Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 28 de marzo de 1890 nació en Denver (Colorado) el director de orquesta Paul Whiteman. En los años veinte recibió el apodo de 'Rey del Jazz' cuando con su banda puso el jazz en primera línea, siendo el primero en realizar arreglos para una orquesta del género. Creó un sonido de 'jazz sinfónico', especialmente popular entre los jóvenes de la época, que apreciaban los ritmos bailables de la orquesta de Whiteman. Por ella pasaron los mejores músicos del momento, entre ellos Bix Beiderbecke, Jack Teagarden, Bunny Berigan, Eddie Lang, Red Norvo y los hermanos Dorsey. Whiteman también ayudó a popularizar la incorporación de cantantes a la orquesta, una combinación poco vista hasta entonces. Entre los vocalistas que pasaron por sus filas se encuentran Bing Crosby, Dinah Shore, Mildred Bailey y Morton Downey.
Con el cuarteto Minetti en 1918
Rodeado de influencias musicales durante su niñez, su madre y su hermana eran cantantes y su padre, Wilberforce Whiteman fue el supervisor musical del sistema público educativo de Denver. Este encerraba a Paul en el sótano con su violín para que practicase, pero el joven se rebeló rompiendo el instrumento en pedazos. Más tarde Paul se compró su propia viola con la que se descubrió su talento musical. Tocó de adolescente con la Denver Symphony Orchestra, la San Francisco Symphony Orchestra y en el cuarteto de cuerda Minetti antes de establecerse en California en 1914. Esta primera formación clásica sería fundamental en el desarrollo de su carrera. "Nunca serás un músico de jazz completo, si antes no has conocido a Bach o Beethoven"
Whiteman en 1925
Allí se vio cautivado por la música que practicaban los combos de jazz en los clubs locales. En 1918 dejó su trabajo con la orquesta sinfónica y dedicó su vida profesional al nuevo sonido. "El jazz se estaba convirtiendo en algo tan popular que hice el interesante descubrimiento de que mientras con mi violín en la sinfónica ganaba $40 a la semana, tocando lo que entonces se llamaba 'jazz fiddle', era capaz de ganar hasta $90." Sus comienzos con el nuevo género no fueron fáciles. Fue despedido de la primera banda de jazz por no poder adaptarse a su estilo.
Paul Whiteman's Ambassador Orchestra
Tras un tiempo dirigiendo una banda de la U.S. Navy, formó su propia orquesta para tocar en un varios hoteles de California. Ya contaba con Ferde Grofe al piano y con Henry Busse a la trompeta y como arreglista. Con su oferta de 'jazz sinfónico' comenzó a ganarse al público y sus actuaciones en el Hotel Alexandria de Los Angeles atrajeron a numerosas caras famosas como Charles Chaplin y Douglas Fairbanks.
Animado a llevar su sonido a la costa Este, tocó con su banda en la inauguración del Hotel Ambassador de Atlantic City. Fue tal el éxito, que llamó la atención de un ejecutivo de la Victor Talking Machine Company (más tarde conocida por RCA Victor) que se encontraba en la ciudad. Whiteman firmó un contrato con el sello, donde -exceptuando tres años con Columbia- permaneció hasta 1937. Su primera grabación con el sello, 'Whispering' (1920), vendió más de dos millones de copias y se mantuvo once semanas en el nº1.
A lo largo de la década de los años veinte, Whiteman acudió a dirigir las orquesta sinfónicas de numerosas ciudades norteamericanas. Su debut en Broadway fue con 'George White's Scandals' en 1922, con música de George Gershwin. En 1924 llevó su 'jazz sinfónico' al Aeolian Hall de Nueva York, un renombrado auditorio de música clásica. Entre los asistentes impresionados con la música de Whiteman se encontraban Jascha Heifetz, Fritz Kreisler, Leopold Stokowski, Igor Stravinsky y Sergei Rachmaninoff. El programa incluyó temas como 'Limehouse blues', 'Alexander's Ragtime Band' y 'The Volga Boatmen', así como piezas compuestas especialmente para la ocasión por Victor Herbert y arreglos sinfónicos de canciones de Irving Berlin.
Con Murray, Chaplin y Fairbanks
También dirigió esa noche la primera interpretación pública de 'Rhapsody in Blue' de George Gershwin con el mismo Gershwin al piano. Tras esta actuación su fama se disparó y se convirtió en uno de los artistas musicales mejor pagados, cobrando $5.000 por sesión. Gracias a esta soltura económica se pudo permitir contratar siempre a los mejores músicos disponibles, pagando los mejores sueldos del show business, además de llevar personalmente un estilo de vida lujoso.
Bing Crosby y Whiteman
En 1926 comenzó a introducir cantantes en su orquesta, algo pocas veces visto entonces. En primer lugar contrató a tres cantantes con los que formó el trío vocal The Rhythm Boys: Al Rinker, Harry Barris y un joven Bing Crosby, que comenzó aquí su carrera como uno de los cantantes de mayor éxito del siglo XX. En 1928 Whiteman grabó dos versiones memorables de la canción 'Ol' man river'. La primera estaba cantada por Bing Crosby (supuso el primer nº1 de la carrera de Bing) y la segunda, más lenta, por Paul Robeson.
En 1929 la orquesta de Paul Whiteman contrató a Mildred Bailey, la primera vocalista femenina en una orquesta de jazz en la historia del género. Con ella a la voz solista, publicó en 1932 un nuevo nº1, 'All of me'
The Paul Whiteman Orchestra
A finales de los años veinte la orquesta de Paul Whiteman se encontraba en la cúspide de sus talentos musicales teniendo entre sus filas a músicos como Beiderbecke a la trompeta, Eddie Lang a la guitarra, Jimmy Dorsey al saxo, Tommy Dorsey al trombón y Bill Challis como responsable de los arreglos. En una época en la que las bandas de baile estaban compuestas por un máximo de diez músicos, Whiteman llegó a reunir a 35 en su orquesta. El 'sonido Whiteman' llegó a ser tan popular que el director puso en marcha medio centenar de bandas con su nombre en todo el país.
Whiteman fue de los primeros directores de banda en aparecer en películas como 'King of Jazz' (1930) y en los años treinta se pasó a la radio donde puso en marcha en 1933 el programa Kraft Music Hall con Al Jolson.
Más tarde disponía de su propio programa pero, a mediados de la década, la irrupción del swing y las orquestas de Benny Goodman, Don Redman, Fletcher Henderson y otros, provocaron que su orquesta sonara pasada de moda. Los intentos de readaptar la banda a la era del swing fracasaron. Sus dos últimos nº1 fueron 'Smoke gets in your eyes' y 'Wagon wheels' (1934) y en 1940, con Frankie Trumbauer y Jack Teagarden en sus filas, disolvió la orquesta y pasó a un estado de semiretiro
Billie Holiday
En 1942 firmó con Capitol Records para volver a dirigir y grabó temas como 'I found a new baby' o 'The old music master'. Pero su grabación más recordada de su etapa con Capitol es 'Trav'lin light' (1942), con Billie Holiday al micrófono, acreditada aquí como Lady Day, por estar en aquel momento bajo contrato con otra compañía.
Se mantuvo activo en las ondas y en 1943 fue nombrado director musical de Blue Network, la futura cadena ABC. A mediados de los cuarenta, Whiteman había ganado más dinero que cualquier otro director de orquesta del país. Aunque sus bandas fueron eclipsadas por el tiempo, su música permaneció en la memoria popular, gracias a su capacidad de incitación al baile. La televisión no fue un medio en el que Whiteman se desenvolviera con soltura y pasó los años cincuenta en labores directivas con ABC en Nueva York. Al mismo tiempo dedicaba tiempo a satisfacer su obsesión con las carreras de bólidos, asistiendo a numerosas competiciones de Daytona.
El lugar que ocupa Whiteman en la historia del Jazz ha suscitado algunas controversias. Sus detractores mantienen que la música orquestada de sus bandas no tenía nada que ver con el jazz, ya que obviaba el fondo emocional e improvisatorio del género y se aprovechaba de las innovaciones de los músicos negros.
Sus defensores, en cambio, señalan que la afición de Whiteman por el jazz era genuina y auténtica (trabajó con numerosos músicos negros en su banda en una época en la que todavía imperaba una fuerte segregación racial) y que por sus formaciones pasaron los más grandes jazzistas del momento, siendo sus piezas con arreglos jazz, parte de un amplísimo repertorio de música de baile, que incluía temas clásicos y vals vienés. Duke Ellington comentó en su autobiografía: "A Paul Whiteman se le conoció como el 'rey del jazz' y, hasta ahora, nadie ha llevado ese título con tanta certeza y dignidad." Whiteman murió en diciembre de 1967 a los 77 años.
El 28 de marzo de 1933 nació en Barcelona el pianista y compositor de jazz catalán Vicenç Montoliu Massana, universalmente conocido como Tete Montoliu. Su padre era músico titular de la Orquesta del Liceo y de la Banda Municipal de Barcelona. Ante su extraordinario talento musical, comienza a recibir clases de la pianista Petra Palou, a la que Tete siempre consideró su maestra. Superando las dificultades que le imponía el hecho de haber nacido ciego, ingresa a los 16 años en el Conservatorio Municipal de Barcelona, donde completa sus estudios. Aunque su padre hubiera preferido su dedicación a la música clásica, su firme propósito era el de convertirse en pianista de jazz, ya que su madre, gran aficionada, le había inculcado la pasión por esta música a través de su colección de grabaciones de Duke Ellington, Art Tatum, Earl Hines o Fats Waller.
Si bien sus primeros pasos se producen en la música comercial, ya desde su adolescencia había participado en las jam-sessions del Hot Club de Barcelona, había liderado el cuarteto Be-Bop, e incluso había compartido varias sesiones con el legendario saxofonista Don Byas entre el 46 y el 47, que marcarían para siempre su opción por el jazz. Su despegue se produce en 1955, cuando Lionel Hampton visita el club barcelonés en el que tocaba y tras quedar maravillado con su actuación le invita a realizar una gira junto a él y a participar en 1956 en su primera grabación importante (aunque a Tete nunca le gustó cómo quedó), el disco 'Jazz Flamenco'.
En 1958 actúa en el Festival de Cannes en trío con Doug Watkins y Art Taylor. En 1961 fue llamado para formar parte del European All Stars, que agrupaba a los mejores jazzmen del viejo continente. Poco después es contratado por el Blue Note de Berlín, donde comparte escenario con Chet Baker, Benny Bailey o Slide Hampton. A partir de ahí su carrera como pianista fue imparable a raíz de su estancia en Copenhague, donde actúa y graba con músicos como Kenny Dorham, Archie Shepp, Ben Webster, Benny Golson, Stephane Grapelli y especialmente Dexter Gordon, con el que registra numerosas grabaciones y Roland Kirk (otro ciego genial), con quien llega a formar un célebre cuarteto.
Tete y Eric Peter
En 1967 viaja a Nueva York en una gira que obtiene un considerable éxito. Durante su estancia en Estados Unidos graba un disco para Impulse! con Elvin Jones y Richard Davis, que no llega a publicarse. De vuelta a Europa, graba a menudo en Holanda y Dinamarca convertido ya en una leyenda del hard-bop. Se suceden los discos y las actuaciones junto a George Coleman, Anthony Braxton, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Dexter Gordon o Barney Wilen.
Durante esa época alterna sus visitas a Berlín o Nueva York con largas estancias en el Whisky Jazz de Madrid, donde comparte escenario con el saxofonista Pedro Iturralde, y el Jamboree de Barcelona, donde forma su primer gran trío con el contrabajista Eric Peter y el batería Billy Brooks y acompaña a músicos tan destacados como Booker Ervin, Donald Byrd, Lucky Thomson, Pony Poindexter, Lee Konitz, Ben Webster, Art Farmer y Ornette Coleman.
A partir de la década de los 80 realiza multitud de conciertos junto a artistas de la talla de Johnny Griffin, Joe Henderson, Eddie Davis, Sonny Stitt, Freddie Hubbard, Jerome Richardson, Dizzy Gillespie, Bobby Hutcherson, Chick Corea, Hank Jones, Roy Hargrove, Jesse Davis...
En plena madurez aborda empresas tan fabulosas como la serie de cuatro discos a piano solo 'The Music I Like To Play', grabada en Milán para el sello Soul Note, quizás su obra más importante. En los últimos años alterna sus conciertos en trío junto a Horacio Fumero y Peer Wyboris con sus actuaciones en solitario y siguió ampliando sus fronteras (tras haber dedicado a lo largo de su carrera varios discos a temas sudamericanos y catalanes) con nuevas experiencias como su reelaboración de los boleros clásicos con la cantaora Mayte Martín, completando así cerca de un centenar de discos.
En 1996 recibe uno de los muchos homenajes a su carrera con un concierto en el Teatro Monumental de Madrid en el que le acompañan Gary Bartz y Tom Harrell. En noviembre de ese año padece una súbita arritmia cardiaca que requiere la implantación de un marcapasos. Su dolencia se complica al serle detectado un cáncer de pulmón. A pesar de ello, el mejor ejemplo de la grandeza musical de los últimos días de Montoliu fue el concierto que ofreció en el Palau de la Música de Barcelona para celebrar su 64º cumpleaños, una actuación magistral en la que interpretó temas de Ellington, Coltrane, Dexter Gordon y Thelonious Monk.
Tete Montoliu poseía, entre otros galardones, el Premio Nacional de Música, la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña, la Medalla al Mérito del Ayuntamiento de Barcelona y un honor que él valoraba mucho: la insignia de oro y brillantes del F.C. Barcelona, su segunda pasión después del jazz. Se cuenta que se le ha visto en pleno concierto con un auricular en una oreja escuchando la retransmisión radiofónica de un partido de su amado Barça, mientras tocaba el piano. Murió el 24 de agosto de 1997 en Barcelona a los 64 años. Un año antes había acompañado a Joan Manuel Serrat en el concierto 'D'un temps d'un pais'.
Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan 'Body & Soul' (1971), 'Tete!' (1974); 'Tete a Tete' (1976), 'Lunch in L.A' (1979), 'The Man From Barcelona' (1990) o el extraordinario directo en Madrid 'Tete en el San Juan' (1997).
El 28 de marzo de 1973 se publicó en el Reino Unido 'Houses of the Holy', el quinto álbum del grupo británico Led Zeppelin. Fue el primero de sus trabajos en el que no aparecía el nombre de la banda y el primero en contener sólo obras originales escritas por el grupo. También fue el último disco que apareció bajo el sello Atlantic. A partir de entonces los trabajos de Led Zeppelin se publicarían a través de su propio sello, Swan Songs Records.
Incluso habiendo acostumbrado a críticos y fans por igual a la sorpresa, Zeppelin reveló una nueva faceta de creatividad musical con 'Houses of the Holy'. El disco muestra no sólo el sentido del humor del grupo, con canciones tan poco convencionales como el tributo a James Brown'The crunge', sino que de camino, mezcla estilos: El falso reggae de'D'yer ma'ker' (una transcripción fonética de la pronunciación inglesa de la palabra Jamaica), la sutileza de balada de 'The rain song', junto a un tema duro y rockero como 'The ocean', dedicada al 'mar' de fans que asistían a los conciertos.
Sólo en temas como'Over the hills and far away' y 'Dancing days' se reconoce el sonido tradicional de los Zeppelin al que nos tenían acostumbrados hasta entonces. La pieza que abre el disco, 'The song remains the same' fue pensada en un principio como instrumental introductorio de 'The rain song', pero en el proceso de creación Plant y Page, añadieron una letra y el tema adquirió protagonismo por sí solo aunque lo interpretaban siempre en los shows seguido de 'The rain song' al igual que en el vinilo.
Robert Plant y Jimmy Page en 1973
Los intentos por averiguar sus influencias pasadas y presentes no impidieron su éxito comercial. El disco contó con el favor, como era habitual, de sus seguidores norteamericanos, llegando allí a lo más alto de las listas, siendo nº1 también en el Reino Unido. El título es un homenaje a sus fans que acudían a verles en los recintos que el grupo denominaba 'las residencias de los benditos'.
Es probablemente su álbum más consistente. Por una vez dejaban de lado las largas versiones de blues clásicos y experimentaban con las estructuras y la instrumentación de las canciones. En 'The Song remains the same' Page muestra sus magníficas habilidades con la guitarra y también parece que está inspirado y disfruta...
Los singles extraídos del álbum 'Over the hills...' y 'D'yer mak'er' alcanzaron el top20 de las listas y la gira que los Led realizaron en 1973, rompió la plusmarca de recaudación que habían establecido los Beatles. En sólo los dos primeros días de la gira, 100.000 fans habían visto al grupo en concierto.
La portada del álbum tiene su propia historia: Page y los suyos deseaban una portada impactante, por lo que contaron con los servicios de Hipgnosis, una renombrada agencia de diseño gráfico especializada en cubiertas para álbumes de vinilo.
Inspirada en el final de la novela 'El fin de la infancia' de Arthur C. Clarke, la fotografía fue tomada en 'Giant's Causeway' (calzada del gigante) un área en la costa nororiental de Irlanda, que contiene unas 40.000 columnas de basalto surgidas del enfriamiento rápido de la lava en un cráter ocurrido hace 60 millones de años. Las sesiones fotográficas en las que participaron como modelos los hermanos Stefan y Samantha Gates tuvieron lugar a lo largo de 10 frustrantes días en los que pretendían capturar la adecuada luz tenue del amanecer o del ocaso sin demasiada suerte a causa de las nubes o la lluvia.
El resultado no satisfizo a nadie pero un 'afortunado' accidente con las tintas en la postproducción dio lugar a la original portada que recibió en 1974 una nominación a la mejor cubierta de álbum y en numerosas listas está considerada una de las diez mejores portadas del rock. Como no aparecía el nombre del álbum ni el de la banda, Peter Grant, el mánager de los Led permitió a la compañía que añadieran una banda de papel a modo de precinto que, de paso, ocultaba castamente el trasero de la niña. Aún así, en algunos estados del Sur de Norteamérica, el disco fue prohibido durante varios años.
Más tarde disponía de su propio programa pero, a mediados de la década, la irrupción del swing y las orquestas de Benny Goodman, Don Redman, Fletcher Henderson y otros, provocaron que su orquesta sonara pasada de moda. Los intentos de readaptar la banda a la era del swing fracasaron. Sus dos últimos nº1 fueron 'Smoke gets in your eyes' y 'Wagon wheels' (1934) y en 1940, con Frankie Trumbauer y Jack Teagarden en sus filas, disolvió la orquesta y pasó a un estado de semiretiro
Se mantuvo activo en las ondas y en 1943 fue nombrado director musical de Blue Network, la futura cadena ABC. A mediados de los cuarenta, Whiteman había ganado más dinero que cualquier otro director de orquesta del país. Aunque sus bandas fueron eclipsadas por el tiempo, su música permaneció en la memoria popular, gracias a su capacidad de incitación al baile. La televisión no fue un medio en el que Whiteman se desenvolviera con soltura y pasó los años cincuenta en labores directivas con ABC en Nueva York. Al mismo tiempo dedicaba tiempo a satisfacer su obsesión con las carreras de bólidos, asistiendo a numerosas competiciones de Daytona.
