Alvin Lee

El 19 de diciembre de 1944 nació en Nottingham (Inglaterra) el músico británico Alvin Lee, conocido principalmente por haber sido guitarrista y líder de la banda de blues-rock Ten Years After.

Alvin Lee, en 1975

Formó la base del grupo -entonces llamado Jaybirds- en Nottingham con Leo Lyons en 1960. Su éxito era local y también tocaron en el Star Club de Hamburgo pocas semanas después que los Beatles. En 1966 se trasladan a Londres y cambian el nombre del grupo a Ten Years After. Su primer álbum homónimo fue muy popular en el área de San Francisco, por lo que recibieron numerosas ofertas para tocar en Estados Unidos.

Ten Years After

En total realizaron 28 giras americanas en siete años, más que ningún otro grupo inglés. Su actuación en Woodstock terminó de catapultar internacionalmente su fama y en 1973 habían publicado ya doce álbumes, entre los que destacaban 'Ssssh' (1969), 'Stonedhenge' (1969), 'Cricklewood Green' (1970) y 'A Space in Time' (1971) con temas como 'I'm going home', 'Hear me calling', 'I'd love to change the world' y 'Love like a man', cuyo riff de guitarra introductorio era uno de los muchos que aprendíamos los jóvenes aficionados a la guitarra de entonces.

Saguitar (2007)

En 1973 graba junto a Mylon LeFevre el álbum 'On the Road to Freedom', con ilustres colaboradores como George Harrison, Ron Wood, Stevie Winwood, Boz Burrell, Jim Capaldi y Mick Fleetwood, entre otros. En 1974, al mismo tiempo que se publica el último álbum de Ten Years After en su primera etapa como grupo, 'Positive Vibrations',  Alvin publica un doble disco en solitario grabado en directo, 'In flight', en el que muestra su talento y versatilidad con su instrumento.

'Still on the Road to Freedom' (2012)

Desde entonces publicó una decena de álbumes entre los que destacaron 'Detroit Diesel' (1986), 'Zoom' (1994), 'In Tennessee' (2004) y 'Saguitar' (2007). Su último trabajo fue 'Still on the Road to Freedom', publicado en septiembre de 2012. Ten Years After por su parte, volvió a reunirse con la misma formación en 1988 para la grabación del álbum 'About Time'. Alvin siguió actuando con ellos hasta 2003, año en que dejó la banda, continuando desde entonces Joe Gooch en su puesto. En 2004 publicaron el álbum 'Now' y siguen en activo.
Alvin murió repentinamente el 6 de marzo de 2013 a causa de unas complicaciones surgidas por una intervención quirúrgica rutinaria.

Zal Yanovsky

El 19 de diciembre de 1944 nació en Toronto (Canadá) el músico Zal Yanovsky, conocido por haber sido el guitarrista del grupo de los sesenta Lovin' Spoonful.

Zal fundó el grupo en Nueva York junto a John Sebastian en 1964 y tocó en clásicos como 'Do you believe in magic?', 'You didn't have to be so nice', 'Daydream', 'Summer in the city' o 'Rain on the roof'. En 1967 fue arrestado por posesión de marihuana y la policía le amenazó con la deportación a Canadá si no revelaba el nombre del 'camello'. Así lo hizo y por ello fue condenado al ostracismo por la comunidad musical hippie e invitado a abandonar el grupo. Publicó -sin éxito- un álbum en solitario, 'Alive and well in Argentina' (1968) y formó parte por un tiempo del grupo de Kris Kristofferson. Unos años más tarde abandonó la música y se hizo un 'chef' de renombre, abriendo dos restaurantes en Kingstan (Ontario) y publicando sendos libros de cocina muy populares. Yanovsky murió de insuficiencia cardiaca en diciembre de 2002 y su hija Zoe sigue al frente de los restaurantes.

Professor Longhair

El 19 de diciembre de 1918 nació en Bogalusa (Louisiana) el cantante y pianista de blues de Nueva Orleans, Roy Byrd, conocido como Professor Longhair. Fue uno de los músicos más populares e influyentes de Nueva Orleans. Sin embargo, Longhair jamás conoció la fama y la fortuna, en los sesenta estaba sin trabajo y a pesar de un breve resurgir en los años setenta, murió en la pobreza. Su música sigue viva en los pianistas a los influyó como Dr. John, Fats Domino, Huey Smith, James Booker y Allen Toussaint.

Nacido como Henry Roeland Byrd en una pequeña ciudad de Lousisana infestada de miembros del Ku Klux Klan, su familia se trasladó a Nueva Orleans, siendo él todavía un niño. Más tarde comenzó a buscarse la vida por las calles, bailando por unos centavos en las entradas de hoteles donde tocaban pianistas como Kid Stormy Weather. Tras intentarlo en vano con la guitarra, aprendió a tocar de forma autodidacta un piano que encontró abandonado en un callejón, al que le faltaban algunas notas. Basándose en la música que había oído hasta entonces, Longhair desarrolló su propio estilo añadiendo ritmos de boogie-woogie, calypso y samba con un resultado tan único que su estilo era prácticamente imposible de copiar.

Jerry Wexler, uno de los productores de Professor Longhir contaba que en una ocasión le mostró una de sus grabaciones a un famoso pianista de jazz. "Totalmente intrigado tras la escucha", relataba en Rolling Stone, "aquel hombre intentó calcar el estilo de Longhair. Una hora después y con los nudillos doloridos confesó: 'Es imposible". Longhair coleccionaba ritmos allá donde iba. Durante los años treinta fue miembro del Cuerpo Civil de Conservación y allí entró en contacto con gente de otras culturas como España, las Indias occidentales, Puerto Rico y Jamaica. "Me limité a copiar todos los ritmos que aprendía y me quedé con los que más me gustaban."

En los años cuarenta ya tocaba más seriamente y en 1948 le ofrecieron sustituir al pianista de la banda de Dave Bartholomew, que tocaba en el club Caldonia Inn. Poco después, era el propio Longhair quien encabezaba el cartel del club con su nuevo nombre, Professor Longhair, sugerido por el dueño del club, Mike Tessitore. El año siguiente, 'Fess', como también le llamaban, grabó su disco más popular, 'Bald head'.

Trabajó un tiempo formando bandas de acompañamiento que llamaba Professor Longhair and the Clippers, o Roy Byrd and his Blues Jumpers, pero en 1954 sufrió una embolia que lo tuvo apartado de los escenarios y hospitalizado durante un año. A partir de entonces, Longhair estuvo aquejado el resto de su vida de diversas enfermedades, un edema pulmonar, bronquitis crónica y cirrosis, por sólo nombrar unas cuantas, además de caer en la adicción al juego. Los discos que grabó entre 1955 y 1959 no fueron bien recibidos y Longhair estuvo sin trabajo gran parte de los años sesenta.

Un día ayudó a barrer una tienda de discos, cuyo dueño le financió la grabación de su mayor éxito: 'Go to the Mardi Gras'. Sin embargo, aunque Longhair escribió la canción, jamás recibió un céntimo por sus derechos de autor. Vivió en la pobreza la mayor parte de su vida, residiendo en los barrios bajos de Nueva Orleans. En dos ocasiones el fuego destruyó sus hogares de alquiler. Sólo el último año de su vida se pudo permitir adquirir un pequeño bungalow.

Al comienzo de los años setenta su carrera dio un vuelco. En un festival del Mardi Gras su estilo al piano copó toda la atención. Un espectador testigo del show recordaba: "Cuando comenzó a tocar -ya sé que suena a tópico- pero todo el mundo se paró. Había cuatro artistas en escenarios diferentes tocando simultáneamente en el festival y absolutamente todo el mundo se acercó a ver a Longhair. Jamás habían oído algo igual. Fue verdaderamento un momento mágico". Su figura resurgió con fuerza y le nombraron 'Padre del R&B de Nueva Orleans'.

En 1973 Atlantic Records publicó una recopilación de sus éxitos antiguos llamado 'New Orleans Piano'. El pianista siguió grabando en esa década, publicando tres álbumes: 'Rock and Roll Gumbo', 'Live on the Queen Mary' (grabado en una fiesta ofrecida por Paul y Linda McCartney) y 'Crawfish Fiesta'. Las ventas no batieron récords pero sí lo suficiente como para que no le faltaran contratos para tocar aquí y allá y tener la oportunidad de mostrar su música a las jóvenes generaciones. No obstante su resurgimiento no duró mucho. Murió en enero de 1980, a los 61 años, mientras descansaba tras una pausa en el rodaje de un documental sobre pianistas de blues. Tras su muerte, sus mejores álbumes, como 'Crawfish Fiesta' o 'New Orleans Piano', volvieron a publicarse con éxito.

Cornell Dupree

El 19 de diciembre de 1942 nació en Fort Worth (Texas), el guitarrista de R&B, soul, funk, blues y jazz Cornell Luther Dupree Jr. Con más de 2.500 sesiones de grabaciones a sus espaldas, grabó con artistas de distintos géneros, como Fats Domino, Lou Rawls, Miles Davis, Sam Cooke, Sam & Dave, Wilson Pickett, Brook Benton, Paul Simon, Barbra Streisand, Harry Belafonte, Lena Horne, Roberta Flack, Joe Cocker, Michael Bolton y Mariah Carey.

Su primer trabajo fue en el grupo de R&B de King Curtis, The King Pins, y como músico de sesión participó en la canción 'Rainy night in Georgia' (1970) de Brook Benton, entre muchas otras grabaciones relevantes. De 1967 a 1976 fue guitarrista del grupo residente de Atlantic Records y miembro de la banda de Aretha Franklin. Fue uno de los fundadores en 1976 del supergrupo de jazz-funk, Stuff, el cual, además de Dupree, contaba con el guitarrista Eric Gale, Richart Tee a las teclas, Gordon Ewards al bajo y Chris Parker y Steve Gadd, ambos a la batería.

Estuvieron activos hasta 1981 y grabaron tres álbumes, 'Stuff' (1976), 'More Stuff' (1977) y 'Stuff it' (1978). Posteriormente siguieron reuniéndose grabando bajo el nombre de the Gadd Gang.
Dupree también grabó sus propios álbumes, como 'Teasin' (1974), 'Saturday Night Fever' (1977) y 'Shadow dancing' (1978). Sus mejores trabajos llegaron a finales de los ochenta. 'Coast to Coast' (1988) fue nominado a un Grammy, y álbumes funky como 'Can't Get Through' (1991), el directo 'Uncle Funky' (1992) y 'Child's Play' (1993), recibieron críticas muy positivas. En 1994 se publicó su álbum más orientado al jazz, 'Bop 'n' Blues'.
Murió en mayo de 2011 a los 68 años.

Phil Ochs

El 19 de diciembre de 1940 nació en El Paso (Texas) el cantautor norteamericano Phil Ochs, conocido por su activismo social y político en los años sesenta. Phil era un hombre lleno de contradicciones. Para muchos, era un anti-americano radical; su militancia izquierdista le granjeó amenazas de muerte y un informe de 410 páginas del F.B.I. Sin embargo para muchos otros, Ochs era un patriota, un hombre al que describían como "un patriota sin compromisos y un rebelde con causas"; alguien quien amaba profundamente a su país y que luchaba por que ese país continuara construyéndose siguiendo los ideales sobre los cuales se edificó. Entre sus ídolos se encontraban John F. Kennedy y el actor representante de la quintaesencia norteamericana, John Wayne pero, al mismo tiempo, sentía respeto y admiración por los revolucionarios Fidel Castro y Che Guevara. Durante los años sesenta, Phil temió en todo momento ser asesinado a causa de su activismo de izquierdas pero finalmente fue él mismo quien se quitó la vida.

Su infancia estuvo ligada a constantes cambios de residencia motivados por el trabajo de su padre, Jacob Ochs, un médico que sufría de profundas depresiones causadas por su estancia en el frente de la Segunda Guerra Mundial. Cuando se licenció en 1945, trabajó en varios hospitales del país, primero en Rockaway, siendo Phil adolescente, más tarde en Perrysburg (New York) y finalmente en Columbus (Ohio). En su infancia Phil parecía absorto en otro mundo y su vía de escape era el cine. Asistió a la escuela militar de Staunton en Virginia, un sitio poco común para un futuro líder de movimiento pacifista. En la high-school, Ochs comenzó a tocar el clarinete y sus profesores se dieron cuenta enseguida de su talento con la música.

Fue ya cuando ingresó en la Universidad de Ohio, cuando se interesó por el folk y en escribir canciones. Su compañero de habitación, Jim Glover, le enseño a tocar la guitarra y, de hecho, tuvo que entregarle la suya tras perder una apuesta con Phil sobre el ganador de las elecciones Kennedy-Nixon de 1960. Fue entonces cuando Ochs se interesó también por el periodismo y logró hacerse un hueco en el equipo de redacción de la revista universitaria 'The Lantern'. No duró mucho, ya que tras publicar que 'el líder comunista cubano Fidel Castro era la mayor figura del siglo XX del mundo occidental', la dirección lo apartó del puesto. Ochs se disgustó tanto, que dejó los estudios poco antes de graduarse y junto a su colega Glover formó un dúo con el que comenzaron a tocar en los bares de Cleveland.

En 1961 Phil se trasladó a Nueva York aterrizando en medio de la boyante escena folk de Greenwich Village. Escribió sus primeras canciones protesta en compañía de los grandes del folk del momento como Bob Dylan, Joan Baez, Tom Paxton y Dave Van Ronk. Ochs y Dylan mantuvieron una estrecha pero volátil amistad y relación profesional a principio de los sesenta. Claramente, Dylan era la estrella del firmamento folk, pero todos estaban de acuerdo en que Ochs le seguía a muy corta distancia.
Phil comenzó a llamar la atención cuando actuó en el Newport Folk Festival de 1963 en Rhode Island.

Firmó con Elektra Records y en 1964 apareció su álbum debut, 'All the News That's Fit to Sing'.  Le siguió 'I Ain't Marchin' Anymore', que incluía algunas de sus canciones más populares, como 'Here's to the state of Mississippi', 'Draft dodger rag' y la que dió título al álbum, que se convirtió en un himno de la época.

Según Rolling Stone, este segundo álbum "estableció a Ochs firmemente como el cantautor protesta más importantes del momento". Por otro lado, para entonces Dylan ya había abandonado la protesta y se había pasado al rock y tenía muy enfadados a sus fans folk. El tercer álbum de Ochs, 'Phil Ochs in Concert' lo situó en las listas de Billboard. La versión que realizó Joan Baez de una de sus canciones, 'There but fortune', también fue un hit.

A lo largo de toda la década, Ochs se involucró en el movimiento contra la guerra de Vietnam. Ofrecía conciertos gratuitos en los que expresaba sus críticas al conflicto armado en el Sureste asiático. Con sus mítines antimilitaristas desde los escenarios se ganó un buen puñado de enemigos en el país.

Asimismo, con canciones que defendían los derechos sociales como 'Talking Birmingham jam' o 'Here's to the state of Mississippi', irritó a muchos habitantes de los estados sureños. Por esa causa, Ochs y sus canciones estuvieron vetados en la TV norteamericana durante varios años. Irónicamente, Ochs fue también atacado por uno de sus ídolos, John Wayne, que manifestó: "Tomé parte en el rodaje de 'The Green Berets' (Los boinas verdes) para contrarrestar las mentiras que contaban Phil Ochs y Joan Baez." Aun así, Ochs se lo tomó bien. ¡John Wayne sabía quién era él!

A pesar de su radicalismo, Ochs era consciente de los problemas y la hipocresía mostrada por la izquierda estadounidense. Varias de sus canciones del final de la década de los sesenta como 'Love me, I'm a liberal', 'Outside of a small circle of friends' y 'Flower Lady' apuntan directamente a sus correligionarios. La tumultuosa convención demócrata celebrada en Chicago en 1968 terminó por desilusionar a Ochs. Billy Bragg, activista y cantante folk británico escribió en las notas del disco 'There & Now: Live in Vancouver, 1968': "Algo murió en el interior de Phil en Chicago. Fue testigo de cómo su país se regocijaba en devorar a sus propias criaturas y constató con tristeza que Estados Unidos ya no era un lugar para héroes". Su optimismo desapareció, sus discos reflejaban su amargura y comenzó a abusar del alcohol. Grabó su último álbum de estudio en 1970.

Ochs fue probablemente el mejor cantante protesta de los años sesenta. Cuando vertía sus críticas a las políticas estadounidenses en sus letras, nunca lo hacía desde la desinformación. Repasaba diariamente revistas y periódicos y contaba en sus canciones las injusticias que descubría. Phil seguía la máxima de otro cantautor y dirigente sindical, Joe Hill, que dijo: "Un panfleto, por muy bien redactado y diseñado que esté, se suele leer sólo una vez. Una canción se aprende desde el corazón y se repite una y otra vez."

John Poses, de Spin Magazine, definió a Ochs como "un astuto y cáustico periodista que sabía encajar su mensaje sarcástico en métrica, ritmo y melodía". Pero no sólo era un 'reportero cantante'; también era capaz de componer bellas canciones de amor como 'Changes' en las que según Rolling Stone, "combinaba su alma de poeta con la escritura mordaz de un veterano sabueso de las noticias".

Sit by my side, come as close as the air

Share in a memory of gray

Wander in my words, dream about the pictures

That I play of changes

Green leaves of summer turn red in the fall

To brown and to yellow they fade

And then they have to die, trapped within

The circle time parade of changes

Scenes of my young years were warm in my mind

Visions of shadows that shine

'Til one day I returned and found they were the

Victims of the vines of changes

The world's spinning madly, it drifts in the dark

Swings through a hollow of haze

A race around the stars, a journey through

The universe ablaze with changes

Moments of magic will glow in the night

All fears of the forest are gone

But when the morning breaks they're swept away by

Golden drops of dawn, of changes

Passions will part to a strange melody

As fires will sometimes burn cold

Like petals in the wind, we're puppets to the silver

Strings of souls, of changes

Your tears will be trembling, now we're somewhere else

One last cup of wine we will pour

And I'll kiss you one more time, and leave you on

The rolling river shores of changes

So sit by my side, come as close as the air

Share in a memory of gray

Wander in my words, dream about the pictures

That I play of changes

Phil con Bob Dylan en 1973

En los años setenta, visitó Chile y conoció a Victor Jara, del que se hizo muy amigo. Tras el golpe de estado de Pinochet en 1973, Ochs organizó un concierto tributo a Salvador Allende y Victor Jara en el que participaron Pete Seeger y Bob Dylan. Cuando en 1975 acabó por fin la guerra de Vietnam, tuvo la oportunidad de cantar 'The war is over', pero para entonces, la figura y la carrera de Phil habían perdido vigencia.  

Rolling Stone publicaba: "La realidad finalmente le sobrepasó y aquella canción escrita diez años atrás demostró de manera patética que los cantantes protesta y sus canciones eran algo que ya pertenecía al pasado." Pero Ochs seguía organizando conciertos benéficos donde podía y quiso expandir su mensaje por el mundo haciendo giras por Australia y Africa. En Kenya fue asaltado y casi muere estrangulado, sufriendo lesiones en las cuerdas vocales. Ochs también sufría, como su padre, trastorno bipolar y, visiblemnte alcoholizado, estuvo un tiempo viviendo en las casas de diversos amigos e incluso vagabundeando por la calle, hasta que se instaló en casa de su hermana en Far Rockaway (New York). Fue allí sonde se ahorcó el 9 de abril de 1976. Un mes más tarde, 4.500 personas llenaban el Felt Forum del Madison Square Garden en Nueva York, para rendirle tributo en un concierto celebrado en su memoria que duró seis horas y media.

Edith Piaf

El 19 de diciembre de 1915 nació en Belleville (Francia) la cantante Edith Piaf. Surgió de la pobreza y se convirtió en la artista más popular de Francia entre los años treinta y cincuenta y gracias a sus grabaciones, biografías y películas sobre su vida, se ha convertido en un icono cultural francés en todo el mundo.

Edith Giovanna Gassion era hija de músicos ambulantes. Su madre cantaba en cafés bajo el nombre de Line Marsa y su padre era un acróbata callejero sin apenas recursos económicos, por lo que su crianza corrió a cargo de su abuela materna, quien se cuenta, alternaba los biberones de leche con otros de vino con la excusa de que así se eliminaban todos los microbios. Más tarde, cuando su padre tuvo que acudir al frente durante la primera Gran Guerra, Edith se quedó a cargo de su abuela paterna que dirigía un prostíbulo en Normandía, donde la niña es criada por las prostitutas de la casa. Al finalizar la Primera Guerra Mundial su padre vuelve del frente y la lleva consigo a vivir la vida de los artistas de los pequeños circos itinerantes, más tarde, la del artista ambulante, independiente y miserable.

Edith con 19 años

Édith revela su talento y su excepcional voz en las canciones populares que canta en las calles junto a su padre, tal como su madre lo hacía. En 1919 abandona al padre y comienza su propio camino como cantante en la Place Pigalle, Ménilmontant, y en los suburbios de París, como relataría en su canción 'Elle fréquentait la Rue Pigalle' (1939). Con 16 años se enamora de Louis Dupont, un chico de los recados, y al año siguiente nace su única hija, Marcelle, que moriría a los dos años de meningitis. La muerte de su hija cuando ella misma prácticamente no había dejado de ser una niña marcó duramente a Edith. Desde entonces, imbuida de una enorme desesperanza, empezó a vivir de noche cantando en los clubs y en las calles de Pigalle, rodeada de las prostitutas y los delincuentes que la fascinarían durante toda su vida. Como no podía vivir de lo que le pagaban en aquellos tugurios infames, Edith tuvo que seguir cantando en las calles. Y, curiosamente, sería en una de ellas donde tropezaría con la suerte.

Era 1935 y Edith estaba cantando en una transitada avenida cuando un hombre elegantemente vestido se detuvo a escucharla. Permaneció allí durante un buen rato sin quitarle ojo, hasta que, alargándole un billete de diez francos, le propuso hacer una prueba. Aquel hombre era Louis Leplée, propietario de Le Gerny, un cotizado cabaret de la época al que acudían los famosos de París. Al día siguiente, Edith cantó todo su repertorio y Leplée, impresionado con esa voz, a la vez bronca y dulce, la contrató. Pocos días después Leplée convocó a sus mejores clientes para el estreno de la joven a la que había rebautizado como Môme Piaf, que en francés significa 'pequeño gorrión', apodo que la acompañaría el resto de su vida. En los siguiente meses Leplée enseñó a Edith los secretos del oficio de cantante: la importancia de las luces, la música, los gestos, la puesta en escena...y la convirtió en una estrella.

Firma un contrato con Polydor y graba su primer disco en 1936: 'Les Mômes de la cloche' (los niños de la campana). Pero en abril de ese año Louis Leplée es asesinado en su domicilio. Esto revela que formaba parte de los bajos fondos del barrio parisino de Pigalle, lo que precipita a Édith al centro del escándalo y al linchamiento mediático y la envía nuevamente al lugar de donde vino: la calle y los pequeños cabarets miserables. Toma contacto con el compositor Raymond Asso, quien se convierte en su pigmalión y amante, y la prepara para ser una cantante profesional del Music Hall. En marzo de 1936, debutó en el teatro abc de París. Se convierte inmediatamente en una estrella de la canción francesa, adorada por el público y difundida por la radio.
Durante la ocupación alemana, la cantante cambia su nombre artístico de 'La Môme Piaf' por el de 'Edith Piaf' y continua dando conciertos, sin ceder a la ocupación nazi. Interpreta canciones con un doble sentido evocando la Resistencia cuando interpreta 'Tu es partout' en la que alude a la traición de un amante. En este período tan difícil para todos los habitantes de Francia, Piaf se erige como protectora de los artistas judíos, perseguidos por militares alemanes.

En la primavera de 1944 se presenta en el Moulin Rouge, donde el joven cantante de music-hall Yves Montand forma parte importante del espectáculo. Se produce un flechazo entre los dos artistas y Édith Piaf lo presenta a las personas más importantes de la época en el mundo del espectáculo, promocionando su carrera.

Tras conquistar Francia, Piaf hizo giras al acabar la II Guerra Mundial por el resto de Europa y los Estados Unidos, donde actuó dos veces en el Carnegie Hall y apareció ocho veces en el show de Ed Sullivan. Sus temas más conocidos de la época son 'La vie en rose' (1946) y  'Hymne à l'amour' (1949). El boxeador Marcel Cerdan fue el gran amor de su vida. Se conocieron en 1946, cuando ambos estaban en la cima de su carrera, pero la felicidad fue efímera ya que él murió en 1949, al estrellarse el avión en el que viajaba. Aquella muerte fue un golpe demasiado fuerte y la cantante se hundió en una profunda depresión de la que, como siempre, trató salir gracias al sexo, el alcohol y a los tranquilizantes.

Edith Piaf y su amiga Marlene Dietrich

Marlene Dietrich, gran amiga suya en esta época relató en sus memorias: "Horrorizada de verla tirar absurdamente el dinero y con tres amantes al mismo tiempo, me comportaba con ella como una prima de provincias. Pero no se daba cuenta. Siempre se mostraba preocupada por sus emociones, por su profesión, por su credulidad en todo tipo de originalidades, por su pasión por el universo en general y determinados seres en particular."   Marlene estuvo más cerca que nunca de la eterna sufridora Piaf, salvando la gira americana de la cantante por Estados Unidos en 1948 al presentarle a empresarios y periodistas.

Aquellas Navidades en Roma, colgó una cruz de oro de Cartier con siete esmeraldas alrededor del delgado cuello de Piaf, con una nota aconsejándole "Debemos encontrar a Dios". Cuando Marcel Cerdan murió, Marlene cuidó, consoló e hizo revivir al Gorrión, y luego la volvió a empujar a los escenarios. En 1951, el joven cantautor Charles Aznavour se convierte en su secretario, asistente, chófer y confidente. Aznavour escribe algunas de las mejores canciones a Edith Piaf como 'Plus bleu que tes yeux' o 'Jezebel'. Ese mismo año, Piaf graba otro de sus grandes éxitos, 'Padam Padam'.

Mantener su agotador ritmo de trabajo le supuso un duro esfuerzo y muchos accidentes de tráfico. Después de uno de ellos, Edith se volvió adicta a la morfina, droga en la que dilapidaba enormes sumas de dinero.

Edith con Jacques Prill en Cannes

La boda en Nueva York, en 1952, con el cantante Jacques Prill no fue más que un intento desesperado de rehacer su vida, pero fue en vano, ya que la unión solo duró cinco años. Marlene Dietrich, que había asistido como testigo a la boda, recordaba: "Cuando todo acabó, regresó a Francia. Mantuvimos una tierna relación que indudablemente nada tuvo que ver con el amor. Yo siempre respeté sus actitudes y sus decisiones. Mucho más tarde, cuando se dedicó a la droga, dejé de serle fiel. Aquello era más de lo que yo podía soportar. Aunque comprendía su necesidad de evadirse, conocía mis límites. Pero comprender no quiere decir aprobar. ¿Qué podía hacer? A pesar de todos mis esfuerzos por ayudar a Edith, topaba contra un muro infranqueable: la droga."

En 1954 se publica 'Sous le ciel de Paris', en 1956 'Les amants d'un jour' y un año después, 'La foule'. En 1958 conoció a Georges Moustaki, con el que mantuvo un affaire que duró algo más de un año. Ella entonces tenía cuarenta y dos y él sólo veintitrés. Según Georges tenían una buena relación pero el alcohol y las drogas los separó. Piaf se encerraba en su cuarto a tomar cerveza, mezclándola con ansiolíticos y anfetaminas. Moustaki, que le compuso uno de sus temas más célebres, 'Milord' (1959), fue reemplazado por Douglas Davis, un joven pintor. Sus relaciones siempre eran apasionadas y destructivas. Ella se dejaba abofetear o maltratar por sus numerosos amantes, a cambio, les era siempre infiel. En 1960 se publica, quizás su mayor éxito, 'Non, je ne regrette rien'.

El 9 de octubre de 1962, a los 46 años de edad, hastiada, enferma y adicta a la morfina, se casa con Theo Sarapo, cantante joven y apuesto de 26 años, y declara que tiene la impresión de que es "como un hijo que cuida a su anciana madre enferma". Cantan a dúo, entre otras, 'À quoi ça sert l'amour'. A principios del año 1963, Édith graba su última canción 'L'homme de Berlín', escrita por Francis Lai (uno de los autores del final de su carrera) y M. Vendôme. La diva murió a los 47 años el 11 de octubre del año 1963 en un chalet de la Provenza que su marido había alquilado para protegerla de la prensa en sus últimos días de existencia.