Willy DeVille

El 25 de agosto de 1950 nació en Stamford (Connecticut) el músico y cantante norteamericano Willy DeVille. Aunque no es fácil -por no decir imposible- etiquetar su música, a DeVille no le resultó difícil encajar con los artistas punk y new wave de la época con su 'estofado musical' cuyos ingredientes provenían del R&B, rock, cabaret, blues, country, latino y cajun de Nueva Orleans.

DeVille en 1977

En 1974 Willy lideraba Mink DeVille, un grupo habitual en el CBGB, el famoso night-club de Nueva York en el que nació a mediados de los setenta el punk-rock. Mink DeVille como banda se disolvió a mediados de los ochenta tras haber publicado seis álbumes con temas como 'Spanish stroll', 'Cadillac walk', 'Heaven stood still', 'It's so easy', 'Each word's a beat of my heart', 'Love and emotion', e 'Italian shoes'.

Willy en solitario continuó su carrera con éxito -al menos como artista de culto- hasta entrado el milenio. En 1992 logró ser nº1 en España y Francia con su versión mariachi de 'Hey Joe'.  Entre los colaboradores y músicos con los que ha trabajado se cuentan artistas como Doc Pomus, Dr. John, Mark Knopfler y Allen Touissant. Murió en agosto de 2009, a los 58 años.

Leonard Bernstein

El 25 de Agosto de 1918 nació en Lawrence (Massachusetts), en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, el compositor, pianista y director de orquesta y educador estadounidense Leonard Bernstein, el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal.

Ha sido durante muchos años el director de orquesta más famoso en los Estados Unidos, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, desde 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad “West Side Story), y muchas otras piezas.

En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky. Más tarde le dedicó su “Sinfonía n.º 2” a Koussevitzki.
Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la “Sinfonía Turangalila” de Olivier Messiaen.

Tras la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, y dirigió la orquesta hasta cinco días antes de su muerte.

Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para jóvenes llamados “Omnibus”, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para jóvenes se mantienen como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en un canal de cable y se comercializaron en DVD.
En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, e inició una larga asociación con Israel.

Como director de orquesta, su actitud en el podio era muy gestual, extrovertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado.

Bernstein en 1960

Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en fa, de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, (Sinfonía nº 5 Mahler Adagietto, Bernstein) y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.

Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta estuvieron alentados por Serge Koussevitzky, su mentor en su etapa de estudiante en Tanglewood. En esta faceta, su defensa de una interpretación abiertamente subjetiva, dentro de la más pura tradición romántica, le hacía obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt (su versión de la Sinfonía Fausto es un clásico de la fonografía), Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich, mientras que en el repertorio clásico sus logros, pese a ser apreciables, no alcanzaban idéntica altura. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta su muerte.

Fiel reflejo de sus variadas aficiones y gustos, que en música se extendían desde el clasicismo de Haydn hasta el jazz, el estilo del Bernstein compositor se distingue por su eclecticismo siguiendo diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz. Una ópera, “A Quiet Place” (1984), tres sinfonías de amplias proporciones (1942, 1949 y 1963), una “Serenade” (1954) y varias canciones constituyen lo más granado de su catálogo. Sin embargo, a pesar de su apreciable valor, ninguna de estas partituras ha alcanzado el nivel de popularidad de sus comedias musicales. Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Fumador durante muchos años, combatió un enfisema desde su juventud. El día de su funeral, el 14 de octubre de 1990, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye, Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).

Obras para el teatro

• “Fancy Free” (ballet, 1944)
• “On the Town” (Musical: Un día en Nueva York, 1944), que fue popularizada después como película.
• “Facsimile” (ballet, 1946)
• “Peter Pan” (canciones, música incidental, 1950)
• “Trouble in Tahiti “(ópera en un acto, 1952)
• “Wonderful Town” (musical, 1953) (Berliner Philharmoniker, Simon Rattle)
• “On the Waterfront“ (banda sonora, 1954)
• “The Lark” (música incidental, 1955)
• “Candide” (opereta cómica,1956) Basada en la novela homónima de Voltaire. Nuevo libreto en 1973, revisada en 1989). Su obertura se suele interpretar como pieza de concierto aislada.

• “West Side Story” (musical):
- “Symphonic Dances for two pianos and percusión” (1957)
- "Somewhere"
- “María”
- “Mambo”
• “The Firstborn” (música incidental, 1958)

• “Mass”
- "God Said"
- “Simple song”
(pieza de teatro para cantantes, músicos y bailarines,1971) Gran oratorio escénico compuesto para la inauguración del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington
• “Dybbuk” (ballet), 1974
• “1600 Pennsylvania Avenue” (musical), 1976
• “A Quiet Place” (ópera en dos actos), 1983, que incluye la partitura de la previa “Trouble in Tahiti”..
• “The Race to Urga” (musical), 1987

Obras orquestales

• “Sinfonía n.º 1” Jeremiah, 1942
• “Fancy Free” y “Three Dance Variations from Fancy Free",  estreno 1946
• “Three Dance Episodes from On the Town" ("Un día en Nueva York", Stanley Donen y Gene Kelly), estreno 1949
• “Sinfonía n.º 2, The Age of Anxiety” (basado en un poema de W. H. Auden) para piano y orquesta , 1949 (revisado en 1965)
• “Serenade”- Adagio (basada en el Banquete, diálogo de Platón) para violín solo, cuerdas, arpa y percusión, 1954
• “Prelude, Fugue and Riffs” para clarinete solo y conjunto de jazz, 1949
• Suite sinfónica de "On the Waterfront", 1955
• Danzas sinfónicas de "West Side Story", 1961 (Robert Wise y Jerome Robbins)

• “Sinfonía n.º 3, Kaddish”, para orquesta, coro mixto, coro de niños, voz hablada y soprano, 1963 (revisado en 1977)
• “Dybbuk”, Suites No. 1 y 2 para orquesta, estreno 1975
• “Songfest” ciclo de canciones con orquesta, 1977
• “Three Meditations from "Mass" para violonchelo y orquesta, 1977
• “Slava!: Una obertura política para orquesta”, 1977
• “Divertimento for Orchestra”, 1980
• “Halil”, nocturno para flauta, flautín, percusión, arpa y cuerdas, 1981
• “Concerto for Orchestra”, 1989 (originalmente, "Jubilee Games de 1986", revisado en 1989)

Música coral para iglesia o sinagoga

• “Hashkiveinu” para tenor, coro mixto y órgano, 1945
• “Missa Brevis” para coro mixto y contratenor, con percusión, 1988
• “Los salmos de Chichester” para contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión, encargo del Festival de Chichester de 1965

Música de cámara
• “Trío para violín, violoncello y piano”, 1937
• “Sonata para clarinete y piano”, 1939
• “Brass Music”, 1959
• “Dance Suite”, 1988

Música vocal
• “I Hate Music”: Ciclo de cinco canciones infantiles para soprano y piano, 1943
• “La Bonne Cuisine: Cinco recetas para voz y piano”, 1948
• “Arias y barcarolas” para mezzosoprano, barítono y piano a cuatro manos, 1988
• “A Song Album”, 1988

Juanita Reina

El 25 de agosto de 1925 nació en el barrio de la Macarena en Sevilla, la cantante y actriz española Juanita Reina, conocida como La Reina de la Copla. Su padre, Manuel Reina, fue su empresario y representante. Mediante el préstamo de un familiar (125.000 pesetas de los años 40) montó el primer espectáculo para su hija: 'Los Churumbeles', con el que Juanita se da a conocer por toda España.

Monta un segundo espectáculo para ella buscando a los autores más famosos del momento, Quintero, León y Quiroga, los cuales compusieron las letras de 'Tabaco y Seda', que se presentó en el teatro Reina Victoria, de Madrid. En 1942 se convierte en una de las principales estrellas de la copla, junto con Lola Flores. Actúa en varios espectáculos de Quintero, León y Quiroga, el trío más destacado dentro de estos años, y de Ochaíta, Valerio y el maestro Solano, el más conocido, 'La España de monsieur Dumas', (Madrid, Teatro Calderon, 1945). De estos años son canciones como 'Manuela la de Jerez', 'Compuesta y sin novio', 'La señorita del acueducto' o 'Los churumbeles', que quedaron para siempre asociadas a su nombre. En 1941 debuta en la pantalla con la película 'La Blanca Paloma'.

El cine acrecentó su fama con películas como 'La Lola se va a los puertos' y 'Lola la piconera', de los hermanos Machado y José María Pemán respectivamente. Otros temas de gran éxito en su voz fueron 'Francisco Alegre',  'Capote de grana y oro', 'Y sin embargo te quiero', 'Coplas del burrero', 'Yo soy...esa' y 'Carmen de España'.
Mostró una religiosidad devota concentrada en la Virgen de la Macarena y profesó políticamente un conservadurismo a ultranza, simbolizado por su presencia frecuente y entusiasta ante el general Franco en las fiestas organizadas en el Palacio de Oriente y en los Jardines de la Granja.

Juanita Reina y 'Caracolillo'

En los años sesenta comenzó su retirada de los escenarios. El 15 de junio de 1964 se casó con un bailaor, Federico Casado Algrenti, más conocido como 'Caracolillo', y al año siguiente nació su único hijo, Federico Casado Reina. Puso un restaurante en Madrid y una academia en Sevilla. Tuvo la culminación de su carrera en el 'Azabache' de la Expo de Sevilla de 1992, junto a Rocío Jurado, Nati Mistral, María Vidal e Imperio Argentina. En 1994 el ayuntamiento de Sevilla le dedicó una glorieta en el parque de María Luisa. Murió en marzo de 1999 a los 73 años.