Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 15 de abril de 194 nació en Chattanooga (Tennessee) en la más absoluta pobreza, la cantante de blues, Bessie Smith. Apodada la 'Emperatriz del Blues' pasó de cantar en la calle por unas monedas a ser la artista que más discos vendió en su época. Su estilo vocal y su presencia física, además de sus dotes cómicas y dramáticas despertaban tal atención cuando aparecía en persona, que prácticamente se desataban las masas. Los que se quedaban fuera de los teatros clamaban por entrar y los que permanecían dentro no querían salir sin oír algo más de Bessie. En momentos críticos, Smith fue la artista que salvó Columbia Records de la quiebra. En su mejor momento, en 1925, Bessie adquirió un vagón de ferrocarril diseñado especialmente para ella y para su troupe, en el que vivían y viajaban. Este pequeño lujo le permitió permanecer inmune a algunos de los efectos del racismo que encontró en sus viajes por los Estados Unidos, llegando a ganar unos $2.000 semanales.
Ma Rainey
Bessie hizo su primera aparición ante el público a la edad de nueve años, en el teatro Ivory. Hasta que cumplió los diecinueve, estuvo trabajando en el Rabbit Foot Minstrels y en el Florida Cotton Blossoms, actuando asimismo en varios espectáculos ambulantes a lo largo de la Costa del Golfo.
Uno de los muchos mitos acerca de Bessie es que fue amadrinada (algunas versiones sostienen que fue raptada) por Ma Rainey, la 'Madre del Blues', que la forzó a hacer los tours con ella. En realidad fue contratada como bailarina en 1912 por Lonnie y Cora Fisher, managers de la troupe llamada los Stokes. En la misma troupe figuraba una cantante desconocida entonces, Ma Rainey. Ambas se hicieron amigas y sin duda Bessie recibió influencias (más escénicas que vocales) de Rainey.
Bessie Smith
Pronto Smith desarrolló su talento para el canto y la comedia y desde el principio su habilidad para comunicarse con el público fue uno de sus distintivos. Su voz era extraordinaria. Capaz de llenar la sala con ella sin necesidad de amplificación, cautivaba al oyente con su belleza. Dan Morgenstern de Jazz People, citaba al guitarrista Danny Barker: "Ver a Bessie en directo era todo un espectáculo. Era una gran y hermosa mujer y dominaba el escenario como ninguna. Si ella estaba allí no apartabas la cabeza. Solo tenías ojos para ella. Si conoces algo sobre las iglesias del sur, reconocerías al instante una similitud entre lo que ella hacía y lo que hacen los predicadores y pastores de las iglesias sureñas, manejando a la gente. Ella lograba hipnotizar a las masas"
Bessie Smith
Cuando Mamie Smith grabó el primer blues vocal en 1920 y vendió 100.000 copias en el primer mes, los ejecutivos de las compañías discográficas descubrieron un nuevo mercado. Habían nacido los 'race records' (discos de raza). Producidos únicamente para los estados del Sur y zonas determinadas del Norte, donde se congregaban los negros, sorprendieron a los ejecutivos cuando vieron que el mercado se expandía a clientes blancos sureños a quienes los sonidos del blues no les sonaban extraños.
Bessie llegó a Philadelphia en 1923 "alta, gorda y muy asustada", pero no tardó en hacer de la gran metrópoli su nuevo hogar. Cantó sobre todo en teatros, apareciendo tan pronto en los escenarios de Cleveland o Chicago, como en los de Memphis y Nueva Orleans.
Su primera sesión de grabación se llevó a cabo el 16 de febrero de 1923, en la que grabó los temas 'Downhearted blues' y 'Gulf Coast blues', acompañada por el pianista Clarence Williams. Se vendió la increíble cantidad de 780.000 copias en los seis meses siguientes. El contrato discográfico de Bessie le concedía $150 por canción grabada, sin derechos posteriores. Frank Walker, quien supervisaría todas sus grabaciones con Columbia Records, rápidamente negoció nuevos contratos más interesantes para Smith y así comenzó su exitosa carrera discográfica en la que grabaría 160 títulos. Al borde de la suspensión de pagos, Columbia se recuperó gracias a las ventas obtenidas con sus artistas exclusivos Eddie Cantor, Ted Lewis, Bert Williams y su mayor estrella: Bessie Smith.
Durante los diez años de su carrera discográfica, fue en los primeros seis cuando Bessie grabó el grueso de su discografía, acompañada de algunos de los más importantes nombres del jazz. Entre la élite se encontraban los pianistas Fred Longshaw, Porter Grainger y Fletcher Henderson; los saxofonistas Coleman Hawkins y Sidney Bechet; el trombonista Charlie Green; los clarinetistas Buster Bailey y Don Redman y el cornetista Joe Smith
Gracias a la popularidad de sus grabaciones, sus apariciones públicas crecían en número. En los desplazamientos que realizaba para actuar en Detroit, Chicago, Washington, Atlanta y Nueva York, hordas de admiradores la recibían en cada estación, precisando cada vez más despliegue policial para controlar el entusiasmo de las masas. El crítico y promotor John Hammond escribió en 1937: "Bessie Smith fue la más grande artista de jazz que produjo Norteamérica: de hecho, no estoy seguro de que su arte se limitara a las fronteras del término 'jazz'. Era un ser extraordinario, una artista completamente integrada capaz de proyectar toda su personalidad en su música. Estaba bendecida, no sólo con una gran capacidad de emoción; también con una tremenda voz que penetraba en las entrañas de los oyentes."
En cierto modo, la grandeza del arte de Bessie Smith sólo puede explicarse en base a la complejidad de su propia personalidad. Ésta mujer de carácter violento y tormentoso, adicta a la ginebra, era capaz de sorprender, tanto por su generosidad como por sus celos, y podía mostrarse cruel y vulnerable al mismo tiempo. De su alma torturada surgía una música que ha pasado a constituir un auténtico modelo de perfección. En efecto, Bessie sigue siendo hoy en día, como lo fue en su época, la 'Emperatriz del Blues'. Aunque su cuerpo escultural engordó con el paso de los años la impresionante belleza de Bessie contrastaba con la corta estatura y las facciones poco atractivas de Ma Rainey. Bessie cantaba así en 1926 en 'Young woman's blues':
Soy una mujer joven, pero he recorrido mucho mundo (2)
Algunos me llaman vagabunda, otros holgazana,
Nadie sabe mi nombre, nadie conoce mi vida.
Valgo tanto como cualquiera de tu ciudad,
No soy rubia, sino color marrón oscuro
No voy a casarme, no voy a echar raíces,
Voy a beber un buen trago y conquistar a estos morenitos...
Aunque Bessie puso todo el alma en esta confesión, lo cierto es que se casó con un hombre analfabeto llamado Jack Gee, que se convirtió en su empresario, para ruina de ambos. Bessie estuvo trabajando la mayor parte de su vida en teatros profesionales. Sin embargo el declive que experimentó su carrera artística, tras los años de la Depresión, y las trágicas circunstancias que rodearon su muerte, son claros indicios de que el público fue perdiendo interés por su estilo de blues a partir de los años treinta. Otra de sus luchas fue la botella. Aunque capaz de largas temporadas de abstinencia, sus borracheras eran famosas entre su troupe y sus allegados. Igualmente conocida fue su promiscuidad bisexual.
En 1929 la industria del disco se vio seriamente amenazada por el cine sonoro, la radio y la gran Depresión. No obstante, Bessie seguía siendo contratada, pero tuvo que rebajar considerablemente su caché y se vio obligada a vender su querido vagón vivienda. Ahora las ciudades a las que acudía eran más pequeñas y los teatros mucho más cutres que aquellos a los que ella estaba acostumbrada. Aún así protagonizó en 1929 el film semi-autobiográfico 'St Louis Blues'.
En 1931 Columbia rescindió el contrato con Bessie y ésta realizó sus últimas grabaciones en 1933. La Depresión había azotado América, pero ella siguió adelante. En 1935 sustituyó a Billie Holiday en el show del Apollo Theater 'Stars over Broadway' y el productor de Holiday, John Hammond, ofreció a Bessie grabar para Okeh Records y actuar en un nuevo show, 'From spirituals to swing'.
Sus malos días parecían haber llegado a su fin en el verano de 1937. La industria musical parecía revivir gracias a la aparición de la Era del Swing, sobre todo a la orquesta de Benny Goodman. Bessie había demostrado su adaptabilidad por lo que ella era capaz de cantar swing como el mejor. Las cosas se pusieron aún mejor: El blues había recobrado su popularidad en los gustos de la audiencia y una fría tarde de un domingo de febrero de 1936, Bessie realizó una memorable actuación en el Famous Door de la calle 52 de NYC, acompañada por Bunny Berigan, Joe Bushkin y otros habituales de la banda del club. El impacto de aquella actuación permaneció en las personas presentes durante más de cincuenta años. Mucho tuvo que ver la negativa de Mildred Bailey a aparecer tras la actuación de Bessie. Este evento generó nuevos proyectos. Se programaron grabaciones con Lionel Hampton y Count Basie y se comenzó a escribir el guión de una nueva película con ella de protagonista. Hasta su vida personal parecía brillar con nueva luz en 1937 gracias al apoyo de su nueva pareja, Richard Morgan.
Richard Morgan y Bessie en 1937
En la mañana del 26 de septiembre, Bessie y Morgan conducían desde Memphis a Darling (Mississippi) para actuar allí al día siguiente. En las cercanías de Clarksdale, se vieron envueltos en un accidente de tráfico que resultó fatal para la cantante. Uno de los mitos persistentes acerca de su muerte fue que murió desangrada porque no la admitieron en un hospital para blancos. Esta historia se afianzó con el desafortunado artículo de John Hammond publicado en Down Beat en 1937 y fue perpetuada en la obra de teatro de Edward Albee de 1960 'The Death of Bessie Smith'. En realidad fue trasladada inconsciente al hospital para negros G.T. Thomas de Clarksdale, donde se le amputó el brazo derecho. Murió a la mañana siguiente sin haber recobrado el conocimiento. Chris Albertson comenta en la biografía de Bessie: "La ambulancia que trasladaba a Bessie, jamás pudo haberla llevado a un hospital de blancos. En el profundo Sur de los campos de algodón, a ningún conductor de ambulancia, negro o blanco se le habría pasado por la cabeza llevar a un negro a un hospital para blancos".
Su funeral, celebrado el 4 de octubre de 1937 en Philadelphia, fue uno de los eventos más multitudinarios que recuerda la ciudad. Cuando la comunidad negra supo de la muerte de la cantante, su cuerpo tuvo que ser trasladado a otro recinto que pudiera albergar a los más de 10.000 admiradores que se congregaron para darle el último adiós. La policía pasó momentos duros para contener a las masas. Para aquellos que habían conocido a Bessie en sus mejores días, la imagen les resultaba tremendamente familiar...
El 15 de Abril de 1688 nació en Buttelstedt, cerca de Weimar, el compositor alemán Johann Friedrich Fasch, uno de los más importantes músicos contemporáneos de J. S. Bach, cuyas obras orquestales determinan la transición entre el estilo barroco tardío y el clasicismo de Haydn y Mozart.
Thomasschule en Leipzig
Johann Friedrich Fasch, perteneció al coro infantil de Weissenfels y tuvo como maestro de música a Johann Kuhnau en la Thomasschule de Leipzig. A los 13 años ingresó a la Thomasschule y sus primeras composiciones siguieron el estilo de su amigo Telemann. Siendo estudiante en la Universidad de Leipzig fundó un Collegium Musicum, una de las primeras sociedades organizadoras de conciertos públicos, que rivalizó en importancia con la Thomasschule dentro de la vida musical de la ciudad.
En esta ciudad cosmopolita encontró los conciertos de Vivaldi, y si bien no tenía una instrucción regular en composición, pronto logró fama como tal y recibió encargos para los festivales Peter-Paul de Naumburg en 1711 y 1712.
Su hijo, Carl Friedrich Christian
Con intenciones de estudiar, Fasch realizó un largo viaje a través de varias ciudades. Eventualmente llegó a Darmstadt y estudió composición con Graupner y Grünewald. Entonces ocupó diversos cargos, incluyendo el de violinista en Bayreuth (1714), organista en Greiz (hasta 1721) y Kapellmeister para el Conde Morzin en Lukavec. En 1722 aceptó el puesto de Kapellmeister en Zerbst, y al no lograr el cargo de Thomaskantor en Leipzig, permaneció por el resto de su vida en Zerbst. Durante los 36 años que pasó allí, Fasch se ocupó sobre todo de componer cantatas para la iglesia y música festiva para el conde. Su fama como compositor se extendió más allá de Sajonia y sus obras se hicieron conocidas en varias cortes e iglesias desde Hamburgo hasta Praga e incluso Viena. Disfrutó de cercanas relaciones con la Hofkapelle de Dresden en donde el Kapellmeister Pisendel interpretó numerosas partituras suyas, a través de su hijo Carl Friedrich Christian Fasch, clavecinista en la corte de Federico el Grande en Berlín desde 1756
El hecho interesante es que el repertorio de Fasch, tal vez más que el de cualquier otro compositor barroco, marca la transición del barroco al rococó y a los principios clásicos. Fue un iniciador y marcó el desarrollo de la ruptura de los moldes del estilo fugado en favor de un impulso temático hacia la escritura romántica que iba a emerger. Murió a los 70 años el 5 de diciembre de 1758, en Zerbst, dejando el legado de un músico muy interesante.
Ninguna partitura de Fasch se publicó mientras él vivió. La extensa cantidad de manuscritos se distribuyó ampliamente y dificultó el acceso, perdiéndose la mayor parte de su creación vocal (que incluía 12 ciclos completos de cantatas, al menos 16 misas y cuatro óperas) pero conservándose casi toda la producción instrumental. De ella solamente se han examinado profundamente los conciertos, las sinfonías y las sonatas, quedando aún por investigar más de 90 suites-oberturas y mucha música litúrgica, que aparentemente contienen su escritura más progresista. Las obras de Fasch, de puño y letra, se encuentran dispersas en numerosas bibliotecas en toda Europa.
Durante el siglo XIX la música de Fasch fue ensombrecida por el estudio de Bach y solamente en 1900, una vez que Hugo Riemann conoció algunas de sus oberturas, se le reconoció como uno de los innovadores más importantes en el periodo de transición entre Bach y Haydn. Posterior investigación ha reafirmado esta sentencia. De hecho, el aspecto más sorprendente de la obra de Fasch es la naturaleza transitiva y la síntesis de los estilos barroco y clásico con un gradual incremento en los elementos “modernos”.
Entre sus obras principales se incluyen los conciertos para diferentes instrumentos que se conservan, como por ejemplo su Concierto en Re mayor (Musica Antiqua Köln, Reinhard Goebel), las sinfonías y la música de cámara. Gozó de gran consideración entre sus contemporáneos y Johann Sebastian Bach, por ejemplo, poseía partituras suyas manuscritas.
Los conciertos demuestran claramente el desarrollo del barroco al temprano estilo clásico. Todos tienen tres movimientos según el tipo de Vivaldi y llaman la atención por un inusual tratamiento de los instrumentos orquestales, sobretodo los de viento, ya que además de combinaciones desacostumbradas, muchos conciertos empleaban pares de instrumentos de viento como solista. En el caso de las suites para orquesta, Suite en Si bemol mayor Obertura (Das Kleine Konzert, dir. Hermann Max), Fasch sigue el modelo de una obertura francesa seguida por movimientos de danza. En las sinfonías y sonatas la tendencia es más clásica con la estructura repetitiva en la mayoría de los movimientos allegro.
El 15 de Abril de 1651 (otras fuentes citan el 19 de octubre y el año 1659) nació en Bolonia, el compositor y violonchelista italiano Domenico Gabrielli conocido con el nombre de “Meneghino del violoncello”. Fue alumno de composición de Legrenzi y miembro del grupo de violonchelistas de élite que operaban en Bolonia. Junto con sus maestros, Petronio Francheschini y Giovanni Battista Vitali, Gabriel fue uno de los pioneros del violonchelo barroco.
Basílica de San Petronio
Gabriel formaba parte de dos grupos instrumentales que existían en Bolonia: la Academia Filarmónica y la orquesta de la basílica de San Petronio. La Orquesta de San Petronio era el más importante grupo musical de Bolonia. Esta orquesta atrajo a famosos compositores, artistas intérpretes o ejecutantes, y directores, y ayudó a sentar las bases para jóvenes compositores, como Gabriel y más tarde, Torelli. Su principal arquitecto, Andrea Manfredi, diseñó la basílica de San Petronio para ser "la iglesia más grande de la cristiandad." Esta enorme estructura fue terminada en el siglo XV, y para mediados de 1600, ya había una pequeña orquesta en su lugar, comprendidas entre diez y veinte músicos, en función de la ocasión. Gabrielli también estuvo al servicio de la Corte de Módena, y posteriormente fue músico del cardenal Pamphili, Gran Prior de Roma. Finalmente falleció en Bolonia, el 10 de julio de 1690, a los 39 años.
Su música
Sus cánones, ricercares y sonatas reflejan tanto una avanzada técnica de ejecución como un aguda percepción de la sonoridad inherente del instrumento. Domenico Gabrielli en sus “Ricercare per violoncello solo” (Ricercare 2 en La Menor) (Anner Bylsma, Cello), publicados en torno a 1689, dedica una entera colección de piezas en el estilo característico de la época, esto es, obras cercanas a la fantasía o la canzona, sin esquemas formales fijos, que presuponía una gran libertad improvisatoria. Sus siete ricercares para violonchelo solo, contienen floridos pasajes para dobles, triples y cuádruples cuerdas.
Con excepción de ocasionales pasajes brillantes para el chelo, el resto de la música de cámara de Gabrieli está fuertemente influenciada por la Escuela Emiliana de música instrumental representada por Tomaso Vitali y Arcángelo Corelli. Esta música incluye su opus 1, un conjunto de 12 pares de danzas, cada par en diferente tonalidad, desde Do menor hasta Si menor y desde Mi bemol mayor hasta La mayor.
En estas danzas se presentan tanto el aspecto balletístico como el instrumental de una manera lujosamente logradas siendo notorias las alemandas, sarabandas, courantes y gigas. Gabrielli también empleó el violonchelo como un instrumento obligado en sus sonatas para trompeta y en obras vocales. Compuso las famosas sonatas para una o dos trompetas y orquesta y numerosas óperas, oratorios y cantatas, "Amor m'hai così vinto" de la cantata (Premea d'Ilio superbo) aria "Cara speranza seguimi" (voz tenor: Alessio Nicolavcich & Stravaganze Armoniche), siendo reconocidos junto con Petronio Franceschini como líderes de la escuela compositiva bolognesa.
Historia del violonchelo y Gabrielli
Viola da gamba
Al contrario de lo que se suele pensar, los precursores del violonchelo aparecieron en la primera mitad del siglo XVII en Italia no como descendientes de la viola de gamba (‘viola de pierna’), sino que pertenecen a la familia de los violines, y nacieron (como los contrabajos) de la viola da braccio (‘viola de brazo’), hacia el 1530, apenas unos años después que el violín. En la primera época, había más instrumentos similares al violonchelo, como por ejemplo el violón, que se usaba como bajo continuo. Además, había otros como violonzino o basset, que pertenecerían a la misma familia pero se interpretarían de distintas maneras o tendrían otros tamaños o número de cuerdas distinto.
Viola d'Amore de 1760
También existía la viola d’amore (viola de amor), por ejemplo, cuyo origen es distinto pero que recuerda al violonchelo en cuanto a su interpretación (con arco) y a su sujeción. Al principio se sostenía sujetándolo con una cuerda a la cintura, o bien sobre el hombro (da espalla), o bien entre las rodillas o en el suelo. Había muchos tipos distintos de violonchelos, desde los tenor, a otros de tamaños mayores, con distintas tesituras y diferentes formas de sujeción.
Violonchelos
El violonchelo, que representa el bajo de la familia del violín, apareció poco después de éste, alrededor de 1560. En efecto, los bajos de la viola da braccio, construidos por los Amati, Gasparo da Saló y Maggini en las últimas décadas del siglo XVI son verdaderos violonchelos, cuya forma, derivada del violín, los distingue de los bajos de las otras familias de instrumentos de arco. El violonchelo tardó mucho en imponerse ya que tuvo que soportar durante mucho tiempo la tenaz competencia del bajo de viola da gamba debido a su timbre similar y su uso, sobre todo, como bajo continuo. Pero en 1680 ya estaba incluido como instrumento fijo en la Orquesta Imperial de Viena y en 1709, la Orquesta Real de Dresde ya tenía cuatro violonchelos.
Chelo barroco y viola da gamba
Algunos de los grandes compositores de la época, como Marin Marais o Henry Purcell, se negaron a emplear el nuevo violonchelo, usando en su lugar la viola da gamba y escribiendo expresamente en las partituras que la interpretación debería de ser para este instrumento. La primera música dedicada específicamente al violonchelo solista fue escrita en Italia alrededor de 1689 (Ricercari e canzoni, Nº 6 [Dmitry Dichtiar y Patrick Sepec, baroque cellos] de Domenico Gabrielli, y Sonare, de Jacchini). Hay que llegar hasta Beethoven para que este instrumento sea apreciado en su justo mérito en la orquesta
Su primera sesión de grabación se llevó a cabo el 16 de febrero de 1923, en la que grabó los temas 'Downhearted blues' y 'Gulf Coast blues', acompañada por el pianista Clarence Williams. Se vendió la increíble cantidad de 780.000 copias en los seis meses siguientes. El contrato discográfico de Bessie le concedía $150 por canción grabada, sin derechos posteriores. Frank Walker, quien supervisaría todas sus grabaciones con Columbia Records, rápidamente negoció nuevos contratos más interesantes para Smith y así comenzó su exitosa carrera discográfica en la que grabaría 160 títulos. Al borde de la suspensión de pagos, Columbia se recuperó gracias a las ventas obtenidas con sus artistas exclusivos Eddie Cantor, Ted Lewis, Bert Williams y su mayor estrella: Bessie Smith.
Aunque Bessie puso todo el alma en esta confesión, lo cierto es que se casó con un hombre analfabeto llamado Jack Gee, que se convirtió en su empresario, para ruina de ambos. Bessie estuvo trabajando la mayor parte de su vida en teatros profesionales. Sin embargo el declive que experimentó su carrera artística, tras los años de la Depresión, y las trágicas circunstancias que rodearon su muerte, son claros indicios de que el público fue perdiendo interés por su estilo de blues a partir de los años treinta. Otra de sus luchas fue la botella. Aunque capaz de largas temporadas de abstinencia, sus borracheras eran famosas entre su troupe y sus allegados. Igualmente conocida fue su promiscuidad bisexual.
