Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 30 de septiembre de 1947 nació en Londres el cantante y compositor británico Marc Feld, más conocido por Marc Bolan (Bolan es la contracción de BOb dyLAN, cantautor venerado por Marc). Formó su primer grupo siendo adolescente y con 17 ya se encontraba inmerso en el circuito folk británico.
Permanece un tiempo con una banda mod llamada John's Children que tuvo relativo éxito en el Reino Unido. Uno de sus temas, 'Desdemona' (1967) compuesto por Marc, fue prohibido en la BBC por su letra 'controvertida'. La frase problemática fue 'lift up your skirt and fly' (levántate la falda y déjate llevar)
Marc Bolan y Steve Peregrine Took
A continuación formó junto al percusionista Steve Peregrine Took el dúo Tyrannosaurus Rex, que como tal, publicaría cuatro álbumes con temas como 'Deborah' o 'By the light of the magical moon'. Tras su primera gira americana Bolan despide a Took por sus continuas borracheras y colocones y lo sustituye por Mickey Finn.
A mediados de los setenta su popularidad cayó y disolvió el grupo para trasladarse con su pareja Gloria Jones a Nueva York. Allí participa con su guitarra en grabaciones históricas como el 'Nutbush city unlimits' de Ike y Tina Turner. Pero también cambia sus buenas costumbres de alimentación macrobiótica por otras donde el alcohol y las drogas aparecen más a menudo.
Empieza a engordar y a descuidarse pero el embarazo de Jones le hace reaccionar y decide volver a formar T.Rex y retorna a Inglaterra. Su hijo Rolan Bolan (al modo de Zowie Bowie) nace en 1975, y Marc publica a principios de 1977 el álbum 'Dandy in the underworld' realizando una gira por el Reino Unido con un grupo punk, The Damned, de teloneros, para intentar conectar con las nuevas generaciones que no conocían su música de principios de la década. Cuando Marc y su pareja volvían de una fiesta en septiembre de ese mismo año 1977, el Mini que conducía Gloria sufrió un pinchazo saliéndose de la carretera y estrellándose contra un árbol. Ella quedó gravemente herida y Bolan murió en el acto dos semanas antes de cumplir los treinta.
El 30 de septiembre de 1946 nació en Ponce (Puerto Rico) el compositor y cantante de salsa Héctor Juan Pérez Martínez, más conocido por su nombre artístico Héctor Lavoe. Ya con catorce años pertenecía a un grupo en su país, pero con diecisiete años decidió viajar a Nueva York para ampliar horizontes y poner a prueba su talento.
Allí llamó la atención del músico Johnny Pacheco, a quien acompañó cantando en sus conciertos. Pacheco estaba reclutando nuevos valores para su recién estrenado sello Fania y a Héctor le fue presentado el trombonista Willie Colón, con cuya orquesta desarrolló una relación profesional que duró ocho años, durante los cuales grabaron una decena de discos como 'El malo' (1967), 'The hustler' (1968), 'Cosa Nuestra' (1970) y 'La gran fuga' (1971), entre otros, con temas como 'El malo', 'Eso se baila así', 'Tu no puedes conmigo', 'Te están buscando', 'Abuelita' y 'No cambiaré'.
Willie Colón y Héctor Lavoe
Mientras pertenecía a esta orquesta, Lavoe se volvió adicto a las drogas, las juergas y a un ritmo de vida basado en los excesos. Tras obtener juntos una gran cantidad de éxitos, Colón decidió no trabajar más con Héctor en el escenario, aunque siguieron siendo buenos amigos y, de hecho, siguió produciendo sus discos. A continuación, Lavoe formó su propia orquesta.
Como solista grabó canciones como 'El cantante', compuesta por Rubén Blades; 'El periódico de ayer', por Tite Curet Alonso; 'Bandolera', por Willie Colón y 'El rey de la puntualidad', por Johnny Pacheco. La canción 'El Cantante' le confirió el apodo por el que a partir de entonces sería conocido: El Cantante de Cantantes.
En 1979, cayó en una profunda depresión y buscó ayuda de un santero que atendió su problema de drogas. Después de su corta rehabilitación, sufrió otra recaída en mayo de 1987, cuando su hijo mayor, Héctor Luis, muere a los 18 años de edad de un disparo accidental que le produjo un amigo. Ese mismo año su suegra fue asesinada y su padre fallece. Después de estos acontecimientos se le detectó el virus VIH, lo que afectó su estado de ánimo de forma muy notoria hasta tal punto que, en 1988 y tras la suspensión de un concierto en la ciudad de Bayamon que supuestamente hubiera relanzado su carrera, intentó suicidarse lanzándose desde un noveno piso del hotel donde se alojaba. Lavoe sobrevivió a pesar de las múltiples fracturas de brazos, piernas y costillas que sufrió.
Grabó un último álbum antes de que su estado de salud empeorara, 'Héctor Lavoe & Van Lester: The Master and the Protege'. A partir de aquí, Lavoe quedó incapacitado para volver a cantar. Transcurrió sus últimos años en Nueva York, donde promotores sin escrúpulos se lucraban presentándolo en conciertos cuando apenas podía hablar y a pesar de las ventas generadas por sus discos, Lavoe se vio en una condición económica precaria. Murió a los 46 años el 29 de junio de 1993 en el Memorial Hospital de Queens. En 2007 se estrenó la película basada en la vida de Héctor 'El cantante', protagonizada por Marc Anthony y Jennifer López.
El 30 de septiembre de 1942 nació en Harlem (Nueva York) el cantante de R&B y Rock & Roll Frankie Lymon. Con 12 años se apuntó a un grupo de doo-wop neoyorquino, los Premiers, que pronto cambiarían su nombre por el de Teenagers y dos años después, en enero de 1956 publican su single debut co-escrito por Frankie: 'Why do fools fall in love?'.
En 1965 se produce una fugaz reunión de Frankie y los Teenagers y Lymon graba su última aparición en TV, realizando con 22 años cumplidos el play-back de la grabación que hizo con trece. Ese mismo año, Frankie es llamado a filas. A causa de sus continuas deserciones y abandonos de puesto en la base militar de Augusta para irse a cantar en los bares y clubes locales, es licenciado con deshonor, tras lo que vuelve a Nueva York para intentarlo de nuevo con su carrera, pero el 28 de febrero de 1968 Frankie fue encontrado muerto por sobredosis de heroína a los 25 años en el domicilio de su abuela. Los dos temas grabados justo antes de morir, 'I'm sorry' y 'Seabreeze', se publicaron poco después.
El 30 de septiembre de 1917 nació en Nueva York el músico y baterista de jazz Buddy Rich. Para la gran mayoría y sin discusión, el mejor baterista de la historia. Tenía una técnica extraordinaria y un estilo poderoso, pero también era capaz de tocar delicadamente cuando era necesario.
Nacido como Bernard Rich, en Brooklyn, su carrera comenzó cuando tenía dos años. Sus padres, artistas del vaudeville, mostraban a su hijo como 'Traps, la maravilla de los tambores' interpretando con su tambor los redobles de la marcha 'Stars and stripes forever'. Sus actuaciones como 'Traps' seguirían a los largo de los años y en 1924, realizó una gira por Australia. En 1929 también apareció en un corto llamado 'Buddy Traps in Sound Effects'. Su apodo 'Buddy' (colega, amigo) viene de 'Pal', un término similar, que era como le llamaban sus padres. Cuando Buddy cumplió los quince años, ganaba unos 1000 dólares a la semana, por lo que era el niño artista mejor pagado del espectáculo junto con Jackie Coogan, el joven actor famoso por su papel en el film de Chaplin 'El chico' (1920).
Rich se interesó por el jazz siendo adolescente. Tuvo su propia banda, Buddy 'Traps' Rich and His Orchestra, durante un periodo de 1932. Solía frecuentar el Crystal Club de Brooklyn, donde admiraba a Tony Briglia, baterista de la Casa Loma Orchestra. Una noche de 1937 Artie Shapiro, un bajista que tocaba en el Crystal Club, le invitó a participar en las jams que la banda de Joe Marsala celebraba los domingos en el Hickory House. Cuando Rich tuvo la oportunidad de mostrar su talento, Marsala, impresionado lo contrató para su banda, pero el estilo Dixieland de Marsala no era muy del agrado de Rich, por lo que al poco dejó la orquesta.
En 1938 participó durante un tiempo en la banda de Bunny Berigan y en diciembre de ese año se unió a la orquesta de Artie Shaw. Para entonces el fenómeno de las big bands se había extendido por todo el país y la de Shaw era una de las más importantes. Las baquetas y los tambores de Rich hicieron sonar a la Artie Shaw Orchestra con más swing que nunca. Realizaban actuaciones semanales en el show radiofónico Melody and Madness y aparecieron en un film junto a Lana Turner.
Buddy Rich y Frank Sinatra
En 1939 Rich fue contratado por Tommy Dorsey. Su banda fue un fenómeno popular y contaba con un joven vocalista llamado Frank Sinatra. Rich y Sinatra compartían habitación en las giras y ambos -poseedores de una marcada personalidad- discutían a menudo. Rich se aburría soberanamente con la gran cantidad de baladas, cantadas por Sinatra, que estaban obligados a tocar, dada su gran popularidad. A pesar de sus diferencias, se respetaban mucho artísticamente y llegaron a ser grandes amigos.
En 1942, el año en el que Estados Unidos se involucró en la Segunda Guerra Mundial, Rich se alistó en los marines. No llegó a estar en el frente y en 1944 fue licenciado por motivos de salud. Volvió con Dorsey en 1944 y se convirtió en el sideman mejor pagado del negocio. Durante la década de los cuarenta, incluir a una big band en las películas, estaba muy de moda, por lo que Dorsey y su orquesta aparecieron en varias de ellas como 'Ship Ahoi' (1941), 'DuBarry was a Lady' (1942), 'Presenting Lily Mars' (1942) o 'Thrill of a Romance' (1944) con Esther Williams.
En 1946 Rich formó su propia banda con el respaldo financiero ($50.000) de Frank Sinatra. A los dos años estaba arruinado y la banda se disolvió. En 1950 formó otra banda de escaso éxito y antes colaboró con Norman Granz en sus giras de 'Jazz at The Philarmonic', en cuyos shows se celebraban batallas de baterías, en las que frecuentemente Rich se proclamaba 'vencedor'.
Su estilo poseía una extraordinaria velocidad y resistencia y su habilidad de abarcar todos los elementos de la batería con el mínimo esfuerzo era asombrosa. Rich confesaba que no practicaba jamás, ya que eso le hacía perder espontaneidad: "Nunca me dieron una sóla clase en mi vida y tampoco ensayo en casa. Así cada noche es un descubrimiento, una nueva experiencia."
Además de su habilidad con la batería, Rich era un magnífico cantante con un estilo muy similar al de Sinatra. Grabó un álbum, 'Buddy Rich just Sings' (1957), pero no llegó a tomarse en serio su carrera como crooner, ya que sabía bien dónde radicaba su verdadero talento. Su carácter agrio y agresivo, debido a que su padre le pegaba en su infancia, chocó con más de uno de sus colaboradores. El mismo admitía: "Tengo el peor genio del mundo. Cuando lo pierdo...madre mía!"
Marie Allison y Buddy Rich
Rich se casó con la bailarina y artista del espectáculo Marie Allison en 1952 y en 1954 tuvieron una hija, Cathy. Durante esos años, Buddy tocó en diversas bandas y orquestas y, en 1966 formó una big band. Desde entonces sólo lideraría sus propios grupos, los cuales estarían compuestos por jóvenes músicos desconocidos. Sus giras por las universidades del país lo dieron a cononocer a nuevas generaciones de aficionados al jazz y Buddy fue invitado con frecuencia a los shows de TV de Johnny Carson, Merv Griffin y Steve Allen, convirtiéndose en un personaje popular y habitual en la TV estadounidense no sólo como músico, realizando 'batallas de baterías' hasta con Animal de Barrio Sésamo, también como personaje y tertuliano.
Dos de sus interpretaciones más famosas fueron el medley de 'West Side Story', un complejo arreglo para big band del tema de Bernstein y 'Channel One Suite' de Bill Reddie. Buddy murió en 1987 a los 70 años de insuficiencia cardíaca. Sinatra pronunció un discurso en su funeral, al que asistieron otros grandes del espectáculo norteamericano como Johnny Carson, Jerry Lewis, Artie Shaw y Robert Blake.
El 30 de septiembre de 1922 nació en Okmulgee (Oklahoma) el compositor, contrabajista y violonchelista de jazz Oscar Pettiford. Fue el primer contrabajista en desarrollar los nuevos conceptos melódicos y rítmicos del bebop con su instrumento. De origen cherokee debe ser el músico de jazz nativo americano más famoso de la historia, aunque sólo unos pocos allegados conocían el dato.
Oscar y su chelo con Duke
Comenzó tocando el piano pero se cambió al contrabajo porque -según cuentan- no le gustaba la forma en la que solían tocarlo, por lo que creó y perfeccionó su propio estilo. En 1942 se une a la banda de Charlie Barnet y al año siguiente graba con Coleman Hawkins el tema 'The man I love'. También colabora con Earl Haines y Ben Webster y lidera un grupo junto a Dizzy Gillespie.
Entre 1945 y 1948 trabaja con Duke Ellington y con Woody Herman en 1949, y en los cincuenta forma su propia banda en la que descubre a Cannonball Adderley.
Pettiford está considerado pionero en el uso del chelo como instrumento solista en el jazz. Comenzó como una broma: durante un solo de contrabajo, Oscar desaparecía y volvía con un violonchelo con el que seguía tocando como si nada.
Todo surgió cuando en cierta ocasión Pettiford sufrió una fractura de brazo y ante la imposibilidad de ensayar con el contrabajo, experimentó con un chelo. Afinándolo por cuartas, como el contrabajo, pero una octava más alta, Oscar pudo practicar mientras tuvo el brazo enyesado. Las primeras grabaciones con el chelo fueron en 1950 y a lo largo de su carrera siguió a su lado como segundo instrumento. Murió a los 37 años en septiembre de 1960 a causa de lo que los médicos de entonces denominaron 'un virus parecido a la polio'.
El 30 de Septiembre de 1852 nació, en la ciudad irlandesa de Dublín, el compositor irlandés Charles Villiers Stanford, que vivió en Inglaterra durante la mayor parte de su vida. Estudió piano, órgano, violín y composición en la Royal Irish Academy of Music, lo que le proporcionó una sólida base musical de la que, con el tiempo, se serviría para sus labores como compositor, director de orquesta y profesor.
Su padre era un próspero abogado, muy aficionado a cantar en la tesitura de bajo y a tocar el violonchelo. Su madre había interpretardo el Concierto nº1 para piano y orquesta de Mendelssohn en el Dublín Musical. Desde niño mostró grandes aptitudes para la música, no porque sus padres le encauzaran con insistencia, sino por una predisposición innata. En 1862 se trasladó a Londres, recibiendo clases de Arthur O'Leary y de Ernst Pauer. En 1870 estudió en el Queen´s College de Cambridge en calidad de “organ scholar ship”, trasladándose al Trinity College de Londres en 1973 para ocupar la plaza de organista, puesto que conservó hasta 1892.
A los veinte años fue nombrado director de la Cambridge University Musical Society, en donde adquirió notoriedad y reconocimiento.
Desde 1874 a 1877 pasó largas temporadas en Alemania, estudiando con Carl Reinecke y Friedrich Kiel. En Leipzig acompañó a la joven cantante inglesa Jennie Wetton, con la que contrajo matrimonio en 1878. En Alemania consolidó la admiración que profesaba por la música de Mozart, Beethoven, Mendelsshon, Schumann y Brahms; escuchó a Liszt tocar en Leipzig y asistió a una de las primeras representaciones de "El oro del Rin" en Bayreuth. Wagner suscitó en él la pasión por el género operístico, que volcó en "The Veiled Prophet of Khorassan", acabada en 1878 y estrenada en Hannover en 1881; compuso seis óperas más y abogó infructuosamente por una ópera nacional. Fue profesor de composición en el Royal College of Music desde 1883 a 1924 y profesor de música en Cambridge desde 1887 a 1924 . Otras actividades fueron las de director del London Bach Choir desde 1886 a 1902, director de la Leeds Philharmonic Society desde 1897 a 1909, y del Leeds Festival desde 1901 a 1910. El compositor no se encontró solo, sino que coincidió con otros músicos tan prestigiosos como Edward Eldgar o Ralph Vaugham Williams, quien años antes había sido discípulo de Stanford. Ocupó varios puestos en instituciones musicales importantes y falleció en Londres el 29 de Marzo de 1924
Si tenemos en cuenta que compuso unas doscientas obras, llegamos a la conclusión de que desplegó una ingente labor. De estilo ecléctico, basado en una síntesis personal del romanticismo alemán, de la música popular irlandesa y de la música clásica inglesa, todas sus obras poseen una gran claridad formal y un discurso emotivo que en lo pasional casi nunca alcanza matices exacerbados. Enérgico y optimista, quien fuera una de las figuras más relevantes de la época victoriana vio como su popularidad declinaba en sus últimos años, sobre todo después de la Primera Guerra Mundial, cuando muchos melómanos dirigieron su atención a la música de vanguardia. Conservador y unionista, de temperamento sanguíneo, mantuvo enfrentamientos con otros profesores y alumnos, en los que adoptaba una inmoderada actitud verbal.
Fue el profesor de la mayoría de músicos pertenecientes a la “English Musical Renaissance”, Ivor Gurney, Arthur Bliss, Herbert Howells, Coleridge Taylor, Gustav Holst, John Ireland Rutland Bougthon, George Dyson, E. J. Moeran, Rebecca Clarke, Eugene Goossens y Vaughan Williams, sobre los que ejerció una notable influencia. Sabemos además que era un magnífico pianista y organista, tocaba bien el violín y era un excelente director de orquesta, en particular de las obras de Brahms. Como compositor, su brillantez en el terreno sacro eclipsó el interés por el resto de sus composiciones. Basta escuchar por ejemplo “Evening Services en sol: Nunc dimittis" (The Choir of St. John's College, Cambridge), para constatar su magistral dominio de la escritura vocal, tanto en el coral de tradición católica, “Three Latin Motets”, (The Winchester Catedral Choir) como en el anglicano, en donde momentos de intimismo contrastan con otros de una majestuosidad imponente, arropados por un inteligente acompañamiento de órgano. También compuso Cantatas como "The Blue Bird" (Anuna & Joanna Fagan), su himno “For lo, I raise up” (The Choir of New College, Oxford) y sus “Magnificat” (The Westminster Abbey Choir)
En la actualidad se detecta un loable esfuerzo por difundir su “Requiem” para solistas, coro y orquesta (Adrian Leaper & The Radio Telefis Eireann Symphony Orchestra) escrito a la memoria de Lord Leighton, uno de los últimos bastiones del neoclasicismo pictórico, figura muy destacada de la sociedad victoriana, que falleció en 1896. Amplio y solemne, conmovedor en su emoción contenida, no deja indiferente al oyente.
A lo largo de su vida Stanford compuso Siete sinfonías (Chandos 9279) que gozaron de vasta aceptación por la nitidez clásica de las estructuras, por el tratamiento minucioso y mesurado de la instrumentación -especialmente la Séptima-, y por un romanticismo diáfano, en el otro extremo del sinfonismo mahleriano que consideraba de mal gusto. Adquiere especial relieve su “Sinfonía Nº 3 en Fa menor”, conocida como “Iris Symphony” (Lydia Mordkovitch, violín, Ulster Orchestra & dir Vernon Handley ), compuesta en 1887, llegó al Continente y a Norteamérica por directores como Hans von Bülow y Mahler.
Como director de orquesta experimentado, Stanford dio a conocer numerosos conciertos para violín (Mendelssohn, Vieuxtemps, Joachim, Mackenzie, Spohr, Bruch, Saint-Saëns, y Brahms) y en 1899 compuso el “Concierto para Violín en Re mayor” op.74, dedicado a su amigo E. F. Arbos, fue muy aplaudido cuando el virtuoso Fritz Kreisler lo interpretó en el Leeds Festival de 1904. La crítica lo calificó de “vigoroso y original” y el musicólogo Jeremy Dibble ha descrito su segundo movimiento -Canzona- como una de las más bellas creaciones de Stanford. Está también en este disco la “Suite para Violín y Orquesta” op. 32, que en sus partes -Ouverture, Allemande, Ballade, Tamburin y Rondo- aúna con sorprendente eficacia los procedimientos antiguos con la expresión romántica; un artístico maridaje en el que nada estorba, porque todo se ajusta y complementa con naturalidad. Stanford había conocido en Berlín al violoncelista Robert Hausmann y para él compuso en 1880 el “Concierto para Violonchelo” en Re menor (Gemma Rosefield, cello & dir. Andrew Manze & The BBC Scottish Symphony Orchestra). En su concepción tomó como modelo el Concierto para violoncelo en si menor de Dvorák y el resultado es plausible, pese a que por desavenencias en el planteamiento de algunos pasajes, Hausmann nunca lo incluyó en su repertorio.
Cuesta entender que los tres Conciertos para piano y orquesta no merezcan mayor divulgación, siendo ricos en su despliegue imaginativo. Al igual que Brahms, a Stanford le sedujeron las posibilidades del clarinete y, desde 1880, compuso para este instrumento explorando sus matices aterciopelados, cristalinos, desde la alegría desbordante a la melancolía, como el “Concierto para clarinete en La Menor”, op. 80 Parte 3 (Janet Hilton, clarinet & The Ulster Orchestra, dir. Vernon Handley). Varios musicólogos británicos coinciden en que su “Quinteto de Piano en Re menor”, op. 25 es su mejor obra de cámara. Dedicada a su mentor, el violinista Joseph Joachim, es una composición elegante, fluida, luminosa, exultante y sofisticada.
En 1938 participó durante un tiempo en la banda de Bunny Berigan y en diciembre de ese año se unió a la orquesta de Artie Shaw. Para entonces el fenómeno de las big bands se había extendido por todo el país y la de Shaw era una de las más importantes. Las baquetas y los tambores de Rich hicieron sonar a la Artie Shaw Orchestra con más swing que nunca. Realizaban actuaciones semanales en el show radiofónico Melody and Madness y aparecieron en un film junto a Lana Turner.
Además de su habilidad con la batería, Rich era un magnífico cantante con un estilo muy similar al de Sinatra. Grabó un álbum, 'Buddy Rich just Sings' (1957), pero no llegó a tomarse en serio su carrera como crooner, ya que sabía bien dónde radicaba su verdadero talento. Su carácter agrio y agresivo, debido a que su padre le pegaba en su infancia, chocó con más de uno de sus colaboradores. El mismo admitía: "Tengo el peor genio del mundo. Cuando lo pierdo...madre mía!"
Dos de sus interpretaciones más famosas fueron el medley de 'West Side Story', un complejo arreglo para big band del tema de Bernstein y 'Channel One Suite' de Bill Reddie. Buddy murió en 1987 a los 70 años de insuficiencia cardíaca. Sinatra pronunció un discurso en su funeral, al que asistieron otros grandes del espectáculo norteamericano como Johnny Carson, Jerry Lewis, Artie Shaw y Robert Blake.
Desde 1874 a 1877 pasó largas temporadas en Alemania, estudiando con Carl Reinecke y Friedrich Kiel. En Leipzig acompañó a la joven cantante inglesa Jennie Wetton, con la que contrajo matrimonio en 1878. En Alemania consolidó la admiración que profesaba por la música de Mozart, Beethoven, Mendelsshon, Schumann y Brahms; escuchó a Liszt tocar en Leipzig y asistió a una de las primeras representaciones de "El oro del Rin" en Bayreuth. Wagner suscitó en él la pasión por el género operístico, que volcó en "The Veiled Prophet of Khorassan", acabada en 1878 y estrenada en Hannover en 1881; compuso seis óperas más y abogó infructuosamente por una ópera nacional. Fue profesor de composición en el Royal College of Music desde 1883 a 1924 y profesor de música en Cambridge desde 1887 a 1924 . Otras actividades fueron las de director del London Bach Choir desde 1886 a 1902, director de la Leeds Philharmonic Society desde 1897 a 1909, y del Leeds Festival desde 1901 a 1910. El compositor no se encontró solo, sino que coincidió con otros músicos tan prestigiosos como Edward Eldgar o Ralph Vaugham Williams, quien años antes había sido discípulo de Stanford. Ocupó varios puestos en instituciones musicales importantes y falleció en Londres el 29 de Marzo de 1924
Fue el profesor de la mayoría de músicos pertenecientes a la “English Musical Renaissance”, Ivor Gurney, Arthur Bliss, Herbert Howells, Coleridge Taylor, Gustav Holst, John Ireland Rutland Bougthon, George Dyson, E. J. Moeran, Rebecca Clarke, Eugene Goossens y Vaughan Williams, sobre los que ejerció una notable influencia. Sabemos además que era un magnífico pianista y organista, tocaba bien el violín y era un excelente director de orquesta, en particular de las obras de Brahms. Como compositor, su brillantez en el terreno sacro eclipsó el interés por el resto de sus composiciones. Basta escuchar por ejemplo “Evening Services en sol: Nunc dimittis" (The Choir of St. John's College, Cambridge), para constatar su magistral dominio de la escritura vocal, tanto en el coral de tradición católica, “Three Latin Motets”, (The Winchester Catedral Choir) como en el anglicano, en donde momentos de intimismo contrastan con otros de una majestuosidad imponente, arropados por un inteligente acompañamiento de órgano. También compuso Cantatas como "The Blue Bird" (Anuna & Joanna Fagan), su himno “For lo, I raise up” (The Choir of New College, Oxford) y sus “Magnificat” (The Westminster Abbey Choir)
A lo largo de su vida Stanford compuso Siete sinfonías (Chandos 9279) que gozaron de vasta aceptación por la nitidez clásica de las estructuras, por el tratamiento minucioso y mesurado de la instrumentación -especialmente la Séptima-, y por un romanticismo diáfano, en el otro extremo del sinfonismo mahleriano que consideraba de mal gusto. Adquiere especial relieve su “Sinfonía Nº 3 en Fa menor”, conocida como “Iris Symphony” (Lydia Mordkovitch, violín, Ulster Orchestra & dir Vernon Handley ), compuesta en 1887, llegó al Continente y a Norteamérica por directores como Hans von Bülow y Mahler.
• Concierto para violonchelo en re menor (1879) (Gemma Rosefield, cello & dir. Andrew Manze & The BBC Scottish Symphony Orchestra)
