Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 30 de junio de 1917 nació en Brooklyn la actriz y cantante de jazz Lena Horne que comenzó su carrera profesional en la década de los treinta formando parte del coro de bailarinas del Cotton Club en 1933 y, en uno de los shows de Adelaide Hall, se estrenó como cantante con el tema 'As long as I live', de los compositores Harold Arlen y Ted Koechler, los mismos que suministraban las canciones para la gran Ethel Waters y demás cantantes negras. Sin ir mas lejos, 'Stormy weather', de tanta significación en la carrera de Lena Horne.
Aunque fue la primera afroamericana en conseguir un contrato con una productora importante de cine (MGM), nunca consiguió el status de estrella de cine, por lo que se concentró más en su carrera como cantante de jazz. Su potente voz y su belleza impactante dejaron boquiabiertos a muchos; aunque su color de piel siempre supuso un condicionante para Horne. En numerosas ocasiones tuvo que sufrir el rechazo social.
Gran luchadora por los derechos sociales, durante los años cincuenta, Horne fue incluida en la llamada 'lista negra' de McCarthy, aunque logró eludir la 'caza de brujas'. Su carrera abarca más de sesenta años grabando para diversas compañías, actuando en night clubs o en Broadway. Se retiró en 1999 y murió a los 92 años en mayo de 2010.
El 29 de junio de 1901 nació en Providence (Rhode Island) el cantante, actor y locutor de radio norteamericano Nelson Eddy. Es uno de los pocos artistas del espectáculo representados con tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: una por el cine, otra por la música y la última por su trabajo en la radio.
Su talento cantando fue descubierto en 1922 cuando comenzaba a abrirse paso en la escena. Como actor y cantante apareció en 19 películas, 14 de ellas pertenecientes a la edad de oro de los musicales de la MGM. Sus papeles más populares fueron los que protagonizó junto a Jeanette MacDonald, con quien estuvo relacionado sentimentalmente. En su carrera musical grabó más de 300 discos que incluían numerosos dúos con las más famosas starlets de Hollywood de la época como Nadine Conner, Doretta Morrow, Eleanor Steber y Jo Stafford. Murió en marzo de 1967 a los 65 años.
El 25 de junio de 1860 nació en Dieuze (Francia) el compositor francés Gustave Charpentier, discípulo de Jules Massenet en el Conservatorio de Paris; también Richard Wagner influyó notablemente en él. En 1887 ganó el Gran Premio de Rome, con la cantata “Didon”, que le permitió vivir en la capital italiana durante tres años.
Allí compuso dos obras orquestales de grandes dimensiones, incluyendo canciones sobre textos de Charles Baudelaire y Voltaire. Asimismo, compuso “Impressions d'Italie" (Suite para orquesta, 1890) 1/3, 2/3, 3/3 (Dir : Pierre Dervaux). Con el tiempo acabó “Louise” (1900), que fue muy bien acogida en la Opéra-Comique. Es un retrato realista de la clase trabajadora parisina, considerada a veces como un ejemplo temprano de ópera verista, que es donde se centra su fama: Acto II Preludio (Ópera París & dir. Sylvain Cambreling) con su heroína de la clase trabajadora. Se hizo una película con esta ópera, en 1939 con Grace Moore en el papel titular. 'Louise' aún se representa ocasionalmente hoy en día, y su aria "Depuis le jour" (Maria Callas & Georges Prêtre dir. Orchestre National De La Rédiffusion Française), es una pieza interpretada con frecuencia en los recitales.
En 1902 utilizó las ganancias obtenidas por el éxito de su ópera para fundar el Conservatoire Populaire, donde se daban clases gratuitas de danza y música a mujeres procedentes de las clases trabajadoras. Charpentier compuso una segunda ópera, “Julien” (1913) así como obras orquestales y vocales, aunque ninguna de sus obras alcanzó la popularidad de 'Louise', con su heroína de la clase trabajadora.
Charpentier prácticamente no volvió a componer el resto de su vida. Murió en París el 18 de febrero de 1956.
El 24 de junio de 1908 nació en Nuremberg el compositor alemán Hugo Distler. Estudió en el Conservatorio de Leipzig, comenzando con dirección de orquesta y piano como instrumento complementario; posteriormente se dedicó al estudio de la composición y al órgano. En 1940 es nombrado profesor de composición y órgano en la Escuela Superior de Música de Berlín. Sufrió los horrores de la guerra y, ante la persecución y desaparición de muchos de sus compañeros y amigos, ataques aéreos, presiones en su trabajo y la obligación de enrolarse en las filas de la Wehrmacht, decidió suicidarse inhalando gas en Berlín a la edad de 34 años, el 1 de noviembre de 1942.
Distler tenía una sólida formación como musicólogo mostrando mucho interés por la música antigua y su profundo conocimiento de la música de Bach. Sin embargo, no falta quien asegura que el músico que más le influye es el gran compositor y organista luterano del XVII, Heinrich Schütz. Su carácter historicista se observa en su reivindicación del clavicémbalo, que por entonces casi era un instrumento de museo "Choral mit Variationen" (Eero Richmond).
Su música es tonal casi sin concesiones, pero con una utilización profusa e imaginativa de la disonancia e incluso del cromatismo. Siempre acaba por citarse su frecuente uso de escalas pentatónicas y el modo griego para sus melodías enmarcadas en armonías con una amplia paleta de colores. De esa forma se suma a los autores que utilizan materiales antiguos para edificar armonías y formas nuevas, así por ejemplo en la “Historia de la Navidad” (Thomanerchor Leipzig, Vorker Arndt-Engel, Hans-Joachim Rotzsch) utiliza complejas armonías modales que evocan sonoridades antiguas que mezcla con ritmos que intentan seguir la cadencia natural del lenguaje hablado.
La estructura musical huye de planteamientos complejos prefiriendo la enorme dificultad y riesgo de lo simple. Él quiere decididamente pertenecer a una tradición alemana que es la luterana, donde la música tiene una importancia capital tal y como el mismo Lutero (que fue un músico muy competente) deseaba.
Distler es el representante más importante del espíritu renovador de la música evangélica luterana posterior a 1920. Sus propósitos e ideales son claramente reflejados en su música, a pesar de que busca un nivel técnico de interpretación sencillo. El nivel artístico que alcanza es sin embargo muy alto. Su música vocal se orienta y adapta a las posibilidades de la voz humana. Melódicamente tiene raíces en modo griego y escalas pentatónicas. Sus ritmos interesantes y variables se inspiran en prototipos del Renacimiento y del Barroco. Los nazis definieron sus obras como "Entartete Kunst" (arte degenerado). Distler es muy conocido por su contribución a la música coral de contenido religioso.
Entre sus obras corales se pueden citar:
• “Der Jahrkreis” (52 obras para 2 y 3 voces. Sirve a las exigencias de la liturgia evangélica , 1933).
• La “Pasión Coral ”para coro mixto y 5 voces y dos cantantes solistas(1933).
• La “Historia de la Navidad” para coro mixto y 4 solistas (1933) (Hans-Joachim Rotzsch tenor & director, Regina Werner - soprano, Volker Arndt - soprano, Heidi Rieß - alto, Gothart Stier - bajo, Hermann Christian Polster - bajo)
• La “Geistliche Chormusik op. 12” música espiritual con una colección de 9 motetes para el año eclesiástico, compuesta entre 1935 y 1941, donde en el Nº 2 se encuentra la “Danza de la muerte (Totentanz), para el Totensonntag 1/4, 2/4, 3/4, 4/4"(Resonance Ensemble of Portland & dir. Katherine FitzGibbon)
• El Libro de corales de Mörike- (1939): “Singet dem Herrn ein Neues Lied” (Dresden Kreuz Chor & dir. Martin Flämig)
El 24 de junio de 1901 nació en Oakland (California) el compositor e inventor de instrumentos estadounidense Harry Partch. Fue uno de los primeros compositores del siglo XX en utilizar sistemáticamente la escala microtonal. Muchas de sus obras están escritas para instrumentos que él mismo construía.
Sus padres eran misioneros presbiterianos. Aprendió a tocar el clarinete, el armonio, la viola, el piano y la guitarra. Comenzó a componer a edad muy temprana utilizando la escala cromática habitual en la música occidental. Partch llegó a la conclusión de que necesitaba nuevos instrumentos (que inventó y construyó él mismo) e intérpretes adecuados para ellos. Su primer instrumento fue el monófono (más tarde conocido como «viola adaptada»). Viajó a Europa con una beca para estudiar música y conoció al poeta William Butler Yeats, al que pidió permiso para escribir una ópera basada en su traducción al inglés del “Edipo Rey de Sófocles”. Partch tocó el monófono mientras William Butler Yeats recitaba “By the Rivers of Babylon”. Yeats le dio su permiso para la adaptación entusiasmado: Una obra escrita de esta manera, con este instrumento maravilloso y con esta clase de música, sería realmente sensacional, pensó.
Partch comenzó a construir instrumentos para su ópera, pero se agotó el dinero de su beca y debió regresar a Estados Unidos en plena crisis de la Gran Depresión económica. Su situación fue tan precaria que Partch llegó a vivir como un vagabundo (freighthopping) en los trenes. Vivió de esta manera durante diez años, escribiendo sus experiencias en un diario íntimo que tituló “Bitter Music” (Música amarga). Frecuentemente llevaba al pentagrama las alturas e inflexiones particulares del habla de las personas que iba encontrándose. Esta técnica compositiva (que ya había sido utilizada siglos antes por la Camerata Florentina y por autores como Berlioz, Mussorgsky, Debussy, Schönberg o Leoš Janáček, y que, posteriormente a Partch, empleará también Steve Reich) se convertirá en la forma más habitual de composición de Harry Partch de las partes vocales de sus obras.
En 1941, Partch compuso 'Barstow', una obra que tomaba como texto distintos grafitis que había visto pintados en los quitamiedos de una autopista en Barstow (California). De esta obra, originalmente concebida para voz y guitarra, Partch hizo distintas versiones a lo largo de su vida, según crecía su colección de instrumentos. En 1943, tras recibir una beca de la Guggenheim Foundation, pudo dedicar más tiempo a la composición y recuperó su proyecto de ópera sobre Edipo. Sin embargo, los herederos de Yeats le negaron el permiso para utilizar la traducción del poeta (fallecido en 1939) y Partch tuvo que traducirlo él mismo (actualmente se puede interpretar la música de Partch con el texto de Yeats, cuyos derechos han prescrito y ha pasado a ser de dominio público).
Partch pasó una temporada en Ithaca (Nueva York), donde comenzó su obra “US Highball”, una evocación musical de sus tiempos de vida en los ferrocarriles durante el tiempo de la Gran Depresión. Desde 1923, Partch había estado trabajando en un libro que finalmente se publicó en 1949 con el título de “Genesis of a Music”. Es una reflexión sobre su propia música, con artículos sobre teoría musical y diseño de instrumentos. Se considera este libro como un texto fundamental sobre la teoría musical de microtonalismo. En él expone su concepto de corporeality ('corporeidad'): la fusión de todas las formas artísticas en un único cuerpo.
"Gourd Tree with Cone Gongs"
"El trabajo que yo he estado haciendo durante todos estos años, se relaciona en actitud y en las acciones al hombre primitivo. Él encontró magia en los materiales comunes que lo rodeaban en su hábitat, luego procedió a construir el vehículo, el instrumento, tan visualmente hermoso como pudo, finalmente incluyó la magia del sonido y la belleza visual en su voz y experiencias cotidianas, su ritual y su drama, para darle un mayor significado a su vida. Esta es mi trinidad: sonidos-mágicos, belleza visual, experiencia-ritual"
Partch y su "Kitharas"
Partch escribió la danza satírica “The Bewitched” y “Revelation in the Courthouse Park” (Revelación en el jardín de la Audiencia), obra basada en gran parte en Las Bacantes de Eurípides. “Delusion of the Fury” (La ilusión de la Furia) (1969) está considerada su obra más importante. Creó su propia discográfica, Gate 5, con la que distribuyó la grabación de sus obras. Al final de su vida, Columbia Records realizó la grabación de alguna de sus composiciones (entre otras, de Delusion of the Fury), lo que sirvió para aumentar la atención hacia su otra. Sin ser un compositor que haya alcanzado gran popularidad, su nombre es muy conocido entre los músicos contemporáneos (especialmente entre los interesados en el microtonalismo), es famoso por su escala de cuarenta y tres tonos (aunque él utilizó en sus obras otras muchas escalas) y está considerado como uno de los autores más significativos del siglo XX. Partch murió en San Diego (California), el 3 de septiembre de 1974.
Obras destacadas:
- “U.S. Highball” (1942-43) (Gate 5 Ensemble) - “Barstow” (1943) (Harry Partch y John Stannard, voces & John McCallister, Danlee Mitchell, Emil Richards, Michael Ranta, Linda Schell).
Instrumentos adaptados
Harry Partch modificó instrumentos ya existentes e inventó otros nuevos. Se definía a sí mismo como "un seducido músico-filósofo dentro de una carpintería". Sus instrumentos "adaptados" incluyen la viola adaptada (una viola con el mástil de un violonchelo para permitir una entonación más exacta) y la guitarra adaptada (donde se sustituye la afinación tradicional por otra más compleja). También modificó los tubos del armonio y clasificó las llaves con colores. Al primer armonio creado así lo llamó ptolomeo, en honor a los estudios de Claudio Ptolomeo sobre la escala musical. El resto de armonios modificados recibieron el nombre de cromelodeones, de «cromo» (color) y «melodeón» (órgano).
Quadrangularis Reversum
Partch diseñó y construyó los siguientes instrumentos:
- “La Diamond Marimba”: es una marimba afinada en la llamada 'tonalidad diamante'.
- “El Quadrangularis Reversum” invierte la disposición de las teclas de la Marimba Diamante.
- “La Bass Marimba” y la “Marimba Eroica” no se alejan tanto de los modelos tradicionales.
Mazda Marimba
- La “Mazda Marimba” está construida con bombillas del tipo «Mazda» (comercializadas en Estados Unidos por General Electric y otras compañías). Partch juega con este nombre comercial para homenajear al dios supremo del zoroastrismo, Ahura Mazda.
- La “Boo” es una marimba fabricada con bambú.
- El “Spoils of War” y el “Gourd Tree with Cone Gongs” son dos ejemplos de sus muchos instrumentos de percusión construidos con material de desecho; el Spoils of War incluye un juego de proyectiles de artillería afinados.
- El “Cloud Chamber Bowls” está formado por esferas de cristal procedentes de una cámara de niebla, suspendidas en un marco.
Zymo-Xyl
- El "Zymo-Xyl” (nombre procedente de las palabras griegas 'fermentación' y 'madera') es un xilófono al que añadió botellas de licor afinadas y tapacubos.
- El “Kitharas” (del griego kithara, cítara) es uno de los instrumentos más característicos de Partch. Se trata de un conjunto enorme de instrumentos de cuerda colocados en posición vertical, afinados con barras deslizantes de pyrex. Para tocarlo se utilizan macillos.
- Las “Harmonic Canons” (de la misma raíz que qanun, instrumento de cuerda tradicional árarbe) son unas cítaras dotadas de un complejo sistema de puentes.
El 23 de junio de 1940 nació en Londres el cantante, actor y productor inglés Adam Faith. En los años que precedieron a la aparición de los Beatles en el Reino Unido, Faith tuvo una serie de éxitos en las listas británicas consiguiendo dos nº1 y ocho Top5.
Nacido Terence Nelhams-Wright, se crió en un barrio obrero de Londres donde asistío a la John Perryn Junior School. Con doce años comenzó a trabajar repartiendo periódicos y en 1957 fundó un grupo de skiffle, The Worried Men con los que grabó en 1958 su primer single, '(Got a) Heartsick feeling'. Se publicaron varios más pero ninguno logró tener éxito o entrar en las listas. Su aparición en el film 'Drumbeat', actuando y cantando, facilitó un nuevo contrato discográfico con Parlophone Records y, con arreglos de John Barry, por fin, 'What do you want' (1959), un tema con muchas influencias de Buddy Holly, alcanza el nº1 en las listas británicas.
Otros temas que siguieron como 'Poor me', 'Someone else's baby' y 'Don't that beat all' consolidaron a Faith como rival de Cliff Richard en la música popular británica. En noviembre de 1960 publicó su primer álbum que fue recibido con magníficas críticas, sobre todo, los atrevidos y originales arreglos de John Barry en standards como 'Summertime' y 'Singin' in the rain' y en temas más contemporáneos como 'I'm a man' de Mort Shuman o 'Wonderful time', de Howard Guyton. Siguió grabando numerosos singles (35) y seis álbumes más.
Sus temas fueron Top10 hasta 1964, año en que la aparición en el mercado de los Beatles, hizo disminuir drásticamente su popularidad. A finales de los sesenta se concentró de nuevo en su carrera de actor y participó en varias obras del West End.
En los setenta se dedicó a la producción musical, trabajando entre otros, con Leo Sayer, que no debió quedar demasiado contento: "Adam lo manejaba todo, pero, aunque era un magnífico gestor, no era muy de fiar con las cuentas. Al final, Faith ganó más con Leo Sayer de lo que gané yo mismo". Desde entonces volvió a participar en películas como 'Stardust' con David Essex o 'McVicar' con Roger Daltrey, en varias series de TV, y obras de teatro. Tras hacer su papel en una de ellas, 'Love and Marriage', Adam Faith murió de un infarto en marzo de 2003 a los 62 años.
El 23 de junio de 1940 nació en Edimburgo Stuart Sutcliffe, el bajista original de The Beatles. Durante quince meses (mayo 1960 - agosto 1961) cuando aún eran un quinteto en la época en la que se encontraban en Hamburgo, fue el auténtico '5º Beatle'.
George, Stu y John
Allí conoció a la fotógrafa Astrid Kirchner, que realizó una sesión de fotos con el grupo y fue la responsable del famoso corte de pelo de los primeros Beatles. En primavera de 1961, Stu se comprometió con Astrid y en agosto abandonó el grupo. Se matriculó en la escuela de arte de Hamburgo para poder desarrollar un extraordinario talento que poseía para la pintura. Un año después se derrumbó en plena clase y murió de hemorragia cerebral camino del hospital el 10 de abril de 1962 a los 21 años. En la película 'Backbeat' (1994) se narran las relaciones entre Stu, John y Astrid con bastante exactitud.
Pete Best, George Harrison, John Lennon, Paul McCartney y Stu Sutcliffe
El 22 de junio de 1830 nació en Lancut el pianista y compositor austríaco Theodor Leschetizky, considerado uno de los profesores de piano más prestigiosos del siglo XIX y uno de los creadores más importantes de la moderna técnica pianística. Estudió en Viena con el pianista austríaco Carl Czerny, que había sido alumno de Ludwig van Beethoven, por lo que, indirectamente, estaba unido a las enseñanzas del maestro.
En 1852 acudió a San Petersburgo para ser pianista y ejercer como profesor, ciudad donde permaneció durante dieciocho años. Desde 1878 enseñó en Viena, donde se estableció de forma permanente y donde fue maestro de Franz Liszt y Ossip Gabrilowitsch. Otros discípulos suyos que llegaron a ser célebres fueron el pianista polaco Ignacy Jan Paderewski y el pianista austríaco Artur Schnabel. Sus métodos didácticos fueron descritos por Malwine Brée en su obra 'Die Grundlage der Methode Leschetizky' (Las bases del método Leschetizky), que fue publicado en 1902, pero él afirmaba que no utilizaba un método concreto y sus alumnos confirmaban que, en cada caso, atendía a las necesidades individuales del alumno con una especial dedicación a cada detalle en la interpretación. Está considerado uno de los mejores pianistas de la época romántica. Murió en Dresde, en 1915.
El 21 de junio de 1732 nació en Leipzig, el compositor alemán Johann Christoph Friedrich Bach, noveno hijo de Johann Sebastian Bach y de Anna Magdalena Wilcken, y es conocido como “el Bach de Bückeburg”. Se formó musicalmente junto a su padre y, desde los dieciocho años de edad hasta su fallecimiento, estuvo al servicio del conde de Schaumburg-Lippe.
Conde de Schaumburg-Lippe
Esta limitación acaso provinciana no le impediría colaborar en algunos empeños comunes -oratorios, óperas- con el gran filósofo alemán de la cultura, Johann Gottfried Herder. Músico excepcionalmente dotado, de los cuatro hijos compositores del gran Bach, Johann Christoph Friedrich es, significativamente, el menos valorado, lo que no dejará de resultar algo peregrino dada la notable inspiración de que hace gala en sus mejores páginas, destacando sobre todo en las obras orquestales.
Residencia de Bach en Bückeburg
Comparado a menudo con Mozart por su equilibrada perfección, su producción, como la de sus hermanos, abunda en páginas de todo tipo -aunque por desgracia una gran parte de la misma fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial.
Compuso veinte sinfonías en dos grupos distintos, separados por una veintena de años: las diez primeras hacía 1765-1772, “Sinfonía en Re menor WFV I:3” (1768); las diez últimas entre 1772 y 1794, "Sinfonía en Do mayor" Andante (Neues Bachiches Collegium Musicum & Burkhard Glaetzner).
Desgraciadamente doce de ellas - de la 7 a la 9 y de la 11 a la 19 - desaparecieron durante la Segunda Guerra Mundial, y de otra, la número 5, sólo se recuperó la reducción al piano. Quedaron siete sinfonías.
Las diez primeras, todas ellas en tres movimientos (vivo-lento-vivo), están situadas en cierto modo a medio camino entre las de Karl Philipp Emanuel Bach y Johann Christian Bach.
Las diez últimas contienen todas cuatro movimientos (vivo-lento-minueto-vivo), con una introducción lenta en ocho de los casos (números 12 a 16 y 18 a 20), y están muy próximas a Haydn y Mozart.
Ach, dass ich Wassers gnug hätte in meinem Haupte, und meine Augen Tränenquellen wären, dass ich Tag und Nacht beweinen könnt meine Sünde.
Meine Sünde gehe über mein Haupt. Wie eine schwere Last ist sie mir zu schwer worden, Darum weine ich so, und meine beiden Augen fliessen mit Wasser. Meines Seufzens ist viel, und mein Herz ist betrübet, denn der Herr hat mich voll Jammers gemacht am Tage seines grimmigen Zorns.
Figura de transición, Johann Christoph Friedrich marca el paso entre el estilo galante de su hermano Carl Philipp Emanuel y el clasicismo vienés que alcanzaría su más plena expresión en el arte de Wolfgang Amadeus Mozart.
El 21 de junio de 1899 nació en Brno el compositor checo Pavel Haas, víctima del Holocausto. Fue uno de los mas destacados exponentes de la escuela de composición de Leoš Janáček y usaba elementos folklóricos y de jazz. Su obra es reducida pero importante, en especial sus ciclos de canciones, cuartetos de cuerdas y la ópera para niños Brundibar.
Nacido en el seno de una familia judía, su padre Zikmund Haas era zapatero y su madre Olga (nacida Epstein) era originaria de Odessa. Estudió composición en el conservatorio de esa ciudad entre 1919 -1921 con Jan Kunc y Vilém Petrželka y posteriormente se perfeccionó con Leoš Janáček, que lo apreció como su mejor alumno.
En 1935 se casó con Soňa Jakobson, ex mujer del linguista ruso Roman Jakobson.
Escribió mas de 50 obras entre ellas sinfonías, corales, musica de peliculas y para teatro y la opera Šarlatán (El Charlatan), estrenada exitosamente en Brno en 1938.
En 1941, Haas fue deportado a Theresienstadt (Terezín), siendo uno de los muchos compositores internados como Viktor Ullmann, Gideon Klein y Hans Krása. Previo a su arresto se divorció de su esposa para que ella y su hija no corrieran la misma suerte. En profunda depresión escribió ocho obras en el campo de concentración, incluidos los Four Songs on Chinese Poetry estrenada allí por el director Karel Ančerl.
Los Nazis remodelaron Theresienstadt para una visita de la Cruz Roja y en una pelicula de propaganda se le ve saludando después de la ejecución de su ópera Brundibar. Cuando el proyecto propagandístico fue concluido se transfirieron 18.000 prisioneros a Auschwitz incluido Haas y los niños que habían participado en esa ópera. Según el testimonio de Karel Ančerl, Haas estuvo con él al llegar a Auschwitz. Dr. Mengele estuvo a punto de enviar a Ančerl a la cámara de gas pero las toses del debilitado Haas hicieron que la sentencia se cumpliera con él. Falleció el 17 de octubre de 1944 en Auschwitz.
El 21 de junio de 1892 nació en Bosjökloster, en el sur de Suecia, Hilding Constantin Rosenberg, considerado uno de los compositores suecos más importantes del siglo XX. Poco conocido entre nosotros, de su extensísima producción (el blog del aficionado sueco Walter Ekelin proporciona abundantes datos biográficos) destacamos sus doce cuartetos de cuerda (1920-1972) “Little piece for cello and Strings” (Jan-Olav Wedin, Stockholm Sinfonietta, Elemér Lavotha, cello),
En 1929 compuso el Ballet “The Last Judgment”, Op. 48 Preludio (Royal Philharmonic Orchestra Stockholm & dir. B Tommy Andersson) y en 1938 el ballet “Orpheus in Town”, Op. 75 (1938) Parte 1 Preludio y Parte 2 Dance suite (Royal Philharmonic Orchestra Stockholm & dir. B Tommy Andersson). Junto a G. Nystroen y M. Pergament, preparó el camino hacia la música moderna al introducir en Suecia las obras de Schönberg, Bartok, Honegger y Hindemith.
Su importante producción presenta una gran variedad de formas y géneros, desde óperas y música escénica hasta bandas sonoras para el maestro Ingmar Berman, como “Tormento”, Hets, 1944; desde oratorios (“Juloratorium”, 1936) hasta la escritura compleja de los últimos cuartetos: Cuarteto de cuerdas Nº 12 “Riepilogo” Parte 1 y Parte 2 (The Copenhagen String Quartet). Finalmente, citado como anécdota, tiene catalogadas al menos dos obras basadas en clásicos de la literatura castellana: “Hus med dubbel ingang” (1970, música escénica basada en Calderón de la Barca) y “Marionetter” (1939, ópera inspirada en Los intereses creados de Jacinto Benavente y traducida por el hispanista sueco Karl August Hagherg). Destacada obra es su Intermezzo "Resa till Amerika" (Travel to America) (1932) (Swedish Radio Symphony Orchestra & Stig Westerberg). Falleció el 19 de mayo de 1985 en Estocolmo.
El 21 de junio de 1865 nació en Gloucester el organista y compositor inglés Sir Alfred Herbert Brewer. Fué educado en el Exeter College, Oxford. Brewer estudió bajo los auspicios del Dr. C.H. Lloyd, organista de la Catedral de Gloucester. Cuando tenía dieciseis años de edad, obtuvo su primer nombramiento de organista en la Iglesia de Santa Catalina, Gloucester.
Sucesivamente ocupó el mismo puesto en Oxford, Bristol, y Coventry. A los treinta y un años, Brewer era organista y Maestro de Coristas en la Catedral de Gloucester, puesto que retuvo hasta su muerte, por un período de treinta y dos años. Condujo los Festivales de Tres Coros celebrados en Gloucester y, por un espacio de tiempo, la Sociedad Coral de Bristol. El Rey Jorge V le confirió la dignidad de caballero en 1926. Fué Doctor en Música (Cantuar), Bachiller en Música (Dublin), y Asociado del Real Colegio de Organistas. Sir Herbert fue "High Sheriff" en la ciudad de Gloucester, en 1922-23.
La gran obra realizada por Sir Herbert en Gloucester será por largo tiempo recordada. En el Festival de los Tres Coros celebrado en Gloucester en 1928, fue cantada por los cantores de Gloucester, en memoria de Sir Herbert Brewer, una antífona sin acompañamiento compuesta por su predecesor, Mr. C. Lee Williams y titulada "Thou wilt keep him in Perfect Peace".. Sir Herbert era querido por todos, y la sencilla antífona mencionada, cantada con tal sinceridad como tuvo en aquella ocasión, resultó muy impresionante y fué un gran tributo pagado por la ciudad a quien había hecho tanto por ella. Sir Herbert murió en Gloucester en marzo de 1928.
Entre sus composiciones se destacan "Dedication Ode" (Oda a la Consagración), "The Holy Innocents" (Los Santos Inocentes) ; "Three Elizabeth Pastorals" (Tres Pastorales Isabelinas) ; "England, my England" (Inglaterra, Inglaterra mía) ; “Nunc Dimittis en Re”; "Miller's Green"; "A Spring of Shamrock" (Una ramita de trébol) ; “Magnificat en Re”; "Sir Patrick Spens"; el motete "God Within", la última y una de sus obras más notables; la antífona "Let the people praise Thee"; y las canciones "When all the world is young" (Cuando todo el mundo es joven) , "On wings of delight" (En alas del placer) y "The Fairy Pipers" (Los gaiteros duendes) .
El 19 de junio de 1854 nació en Lucca el compositor de ópera italiano Alfredo Catalani. Estudió con François Bazin en París y Antonio Bazzini en Milán, quien lo condujo a Giovannina Lucca, el cual publicó su primera ópera, “Elda” (1876, revisada como “Loreley” en 1890, Acto III "Dance of the water nymphs” (NBC Symphony Orchestra/Arturo Toscanini)., además de “Dejanice”(1883) y “Edmea” (1886).
La unión comercial de Lucca con Ricordi en 1888 colocó a Catalani en una posición subordinada a Verdi y Puccini, sin embargo, su siguiente ópera, “La Wally” (1892, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino), basada en un cuento folclórico del romanticismo alemán, fue producida con éxito en La Scala. El drama lírico en cuatro actos de La Wally, estrenada es una obra mundialmente célebre, más aún cuando en 1981 el cineasta francés Jean Jacques Beinex la incluyó en su película Diva, protagonizada por Wilhelmenia Wiggins.
El aria “Ebben ne andro lontana” de esta ópera debe estar entre las más bellas de la historia del mundo lírico. Catalani no oculta la influencia de Wagner, pero su música nunca perdió el carácter italiano. Su prematura muerte, sucedida a los 39 años en agosto de 1893, contribuyó a que su trabajo fuera pronto eclipsado.
El fin de fiesta correspondió a The Mamas & The Papas, cuyo líder John Phillips y su chica, Michelle Phillips habían participado activamente en la organización del Festival. Mama Cass, que había sido madre de una niña recientemente, también se les unió días antes del comienzo para ayudarles como telefonista y Denny Doherty llegaría el mismo día del concierto.
John Phillips: "Alrededor de la medianoche, The Mamas & The Papas salimos a escena e hicimos la peor actuación de nuestras vidas. Habíamos estado los tres meses anteriores liadísimos con la organización y los preparativos y nos olvidamos que también habia que actuar. No realizamos ensayo alguno y Denny llegó 10 minutos antes de actuar, así que cuando nos vimos ahí arriba, nos dimos cuenta que no habíamos cantado ni una sola nota juntos en varios meses."
Michelle Phillips
Henry Diltz: "Los camerinos se encontraban en una especie de almacén situado bajo el escenario con los techos bajos y el suelo sucio. Había cajas apiladas y todo tipo de materiales llenos de polvo. Y ahí estaban The Mamas & The Papas en sus radiantes vestidos de seda calentando voces con Scott McKenzie. "Estaban haciendo los ejercicios que les había enseñado un profesor de canto para preparar las cuerdas vocales. Lo hacían agarrándose la punta de la lengua con los dedos y emitiendo una serie de sonidos o sílabas -'uung-uung-iiiii, uung-uung-oooo, uung-uung-aaaaa', una cosa así y subiendo de escala. Era algo increíble verles y oírles en todo ese contexto.
Mama Cass
"Hendrix, que acababa de llegar de su actuación, estaba sentado al otro extremo de la sala comiendo una pieza de pollo frito, mientras que amigos y curiosos le rodeaban. Todavía conservo la imagen mental de Hendrix mordisqueando su pechuga de pollo y levantando la vista, observando atónito a esos hippies -esos otros hippies- practicando sus ejercicios vocales a cuatro y cinco voces." Dennis Hopper: "Cass tenía una risa contagiosa. Era brutalmente honesta, pero muy divertida. Te decía las cosas sin rodeos, sin tapujos, como son. Y tú las aceptabas por la forma en que las decía y porque la amabas. Fue una de las mujeres más maravillosas que me he encontrado en la vida.
Denny Doherty
Ravi Shankar: "The Mamas & The Papas fue el grupo que me hizo sentir verdaderamente bien. Había melodía y momentos líricos maravillosos. Daban una gran imagen juntos." Al Kooper: "La banda que les acompañaba también era muy buena. Eric Hord a la guitarra solista y Eddie Hall a la batería eran grandes profesionales que sonaban en directo como en el disco"
'San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair) ' fue compuesta por John Phillips para la ocasión y grabada por su amigo de la infancia Scott McKenzie (ex-Abstract, ex-Smoothie y ex-Journeyman). Fue publicado por Ode Records, el nuevo sello de Lou Adler, a finales de mayo de 1967, tres semanas antes de Monterey Pop. Y la canción se convirtió casi sin quererlo en el himno del Verano del Amor.
John Phillips recuerda que la canción se la inspiró la paranoia de Scott sobre la potencial peligrosidad que encerraba el Festival. "Scott tuvo la idea: 'Por qué no escribimos una canción -bueno, por qué no escribes tú una canción que diga algo como: Si vas a San Francisco al Festival de Monterey Pop, ven en calma, que no acabe todo en una gran pelea.'
Así que lo primero que me vino a la mente fue la imagen de un atleta olímpico griego con su corona de laurel sobre la cabeza. De ahí vino lo de las flores en el pelo. Aproximadamente veinte minutos después acabé la canción y se lo dije a Scott. Él y yo se la tocamos a Lou aquella misma noche, a la noche siguiente la grabamos y el lunes siguiente estaba en la calle. Y con la misma rapidez, en sólo una semana, fue un hit internacional. Scott no había grabado nada hasta entonces, y en una semana era conocido en todo el mundo. El 'Gran Guru del Flower Power'. Ja, ja, ja, ja...¡Nunca me perdonó por aquello!"
Mama Cass (mientras la banda toca la introducción de 'Dancing in the street'): "Muy bien, no sé que decir sobre el siguiente tema, excepto que es nuestro tema de despedida y el cierre del Festival. Buscad vuestro camino, que nosotros ya buscamos el nuestro. ¡Vámonos!"
FIN DEL FESTIVAL
Lou Adler: "¿Qué se puede decir como resumen? Fue un momento bonito para vivir, con tantos cambios en el ambiente. ¡Cuántas iniciativas surgieron en aquellos días que aún hoy siguen siendo importantes! Más que una revolución fue una toma de conciencia del amanecer que estaba por venir. Musicalmente, significó un cambio de estilo. En los años cincuenta, cuando surgió el rock'n'roll todo el mundo dijo que era una moda pasajera, que no iba a durar. Pero como sabemos, aún está aquí y está para durar.
Jimi Hendrix
"Los artistas que actuaron en Monterey no sólo eran rockeros, eran músicos con criterio y conciencia social. Ellos fueron las personas que hicieron que el mundo se diera cuenta de lo que estaba sucediendo a su alrededor, tanto en el plano político como en el medioambiental. Políticamente existía mucho movimiento y diversas facciones: los Panteras Negras o los estudiantes de Berkeley realizaban manifiestos pero sus comunicados no llegaban a los medios importantes, dándole poca importancia. La prensa nunca se ocupó del movimiento contracultural hasta que se celebró el Festival. Allí, a través de la música y los músicos el mensaje logró llegar a la gente, sin violencia, sin ira ni confrontaciones.
Eric Burdon:"Fue el Único Festival Pop. Tras él todo el mundo trató de copiarlo, de intentar emular esa atmósfera, ese sentimiento. No se pueden copiar esas cosas. Es como una jam entre músicos. Lo que sucede en una buena jam session es irrepetible, y Monterrey Pop lo fue". Michelle Phillips: "No hubo ni un solo arresto en Monterey, ni una pelea, ni un solo problema. Fue un fin de semana maravilloso al que acompañaron las mejores condiciones climáticas imaginables. Estábamos entre amigos y nos sentíamos todos en casa. Hasta los agentes de policía se comportaban de forma amigable.
"Para mí fue un pequeño momento en el tiempo en el que todos nos juntamos poniendo a un lado nuestras diferencias políticas o sociales, unidos por la música. Y nos tomamos todo el movimiento muy en serio. Me refiero a lo de 'make love not war' y todo eso. Era la filosofía con la que estábamos educando a nuestros hijos, la forma en la que vivíamos nuestra vida, con un sello de espiritualidad que unos manifestaban calzando sandalias, otros flores en el pelo o quemando incienso, y otros estudiando religiones orientales.
La gente estaba tratando de encontrar algo más allá de los problemas cotidianos y mundanos. También fue una forma no violenta de protestar contra nuestra participación en Vietnam. "Ha habido otros festivales, pero ninguno como Monterey. Ningún otro festival puede tener el mismo karma. Haber sido parte de ese grupo de músicos y de la organización, sabiendo que los beneficios iban destinados a obras de caridad, creó en mí un sentimiento muy especial". Dennis Hopper: "Monterey fue un love-in musical gigantesco que galvanizó a estudiantes, hippies, reclutas de Fort Ord, la prensa oficial y la de rock, ejecutivos de grandes discográficas, policías, vegetarianos y desechos sociales como yo.
Derek Taylor
Fue una experiencia perfecta. Para muchos de nosotros fue la primera y la última. No recuerdo en mi vida ningún otro momento significativo que se le pueda comparar. Fue tremendo a todos los niveles. No había etiquetas, no nos burlábamos de los polis, cosa que les asombraba, fue un momento puro en el tiempo. Un año después, en 1968, rodé una película, 'Easy Rider' que intentaba reflejar lo que sentí en Monterey" Derek Taylor: "Fuimos capaces de organizar todo lo necesario en tan poco tiempo atesorando una energía sobrehumana que nos confería un poder con el que destruir todas los obstáculos posibles. Si necesitábamos 100.000 orquídeas, no le dimos más vueltas: compramos 100.000 orquídeas.
Janis y Peter Tork entre el público
'No podemos conseguir tantas orquídeas, a no ser que nos las manden desde Hawaii por avión?' Pues que así sea, porque eso es lo que necesitamos para el concierto de Ravi Sankhar. Si además hace falta una tonelada de incienso la haremos traer desde India. Adler era un productor con mucha experiencia, Pariser un ejecutivo con grandes capacidades organizativas y Phillips una estrella del rock con un dinamismo increíble. Chip Monck, el gran director de escena apareció y nos dijo: '¿Puedo hacer algo?'. David Crosby y los Byrds llegaron y dijeron: 'Dadnos brochas y pintura, y pintaremos las vallas'. Michelle Phillips se encargó de la decoración y fue secretaria voluntaria. Teníamos grandes acopios de voluntad, dinero y espacio, y lo más importante, la gente adecuada en el momento justo."
Lou Adler y John Phillips
Lou Adler: "Aunque no había ningún ejemplo a seguir, nada de lo que se organizó sucedió por casualidad. Con el esfuerzo de un montón de personas en un corto espacio de tiempo logramos lo que nos habíamos propuesto: el mejor festival posible. Tuvimos grandes ayudas como la de John Phillips, como artista y organizador. La diplomacia de Ralph J. Gleason y Bill Graham unió los contingentes de San Fracisco y Los Ángeles. Andrew Oldham y Derek Taylor eran nuestras conexiones británicas. Derek sentó precedente para las relaciones con la prensa. Nuestro departamento gráfico también marcó las líneas maestras del grafismo durante unos cuantos años. Como dijo Derek, dispusimos de la gente adecuada en el momento justo".
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Aunque fue la primera afroamericana en conseguir un contrato con una productora importante de cine (MGM), nunca consiguió el status de estrella de cine, por lo que se concentró más en su carrera como cantante de jazz. Su potente voz y su belleza impactante dejaron boquiabiertos a muchos; aunque su color de piel siempre supuso un condicionante para Horne. En numerosas ocasiones tuvo que sufrir el rechazo social.
Gran luchadora por los derechos sociales, durante los años cincuenta, Horne fue incluida en la llamada 'lista negra' de McCarthy, aunque logró eludir la 'caza de brujas'. Su carrera abarca más de sesenta años grabando para diversas compañías, actuando en night clubs o en Broadway. Se retiró en 1999 y murió a los 92 años en mayo de 2010.
