Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 24 de noviembre de 1966 se publicó en Estados Unidos el single del cantautor británico Donovan, 'Mellow Yellow', que alcanzó el nº2 de las listas Billboard y fue uno de sus éxitos más vendidos. El tonillo 'beatle' del tema hizo que muchos lo confundieran con uno de los de Liverpool...
Otro error en el que han caído muchos es respecto a las respuestas susurradas del estribillo: "Quite rightly". La leyenda urbana dice que fue Paul McCartney quien las realizó, pero Donovan se encargó de desmentirlo en una entrevista aclarando que fue él mismo quien las grabó.
El tema trajo su controversia. La referencia a las bananas que hacía Donovan en la letra se asoció en la época a un rumor que propagó el músico norteamericano Country Joe & the Fish unas semanas antes de que se publicara el single. Country Joe sostenía que la cáscara de plátano seca fumada era una droga alucinógena, por lo que la canción parecía una apología a 'colocarse'. Más tarde se comprobó que el famoso efecto alucinógeno no era tal y que la cita del cantautor escocés no se refería en absoluto a tan disparatada teoría. En realidad mencionaba en la canción una 'banana eléctrica', que hacía referencia a los vibradores eléctricos ('consoladores') que se comenzaron a comercializar en aquella época.
El 24 de noviembre de 1941 nació en Memphis (Tennessee) el músico estadounidense Donald 'Duck' Dunn, bajista del grupo instrumental Booker T. and the Mg's y músico de sesión de Stax Records junto a su amigo de la infancia Steve Cropper, por lo que participó en todos los éxitos de Otis Redding, Sam & Dave y Albert King que definieron el sonido Memphis de Stax.
Trabajó además para Muddy Waters, Freddie King, Isaac Hayes, Levon Helm, Neil Young, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Eric Clapton, Tom Petty, Creedence Clearwater Revival, Wilson Pickett, Guy Sebastian, Rod Stewart, Bob Dylan, Roy Buchanan, Steely Dan, Tinsley Ellis y Arthur Conley. Participó en la película de los Blues Brothers en 1980 diciendo una de las frases más memorables del film: "Tuvimos una banda que convertía la pis de pato en gasolina".
Tras acompañar a Neil Young en sus giras siguió trabajando junto a Cropper y Booker T. Jones realizando giras por todo el mundo hasta que, en una de ellas, falleció tras un show en mayo de 2012 a los 70 años.
El 24 de noviembre de 1908 nació en Rosario, Argentina, Libertad Lamarque Bouza una actriz y cantante de origen argentino naturalizada mexicana, que vivió la mayor parte de su vida en México; dejó su país natal en 1946 tras una pelea con Eva Perón y se hizo famosa en toda América Latina al interpretar temas musicales como 'Madreselva'y 'Besos brujos' y participar en varias producciones cinematográficas mexicanas.
Libertad en 1938
Si bien inició su carrera artística en el teatro y como cantante de tango, se consagró principalmente en el cine, donde participó desde su juventud cuando fue convocada para rodar la película muda 'Adiós, Argentina'. Entre las producciones donde actuó destacan '¡Tango!' (1933) —el primer filme sonoro argentino—, 'Puerta cerrada' (1939), 'El alma del bandoneón' (1935), 'Ayúdame a vivir'(1936) y 'La casa del recuerdo' (1940). Contratada por Argentina Sono Film, fue dirigida por prestigiosos directores como Luis César Amadori, Luis Saslavsky, Alberto de Zavalía o Mario Soffici, y actuó junto a algunos de los actores más importantes de aquellos tiempos como Florén Delbene, Arturo de Córdova, Pedro Vargas y Pedro Infante.
Asentada en México, filmó casi cincuenta películas y se le atribuyó el apelativo de 'la novia de América' por sus variadas presentaciones en gran parte del continente americano.
Considerada como la actriz argentina con mayor trayectoria en el ámbito internacional, Lamarque participó en una amplia variedad de medios que van desde el cine y el teatro a la televisión y la radio. Con la caída del peronismo, retornó a su país natal en la década de 1960 y prosiguió su carrera, con algunos espectáculos televisivos y obras teatrales como 'Hello Dolly', mientras que en 1972 y 1978 fue convocada para hacer sus dos últimas películas: 'La sonrisa de mamá' y 'La mamá de la novia'. El resto de su carrera estuvo ligado al tango y al medio televisivo, participando en telenovelas de diferentes países latinoamericanos como 'Mamá', 'Soledad' o 'Amada'.
Además, obtuvo importantes premios en diversos países. Entre ellos se encuentra haber sido designada "Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires" y "Personalidad Emérita de la Cultura Argentina". En 1998, a los 90 años, participó en la serie mexicana 'La usurpadora' y dos años después, recibió el premio Ariel de Oro por su trayectoria y encarnó a la madre superiora de la serie infantil 'Carita de ángel', pero falleció inesperadamente durante una de las grabaciones. En el momento de su muerte -12 de diciembre de 2000-, contaba con 62 películas (20 en Argentina, 41 en México y una en España) más cuatro participaciones especiales, a lo que hay que sumar más de ochocientas canciones grabadas, siete series televisivas y una gran cantidad de obras teatrales. Tuvo una hija, Mirtha, seis nietos, diez bisnietos y un tataranieto, nacido poco después de su muerte.
El 24 de noviembre de 1912 nació en Austin (Texas) el pianista y director de banda de jazz Teddy Wilson, cuya técnica fue, junto a Art Tatum, de las más brillantes del primer medio siglo de la historia del género. Liderando su propia banda, entre 1935 y 1937 realizó una serie de grabaciones históricas con Billie Holiday y Lester Young, que son clásicos del swing.
Sus primeros pasos profesionales los dió Teddy en Detroit, en la banda de Speed Webb. Posteriormente se trasladó a Chicago donde tocó con Erskine Tate, Eddie Mallory, Louis Armstrong y Jimmie Noone. A principio de los años treinta conoció a Art Tatum y, en 1933, se mudó a Nueva York, donde realizó extraordinarias grabaciones con Benny Carter y sus Chocolate Dandies. Para sus propios combos enrolaba a los acompañantes más afamados y acompañó por un tiempo a Billie Holiday.
Lionel Hampton, Teddy Wilson, Benny Goodman y Gene Krupa
En 1936 Wilson volvió a Chicago donde se unió al trío de Benny Goodman, más tarde, cuarteto con Lionel Hampton, para en 1940, desempeñarse como líder de conjuntos reducidos o como solista, demostrando así su refinada y artística mezcla de estilos.
A su primera big band pertenecían Harold Baker, Ben Webster, Al Casey, Al Hall y J.C. Heard. En 1944 formó un sexteto por el que pasaron Bill Coleman, Benny Morton, Jimmy Hamilton, Edmond Hall y Big Sid Catlett con el que realizó magníficas grabaciones. Recibió el apodo de 'el Mozart marxista', por su apoyo a causas izquierdistas actuando en conciertos benéficos para el Mass Journal y promoviendo la elección del comunista Benjamin Davis como concejal de Harlem en el ayuntamiento de Nueva York.
Entre 1945 y 1952 impartió cursos de verano en la Juilliard School y en los cincuenta volvió con Benny Goodman, al que seguiría acompañando en varias giras como la que realizó en 1962 a la URSS.
Wilson volvió a grabar con Lester Young a mediados de los años 50 cuando, a lo largo de dos días de sesiones, grabaron dos álbumes clásicos para Verve Records. El primero, 'Pres and Teddy' (1956), como el Lester Young & Teddy Wilson Quartet (con Jo Jones y Gene Ramey), y el segundo, 'The Jazz Giants 56', con los mismos músicos, más Vic Dickenson, Roy Eldridge y Freddie Green.
Durante los años sesenta anduvo de gira por todo el mundo, especialmente por Europa, donde apareció en varios shows televisivos. Durante los setenta grabó discos en Copenhague, Tokyo, München, Niza, Londres y en el Festival de Jazz de Montreaux. Siguió actuando en compañía de los músicos supervivientes de la era del swing y aparecía a menudo en formato de trío con sus hijos Theodore (contrabajo) y Steven (batería). Teddy murió en verano de 1986 a los 73 años.
El 24 de Noviembre de 1868 nació en Texarkana, una pequeña ciudad dividida entre los estados de Texas y Arkansas, el compositor y pianista estadounidense Scott Joplin, una de las figuras más importantes en el desarrollo del “ragtime” clásico.
Scott Joplin
Desde una edad temprana, Joplin demostró su extraordinario talento para la música y alentado por sus padres comenzó a tocar el piano. A los once años, y bajo la tutela de Julius Weiss, se inició en el aprendizaje del estilo y la armonía. Después de varios años como pianista itinerante tocando en tabernas y burdeles de todo Midwest, se estableció en St. Louis en el año 1890. Allí estudió y encabezó el desarrollo de un género musical conocido como “ragtime” el cual consiste en una combinación única de los clásicos estilos europeos junto al ritmo y la armonía afroamericana. Abreviado en ocasiones como 'rag', es un género musical derivado de la marcha, caracterizado por una melodía sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos impares (primer y tercero). Un ostinato básico y una melodía libre de recorrido, con anticipaciones y retardos, abandonándose entre tiempos y compases.
Feria Internacional de Chicago, 1893
En 1893 un gran número de músicos afroamercianos -entre ellos Joplin- se encaminaron a Chicago a la Feria Internacional, celebrada allí ese año, para actuar frente a los visitantes. Muchos encontraron trabajo en los cafés, saloons y burdeles del corrupto barrio 'Tenderloin' y que surgieron en los aledaños de la Feria. Allí formó su primera banda y comenzó a escribir los arreglos de los temas que interpretaban. Aunque la Feria Internacional no ofrecía un ambiente 'amigable' a la población de color, Joplin percibió que su música, así como la de otros colegas de raza, era bien aceptada por el público. La Feria fue visitada por más de 27 millones de norteamericanos y esto tuvo un profundo efecto en la vida cultural americana, incluído el 'ragtime'.
En 1894 se mudó a Sedalia, Missouri. Desde allí, viajó junto a los ocho miembros del Texas Medley Quartette hasta Syracuse en Nueva York. En Temple, Texas, Joplin aseguró sus primeras publicaciones, entre ellas “The great crush collision march”(1896), inspirada por el espectacular choque de un ferrocarril que tuvo lugar cerca de Waco, Texas. Esta marcha es un curioso ejemplo de música descriptiva sobre un accidente; en la partitura puede leerse: “el estrépito de los trenes” “silbando en el cruce” y “el choque”.
En 1897 concluyó su más famosa partitura, “Maple leaf rag”, que fue publicada por John Stark,
su editor en muchas ciudades. Joplin, gracias a los ingresos por los
derechos de 'Maple leaf', abandonó las actividades más pesadas del
submundo, dedicándose a enseñar y a componer. Se trasladó con su esposa Belle Hayden a St. Louis, donde ésta convirtió su hogar en una casa de huéspedes.
Posteriomente el mismo Joplin edita otro éxito: “The easy winners” (versión arreglada para violín y piano: Itzhak Perlman & André Previn, 1975). Stark editó “A brezze from Alabama” y “Elite syncopations” (versión arreglada para violín y piano: Itzhak Perlman & André Previn) y en 1902 el conocido “The entertainer”, mientras que S. Simon publicó “Cleopha” que fue la favorita de la banda de Sousa.
En 1903 Joplin compró una casa de trece habitaciones en Lucas Avenue, un barrio distinguido. Conforme pasaba el año, las relaciones con Stark se volvieron tensas: Stark, realista y práctico, entendía que publicar los rags y hacerles propaganda era lo debido, pero Joplin aspiraba a formas más extensas, componer ballets, una ópera y quién sabe si una sinfonía. Los rags de 1903 tienen un fuerte componente cantabile, el rítmico “Something doing” incluye un melodioso segundo sujeto y el trío de “Weeping willow” no es tan vigoroso como en otros rags, sino que se muestra como una cantinela con ritmo pausado.
Feria Internacional de St. Louis, 1904
En 1904, St.Louis celebró la Feria Mundial. “The cascades” es una partitura descriptiva, basada en el llamativo curso de las fuentes, lagos y cascadas que constituían la atracción de la feria; una pieza de virtuoso, con sus ondulaciones sobre un contagioso swing. “The Sycamore” se caracteriza por una línea de bajo libre, con respuestas contrapuntísticas de la mano derecha. En cuanto a “The chrysanthemum”, es el primer rag de Joplin en utilizar un trío personal de singular delicadeza, elegantemente sincopado y con la advertencia de que se interprete “dolce”.
En 1905 se publicó el rag “Leola” (interpretado por David Thomas Roberts) , en el que aparece por primera vez el aviso: “¡Advertencia! No debe interpretarse esta pieza de forma apresurada. Nunca es correcto tocar el 'ragtime' con rapidez. El autor”. La advertencia de Joplin va dirigida a todos aquellos virtuosos que arruinaban y aún hoy destrozan con su precipitación unos rags muy ricos en matices. En este año aparecieron las tensiones en el hogar de Joplin; tuvieron una hija que falleció pocos meses después y según se comentó “su mujer no estaba interesada en la actividad musical. Simpáticos y amables con sus amigos, eran en cambio malhumorados entre ellos, aunque en público se mostraran corteses”. Finalmente se separaron.
Louis Chauvin
En 1906 Joplin fue a Chicago, entre otros motivos para ver a su joven amigo Chauvin que estaba muy enfermo (fumaba opio y padecía sintomas terminales de sífilis). En sus últimos tiempos el pianista Louis Chauvin , hijo de un mexicano y una afroamericana y muy popular y considerado en la zona de St. Louis,componía “ragtimes”. Ya tenía dos temas, cuando Joplin completó otros dos. El fruto de este encuentro fue una de las piezas maestras de la literatura del ragtime: “Heliotrope bouquet”, en palabras de John Stark “la audible poesía del movimiento”. Chauvin murió en 1908 a los 27 años. “Gladiolus rag” es otro de los rags de Joplin de mayor éxito; llama la atención por un desarrollo melódico muy libre, lo cual es difícil en un género que pide uniformidad de tiempo y medida. En New York conoció a Lottile Stokes y se casaron, estableciéndose en aquella fórmula de casa-pensión-conservatorio, que parecía ser su hábitat natural.
Los rags que compuso en aquel momento contienen íntimas y tiernas impresiones y emociones: En “Wall Street Rag”, narra lo que parece imposible -tanto más en un ragtime-, el ambiente entre los corredores de bolsa, mientras que en su serenata –tango “Solace” despliega un ardor y melancolía de elevado refinamiento. En 1908 editó él mismo seis ejercicios de ragtime, bajo el título “The School of Ragtime”.
La pedagogía de Joplin era honesta en su acercamiento al alumno, rechazando las concesiones y los eslóganes populares del tipo “Aprenda el ragtime en diez lecciones”. Redactó el prefacio de sus ejercicios con claridad: “El auténtico ragtime de altura es difícil de interpretar. Una dolorosa realidad que muchos pianistas han descubierto. Las síncopas no avisan con antelación...”
Este mismo año aparecieron tres nuevas partituras “Fig leaf”, “Sugar cane” y “Pine apple rag” (versión arreglada para violín y piano: Itzhak Perlman & André Previn), todos ellos con interesantes hallazgos. Otros rags a tener en cuenta son el bailable “Country club", (arreglo cuerdas, National Chamber Ensemble) el enigmático y libre “Euphonic Sounds” y “Parangón” que recuerda las canciones de la época de las plantaciones, además del vals “Pleasant moments”, que como “Bethena”, es un vals sincopado, pero más brillante y tierno.
De 1910 es su “Stoptime rag”, característico por su torbellino de alegría contenida y sus “stamps” de pie en el suelo, escritos en la partitura; es una partitura jocosa, escrita por alguien, según observó John Stark, a quien nunca se le sorprendía sonriendo. El año 1911 fue testigo del gran éxito musical “Alexander´s Ragtime Band”, compuesta por el joven Irving Berlin. Este éxito pone de manifiesto la preferencia del público por los pseudorrags frente a los rags clásicos: composiciones más fáciles de tatarear, de tocar y por lo tanto más vendibles y provocaría el declive del rag tradicional.
Ese mismo año publicó, con su propio dinero, la ópera “Treemonisha”, (Obertura), obra con la que intentó ir más allá del ragtime, para crear una ópera exclusiva de los afroamericanos. Se estrenó en 1915 en una versión de concierto, sin decorados, pero fracasó de cara al público. Este hecho provocó en el compositor una depresión que le llevó a sufrir diversos trastornos mentales y problemas físicos de coordinación. Enfermo de neurosífilis ingresó en 1916 en el Hospital estatal de Manhattan, donde terminaría falleciendo en abril de 1917 a los 49 años.
Scott Joplin nos ha dejado un precioso legado: Una música elegante, variada, a menudo sutil, contagiosa y vital. Hoy, un musicólogo americano puede referirse a los rags de Joplin como “el preciso equivalente, en términos de estilo local, a los minués de Mozart, las mazurcas de Chopin o los valses de Brahms”.
Su música resurgió cuando varios de sus rags, entre ellos “The entertainer” (transcrito para banda), aparecieron en la película "El golpe" (1973), donde contagia por su alegría arrolladora y que ha quedado como tema principal de la película; y“Treemonisha” se estrenó con éxito en 1975 con la Houston Grand Opera.
