Carmen McRae

El 8 de abril de 1920 nació en el barrio neoyorquino de Harlem, la pianista y cantante de jazz norteamericana Carmen McRae, considerada 'cantante de cantantes' y una de las vocalistas de jazz más influyentes del siglo XX. Fuertemente inspirada por Billie Holiday, supo desarrollar un estilo propio con una voz muy personal. Grabó más de 60 álbumes y trabajó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie, Count Basie, Kenny Clarke, Dave Brubeck y Louis Armstrong.

Carmen se crió en Brooklyn y empezó a estudiar piano clásico. En 1939 conoció a la esposa de Teddy Wilson, arreglista y compositora de talento que le consiguió una audiencia con Benny Goodman, que por entonces buscaba una cantante negra, pero no la admitió. Un poco decepcionada por aquel revés, Carmen McRae se perdió un par de años entre las oficinas de una agencia gubernamental en Washington, pero volvió a Brooklyn donde empezó a cantar en clubes de jazz.
Sin constancia discográfica de aquellos primeros pasos, si es seguro que tenía en Billie Holiday el espejo donde mirarse hasta el punto de que en más de una ocasión declaró que si "..Lady Day no hubiera existido, probablemente yo tampoco..."

En 1944 la contrataron como pianista en la orquesta de Benny Carter y posteriormente durante un breve periodo de tiempo en las orquestas de Count Basie y Earl Hines.  Pero fue actuando en un pequeño club de Brooklyn donde en 1953 fue descubierta por Milt Gabler de Decca Records y, bajo ese sello, grabó McRae sus primeros álbumes: 'Torchy!' (1956), 'Blue Moon' (1967), 'Mad About the Man', 'Carmen for Cool Ones' (1957), 'Boy meets Girl', con Sammy Davis Jr. y 'Birds of a Feather' (1958).

En 1961 grabó para Columbia Records uno de sus mejores trabajos dedicado a la cantante que inspiró su carrera, 'Carmen McRae sings Lover Man and other Billie Holiday Classics'.

Ese mismo año grabó junto a Dave Brubeck otro gran álbum: 'Take Five at Basin Street East'. Colaboró con otros grandes del jazz como George Shearing en 'Two For the Road' (1980) y Cal Tjader en 'Heat Wave' (1982). Alternó sus grabaciones de jazz con temas pop de Lennon/McCartney, Billy Joel o Leon Russell y siguió cantando en clubes de jazz de Estados Unidos y el resto del mundo durante más de cincuenta años. Fue una asidua y popular artista en el Festival de Jazz de Monterey, al que acudió en siete ocasiones y actuó con Duke Ellington en el North Sea Jazz Festival de 1980 y en el de Montreaux en 1989.

En 1983 publicó un álbum tributo a Nat King Cole, 'You're Looking at Me' y en 1987 grabó junto con Betty Carter 'The Carmen McRae-Betty Carter Duets'. Puso broche final a su carrera, la cual se vio obligada a suspender a causa de un enfisema pulmonar, con sendos homenajes a Thelonious Monk, 'Carmen sings Monk' (1990) y Sarah Vaughan, 'Sarah: Dedicated to you' (1991). Murió en noviembre de 1994 a los 74 años.

Jacques Brel

El 8 de abril de 1929 nació en Schaarbeek (Bélgica) el cantautor Jacques Brel, que comenzó modestamente por los cabarets de Paris hasta que, a finales de los cincuenta, llegó a ser muy popular en Europa con canciones como 'Ne me quitte pas', 'La valse à mille temps', 'Amsterdam', 'Les Flamandes', 'Marieke', 'Le moribond' o 'Les bourgeois'. Muchas de ellas recibirían versiones en inglés de artistas como Ray Charles, Frank Sinatra, Kingston Trio, John Denver, David Bowie o Dusty Springfield... Es un músico y compositor fundamental de la chanson francesa cuyo estilo compositivo influyó notablemente a una larga lista de cantautores que incluye a David Bowie, Leonard Cohen y Marc Almond.

Comenzó a abrirse camino en la música en Paris, adonde se había trasladado en 1953. Durante una gira por las provincias francesas, Brel conoció a la cantante y actriz Suzanne Gabriello (Zizou), con la que mantuvo los cinco siguientes años una intensa y apasionada relación salpicada con numerosas separaciones y reencuentros, hasta que Suzanne, tras el nacimiento de su tercer hijo e incapaz de seguir el ritmo de las giras de Brel, permaneció en Bruselas, viéndose la pareja a partir de entonces sólo unas pocas semanas al año. A ella dedicó una de sus grandes composiciones: 'Ne me quitte pas'

El talento de Brel se multiplicaba en escena. En unos shows en los que nada estaba preparado o ensayado, Brel aparecía acompañado de cuatro músicos y con su teatralidad, poderío escénico y mil gestos y muecas -que le hacían perder cerca de dos kilos cada noche- transmitía una autenticidad que cautivaba a su público.

Desde 1954 hasta 1967 publicó nueve álbumes oficiales de estudio en el sello Barclay francés, aunque su discografía está desperdigada en diferentes recopilaciones, países y sellos discográficos. En 1966, en la cima de su éxito y popularidad, comunicó que se retiraba de los escenarios, ya que no quería convertirse en un "viejo crooner", ni quería "engañar a su público".

Tras su concierto en el Olympia y la gira de despedida, que acabó en 1968, grabó un nuevo disco, 'J'arrive', e interpretó un papel en el musical 'El hombre de La Mancha', en su versión francesa, primero en Bruselas y después en Paris. A continuación se dedicó exclusivamente al cine (participó en diez películas y dirigió dos) y a navegar en su yate por la Polinesia francesa, aunque en 1972 volvió a los estudios con el álbum 'Ne Me Quitte Pas', que contenía nuevas grabaciones de sus éxitos

En 1977 publicó su último trabajo, 'Les Marquises', que fue magníficamente recibido en Francia, donde Brel era casi tratado como un mito o un héroe nacional. No así en Bélgica, su país natal, con el que llevó durante su vida una relación de amor-odio. Precisamente en su último disco en la canción 'Les F', que habla de los ultraconservadores belgas, los define como "nazis durante las guerras, y católicos entre ellas". Brel murió en octubre de 1978 a los 49 años. Sus restos descansan a pocos metros de la tumba de Paul Gauguin en la isla Hiva Oa.

LP 'The Clash'

El 8 de abril de 1977 se publicó en el Reino Unido el álbum debut homónimo del grupo punk británico The Clash, los cuales supieron esquivar y sobrevivir al camino autodestructivo que tomaban otras bandas contemporáneas como los Sex Pistols y Generation X, e ir más allá de las fronteras del punk, creando canciones de calidad con sólidos mensajes político-sociales.

Jones, Strummer y Simonon

La foto de la portada verde, negra y blanca, fue tomada junto a los locales de ensayo en la zona norte de Londres y estaba muy en consonancia con su oferta musical, desprovista de adornos en su disco estreno de catorce temas, grabado en 1977 a lo largo de tres semanas. En la foto falta el batería Terry Chimes, que hasta entonces les había acompañado en las giras. Tras concluir la grabación del álbum, Chimes, decidió abandonar la formación. La cara A (mucho más consistente que la B) abre con 'Janie Jones' que, según Martin Scorcese, gran fan del grupo, es "el mejor tema británico de rock and roll". Trata sobre una famosa 'madame' de la escena londinense de los setenta, que había sido cantante pop en los sesenta y se vio envuelta en un escándalo sexual.

Paul Simonon en 1977

'Remote control' fue escrita por Mick Jones -tras la desastrosa Anarchy Tour- contra la opresión y el conformismo con duras observaciones sobre concejales que anulan conciertos, intervenciones policiales y los turbios e interesados manejos empresariales de las discográficas. Cuando ficharon por CBS, por coherencia, dejaron de tocarla en directo. 'I'm so bored with the USA', surgió de una canción de amor escrita por Jones llamada 'I'm so bored with you'. En ella los Clash condenan la americanización del Reino Unido, criticando el apoyo de EEUU a las dictaduras africanas, la política de Nixon, los problemas de drogas en el ejército americano, series de TV como 'Koyak' y 'Starsky y Hutch'..., en resumen, a toda la sociedad estadounidense. Aquí, la mezcla al borde de la incoherencia del grito-canto de Strummer se funde a la perfección con la guitarra de Jones. "Iba tan pasado de 'speed' en toda la sesión, que no recuerdo cómo pudimos acabar aquel álbum" (Jones, un año después).

'White Riot' fue su primer single, un tema corto e intenso al clásico estilo punk (dos acordes tocados con gran rapidez). La primera cara del álbum se cerraba con 'London's burning', en el que se quejan del -según ellos- desastroso sistema de tráfico en su país, que hace pasar a la mayoría de trabajadores aburridas horas en sus coches lejos de sus hogares: "I'm up and down the Westway, in an' out the lights/ What a great traffic system - it's so bright/ I can't think of a better way to spend the night/ Then speeding around underneath the yellow lights". 

Al proceder del oeste de Londres, Jones, Strummer y Simonon estaban inmersos en un crisol multicultural, rodeados de todo tipo de influencias musicales, reggae, ska y rock por lo que poseían una visión política, social y musical superior a la de sus miopes contemporáneos punk.

Jones, Strummer y Simonon en 1977

Fueron tildados de panfletarios, pero la letra de 'Career opportunities' plasma brilantemente el dilema de la juventud inglesa de finales de los setenta: Un trabajo basura o vivir del paro. 'Protex blue', cantada por Jones es acerca de una marca de preservativos de la época. Al final se le oye gritar: 'Johnny, Johnny' (un término 'slang' para condón). La versión de 'Police and thieves' de Junior Marvin y Lee Perry (de más de seis minutos, duración inusual en el punk), demuestra su habilidad para asimilar con su sonido otros géneros musicales. No estaba destinada al álbum, pero se añadió ya que vieron que se quedaban cortos de temas. La canción que cierra el álbum, 'Garageland', fue escrita como respuesta a una crítica demoledora que habían recibido del periodista musical Charles Shaar Murray: "The Clash son el tipo de banda de garaje que habría que devolver inmediatamente al garaje. Significaría una mayor pérdida para sus familiares y amigos que para el rock & roll"....

Joe Strummer − voz solista, guitarra rítmica

Mick Jones − guitarra solista, voces

Paul Simonon − bajo

Terry Chimes (como "Tory Crimes") − batería

1. Janie Jones (Strummer, Jones)

2. Remote control 

3. I'm so bored with the USA 

4. White riot 

5. Hate & war 

6. What's my name (Jones, Keith Levene, Strummer)

7. Deny (Strummer, Jones)

8. London's burning 

9. Career opportunities 

10. Cheat 

11. Protex blue 

12. Police & thieves (Junior Murvin, Lee Perry)

13. 48 hours (Strummer, Jones)

14. Garageland

Dos años después se publicó el álbum en EE.UU con algunos cambios. Se omitieron los siguientes temas:  'Deny', 'Cheat', 'Protex Blue', '48 Hours' y 'White Riot', que fueron sustituidos por:

• 'Clash city rockers' (Strummer, Jones) - publicada en single en el Reino Unido en febrero de 1978
• 'Complete control' - publicada en single en el Reino Unido en septiembre de 1977  
• 'White riot' - nueva versión publicada en single en el Reino Unido en marzo de 1977
• '(White man) In Hammersmith Palais' - publicada en single en el Reino Unido en junio de 1978
• 'I fought the law' (Sonny Curtis) - publicada en el Reino Unido como uno de los temas del EP 'The Cost of Living' en mayo de 1979
• 'Jail guitar doors' (Strummer, Jones) - publicada en single en el Reino Unido como cara B de "Clash City Rockers" en febrero de 1978

Giuseppe Tartini

El 8 de Abril de 1692 nació en Piran, una ciudad en la península de Istria, en la República veneciana (ahora Eslovenia) el violinista, compositor y teórico de la música italiano, Giuseppe Tartini. Fue uno de los mayores virtuosos del violín de su época, cuyas innovaciones en la escritura para dicho instrumento sólo pudieron ser superadas por Niccolò Paganini.

Estatua de Tartini en Piran

Su vida estuvo plagada de incidentes novelescos: destinado a la carrera eclesiástica por su familia, en 1713 colgó los hábitos para casarse con una joven de modesta condición, Elisabetta Premazore, una mujer que su padre desaprobaba debido a su baja clase social y a la diferencia de edad- aunque protegida del cardenal Cornaro de Padua- circunstancia que le granjeó la enemistad con aquél. Se tuvo que refugiar en el monasterio de Asís, lugar en el cual prosiguió con su formación musical bajo la tutela del músico bohemio Bohuslav Cernohorsky, y en donde compuso una de sus obras más célebres, “El trino del diablo”. Se cuenta que Giuseppe Tartini compuso esta pieza en 1713, inspirado por un sueño donde vio al maligno al pie de su cama tocar una melodía en su violín. Al despertar, comenzó a transcribirla en su papel pautado y, a pesar de su hermosura, al parecer no era nada comparado con lo que realmente llegó a escuchar en su sueño.

'El Trino del Diablo'

En el monasterio de San Francisco de Asís se encontró un escrito de Tartini, al parecer se trataba de una carta dirigida a Joseph-Jérome de Lalande (astrónomo francés), en el que se podía leer: “Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído.

Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo La sonata del Diablo, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre…”  No es el único caso de melodías inspiradas o dictadas por el mismo “diablo”. El aspecto patibulario de Paganini, sus excentricidades y la habilidad que tenía para tocar el violín, contribuyeron a extender la leyenda de que el famoso compositor había hecho un pacto con el demonio. Asimismo, Tartini, enamorado de la poesía, tenía la costumbre de anotar versos en los márgenes de las partituras. Pero no de cualquier modo: la escritura de Tartini es otro más de sus misterios, por sus rasgos casi indescifrables.

De regreso en Padua en 1715, inició una carrera de virtuoso que le llevó, durante un corto período de tiempo, hasta Praga. En 1726 se estableció definitivamente en Padua, dedicándose a la interpretación y la enseñanza. La habilidad de Tartini mejoró enormemente y en 1721 fue designado maestro de capilla en Il Santo en Padua.

En 1726, Tartini inició una escuela de violín que atrajo a estudiantes de toda Europa, la que más tarde se hizo conocida como la Escuela de las Naciones. Pietro Nardini fue su alumno más prominente. Tartini se fue interesando gradualmente por la teoría de la armonía y la acústica, y desde 1750 hasta el final de su vida publicó varios tratados. De entre sus diferentes tratados teóricos destaca “Tratado de música según la verdadera ciencia de la armonía” (1754). Tartini falleció el 26 de febrero de 1770 en Padua a los 78 años de edad.

Su música
Se le adjudica el descubrimiento compartido del fenómeno acústico de la combinación tonal al observar que, cuando se producen simultáneamente dos notas y se mantienen durante un tiempo, se percibe una tercera nota. Este fenómeno acústico, el tercer sonido o tono resultante se denomina también sonido diferencial o “sonido de Tartini”. También desarrolló una nueva técnica de manejo del arco todavía vigente e introdujo mejoras en las cuerdas.

La lista de composiciones de Tartini incluye cerca de 125 conciertos para violín, “Concierto en mi menor D56. Adagio” (Uto Ughi, violín), algunos conciertos para otros instrumentos, numerosas sonatas en trío, más de 175 sonatas para violín, así como cuartetos, tríos y varias sinfonías. Además escribió algunas obras vocales religiosas. En sus últimas creaciones la expresividad melódica se impuso finalmente sobre el virtuosismo puramente técnico de sus primeras partituras.

Obras principales
- “Trino del Diablo” 1765 (Violín: Ida Haendel & Piano: Alfred Holecek)
- “Variaciones sobre un tema de Corelli” (Zino Francescatti violín y dir. Zurich Chamber Orchestra)
- "Concierto para trompeta en Re mayor" (Maurice André)

- Concierto para violín, cuerdas y bajo continuo, en La mayor D.96 1. Mov. Allegro  2. Mov. Adagio  3. Mov. Presto  4. Mov. Largo andante  (Andrea Marcon, dir. & Venice Baroque Orchestra)
- Concierto para Viola de Gamba o violonchelo, cuerdas y bajo continuo en La mayor (Hervé Douchy, viola da gamba & Il Gardellino)
- Concierto Bucólico para violín, cuerdas y bajo continuo en Re mayor (Giovanni Guglielmo dir. & L'Arte dell'Arco)

- Sonata para violín & continuo en Sol menor, "Didone abbandonata" (Enrico Casazza, violín & Roberto Loreggian, harpsichord)
- Concierto “A Sua Eccelenza Lunardo Venier” para violín, cuerdas y bajo continuo, en La menor (D 115) (L'Arte dell'Arco & dir. & Giovanni Gugliemo )
- "Concierto para flauta travesera en sol mayor"  (Milos Jurkovic flauta travesera & Slovak Chamber Orchestra & dir. Bohdan Warchall)

- "Sinfonía Pastoral en Re mayor" (Collegium Aureum & Franz Josef Maier)
- Sonata violín no. 17 Andante cantabile;
- Sonata para violín y bajo continuo nº 17. Allegro (Chiara Banchini - baroque violín)
- Concerto para chelo en Re mayor, 3er Mov. – Grave (Música serie TV: "Love was one day late")