. En Viena, Clementi convino con José II para entrar en un duelo musical con Wolfgang Amadeus Mozart para entretenimiento del Emperador y sus invitados. Cada ejecutante fue invitado a improvisar y a ejecutar selecciones de sus propias composiciones. La habilidad de ambos compositores y su virtuosismo fue tan grande que el Emperador se vio forzado a declarar un empate.
La falta de respeto evidente de Mozart para con Clementi (y probablemente con los italianos en general) ha llevado a llamarlos «archirrivales». Si bien, la animosidad no fue correspondida por Clementi por lo que sabemos. De todos modos, las cartas de Mozart estaban llenas de burlas e irreverencias que nunca esperó que algún día se hicieran públicas.
El 12 de enero de 1782 Mozart escribió a su padre: «Clementi toca bien, tanto como la ejecución con su mano derecha le permite. Su mayor potencial reside en sus pasajes en terceras. Aparte de eso, no tiene el valor de Kreuser en cuanto al gusto y la sensibilidad — resumiendo él es muy técnico.» En cartas subsiguientes, fue más allá diciendo que: «Clementi era un charlatán, como todos los italianos.»
Las impresiones de Clementi respecto a Mozart, por el contrario, fueron todas muy positivas y entusiastas. Pero el tema principal de la Sonata en si bemol mayor cautivó la imaginación de Mozart y diez años más tarde lo utilizó en la obertura de su ópera “Die Zauberflöte” (La flauta mágica). Este hecho indignó tanto a Clementi que cada vez que publicó esta sonata, incluyó una nota explicando que fue escrita diez años antes de que Mozart escribiera La flauta mágica.
John Field
A partir de 1782 y en los siguientes veinte años Clementi permaneció en Inglaterra tocando el piano, dirigiendo y enseñando. Dos de sus estudiantes alcanzaron un importante renombre: Johann Baptist Cramer y John Field (quien, a su vez, ejerció una gran influencia sobre Frédéric Chopin). Clementi también comenzó la manufactura de pianos, pero en 1807 esta fábrica fue destruida por un incendio. Ese mismo año inició contactos con Ludwig van Beethoven, uno de sus más grandes admiradores, quién le dio los plenos derechos de publicación de toda su música. El nivel alcanzado por Clementi dentro de la historia de la música como editor e intérprete de Beethoven no es ciertamente menor que como compositor (aunque también fue criticado por algunos trabajos de editorial permisivos, por ejemplo haciendo «correcciones» armónicas a algunas obras del compositor alemán.
Clementi en 1810 (A. Orlowski)
El hecho de que Ludwig van Beethoven empezara, al final de su vida, a componer (en su mayoría música de cámara) especialmente para el mercado británico, pudo haber estado relacionado con el hecho que su editor estaba radicado allí. En 1810 Clementi dejó de realizar sus conciertos para dedicarle todo su tiempo a la composición y a la fabricación de pianos. En 1830 se trasladó a las afueras en Lichfield y pasó sus últimos años en Evesham, donde murió a los 80 años de edad. Fue enterrado en la abadía de Westminster.
OBRA
Clementi es mayormente conocido por su colección de estudios para piano Gradus ad Parnassum, sobre la cual hace Debussy una divertida alusión en la obra «Doctor Gradus ad Parnassum» (el primer movimiento de su suite El rincón de los niños).
Del mismo modo sus sonatinas pasaron a ser un estudio obligado para los estudiantes de piano hasta pasado el siglo XX. Erik Satie, un contemporáneo de Debussy, bromearía con estas sonatinas (específicamente la sonatina Op. 36 n.° 1) en su Sonatina Burocrática. Compuso alrededor de 110 sonatas para piano. Algunas de las primeras y más sencillas fueron reeditadas como sonatinas después del éxito de su sonatina Op. 36 n.° 1 y continúan siendo obras de práctica popular en la educación del aprendizaje del piano
Sus sonatas raramente son tocadas en conciertos públicos, en gran parte porque son consideradas como música educacional sencilla. Las sonatas de Clementi son a menudo más difíciles de tocar que las de Mozart, aunque éste escribió una carta a su hermana en la que le decía que preferiría que no tocase las sonatas de Clementi debido a sus movimientos de saltos, a la amplitud de espacios de digitación y los acordes, que pensaba que para lograr tocarlos le podría causar alguna lesión.
Además de repertorio para piano solo, Clementi escribió una gran cantidad de otros tipos de música, incluyendo algunas obras recientemente encontradas y trabajos extensos como algunas sinfonías inconclusas que están siendo gradualmente aceptadas por la comunidad musical como obras importantes: Sinfonía Nº 1 en Do mayor. Mientras la música de Clementi rara vez es tocada en las salas de concierto, su popularidad se ha ido incrementando por la grabaciones de sus obras.
El pianista ruso Vladimir Horowitz adquirió un especial cariño por el trabajo de Clementi, consecuencia de esto su esposa Wanda Toscanini le compró las obras completas de Clementi. Horowitz incluso comparó algunas de estas obras con los mejores trabajos de Beethoven. La revalorización de la imagen de Clementi como un gran artista se debe en gran parte a los esfuerzos de Horowitz y de Andreas Staier, Andrea Coen y Costantino Mastroprimiano.
Figura subestimada en el mundo de la música Clememti es ampliamente considerado por los especialistas como el creador del pianoforte moderno como un instrumento, así como el padre de la ejecución del piano moderno. Vivir como contemporáneo de los más grandes compositores clásicos de piano tales como Mozart y Beethoven provocó que su propio trabajo pasara desapercibido, por lo menos en la práctica del concierto, a pesar de su importancia en la historia de la música para piano y en el desarrollo de la forma de sonata.
•Opus 12: Cuatro sonatas y un dueto para dos pianos (1784)
•Opus 13: Seis sonatas, tres de ellas con violín (o flauta) (1785)
•Opus 14: Tres dúos a 4 manos (1786)
•Opus 15: Tres sonatas para piano y violín (1786)
•Opus 16: Sonata La Caza (1786)
•Opus 17: Capriccio (1787)
•Opus 18: Dos sinfonías (1787)
•Opus 19: Características musicales de Clementi (1787)
•Opus 20: Sonata (1787)
•Opus 21: Tres tríos (1788)
•Opus 22: Tres tríos (1788)
•Opus 23: Tres sonatas (1790)
•Opus 24: Dos sonatas (1788)
•Opus 25: Seis sonatas (1790)
•Opus 26: Sonata (1791)
•Opus 27: Tres tríos (1791)
•Opus 28: Tres tríos (1792)
•Opus 29: Tres tríos (1793)
•Opus 30: Sonata para piano y violín (rev. del Opus 2 n.º 2) (1794)
•Opus 31: Sonata para piano y flauta (rev. del Opus 2 n.º 4) (1794)
•Opus 32: Tres tríos (1793)
•Opus 33: Tres sonatas (1794)
•Opus 34: Dos sonatas y dos caprichos (1795)
•Opus 35: Tres tríos (1796)
•Opus 36: Seis sonatinas (1797)
•Opus 37: Tres sonatas (1798)
•Opus 38: Doce valses (1798)
•Opus 39: Doce valses (1800)
El 19 de enero de 1939 nació en Chicago el músico y cantante Phil Everly, el menor de los Everly Brothers, un dúo fundamental en la historia de la música popular, cuyas armonías vocales inspiraron a numerosos grupos, principalmente a Beatles y Simon & Garfunkel. También en España tuvieron su influencia, dando lugar al Dúo Dinámico.
Tuvieron su máximo esplendor entre 1957 y 1965 con temas como 'Bye bye love', 'Wake up little susie', 'All I have to do is dream', 'Cathy's clown', cuyo arreglo vocal influyó a los Beatles en 'Please, please me', y 'Crying in the rain'. En 1973 se separaron durante diez años y, a partir de ese año ambos hermanos siguieron grabando por separado. Don tuvo algunos éxitos en las listas de música country a mediados de la década de 1970 y Phil realizó buenos álbumes pero solo conoció el éxito a principios de 1983 con el dueto con Cliff Richard'She means nothing to me'. ´
En 1983, tras una gran expectación y repetidos rumores se confirma la reunión de los dos hermanos para un histórico concierto el 23 de septiembre en el Royal Albert Hall en el Reino Unido. Graban juntos un nuevo álbum,'EB84', cuyo tema original de Paul McCartney'On the wings of a nightingale', especialmente escrito para ellos, los devuelve a las listas británicas y norteamericanas. Siguieron los álbumes 'Born Yesterday' (1986) y 'Some Hearts' en 1989 y aunque no volvieron a grabar desde entonces, continuaron actuando juntos en ocasiones especiales, como cuando Paul Simon los invitó a actuar con él y Garfunkel en su gira 'Old Friends' de 2003 y 2004.
Phil murió el 3 de enero de 2014, dieciséis días antes de cumplir 75 años. Paul Simon publicó tras su muerte: "Phil y Don formaban un dúo con el sonido más bello que he conocido. Voces inmaculadas y llenas de sentimiento que se encontraban en un cruce de caminos entre el country y el R&B. Fueron testigos y parte del nacimiento del rock and roll".
El 18 de enero de 1835 nació el compositor e ingeniero militar lituano nacido en Vilna, Tsézar Antónovich Kyuí, más conocido como Cesar Cui, uno de los compositores pertenecientes al llamado "Grupo de los Cinco".
Fue hijo de una mujer noble lituana y un oficial francés que se quedó en Rusia tras el retiro del ejército de Napoleón. Ninguno tenía interés por la música y Cui aprendió por sí solo notación musical y piano. En 1849 recibió algunas lecciones de armonía y contrapunto del compositor polaco Stanislaw Moniuszko, quien vivía por entonces en Vilnius. Al año siguiente fue enviado a San Petersburgo e ingresó en la Escuela de Ingeniería. Más tarde asistió a la Academia de Ingeniería Militar y se graduó en 1857, llegando a ser topógrafo y un reconocido experto en fortificaciones militares. En 1864 comenzó a escribir críticas musicales para los periódicos y se hizo conocido en los círculos musicales por su oposición a la música occidental, sobre todo la de Max Reger y Richard Strauss.
Los 'cinco' y Vladimir Stasov
Cui conoció a Balakirev en 1856 y poco después se hizo amigo de Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. Desde entonces mantuvo una cercana relación con el grupo cumpliendo sobre todo el rol de propagandista y teórico en los esfuerzos por establecer un idioma musical nacional. Cui fue la primera persona en publicar un ilustrativo libro sobre música rusa y siguió escribiendo como crítico hasta 1900.
Fue elegido miembro de la Academia Francesa y condecorado con la Cruz de la Legión de Honor. En 1896 la Real Academia de Arte y Literatura de Bélgica le nombró miembro y en 1909 y 1910 se realizaron eventos en honor del 50 aniversario de Cui como compositor.
Murió el 26 de marzo de 1918 y fue enterrado junto a su esposa Malvina en un cementerio de San Petersburgo. En 1939 su cuerpo fue trasladado al cementerio de Tikhvin en el monasterio de Alexander Nevsky de San Petersburgo, donde se encuentran los otros miembros de "Los Cinco".
Obra musical:
En sus composiciones Cui fue influido por Balakirev. Mostró mejor talento como miniaturista que como compositor de grandes partituras. Aunque escribió varias óperas, ninguna tuvo tanto éxito como otras partituras suyas.
La mayor parte de su producción radica en canciones y pequeñas piezas para piano, pero también compuso música orquestal, algunas obras de cámara y escasos trabajos corales. Su debut como compositor tuvo lugar en 1859 bajo la dirección de Anton Rubinstein, con el "Scherzo" op. No.1 (Dúo Tatjana & Leonid Schick ). Escribió composiciones para casi todos los géneros de su época, con las excepciones distintas de la sinfonía y el poema sinfónico (a diferencia de sus compatriotas Balakirev, Borodin, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov). Son muchas sus obras para niños (numerosas canciones y óperas basadas en cuentos).
Entre sus óperas destacan: "William Ratcliff" estrenada en 1869 (basada en la tragedia de Heinrich Heine), "El Hijo de mandarín" (1878) (Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR & Alfons Rischner), "Prisionero del Cáucaso" (1883), basada en Pushkin, "Mademoiselle Fifi" (1903), sobre la obra de Guy de Maupassant, "El Filibustero" (Robert Stankovsky & The Slovak Radio Symphony Orchestra) estrenada en la Opéra-Comique de París en 1894 y la ópera infantil "El gato con botas" (en Roma, 1915).
También compuso cuatro suites orquestales (The Slovak Radio Symphony Orchestra), música de cámara y piezas cortas para violín y piano [entre ellas la destacable pieza "Orientale" Op. 50 No.9 (Mischa Elman)], violonchelo y piano, miniaturas para violín y piano, cuartetos de cuerda y una gran cantidad de piezas cortas para piano. Se ha dicho que su estilo es más cercano a Robert Schumann y compositores franceses como Gounod que a Mikhail Glinka o cualquiera de sus contemporáneos rusos.
El 17 de enero de 1966 se publicó en Estados Unidos 'Sounds of Silence', el segundo disco de larga duración de Simon y Garfunkel que fue grabado a toda prisa debido al fulgurante éxito que obtuvo la nueva mezcla del tema acústico 'Sound of Silence' editada en single, a la que el productor de Columbia Tom Wilson había añadido (sin permiso de Paul Simon) batería e instrumentos eléctricos. El 1 de enero de 1966 el sencillo alcanzó el nº1 del Hot100 y eso obligó al dúo neoyorquino, los mayores sorprendidos del repentino éxito, a retomar su carrera que en aquel momento había entrado en una etapa de futuro incierto.
El primer álbum del dúo, 'Wednesday Morning, 3 A.M.' se había publicado en octubre de 1964 y contenía doce canciones de estilo folk, cinco de ellas escritas por Simon, entre ellas, 'The sound of silence'. Al coincidir su aparición con el comienzo de la beatlemania en Estados Unidos, el disco pasó desapercibido por lo que Paul, desilusionado, se marchó a Inglaterra mientras Art seguía con sus estudios en la Universidad de Nueva York.
Paul en Londres
Londres parecía ser la Meca musical de entonces y Paul se instala en la capital británica y toca en bares y clubes. En uno de ellos conoce a Kathy Chitty, que sería su compañera sentimental e inspiración para temas como 'Kathy's Song' y 'America'. Allí continuó componiendo canciones y comprobó que no se había publicado en el Reino Unido el álbum grabado en EE.UU meses antes.
Paul y Kathy Chitty
Como seguía bajo contrato con Columbia Records, decidió grabar en los estudios de Londres de la compañía el álbum 'The Paul Simon Songbook'. Publicado en Inglaterra en agosto de 1965, en él volvía a aparecer una nueva versión de 'The sound of silence', además de temas inéditos como 'I am a rock', 'April come she will', 'Patterns' y 'Flowers never bend with the rainfall', que surgirían de nuevo en sucesivos trabajos del dúo.
Mientras tanto, en EE.UU, triunfaban los Byrds con 'Mr Tambourine' y sus armonías vocales sobre los limpios y cristalinos arpegios de la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger McGuinn...
El nuevo sonido de moda inspira al productor de Columbia RecordsTom Wilson, a ejercer un poco de ingeniería musical con los temas de Simon y, aprovechando un tiempo libre tras las sesiones de 'Like a rolling stone' de Bob Dylan, pide a los músicos que graben un acompañamiento de guitarras eléctricas (Al Gorgoni y Vinnie Bell), bajo (Joe Mack) y batería (Buddy Salzman) sobre el original de 'Sound of silence'. Tras publicarse, el éxito es inmediato. El disco avanza directo hacia el nº1 y Wilson llama apresuradamente a Simon, que vuelve de Inglaterra para reunirse de nuevo con Garfunkel y entrar inmediatamente en el estudio. Aunque a Paul no le habían gustado nada los nuevos arreglos de su canción, tuvo que doblegarse a los deseos de la compañía y grabaron el álbum con arreglos folk-rock en una línea similar al del nº1 conseguido.
Art y Paul en el estudio
Las sesiones tuvieron lugar los días 13, 14 y 21 de diciembre en los estudios CBS de Nashvile y Los Angeles bajo la supervisión del productor Bob Johnston que había tomado el relevo a Wilson, y Fred Carter, Jr, Joe South (guitarras y bajo), Larry Knechtel (piano) y Hal Blaine (batería) como músicos de estudio. La falta de tiempo para componer nuevas canciones obligó a usar la mayoría de las canciones que Paul había compuesto y grabado durante su estancia en Inglaterra como 'I am a rock', 'Leaves that are green', 'April come she will', 'A most peculiar man' y 'Kathy's Song'.
'Richard Cory' estaba basado en un poema de Edwin Airlinton Robinson y 'Somewhere they can find me' fue básicamente una nueva versión del tema 'Wednesday morning, 3 A.M.' que había quedado grabado meses antes, por lo que solo se incluyeron dos canciones inéditas en el álbum, 'Blessed' y 'We've got a groovy thing goin'.
El álbum se completó con el instrumental 'Anji' que Simon aprendió en Londres, probablemente a través del mismo autor del tema, el guitarrista acústico británico Davey Graham, de quien Paul también aprendió la afinación de guitarra DADGAD. En la edición inglesa se incluyó el tema 'Homeward bound' que fue publicado en Estados Unidos como single, un mes después de aparecer el álbum allí.
'Sounds of Silence' alcanzó el puesto 21 de las listas. También su anterior trabajo, 'Wednesday Morning, 3AM' fue reeditado y ésta vez sí tuvo la acogida merecida, logrando el puesto 30 en el Billboard 200.
El 15 de enero 1909 nació en la ciudad de Nueva York el compositor, educador y autor Elie Siegmeister, que buscó en las raíces de su pueblo esa nueva música que habría de marcar la tónica del siglo xx. Así el jazz, los espirituales, los cantos de trabajo, tanto de las fábricas como del campo, lo impulsan hacia un camino determinado: aquel que habrá de conducir a la música social.
Siegmeister obtuvo con 18 años una licenciatura cum laude de la Universidad de Columbia, donde estudió teoría de la música con Seth Bingham. Estudió dirección de orquesta con Albert Stoessel en la Juilliard School y contrapunto con Wallingford Riegger. Fue uno de los numerosos compositores americanos, incluyendo Aaron Copland y Virgil Thomson, que fueron alumnos de la influyente profesora Nadia Boulanger en París. Su variada producción musical mostró su preocupación por el desarrollo de un auténtico vocabulario musical estadounidense. Jazz, blues y melodías populares y ritmos son temas frecuentes en sus numerosos ciclos de canciones, sus nueve óperas, sus ocho sinfonías y sus obras corales, de cámara y solistas.
Sus 37 obras para orquesta han sido interpretadas por importantes orquestas en todo el mundo bajo la batuta de directores como Arturo Toscanini, Leopold Stokowski, Dimitri Mitropoulos, Lorin Maazel y Sergiu Comissiona. También compuso para Hollywood (en particular, la banda sonora de "They Came to Cordura", protagonizada por Gary Cooper y Rita Hayworth, 1959) y Broadway (Sing Out, Sweet Land, 1944, libro de Walter Kerr). Su "Western Suite" fue estrenada por Toscanini y la Orquesta Sinfónica de la NBC el 25 de noviembre de 1945.
Siegmeister escribió varios libros importantes sobre música que fueron ampliamente adoptados por los planes de estudios universitarios y de conservatorio. En 1960 también grabó y lanzó un álbum en Folkways Records, 'Invitation to Music' en el que se analizan con ejemplos prácticos los fundamentos de la música. Desde 1977 hasta su muerte, el 10 de marzo de 1991, desempeñó en el Consejo de Administración de la ASCAP y presidió su Comité Sinfónico y de Concierto. En 1939, organizó el grupo de cantantes estadounidenses Balada, pioneros en el renacimiento de la música popular que él llevó a cabo durante ocho años en espectáculos en los Estados Unidos. Fue el ganador de numerosos premios y reconocimientos, entre ellas las del Guggenheim, Ford y Fundaciones Elizabeth Sprague Coolidge, la Biblioteca del Congreso, el Fondo Nacional de las Artes y la USIA.
Elie Siegmeister y Antonio Machado: Elegías a García Lorca En 1938, el compositor norteamericano Elie Siegmeister compuso 'The Crime Took Place in Granada' (El crimen fue en Granada), también conocida como Elegies for Garcia Lorca (Elegías a García Lorca), tres canciones para barítono y piano. La importancia de esta composición no sólo radica en que es una obra temprana del que sería luego uno de los compositores estadounidenses más importantes del siglo XX, sino también por ser la versión musical del poema de Antonio Machado, «El crimen fue en Granada», dedicado a Federico García Lorca, escrito con motivo de su dramático asesinato en 1936, a principios del estallido de la guerra civil española (1936 -1939).
En el poema, Machado muestra su enorme dolor por el amigo muerto, repudia su crimen, y se lamenta de que hayan sido las gentes de su tierra natal —de «su Granada» — quienes lo hicieran. Granada es el escenario del crimen, pero también una metonimia de quienes allí vivían cuando ocurrieron los hechos, donde un pelotón de verdugos locales ejecutó a un hijo de la ciudad, al poeta granadino. El poema representa el enfrentamiento de la España del «verso», la de la República democrática y culta que encarna Federico, derrotada «a plomo» y traición por la rebelión militar de los «fusiles». Pero es también el relato de un narrador -poeta que con sus versos rompe el silencio de todos los que presenciaron esa tragedia sin denunciarla.
Al escoger este poema como texto para su composición musical, Siegmeister se solidariza y apoya su mensaje, contribuyendo además a su difusión internacional y subrayando con este acto la importancia de la expresión artística como testimonio. Machado escribió el poema poco después del asesinato de García Lorca, ocurrido el 19 de agosto de 1936, al inicio de la guerra civil. Se publicó, pasados unos meses, en "Ayuda, Semanario de la solidaridad", el 17 de octubre de ese mismo año. Más tarde, Machado lo incluyó en su libro "La guerra", publicado en 1937. Por su parte, resulta especialmente llamativa la fecha de composición de estas canciones de Siegmeister, escritas en 1938, poco menos de dos años después de que se produjera el crimen de García Lorca, lo que muestra la rapidez en la difusión y circulación de la noticia de la muerte del poeta granadino y del poema de Machado.
El 13 de Enero de 1683 nace en Kirchberg, Alemania, uno de los más grandes compositores de su tiempo, Christoph Graupner, que coindició con sus colegas contemporáneos Händel, Telemann y J. S. Bach, y fue amigo de otros grandes compositores como Heinichen y Fasch.
Reinhard Keiser
Acaba sus estudios en Leipzig con Kuhnau, predecesor de J. S. Bach en la Iglesia de Santo Tomás, Graupner deja Leipzig en 1705 para ocupar el cargo de clavecinista de la orquesta de la Ópera de Hamburgo, que estaba dirigida por Reinhard Keiser donde J. F. Händel era violinista. Graupner compuso varias óperas que tuvieron un gran éxito y colaboró también en la composición de tres más con Keiser, figura dominante en aquel tiempo de la ópera alemana. En 1709 acepta un puesto en la corte de Hesse-Darmstadt, donde llegó a ser en 1711 el director y compositor de la orquesta.
Ernst Ludwig von Hesse-Darmstadt
En marzo de 1723, a petición del conde Ernst Ludwig von Hesse-Darmstadt, renuncia al cargo de Cantor de la Escuela de Santo Tomás en Leipzig que permite a J. S. Bach acceder al cargo de manera oficial el 5 de mayo de 1723. Graupner deja mención de Bach en su renuncia. Graupner pidió que toda su obra fuera destruida después de su muerte, decisión que provoca problemas jurídicos entre los herederos, y que finalmente queda bajo la propiedad de la corte de Darmstadt, actualmente su propietario es el estado federal de Hesse.
Célebre también por su excelente caligrafía con sus copias y autógrafos. El maestro Johann Mattheson dijo en una ocasión “sus partituras manuscritas son tan bellas que parecen grabados". Se conservan copias de obras de compositores contemporáneos suyos, como Fasch, Stamitz, Richter, Telemann, Vivaldi y otros que fueron manuscritas por él. Esta era entonces una práctica muy común, pues apenas circulaban las ediciones impresas. Sabemos que también J. S. Bach copió música de otros compositores, tanto anteriores como contemporáneos, un procedimiento que se utilizaba para estudiar los recursos y las técnicas de otros maestros, y que a menudo se utilizaban también para realizar transcripciones. Graupner muere el 10 de mayo de 1760 en Darmstadt, Hesse, Alemania.
Obra
Graupner hace uso en sus obras de casi todos los instrumentos. En sus obras para orquesta y en música de cámara le daba un papel principal a los instrumentos de viento, de lengüeta y a las flautas dulces, con lo que demuestra su búsqueda tímbrica, donde hace destacar la calidad y originalidad de su música. En un estudio que hizo sobre Bach, Julius August Philipp Spitta, compositor y musicólogo alemán, hace mención de la importancia de Graupner y de su habilidad con el contrapunto, una importancia que fue destacada por numerosos teóricos contemporáneos. Compuso más de dos mil obras de música, llena de imaginación, creatividad y donde demuestra sus dotes musicales. También explora en las nuevas tendencias musicales.
Escribió 41 partitas para clavecín y tres piezas sueltas donde emplea generalmente el estilo francés, pero también encontramos en las arias sobre todo, rasgos estilísticos de las formas instrumentales italianas. En su obra se observa un gusto por el contrapunto, muy apreciado por los alemanes, en especial en las gigas. Además de las allemande, courante, giga, minuetto y sarabande, sus partitas incluyen movimientos poco comunes del repertorio de la época, por ejemplo la loure y el sommeil, este último destacado por su naturaleza melancólica, procedente de la ópera francesa.
Su imaginación para componer las courantes es notable. En ellas mezcla la originalidad con las características de la courante francesa y italiana (que son por cierto bastante diferentes). En las composiciones de Graupner la música para clavecín ocupa sin duda un lugar especial en su catálogo. Porque, a diferencia de las demás piezas de su gran producción, no fue compuesta por obligación, más bien, por placer y expresión natural de su talento muy personal. Una veintena de las 41 partitas que han llegado a nuestros días, salieron a la luz en tres colecciones copiadas por su propia mano, lo cual constituye un hecho singular en su obra musical. Esas ediciones originales constituyen documentos de valor incalculable, trabajados con mucho esmero y precisión, considerados por Graupner de ser dignos para su difusión. Sus títulos son: Partien auf das Clavier (Partitas para clave) (Geneviève Soly) Darmstadt 1718; Monatliche Clavier Früchte (Frutos mensuales para clave), Darmstadt 1722; y Vier Partien auf das Clavier unter der Benennung der vier Jahreszeiten (Cuatro partitas para clave con el título de las cuatro estaciones), Darmstadt 1733.
Música religiosa
Graupner compuso cantatas para la capilla de palacio, donde había un órgano construido por Christian Vater (Hamburg,1679-1756). Las cantatas se dividían, según la costumbre, en ciclos anuales. Graupner realizó al principio, aquella labor alternando con Wolfgang Carl Briegel, maestro de capilla, hasta la muerte de éste, ocurrida en 1712, y posteriormente con Gottfried Grünewald, amigo suyo y viejo colega en Leipzig y Hamburgo y que poseía una notable voz de bajo. Después, Graupner se ocupó a solas de la producción religiosa para la corte.
El número de cantatas de Graupner, conservadas principalmente en autógrafo en la ciudad de Darmstadt, es de 1.418. Entre su producción se cuentan 47 cantatas escritas para un bajo, destinadas al vicemaestro de capilla, Gottfried Grünewald, para quien también escribieron cantatas y papeles de ópera, Kuhnau, en Leipzig, y Keiser, en Hamburgo, y otras 47 cantatas para soprano solista “Ach Gott und Herr” (Miriam Feuersinger, voz; Xenia Löffler, Oboe; Capricornus Consort Basel & Peter Barczi, dir.). Estas últimas fueron compuestas para Johanna Elisabeth Döbricht (1692-1786), esposa del violagambista Hesse, que estaba considerada la mejor soprano de Alemania, única ciudad junto con Hamburgo, los dos únicos lugares de Alemania donde se permitía a las mujeres cantar en la iglesia.
• "Jauchzet ihr Himmel, erfreue dich Erde" GWV 1105/53 (Soprano I & II: Amaryllis Dieltiens & Elisabeth Scholl, Tenor I & II: Lothar Blum & Reinoud van Mechelen Baritone: Stefan Geyer & Chorus: Ex Tempore and Orchestra: Mannheim Hofkapelle)
La característica imagen de Bilk con su perilla y su bombín comenzó a hacerse popular en el Reino Unido y en centroeuropa, especialmente en Alemania, donde fue muy querido. En 1960 obtuvo un nº1 en ambos países con 'Summer set', al que siguieron otros éxitos menores como 'Buona sera' y 'That's my home'.
En 1961 compuso el tema 'Stranger on the shore' para una serie de la TV británica. Se volvió a grabar y editar en single con la participación de la Leon Young String Chorale. El tema vendió un millón de ejemplares y alcanzó al nº1 de las listas americanas, convirtiéndose Bilk en el segundo artista británico en lograrlo. En el Reino Unido permaneció un año en las listas y es allí el tema instrumental más vendido de la historia. Bilk murió el 2 de noviembre de 2014 a los 85 años.
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