Nikolai Miaskovsky

El 20 de abril de 1881 nació en Novogueórguiyevsk (en lo que actualmente es Lomze), ciudad ubicada cerca de Varsovia al noreste de Polonia, el más grande compositor ruso sinfonista y polifonista que vivió durante el periodo soviético, Nicolai Miaskovsky.

Nikolái y sus padres

Compositor prolífico, 26 sinfonías en su producción. También compuso numerosas canciones, trece cuartetos para cuerdas, dos conciertos para violonchelo y violín, y música para el piano, “Concierto para violonchelo y piano Nº 2” (Emil Rovner, cello & Suguru Ito, piano). Por mucho tiempo fue considerado uno de los tres compositores soviéticos más importantes de su tiempo junto a su amigo Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich. Sus primeros siete años transcurrieron en una casa situada en Novo Georgiyevsk donde nacieron dos hermanas: Vera (1885) y Valentina (1887). Sus padres y abuelos habían sido militares, siendo su padre un ingeniero militar que trabajó en las fortalezas de la frontera con Prusia. Mostró una temprana inclinación por las artes, iniciando sus estudios de piano instruido por su tía Yelikonida, hermana de su padre, que tenía formación musical. Esta tía se haría cargo del niño cuando mas tarde falleció la madre. En 1888, la familia se mudó a Orenburgo, y en 1889 a Kazán.

Fue en Kazán en 1891 donde comenzó Nikolai su formación musical más seriamente. Aquí también fue inscrito en una Escuela Militar para sus estudios medios, donde iniciaría su carrera militar. Una de sus primeras experiencias musicales que dejaron en él una profunda impresión fue la audición de un dueto de piano de un popurrí de “Don Giovanni” de Mozart y la asistencia junto a su hermano a una representación de “Iván Susanin” de Glinka.

Tchaikovsky

Hacia 1893 Nikolai empezó a desarrollar una gran independencia artística e intelectual que le caracterizaría el resto de su vida. Se convirtió en un gran lector de la literatura, del arte y corrientes intelectuales que se publicaba en revistas de la época. En 1895 la familia se mudó a San Petersburgo, donde además de sus estudios en el Colegio de Cadetes, comenzó a frecuentar los conciertos alrededor de la ciudad. En diciembre de 1896, asistió a un concierto de la “Sexta Sinfonía” de Tchaikovsky dirigida por el famoso Arthur Nikisch. Sería esta otra experiencia extraordinaria para el joven Nikolai que atesoraría entre sus más preciados recuerdos de juventud y que dejaría una huella profunda en su camino artístico.

Rimsky-Korsakov

Después de la graduación en la escuela secundaria militar en 1899, Nikolai se matriculó la Escuela de Ingeniería Militar, en contra de su inclinación y deseos. Entre su círculo de amigos en la Universidad encontró a fanáticos seguidores de una Rusia progresista y orientada a sus raíces. Sentimientos que se reflejaban en una música nacionalista que en ese momento lideraban cinco grandes de la música rusa: Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Cui y Balakirev, el ahora históricamente famoso Grupo de los Cinco. Rimsky-Korsakov era el gran compositor del momento y un gigante cultural de San Petersburgo, con quien tenía en común los estudios militares que le habían restado independencia para dedicarse profesionalmente a la música.

Miaskovski

En adelante, el joven Nikolai trató de equilibrar sus estudios de ingeniería militar que le dictaban su tradición familiar, con su creciente compromiso y amor por la música. En esta época conoce a otro joven que llegaría a ser otro famoso compositor ruso: Reinholdt Gliere. Por su continua búsqueda de la música, fuera de sus estudios militares, se convirtió en un asistente regular de la sociedad de la música moderna. En una de estas reuniones se entrevistó con Rimsky-Korsakov, quien le recomienda uno de sus alumnos para el estudio de composición. Ya en los primeros años del siglo XX, Myaskovsky comienza a componer, a la vez que continúa participando en la Sociedad de Música Moderna y mostrando un renovado interés por la literatura rusa moderna, participando también en un círculo de poetas modernistas. Fue especialmente un aficionado de la poesía de Zinaida Gippius de quien musicalizó algunos de sus trabajos.

Conservatorio de San Petersburgo

Pero, sus estudios militares lo habían hecho ingresar al servicio activo como ingeniero en Zaraysk y luego en Moscú. Afortunadamente, tuvo la suerte de ser enviado de vuelta a San Petersburgo. En 1905 quiso solicitar su ingreso a la Academia de Derecho como una forma de alejarse de la carrera militar. En 1906 se había decidido a ingresar al Conservatorio de San Petersburgo y, aunque todavía servía en el Ejército, dedicó todos sus esfuerzos a la preparación del examen de ingreso para después del año 1907 cuando expiraría su obligación de servicio en el Ejército. Tenía 25 años cuando se presentó en el Conservatorio. Sus exámenes fueron realizados por Rimsky-Korsakov, Lyadov y Glazunov, todos ellos compositores de gran fama por ese entonces no sólo en Rusia. En verdad, fue una experiencia muy intimidante para Nikolai. Estos grandes personajes serían en adelante sus propios profesores en el Conservatorio.

Myaskovsky y Prokoviev

Había en el Conservatorio muchos jóvenes que se convertirían en notable músicos en el futuro, pero la relación más cercana fue con su Sergei Prokoviev, que era diez años menor que Myaskovsky. En el verano de 1907, después de su admisión en el conservatorio y su definitiva renuncia al cuerpo de ingenieros del ejército, Nikolai se embarcó en su primer período de composición llevando a cabo un prolífico trabajo. También en ese verano fue candidato para dar lecciones de armonía en el conservatorio, comenzando así su larga carrera en la pedagogía musical. En el invierno de 1908, comenzó a escribir su “Primera Sinfonía”.
Cuando se graduó en 1911, había compuesto una serie de sonatas para piano y otra sinfonía. En esa época comenzó también una larga y fructífera amistad con el director de orquesta Sarajev siendo este director quien presentó la “Segunda Sinfonía” en un Concierto en Moscú.

La guerra y la revolución fueron una interrupción en su trabajo musical. Fue llamado de nuevo al ejército. Pasó 1917 en Revel con la marina y sólo regresó convaleciente a San Petersburgo a principios de 1918. Mientras se recuperaba escribió su “Cuarta Sinfonía”. Transferido a Moscú en 1919, escribió su “Quinta Sinfonía”. Ese año obtuvo un nombramiento en el Conservatorio de Moscú.

Sin embargo, 1919 fue un año oscuro para Myaskovsky. Su padre, que había sido un general de la Rusia zarista al servicio de la nobleza, fue abatido en una estación de trenes por un revolucionario. Nikolai y sus hermanas, tuvieron que sobrevivir en este nuevo orden político y social tratando de ocultar sus sentimientos y sus orígenes. Su trabajo en el Conservatorio le ayudó en esta nueva vida, trabajando con tesón en la composición y la enseñanza. Tal vez fueron su carácter y la férrea dedicación a su arte, los que impidieron que contrajera matrimonio. En la década de 1920 y 30 Myaskovsky trató de mantenerse alejado y fuera de las intrigas políticas que asolaron el ambiente cultural soviético, dedicándose por entero a su trabajo. Además de su labor en el conservatorio y su dedicación a la composición (escribió otras cinco sinfonías durante este período), se desempeñó como asistente de dirección del departamento de música en el Ministerio de Educación durante un año, además de otras actividades relacionadas con el arte en el ámbito de la educación estatal.

En el Conservatorio, fue muy admirado y querido por sus alumnos (entre otros, Kabalevsky, Shebalin y Kachaturian). Muchos veían en él a un filósofo de la música. Como compositor, se vio sí mismo como un descendiente directo de los grandes compositores rusos que le antecedieron, pero también reconoció una deuda muy grande a Glazunov y Scriabin. En 1926, se le concedió a Myaskovsky el título de Artista de Mérito de la República Soviética de Rusia. En 1940 le fue concedido el grado honorífico de Doctor en Letras, y en marzo de 1941, el Premio Stalin en reconocimiento de su 21a Sinfónica, por el cual fue ampliamente considerado uno de los más grandes sinfonistas de la Unión Soviética, y uno de los tres más grandes de Rusia y la Unión Soviética junto a Prokofiev y Shostakovich.

Durante la segunda guerra mundial, se refugió en el Cáucaso (Kabardino-Balkaria y Tbilisi) y luego enviado a Funze (ahora Bishkek) hasta mediados de 1943. En este período completó tres sinfonías (22, 23, 24), cuartetos para cuerda, una Sonatina, y varias marchas como una contribución patriótica.
Después de la guerra, Myaskovsky, ya en sus sesenta, fue galardonado como Artista del Pueblo de la URSS en 1946. Tras la celebración del 30º aniversario de la revolución de octubre, algunos envidiosos colegas del Conservatorio denunciaron su contribución como demasiado oscura y pesimista, lo que tuvo su efecto en 1948 al alejarlo de su carrera y retirar sus obras de las salas de conciertos de la Unión Soviética.

En los dos últimos años de su vida, trabajó duro en la intimidad de su apartamento en Sivtsev Vrazhek tratando de ordenar su obra y terminar una última sinfonía, la “Sinfonía nº 27” (Warren Cohen, dir. & MusicaNova Orchestra).  Hacia finales de 1949 había enfermado severamente. El gran compositor murió en su casa en la noche del 8 de agosto de 1950, a los 69 años de edad. Es sepultado en el cementerio Novodevichi, cerca de las tumbas de los dos grandes compositores de Moscú, Scriabin y Taneyev. Una placa conmemorativa fue puesta en su casa y una calle en el Viejo Arbat fue denominada con su nombre.

La obra de Miaskovsky se puede dividir en tres periodos:
1) Temprano (1908 – 1927). En ese periodo el compositor crea su estilo único, combinando las tradiciones del tardío romanticismo clásico ruso de los Rimsky - Korsakov, Tchaikovski y los elementos del modernismo (Sergei Prokofiev, Igor Stravinsky) y impresionismo (Claude Debussy y Alejandro Scriabin). Las más célebres fueron las sinfonías № 3, 5 y La gran sinfonía monumental - Trágica № 6.
2) Medio. (1931- 1940). Ese periodo es mas biunívoco. Miaskovski cambió de estilo bajo la opresión del régimen soviético, casi negando sus acostumbradas tonalidades grises e influencias del modernismo. La nueva música correspondía a las exigencias de la falsa soviética concepción del realismo socialista. En este periodo abundan las tonalidades claras, melodías de bailes, los elementos de folclores de las poblaciones diferentes de la URSS, que debían expresar un carácter internacional. Las sinfonías № 11 - 20 se caracterizan por la estructura simple y concepción positiva. Las Sinfonías № 13 у 16 fueron excepciones.

3) Tardío. (1940 – 1950) Miascovsky regresó al estilo romanticismo clásico ruso. Las sinfonías se distinguen por una estructura politonal. La polifonía transparente y su música se llenan imágenes de la natureza natal: abetos, abedules y robles, los campos de las flores y el gran cielo. Miaskovski logra las cimas de la melodía y la maestría polifónica:
“Sonata para violonchelo y Piano No 2” Op. 81 en La menor: Allegro moderato; II andante Cantabile; III allegro con spirito
(Alexander Rudin - Cello & Victor Ginsburg - Piano)

Obras por orden de Opus:
• Opus 1: "Meditations", siete poemas para Baratynski, voz y piano (1907)
• Opus 2: "The Days of Youth", doce romanzas para voz piano, textos K. Balmont (1903-1906)
• Opus 3: Sinfonía Nº 1 en Do menor, tres movimientos (1908, rev 1921)
• Opus 4: "On the Border", 18 romanzas para baja y media voz, y piano (1904-1908)

• Opus 5: "Unseen", tres piezas para voz y piano. Textos Zinaida Gippius (1905-1908)
• Opus 6: Sonata para piano Nº 1 en Re menor (1907-1909) 1. Moderato assai ed espressivo 2. Allegro Affanato 3. Largo espresivo (Murray McLachlan, Piano.)
• Opus 7: "Madrigal", suite de cinco piezas para voz y piano, poemas Balmont (1908-1909) 1. Prelude 2. Romance 3. Interlude 4. Romance 5. Postlude (Natalia Shiller – soprano & Naum Walter – piano)
• Opus 8: Tres ensayos para voz y piano, textos de Viatchelav Ivanov (1908)
• Opus 8B: Soneto para Michelangelo para voz y piano (1909)
• Opus 8C: "Frolics" (Part V), tres ensayos para piano (1908)

• Opus 9: "Silence", Poema sinfónico, letra Edgar Allan Poe (1909-1910) (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 9A: Oberture en sol mayor para orquesta sinfónica(1909)
• Opus 9B: "Frolics (Part VI), tres ensayos para piano (1909-1912)
• Opus 10: Sinfonieta en La mayor (1910-1911)
• Opus 11: Sinfonía Nº 2 en Do # menor 1910-1911)
• Opus 12: Sonata Nº 1 en Re mayor para violoncelo y piano (1911) 1. Adagio 2. Andante 3. Allegro passionato (Emil Rovner, cello & Suguru Ito, piano).
• Opus 13: Sonata para piano Nº 2 en Mi bemol menor (1912) (Lydia Jarson, piano)

• Opus 14: "Alastor", Poema sinfónico en Do menor, Shelley (1912-1913)
• Opus 15: Sinfonía Nº 3 en La menor (1914) 1. Non troppo vivo, vigoroso 1/2, 2/2  2. Deciso e sdegnoso 1/2, 2/2  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 16: "Premonitions", seis ensayos para voz y piano, textos Zinaida Gippius (1913-1914)
• Opus 16A: "Frolics" (Part VII), 19 ensayos para (1917-1919)
• Opus 17: Sinfonía Nº 4 en Mi menor (1917-1918) 1. Andante, mesto e con sentimento 1/2, 2/2  2. Allegro appassionato ma non troppo vivo 3. Largo, Freddo e senza espressione 4. Allegro energico e marcato  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 18: Sinfonía Nº 5 en Re mayor (1918-1919) 1. Allegro amabile  2. Lento  3. Allegro burlando  4. Allegro risoluto e con brio  (Konstantin Ivanov, & USSR Radio Symphony Orchestra
• Opus 19: Sonata para piano Nº 3 en Do menor, en un movimiento (1920) 1. Con desiderio, improvisato 2. Molto meno mosso, con languidezco (Sviatoslav Richter, piano)
• Opus 20: Seis Poemas para voz y piano, textos Alexander Blok (1921)
• Opus 21: "At the Close of the Day", Tres ensayos para voz y piano, textos Tyutchev (1922)
• Opus 22: "Faded Garland", ocho piezas para voz y piano, textos A. Delwig (1925)

• Opus 23: Sinfonía Nº 6 en Mi b menor con coros y libitum (1921-1923) 1. Poco Largamente. Allegro feroce 1/2, 2/2 2. Presto tenebroso 3. Andante appassionato 1/2, 2/2 4. Molto vivace 1/2, 2/2 (Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 24: Sinfonía Nº 7 en Si menor (1922) 1. Andante sostenuto calmo. Allegro minaccioso, poco stravagante  2. Andante. Allegro scherzando e tenebroso (Svetlanov & State Academic Orchestra)
• Opus 25: "Eccentricities", seis ensayos para piano (1917-1922)
• Opus 26: Sinfonía N. 8 en La mayor (1924-1925)
• Opus 27: Sonata para piano Nº 4 en Do menor (1924-1925) 1. Allegro moderato 2. Andante non troppo 3. Allegro con brio (Lydia Jardon)
• Opus 28: Sinfonía Nº 9 en Mi menor (1926-1927) 1. Andante sostenuto 2. Presto 3. Lento Molto 4. Allegro con grazia (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 29: "Reminiscences", seis piezas para piano (1927)
• Opus 30: Sinfonía Nº 10 en Fa menor en un movimiento (1926-1927) Un poco sostenuto. Allegro tumultuoso (Orchestra Sinfonica della Federazione Accademica Russa & dir. Evgeny Svetlanov).
• Opus 31: "Yellowed Leaves", siete bagatelas para piano (1928)
• Opus 33.1: Cuarteto de cuerdas Nº 1 en La menor (1930) 1. Poco rubato ed agitato 2. Allegro tenebroso 3. Andante sostenuto 4. Assai allegro (Taneyev Quartet)
• Opus 33.3: Cuarteto de cuerdas Nº 3 en Re menor (1930) 1. Allegro non troppo, malinconico 2. Theme et Variations (Taneyev Quartet)

• Opus 33.4: Cuarteto de cuerdas Nº 4 en Fa menor (1937) 1. Andante 2. Allegretto risoluto 3. Andante 4. Allegro Molto (Taneyev Quartet)
• Opus 34: Sinfonía Nº 11 en Si b menor (1931-1932) 1. Lento. Allegro agitato 2. Andante. Adagio, ma non troppo 3. Precipitato. Allegro (Veronika Dudarova & Moscow Symphony Orchestra)
• Opus 35: Sinfonía Nº 12 en sol menor "October" (1931-1932) Dedicado al 15º aniversario de la revolución de Octubre 1. Andante. Allegro giocoso. Andante 2. Presto agitato 3. Allegro festivo maestoso (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 36: Sinfonía Nº 13 en si b menor (1933)
• Opus 37: Sinfonía Nº 14 en Do mayor(1933)
• Opus 38: Sinfonía Nº 15 en re menor (1933-1934) 1. Andante. Allegro appassionato 2. Moderato assai 3. Allegro molto ma con garbo 4. Poco pesante. Allegro ma non troppo (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 39: Sinfonía Nº 16 en Fa mayor (1933-1934)
• Opus 40: Doce Romanzas para voz, textos Lermontov (1935-1936)
• Opus 41: Sinfonía Nº 17 in Sol # menor (1936-1937) 1. Lento. Allegro molto agitato 1/2, 2/2 2. Lento assai. Andantino, ma non troppo 1/2, 2/2 3. Allegro,poco vivace 4. Andante. Allegro molto animato (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 42: Sinfonía Nº 18 en Do menor (1937) Dedicado al 20º aniversario de la revolución de Octubre. 1. Allegro risoluto 2. Lento ma non troppo. Andante narrante 3. Allegro giocoso (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 43.1: Diez piezas fáciles para piano (1938)
• Opus 44: Concierto en Re menor para violín y orquesta (1938) 1. Allegro - 2. Adagio - 3. Allegro giocoso (St Petersburg Kirov Orchestra, Vadim Repin & Valery Gergiev)
• Opus 45: Tres ensayos para voz y piano, textos S. Shchipashev y L. Kvitko (1939)
• Opus 46: Sinfonía Nº 19 en Mi b mayor para orquesta de vientos (1939) 1. Maestoso. Allegro giocoso 2. Moderato 3. Andante serioso 4. Poco Maestoso – Vivo  (Taiwan Wind Ensemble & dir. Akiyama)
• Opus 47: Cuarteto de cuerdas Nº 5 en Mi menor (1938-1939)
• Opus 48: “Greetingsoverture” en Do mayor (1939)
• Opus 49: Cuarteto de cuerdas Nº 6 en Sol menor (1939-1940) 1. Moderato con anima 2. Allegro vivo giocoso 3. Adagio – Andante lúgubre 4. Allegro con fuoco (Taneyev Quartet)
• Opus 50: Sinfonía Nº 20 en Mi mayor (1940) 1. Allegro con spirito 2. Adagio 3. Allegro inquieto (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 51: Sinfonía Nº 21 en Fa # menor en un movimiento (1940) 1. Andante sostenuto 2. Allegro non troppo ma con impeto 3. Andante 1/2  2/2  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 52: Diez Romanzas para media y baja voz y piano, textos Stepan Shchipachev, (1940)
• Opus 53: Dos Marchas para orquesta de viento (1941)
• Opus 54: Sinfonía Nº 22 en si menor "Ballade" (1941) 1. Lento. Allegro non troppo 2. Andante con duolo 3. Allegro energico, ma non troppo vivo (Evgeny Svetlanov, dir. & State Academic Orchestra)

• Opus 55: Cuarteto de cuerdas Nº 7 en Fa mayor (1941) 1. Andantino 2. Vivace e Fantastico 3. Andante con moto 4. Vivacissimo (Taneyev Quartet)
• Opus 56: Sinfonía Nº 23 en La menor (1941) 1. Lento. Allegro alla marcia. Lento 1/2, 2/2  2. Andante molto sostenuto  3. Allegro vivace
(Evgeny Svetlanov, Orcheste Symphonique de l´URSS)
• Opus 57: Sonatina para piano en Mi menor (1942) 1. Moderato (Murray McLachlan, Piano)
• Opus 58: "Song and Rhapsody" (Preludio y Rondó-Sonata) en Si b mayor para piano (1942) (Grigory Ginzburg)
• Opus 59: Cuarteto de cuerdas Nº 8 en Fa # menor (1942)
• Opus 60: Dramática Obertura en sol menor para orquesta de vientos (1942)

• Opus 61: "Kirov is With Us", cantata en Re menor para mezzo-soprano, barítono, coro y orquesta, texto N. Tichonov (1942-1943)
• Opus 62: Cuarteto de cuerdas Nº 9 en Re menor (1943) 1. Allegro inquieto 2. Andante appassionato 3. Allegro con brio (Taneyev Quartet)
• Opus 63: Sinfonía Nº 24 en Fa menor (1943) 1. Allegro deciso 2. Molto sostenuto 3. Allegro appassionato (Evgeny Svetlanov & State Academic Orchestra)
• Opus 64.1: Piano Sonata No. 5 "After Ancient Sketches" en Si mayor (1944)
• Opus 65: "Links of a chain", seis ensayos para orquesta sinfónica (1944-1945)
• Opus 66: Concierto en Do menor para violoncelo y orquesta (1944), (Mstislav & Rostropovich)

Lionel Hampton

El 20 de abril de 1908 nació en Louisville (Kentucky) el vibrafonista, pianista y percusionista de jazz Lionel Hampton. Durante más de 50 años cautivó audiencias por todo el mundo con su ritmo y su exuberante capacidad escénica. Hampton fue -junto con Red Norvo- un pionero del vibráfono en el jazz, formando parte de las orquestas de Les Hite y Benny Goodman en los años treinta, antes de formar su propia big band, una de las orquestas de jazz más populares y duraderas de todos los tiempos.

Especializado en crear con sus músicos una especie de frenesí rítmico en sus audiencias, era conocida la costumbre de Hampton de alargar los temas  para que todos los solistas de su orquesta tuvieran la ocasión de realizar sus solos hasta la extenuación. En cierta ocasión, el entusiasmo del público, que seguía el ritmo de Hampton con los pies y saltando en el Harlem Apollo Theatre, produjo el desprendimiento de una platea, forzando una evacuación de la sala. Fue una de las primeras orquestas en adoptar el órgano y el bajo eléctrico y por sus filas pasaron grandes del jazz como Quincy Jones, Charles Mingus, Johnny Griffin, Wes Montgomery, Dizzy Gillespie y Dinah Washington.

Hampton comenzó a desarrollar su talento musical desde la más tierna infancia, golpeando los travesaños de las sillas o las ollas y sartenes de su abuela. Sus regalos por Navidades solían ser tambores de juguete, que rara vez sobrevivían más de unos pocos días a su tremendo entusiasmo con las baquetas. Deseando que llegara el momento de tocar una batería 'de verdad', Lionel trabajó como vendedor ambulante de periódicos para el Chicago Defender. A los pocos días, ya estaba tocando en una banda de jazz formada por repartidores y vendedores ambulantes como él, la Defend Newsboys Band. En 1928, tras graduarse en la high school, se dirigió a Los Angeles para tocar en la orquesta de Les Hite, un amigo de la familia. Allí permaneció cuatro años y se labró una merecida fama local como batería de jazz.

En cierta ocasión, la orquesta de Les Hite acompañó a Louis Armstrong en una sesión de grabación. Hampton descubrió en una esquina del estudio un vibráfono que no se usaba y en poco más de una hora, ya dominaba el instrumento. La grabación de Louis Armstrong de 1930 'Memories of you', contiene el primer solo de vibráfono grabado de la historia. El joven músico se quedó prendado del sonido y la versatilidad de su nuevo instrumento de percusión y comenzó a usarlo con frecuencia. Otros músicos de jazz habían utilizado el vibráfono, pero ninguno alcanzó la maestría rítmica y extraordinariamente inventiva de Hampton, utilizándose hasta entonces únicamente como elemento sonoro decorativo, a modo de campanillas.

En 1936 el clarinetista Benny Goodman le oyó tocar en el Paradise Café de Los Angeles y le persuadió para unirse a su trío, formado con el pianista Teddy Wilson y el batería Gene Krupa. Muy admirados y queridos, el Benny Goodman Quartet tuvo un gran éxito con temas como 'Stompin' at the Savoy' y 'Moon Glow' (1936)

Hampton también cantó ocasionalmente y tocó la batería en la orquesta de Goodman, además de colaborar con muchos otros sidemen de célebres orquestas de jazz. Sus grabaciones en Victor, como 'China Stomp', 'Confessin' that I love you' y 'After you've gone' (1937), son piezas anheladas por los coleccionistas). Asimismo participó en la famosa actuación en enero de 1938 de Benny Goodman y su orquesta en el Carnegie Hall

En 1940 formó su propia banda, formada en un principio por jóvenes, desconocido pero prometedores músicos de todo el país. La orquesta de Hampton reflejó inmediatamente la pletórica naturaleza y energía de su líder. Dirigía, cantaba y tocaba la batería y el vibráfono. De vez en cuando daba rienda suelta a su exhibicionismo y sorprendía a su público ejecutando solos al piano con su única y personal técnica de usar los dedos como si fueran las mazas del vibráfono.

Comenzando con su hit 'Flying home' (1940), Hampton y su orquesta dominaron la escena de las big bands durante las dos siguientes décadas. Durante los años cincuenta grabó con grupos más reducidos, trabajó con Norman Granz y colaboró en jams con Oscar Peterson, Stan Getz, Art Tatum, Buddy Rich y Buddy DeFranco, entre otros.

Cuando en los años sesenta se hizo evidente que los días de las big bands habían pasado, formó The Inner Circle, una agrupación de alrededor de ocho músicos con la que siguió actuando e interpretando sus éxitos de siempre, aunque en ocasiones especiales volvía a reunir a su orquesta completa. Desde entonces participó en numerosas giras benéficas y fue nombrado embajador de Naciones Unidas de la música afroamericana y comisionado de derechos humanos por la ciudad de Nueva York. Permaneció activo hasta que en 1991 sufrió un ictus durante un concierto en Paris. Este incidente, unido a varios años de artritis crónica, forzaron al músico a rebajar considerablemente su calendario. El año 2001 actuó en el Smithsonian National Museum of American History, poco antes de morir en agosto de 2002 a los 94 años.

Luther Vandross

El 20 de abril de 1951 nació en el Lower East Side de Manhattan (Nueva York) el músico y productor Luther Vandross, uno de los cantantes de R&B más populares en EEUU en las décadas de los 80 y 90. Consiguió en su carrera ocho premios Grammy y vender más de 25 millones de copias de sus publicaciones.

Luther Vandross fue conocido, sobre todo, por sus románticas baladas en las que demostraba toda la emoción de su soul. Su registro vocal abarcaba desde un tenor a un robusto barítono, lo que representaba sólo uno de sus muchos talentos. Mantuvo siempre un control artístico absoluto sobre su música y sus composiciones y arreglos han sido grabados por muchos de los grandes cantantes de pop norteamericanos. Además de su fama como artista en solitario, Vandross fue conocido como una de las voces de acompañamiento de mayor talento del pop, realizando coros para músicos como Roberta Flack, David Bowie, Diana Ross, Bette Midler y Barbra Streisand.

Fue el menor de cuatro hermanos, hijos de un tapicero que murió de diabetes cuando Luther contaba ocho años. Como resultado, desarrolló una relación muy estrecha con su madre, la enfermera Mary Ida Vandross. Todos los hermanos tenían inclinaciones musicales, y los padres les animaban en ello. Mary Ida descubrió pronto el talento especial de Luther y le hizo tomar clases de piano ya con tres años. Una de sus hermanas mayores cantó con las Crests de adolescente y, aunque dejó el hogar cuando Luther aún era niño, el joven Vandross desarrolló un cariño particular y un respeto por los estilos vocales femeninos, especialmente los de Aretha Franklin, Diana Ross y Dionne Warwick, descubriendo en ellos la facultad de expresar sus emociones con cierto desenfreno, algo raramente visto en el mundo de los vocalistas de pop masculinos.

Shades of Jade

Con trece años, Luther y su madre se trasladaron a la parte sur del Bronx, donde asistió a la Taft High School. Allí formó el grupo vocal Shades of Jade con sus amigos Carlos Alomar, Robin Clark, Anthony Hinton, Diane Sumler y Fonzi Thornton. Los cinco junto con otros once adolescentes formaron parte del taller de teatro Listen My Brother organizado por el Apollo Theater de Harlem y aparecieron en 1969 en los primeros episodios de la serie Barrio Sésamo.

Cuando llevaba dos semestres cumplidos en la Universidad de Kalamazoo (Michigan), Vandross abandonó los estudios y volvió a Nueva York para dedicarse de lleno a la música. Desempeñó diversos trabajos para sobrevivir mientras trataba de hacerse un nombre en el mundillo musical. A partir de este momento la carrera de Vandross contó con una combinación de talento y golpes de suerte. En 1973 dos de sus composiciones, 'In this lovely hour' y 'Who's gonna make it easier for me' fueron grabadas por Delores Hall en su álbum 'Hall-Mark', la segunda, cantada a dúo con Vandross. En 1974, una de sus composiciones, 'Everybody rejoice', fue incorporada al musical de Broadway 'The Wiz'.

Vandross y Bowie

Poco más tarde, Vandross se encontraba con su amigo Carlos Alomar asistiendo a la grabación de unos temas de David Bowie. Durante las sesiones, Luther hizo algunas observaciones sobre los arreglos que Bowie usaba en las grabaciones, ilustrando sus ideas cantando con su propia voz. Sus comentarios fueron muy tenidos en cuenta por Bowie que, además, contrató a Vandross para que cantara los coros en su álbum 'Young Americans'. Luther co-escribió con Bowie el tema 'Fascination'. Seguidamente, Bowie invitó a Vandross a unirse a él como telonero en su gira. Luther aceptó la oferta pero la experiencia le resultó agotadora. El stress de la gira le afectó y sentía ansiedad ante la idea de actuar frente a miles de desconocidos. Bowie, seguro del talento de Vandross le animó a perseverar convenciéndole de que su experiencia en los directos sería fundamental en su futura carrera.

A continuación Vandross trabajó un tiempo con Bette Midler y comenzó su carrera de cantante acompañando con su voz a artistas como Carly Simon, Roberta Flack, Barbra Streisand, Chaka Khan y la Average White Band. Como cantante de jingles comerciales también logró unos interesantes ingresos y a finales de los años setenta, Vandross formaba parte de un quinteto vocal llamado Luther con ex-miebros del grupo Shades of Jade. Aunque los singles 'It's good for the soul' y 'Funky music (Is part of me)' tuvieron cierto éxito, los dos álbumes publicados no alcanzaron las listas y el grupo se separó.

En 1979 fue el responsable del arreglo de las voces del dueto de Barbra Streisand y Donna Summer con 'No more tears (Enough is enough)', que fue nº1 en noviembre de 1979. En 1980 Vandross es el cantante solista del grupo de dance-pop Change, un grupo de estudio creado por el productor franco-italiano Jacques Fred Petrus. Sus hits 'The glow of love' y 'Searching' le abren las puertas al estrellato.

Un año más tarde firma con Epic Records y publica su primer álbum en solitario, 'Never Too Much' que, además del tema -compuesto por Vandross- que dió título al álbum, contenía una versión del tema de Bacharach/David 'A house is not a home'.

Los arreglos corrieron a cargo de su campañero de colegio Nat Adderley Jr, una colaboración que continuaría durante toda la carrera de Vandross. Otro de sus colaboradores en el álbum fue el bajista Marcus Miller, con quien también seguiría unido en labores de composición y producción. 'Never too much' reflejaba su estilo musical, consistente en un neo-soul tranquilo que bebía de las fuentes del R&B y pop de su juventud, particularmente de Dionne Warwick, Aretha Franklin, Smokey Robinson y los grupos femeninos de los sesenta, como las Shirelles. A estas influencias, Vandross añadió elementos contemporáneos como el jazz y el disco.

Durante los años ochenta publicó una serie de álbumes con temas de éxito en las listas de R&B como 'Bad boy/Having a party', 'Superstar', 'Till my baby comes home', 'It's over now' (1985) y 'Give me the reason' (1986). Al mismo tiempo Vandross compuso temas para Aretha Franklin, Diana Ross y Dionne Warwick, produciendo además algunos de sus trabajos. En 1987 consiguió dos nº1 consecutivos con los temas 'Stop to love' y 'There's nothing better than love', el segundo con Gregory Hines. En 1988 siguen los éxitos con dos nuevos nº1: 'Any love' y 'Here and now', su primer tema en alcanzar el Top10 de Billboard.

En los años noventa, Luther realizó una gira por Estados Unidos en la que actuó en total ante 650.000 espectadores, además de continuar publicando álbumes de éxito. Nuevos hits fueron 'Power of love (Love power)', 'Don't want to be a fool' y 'The best things in life are free', un dueto con Janet Jackson, su último nº1 en las listas de R&B.

Vandross y Mariah Carey

En 1994 tuvo su mayor hit en las listas pop (nº2) con el tema cantado a dúo con Mariah Carey, 'Endless love'. En 1998 terminó su relación profesional con Epic Records y firma con Virgin donde lanza 'I know', firmando más tarde con J Records. Su primer álbum en el nuevo sello de Clive Davis, titulado 'Luther Vandross', apareció en 2001, y produjo los éxitos 'Take you out', 'Grown thangs' y 'I'd rather'.

El año 2003 sufre un derrame y pasa varios meses recuperándose. Ese mismo año se publica su último álbum, 'Dance with my Father' en memoria a su padre. Obtiene un gran éxito de ventas y fue su primer y único trabajo en alcanzar el nº1 de las listas de álbumes. El álbum fue nominado en 2004 a cinco premios Grammy y, aunque Vandross se encontraba demasiado enfermo para asistir a la ceremonia, estuvo allí en espíritu, ganando cuatro gramófonos, incluída la canción del año. En una filmación grabada, Vandros hizo su primera aparición pública desde su derrame ante la audiencia de la entrega de los Grammy: "Me gustaría estar ahí con vosotros esta noche. Quiero agradecer a todos vuestro cariño y apoyo. Y recordad, cuando digo adiós, no es para siempre, porque creo en el poder del amor". Luther murió en julio de 2005 a los 54 años.

Tito Puente

El 20 de abril de 1923 nació en Nueva York, de padres puertorriqueños, el músico de salsa y jazz latino Tito Puente. Considerado como el 'padrino del latin jazz' y la salsa, dedicó más de 60 años de su vida a interpretar la música latina y a desarrollar una brillante carrera como percusionista. Con su eterna sonrisa y su inacabable energía fue, además de un gran tocador de timbales y un compositor de talento, un maestro de la escena y el entertainment. Su prolífica producción comprende más de 100 álbumes grabados entre 1949 y 1994 y en su larga carrera recibió cinco premios Grammy, entre otras muchas distinciones, como la llave de Nueva York y el honor de aparecer como él mismo en un episodio de los Simpsons.

Después de haber pasado por la orquesta de Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial lo lleva a la Marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la Julliard School de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la que se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York.

Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, 'Ran Kan Kan', 'Oye como va' y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y prácticamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Crosby y en 1992, interviene en el film, 'Los reyes del Mambo'. Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: 'Oye cómo va' y 'Para los rumberos' han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes 'El Rey del Timbal', 'Cuban Carnival' (1956), 'Top Percussion', 'Puente in Percussion' (1957), 'Dance Manía' (1958) y 'El número 100' (1991), conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latin jazz.

Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. En su banda crecieron músicos como Mongo Santamaría, Willie Bobo y Ray Barreto. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 5 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, la Tito Puente Scholarship Fundation, fundación encargada de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó '50 Years of Swing', una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Ray Charles y Anita O’Day.

Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el 'Rey del Timbal', un músico que, con la sonrisa siempre en los labios, se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada 'Calle 54'. Apenas unos meses después, el 1 de junio de 2000 su sonrisa se truncó para siempre a los 77 años.

LP 'Jazz Samba'

El 20 de abril de 1962 se publicó en EEUU en el sello Verve el LP 'Jazz Samba' del saxofonista Stan Getz y el guitarrista Charlie Byrd. Fue el primer disco importante de bossa nova en la escena del jazz americano y ayudó a preparar la explosión mundial del nuevo estilo que se estaba gestando. Un álbum imprescindible en cualquier colección de jazz, que logró el nº1 de las listas pop, en las que se mantuvo setenta semanas.

Stan Getz

Antes de 1962, el saxofonista tenor Stan Getz y el guitarrista Charlie Byrd ya disfrutaban de una posición respetada en los círculos del jazz. Getz, antes de lanzarse en solitario a finales de los años cuarenta, había estado tocando junto a Stan Kenton, Jimmy Dorsey, Benny Godman y Woody Herman. Byrd por su parte había estudiado guitarra clásica con el maestro Segovia y tocó con Woody Herman en 1959. Charlie Byrd había sido invitado a un intercambio cultural con Brasil que la administración Kennedy promovió en 1961. Allí se quedó prendado de la música y se trajo numerosas grabaciones en su vuelta a Estados Unidos.

Charlie Byrd

Una en particular, el LP 'Chega de Saudade' de Joao Gilberto, que contenía varias bossas de Jobim. "Cuando volvimos a casa, incluimos cuatro o cinco temas brasileños en el repertorio y tuvieron muy buena acogida" -recuerda Byrd- "pensé que podría reunir material para grabar un álbum, pero nunca imaginé que pudiera acabar como nº1 de las listas pop." Cuando su viejo conocido Stan Getz pasó por Washington con motivo de una actuación, Byrd lo invitó a comer a su casa y le mostró sus últimos descubrimientos musicales. Getz estaba entusiasmado. "Me sugirió grabarlo en su sello, y como en aquel momento no tenía nada más interesante que hacer, accedí."

El disco se grabó en una sola sesión de cuatro horas en la Iglesia de Todas las Almas de Washington D.C. el 13 de febrero de 1962. La sección de ritmo estaba compuesta por la banda de Byrd, es decir, Keter Betts al contrabajo y Buddy Deppenschmidt a la batería, reforzados por Gene Byrd -hermano menor de Charlie- (guitarra y bajo) y Bill Reichenbach (batería). Según Byrd, la decisión de usar dos baterías fue una idea que tomó de los grupos brasileños que había visto en su viaje. Algo sorprendente es, que Getz y Byrd no realizaron sesiones de ensayo antes de la grabación. "Hablamos un rato sobre ello en la habitación del hotel y a continuación fuimos a grabar". La elección del lugar de grabación no respondió a motivaciones espirituales. "Ed Green -el ingeniero de grabación- y yo habíamos probado en varias localizaciones de Washington, porque no nos gustaba el sonido 'seco' de los estudios. En principio elegimos un recinto de una comunidad judía, pero junto a él había una parada de autobús, por lo que tuvimos que seguir buscando" añade Byrd.

Getz y los hermanos Byrd

El productor Creed Taylor, aunque no estaba muy satisfecho con la sección rítmica, se llevó las cintas a Nueva York y publicó el disco. Byrd recibió por su participación un pago de rutina por músico de sesión y estuvo litigando con Getz y Verve Records, hasta que en 1967 recibió una suma compensatoria de 50.000$.

Cuando en marzo de 1963, 'Jazz Samba' alcanzó el nº1, en Estados Unidos ya había se había propagado la fiebre de la bossa nova. En las listas de aquel año podíamos encontrar títulos como 'Fly me to the moon and the Bossa Nova Pops' de Joe Harnell and his Piano Orchestra; 'Viva Bossa Nova', de Laurindo Almeida and the Bossa Nova All Stars y 'Big Band Bossa Nova', de Enoch Light. El single que se extrajo del álbum, 'Desafinado' llegó al nº 15 de las listas y supuso -además de un Grammy- el resurgir de Stan Getz, quien tras superar problemas con las drogas en los cincuenta y vagar varios años por Europa, se encontró como protagonista de la expansión comercial del nuevo sonido brasileño, un sonido que encontró su sitio en el mundo pop, justo en el momento en el que la energía inicial del rock and roll se empezaba a diluir en un pop blandengue y los Beatles aún estaban incubándose en Hamburgo.

'Desafinado' (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

'Samba dees days' (Charlie Byrd)

'O pato' (Jayme Silva, Neuza Teixeira)

'Samba triste' (Baden Powell, Billy Blanco)

'Samba de uma nota só' (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

'É luxo só' (Ary Barroso)

'Baia' (Ary Barroso)