Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 4 de Marzo de 1678 nació en Venecia (Italia el compositor y músico del Barroco tardío Antonio Lucio Vivaldi, más conocido como Antonio Vivaldi, una de las figuras más relevantes de la historia de la música, cuya maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto.
Giovanni Legrenzi
Su padre, el músico Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del "Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se le dispensara de decir misa por razones de salud.
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna: La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos Opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: “L'estro armonico”: "Concierto para 2 Violines en La menor, Op. 3, No. 8: I. Allegro en 1711, seguido de “La Stravaganza” Concierto no.1 en Si bemol mayor (Rachel Podger & Arte dei Suonatori) en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Giuseppe Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus Opus en Londres y París.
Hospitale della Pietà
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese donde realizó a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
Tetaro San Moisè
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, “Ottone in Villa” (L'Arte dell'Arco& dir. Christopher Hogwood), su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant'Angelo y San Moisè. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el “stile nuovo” atacando frontalmente al “stile antico” elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas.
Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.
Antonio Vivaldi
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Fráncfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant'Angelo en 1715, muestran la admiración que sentía por Vivaldi, que le fascinaba con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.
La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, “La vittoria navale”, interpretado en Vicenza en junio de 1713. Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.
Antonio Vivaldi
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica y de la música programática e imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los movimientos -sobre todo de sus concerti- tienen un título que los identifica y en el caso particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como “Le Quattro Stagioni”, los primeros de los doce conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como “Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione” (El juicio entre la Armonía y la Invención). Vivaldi escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos, los cuales -a menudo- son recitados antes de la interpretación de éstos.
Venecia en 1740
Al morir, cae en el olvido en Viena, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época. En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor. Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, “Concierto para violín y orquesta Op 3 No 6 en La menor, RV 356” (Itzhak Perlman), además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.
"Concierto Grosso" y Concierto "per Soli":
Mientras Torelli y Corelli, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli".
El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema, B: desarrollo, y A: reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo. Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos.
La mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el concerto "per Soli", Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que, a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico. Soli y orquesta se encuentran, planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias, al contrario de Bach, donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.
Para Vivaldi, el solo y el tutti son contraposición, diálogo; en Bach son dos fuerzas antagónicas. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta, el rol del solista es transformarlo armónica, rítmica o melódicamente. El solista es el primer plano, la orquesta un fondo, no un relieve. En los conciertos de Bach, la orquesta cumple precisamente la función de relieve, no es sólo un fondo, ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema, hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista: El Concierto en sol menor Op. 12 n.º 1, o el Concierto para dos violines en la menor Op. 3 n.º 8de Vivaldi (Orchestra Perpetuum Mobile Conductor Igor Longato Soloists Robert Kowalski & Marek Zwiebel) puede contrastarse con el Concierto en la menor BWV 1041 primer movimientode J. S. Bach, (Takako Nishizaki, violinista & Capella Istropolitana)
Sus obras
Su producción fue muy numerosa. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Así como su música religiosa, en las que el lirismo y la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".
• (1714) “La stravaganza” Opus nº 4 (Europa Galante, dir. Fabio Biondi).
• (1720) “La venta in cimento” (ópera). “Mi vuoi tradir, lo sò” (Sonia Prina, contralto)
• (1724) “Concierto para flauta Nº 2 en sol menor” (Claudio Scimone, I Solisti Veneti & Jean-Pierre Rampal)
• (1725) “Las cuatro estaciones” es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta (La primavera, El verano, El otoño y El invierno), incluido en "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", (El juicio de la armonía y la invención), Op. 8. Consta de doce conciertos, siete de los cuales son descriptivos: Las cuatro estaciones, Tormenta en el Océano, Placer y La Búsqueda. Se trata de una obra expresiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.
En estos cuatro conciertos se encuentran ejemplificadas todas las características del concierto barroco. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto está dividido en tres partes: tempo rápido-lento-rápido.
El elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el ''basso'' continuo, enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.
• (1727) “La Cetra” Opus n 9: Conjunto de 12 conciertos, todos ellos para violín solo, cuerdas y bajo continuo , con la excepción N º 9 en si bemol, que cuenta con dos violines solistas. (Holland Baroque Society & Rachel Podger)
• (1727) “Orlando Furioso” (RV 728) “Sorge l’irato nembo”, prodigiosa aria di tempesta (Marita Paparizou, mezzosoprano)es una ópera (dramma per musica) en tres actos del libreto italiano de Grazio Braccioli, que a su vez estaba basada en el poema épico Orlando Furioso de Ariosto. La ópera alterna arias con recitativos y está ambientada en una isla en un tiempo no especificado. La historia combina varios argumentos de Ariosto: desde las hazañas de Orlando hasta la historia de Alcina.
El conjunto de emociones que la obra recorre es de una riqueza extraordinaria, y los personajes tienen ocasión de expresarlas en unas cuantas arias que se encuentran entre las más bellas, no ya del repertorio vivaldiano, sino de toda la ópera barroca: arias contemplativas, de tempi lentos (del Largo al Andante molto), como:
- “Sol da te mio dolce amor” (Philippe Jarousky, contratenor, Ensemble Matheus dir. Spinosi) de Ruggiero, acompañada por la flauta;
- “Così potessi anch’io” (Sonia Prina - contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi) doloroso canto de una Alcina envidiosa ante el amor entre Medoro y Angelica.
- “Poveri affetti miei”, (Veronica Cangemi- contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi) aria de Alcina sobre un ritmo de siciliana;
- “Nel profondo” (Philippe Jarousky - contratenor, Marie-Nicole Lemieux - contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi), aria entre Orlando y Ruggiero.
- “Sorge l’irato nembo”, prodigiosa aria di tempesta (Philippe Jarousky, contratenor, Ensemble Matheus dir. Spinosi)
• (1730) “Argippo” "Se lento ancora il fulmine" [RV 697] Aria para mezzosoprano, cuerdas y bajo continuo (Romina Basso, mezzo-soprano, dir. Frederico Maria Sardelli).
• (1733) “Montezuma” (Drama per Musica),
• (1734) “La Olimpiada”
• (1735) “Griselda” Agitata da due venti (Cecilia Bartoli, mezzosoprano)
Agitata da due venti,
freme l'onda in mar turbato
e 'l nocchiero spaventato
già s'aspetta a naufragar.
Dal dovere da l'amore
combattuto questo core
non resiste e par che ceda
e incominci a desperar.
Agitada por dos vientos, tiembla la ola en el mar turbulento
y el timonel asustado aguarda ya el naufragio.
Por deber y por amor está invadido este corazón;
no puede resistir ni ceder y comienza a desesperar.
Música Religiosa
Entre su música religiosa se encuentran, entre otras muchas, las siguientes obras: “Gloria RV 589” Domines Deu (Cecilia Bartoli, mezzosoprano), para solista, coro y orquesta a cuatro voces, “Kyrie” (The King's Consort & Robert King) para coro a cuatro voces y orquesta, “Dixit dominus” 1/2, 2/2 (Concerto Italiano & Rinaldo Alessandrini) para doble coro a cuatro voces y orquesta, “Nisi dominus” para solista y orquesta VII: (Philippe Jaroussky &J.-Ch. Spinosi dir. Ensemble Matheus) y, por último, “Credo Rv 599” ( The King's Consort & Robert King) para coro, orquesta a cuatro voces.
El 4 de marzo de 1968 se publicó en EE.UU. el tercer álbum de Frank Zappa & The Mothers of Invention, ‘We’re Only In It For The Money’, un álbum conceptual en el que Zappa pretendía -mediante la sátira- desmitificar la falsa inocencia del movimiento hippie en plena explosión, llevando a cabo un contundente análisis de una sociedad que dio lugar al imperialismo belicista, las adicciones, la desintegración personal y familiar, que además se enorgullecía de su pensamiento profundamente reaccionario.
Frank Zappa
Estamos en 1967, acaba de pasar el 'verano del amor' y San Francisco está en el apogeo de la gloria. Zappa carga con bala en 'Who needs the Peace Corps' : "Todas las ciudades deben tener un lugar donde puedan reunirse hippies de mentira, calabozos psicodélicos que surjan en todas las esquinas de la calle... Voy a ir a San Francisco, me compraré una peluca y dormiré sobre el suelo de Owsley (conocido fabricante de LSD). Se me pegarán las ladillas pero no tendré nada que eyacular". Bajo este aire de severidad, Zappa no disimula su ternura, su compasión incluso, por el teenager que ha aterrizado completamente desmoronado sobre las aceras de Haight-Ashbury. Todas las motivaciones de estos chiquillos están contenidas en un solo verso de la canción: "It's such a drag to have to love a plastic Mom and Dad" (Qué aburrimiento tener que querer a un padre y a una madre de plástico).
Lo cierto es que los tiempos son desconcertantes. Ya no se sabe a quién amar, a quién rechazar, ni si estas palabras siguen significando algo aún. Medio millón de jóvenes se lanzaron durante el verano del 67 hacia el cruce de Haight-Ashbury, por la sencilla razón de que allí tenían una oportunidad de encontrar algo que no fueran sus padres encallados frente al televisor, y perspectivas lúdicas diferentes al ir y venir entre dos puestos de hamburguesas. Zappa los observa y comprende su forma de actuar, pero no deja de señalar con perspicacia que en 'hippylandia' están reproduciendo lo que ya conocían en las oscuras ciudades de donde provenían...
Portada original de 1968
El disco es, sin embargo bien recibido por una comunidad de 'freaks' que toma muy en serio la nueva 'cultura' que se fabrica. Los Mothers van a menudo más lejos que ellos al poner en tela de juicio el viejo mundo, en su manera de ridiculizarlo. Como con esa cubierta que se atreve a parodiar a los sacrosantos Beatles y a su 'Seargent Pepper's Lonely Hearts Club Band', abrazado por el conjunto de los jóvenes como una apología de sus nuevos descubrimientos; un objeto casi divinizado. El objetivo de la parodia es tanto más fácil para personas con espíritu algo iconoclasta. No obstante, los Beatles no lo ven con los mismos ojos y Paul McCartney se las arregla para retrasar la aparición del álbum de los Mothers. Finalmente, se llega a un arreglo cuando éstos aceptan presentarlo al revés que 'Seargent Pepper', es decir, la cubierta en el interior y viceversa (En la reedición en CD se recuperó la portada original).
'We're only in it for the money' es el último álbum producido por Tom Wilson (aparece de pie en el extremo izquierdo de la fotoparodia de los Fab Four). Es también el fin de una cierta virulencia en los comentarios satíricos de Zappa. Con canciones como 'The idiot bastard son', 'Mom and dad', y 'Flower punk', efectúa un verdadero cambio de polos de las diferentes capas sociales del 'american middle class'.
Ya no será necesario volver sobre un tema de naturaleza tan evidente. Sólo permanece, más terrible que nunca, la acusación enunciada ya en 'Hungry freaks daddy': "Todos vuestros niños son las infortunadas pobres víctimas de las mentiras que creéis. Una llaga sobre vuestra ignorancia que aparta a los jóvenes de la verdad que merecen conocer".
En 'Mother People', Zappa carga contra el excesivo autoritarismo estadounidense, hecho que parecía profético al suceder en 1970 al asesinato de dos estudiantes antibelicistas en la Universidad de Kent State. El álbum, como cada uno de los álbumes precedentes -y como los que le van a seguir- se inscribe así en una cierta continuidad, prolongando los temas emprendidos en 'Freak Out' y 'Absolutely Free', llevándolos a un nuevo nivel, y sobre todo, en este caso, haciéndolos accesibles a la mayoría 'simplificando' Zappa su música, desechando sus influencias clásicas y poniéndose al alcance del teenager medio, al que van dirigidas directamente sus palabras. No se trata de un manifiesto artístico, como lo podía ser 'Freak Out', sino más bien una obra pop, que se sirve de un lenguaje de comunicación de masas, dándole a la vez -como era costumbre en Zappa- una importancia muy grande a la concepción musical de conjunto.
"Are You Hung Up?" 1:23
"Who Needs the Peace Corps?" 2:34
"Concentration Moon" 2:32
"Mom & Dad" 2:16
"Bow Tie Daddy" 0:33
"Harry, You're a Beast" 1:22
"What's the Ugliest Part of Your Body?" 1:03
"Absolutely Free" 3:26
"Flower Punk" 3:57
"Hot Poop" 0:26
"Nasal Retentive Calliope Music" 2:03
"Let's Make the Water Turn Black" 1:45
"The Idiot Bastard Son" 2:44
"Lonely Little Girl" 1:45
"Take Your Clothes Off When You Dance" 1:35
"What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)" 0:57
"Mother People" 2:32
"The Chrome Plated Megaphone of Destiny" 6:25
The Mothers of Invention:
Frank Zappa – guitarra, piano y voz solista
Jimmy Carl Black – trompeta, batería y voces
Roy Estrada – bajo y voces
Bunk Gardner – vientos de madera
Billy Mundi – batería y voces
Don Preston – teclados
Euclid James "Motorhead" Sherwood – road manager, saxo barítono y soprano
Suzy Creamcheese – voz telefónica
Ian Underwood – piano y vientos de madera
Pamela Zarubica – voces
Músicos de sesión:
Eric Clapton – Voz masculina en 'Are You Hung Up?' y 'Nasal Retentive Calliope Music.'
Gary Kellgren – susurros y voces
Spider Barbour – voces
Dick Kunc – voces de aliento
Vicki Kellgren – voces telefónicas adicionales
Sid Sharp – arreglos orquestales en 'Absolutely Free', 'Mother People' y 'The Chrome Plated Megaphone of Destiny'
• (1705) "Sonata en Re menor Op.1 No.12 RV63, 'La Follia' (Hesperion XXI & Jordi Savall)
El elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el ''basso'' continuo, enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.
El conjunto de emociones que la obra recorre es de una riqueza extraordinaria, y los personajes tienen ocasión de expresarlas en unas cuantas arias que se encuentran entre las más bellas, no ya del repertorio vivaldiano, sino de toda la ópera barroca: arias contemplativas, de tempi lentos (del Largo al Andante molto), como:
