Jack Nitzsche

El 22 de abril de 1937 nació en Chicago el compositor, arreglista, productor y músico de sesión Jack Nitzsche, que participó en las grabaciones de muchos de los grandes hits de la costa oeste en los años sesenta y setenta. Su primera contribución a la música pop fue cuando coescribió con Sonny Bono en 1955 la canción 'Needles and pins', que sería un éxito en versiones de Jackie DeShannon, Searchers, Cher y Ramones.

Jack, Darlene Love y Phil Spector (1963)

A principios de los años sesenta, Nitzsche trabajó con Phil Spector, ayudándole a construir su famoso 'muro de sonido' en temas como 'River deep mountain high' de Ike & Tina Turner. Jack también formaba parte del famoso Wrecking Crew, un grupo de músicos de estudio (incluía a Glen Campbell, Barney Kessel, Leon Russell, Larry Knechtel, Hal Blaine y Jim Gordon, entre otros) que, como sus homólogos de Motown en Detroit, The Funk Brothers, estaban detrás de numerosos éxitos de los sesenta que se publicaron en Los Angeles. Se les puede oir en los hits de los Monkees y de los Beach Boys.

Jack Nitzsche y Mick Jagger

El año 1963 publicó un instrumental de música surf, 'The lonely surfer' que fue el único Top40 de su carrera. Seguidamente se publicó el álbum del mismo nombre, con más temas en el mismo estilo, en un intento de afianzar su carrera en solitario que resultó infructuoso. En 1964, mientras ayudaba a organizar el T.A.M.I. Show, un especial musical de TV, conoció a los Rolling Stones y Jack contribuyó con su piano a varios de sus primeros álbumes, así como los singles 'Paint it black' y 'Let's spend the night together' y el arreglo coral de 'You can't always get what you want'.

Jack como miembro de los Crazy Horse

En 1967 realizó los arreglos y la producción del tema de Neil Young 'Expecting to fly', incluido en el segundo álbum de Buffalo Springfield y considerado por muchos uno de los que dio lugar al rock psicodélico surgido en California. Nitzsche trabajó también como pianista del grupo Crazy Horse en algunos álbumes clásicos de Young, como 'After the Goldrush' y 'Harvest'. Como productor se encargó, entre otros muchos, de 'Squeezing Out Sparks' de Graham Parker y de tres álbumes de Willy DeWille: 'Cabretta', 'Return to Magenta' y 'Coup de Grâce'.

Durante los años setenta dejó un poco de lado el mundillo pop y se centró más en sus composiciones para el cine. A él se deben las bandas sonoras de películas como 'El Exorcista', 'Alguien voló sobre el nido del cuco', 'Starman', 'A la Caza', '9 semanas y media', 'La séptima profecía' y 'Oficial y caballero', con la que ganó un Oscar en 1983 a la mejor canción con 'Up where be belong', coescrita con Buffy Sainte-Marie y Will Jennings. Jack Nitzsche murió a los 63 años en agosto de 2000.

Charles Mingus

El 22 de abril de 1922 nació en la base militar de Nogales (Arizona) el músico Charles Mingus, uno de los más respetados compositores, directores de banda y bajistas de jazz y una de las figuras más influyentes de la historia del género. Difícil de clasificar, su música bebe del hard bop y el free jazz. Extraordinariamente prolífico, sólo en los sesenta publicó mas de 30 álbumes de los más de 60 que grabó en su carrera. A lo largo de ella Mingus ha tocado, entre otros, con Louis Armstrong, Lionel Hampton, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Bud Powell. Fue apodado el 'hombre enfadado del jazz' por su fuerte temperamento y sus poderosos principios de integridad musical, que más de una vez le llevaron a discusiones y rupturas con varios músicos (incluso en escena).

La música siempre tuvo una gran consideración en la familia Mingus. Criado en Watts, el ghetto negro de Los Angeles, Mingus estuvo expuesto a la música clásica a través de las clases de violín y piano que cursaban sus dos hermanas mayores. Otra importante influencia temprana -ésta permanecería con él toda su vida- sería el juego pregunta-respuesta que se practicaba en los cánticos gospel de la Holiness Church a la que acudía junto a su abuela. Sus padres le regalaron un trombón al cumplir los ocho años, pero no se sintió cómodo con él por lo que se pasó al violonchelo, instrumento que amaba. Cambió al contrabajo -el instrumento con el que construiría su gran reputación- en su etapa de high school, donde tuvo como compañeros en la orquesta del instituto a futuros grandes músicos como Dexter Gordon y Chico Hamilton.

Mingus amplió sus estudios tomando clases particulares. Entre sus tutores se encontraban los jazzmen Joe Comfort y Red Callender, así como el ex-bajista de la orquesta filarmónica de Nueva York, Herman Rheinschagen. También estudió composición con Lloyd Reese y por lo menos dos de los temas que compuso en estos días, 'What Love' (1939) y 'Half-mast Inhibitions' (1940) se grabarían unos veinte años más tarde. La actividad de Mingus en la escena del jazz de Los Angeles y San Francisco comenzó incluso antes de graduarse en la high school.

En 1940 reemplazó a su profesor Red Callender en la banda de Lee Young. El año siguiente trabajó para Louis Armstrong con quien permaneció hasta 1943. Lideró varios combos como 'Baron Mingus' pero fue como miembro de la banda de Lionel Hampton donde comenzó a revolucionar la técnica del contrabajo de jazz con sus emotivos y endiabladamente rápidos solos.
Presiones económicas obligaron a Mingus a abandonar temporalmente la música y aceptar un trabajo con el servicio postal hasta el 1950, año en el que el vibrafonista Red Norvo le invita a formar parte de un trío con el guitarrista Tal Farlow. El Red Norvo Trio atrajo la atención de todo el país introduciendo el 'cool jazz' de la costa Oeste a una audiencia mayor.

En 1951 Mingus se estableció en Nueva York donde trabajó regularmente con músicos como Art Tatum, Bud Powell, Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En 1953 se unió a la banda de su ídolo, Duke Ellington, pero cuando Mingus tuvo enfrentamientos personales y un violento episodio en escena con Juan Tizol, trombonista de la orquesta, el bajista fue uno de los poquísimos músicos que Duke despidiría en su vida.

A mediados de los años cincuenta, Mingus maduró como compositor, modificando las formas convencionales añadiendo sorprendentes contrastes rítmicos que se convertirían en su sello personal. Su meta fue siempre expandir las fronteras del jazz y, con este fin, experimentó frecuentemente con la atonalidad y las disonancias. Algunos oyentes encontraban su música inquietante y perturbadora, para otros representaba un desafío estimulante. Cuando el swing dio paso al bop y éste a su vez dio lugar al jazz avant garde, Mingus fue capaz de mantener el paso con cada nueva tendencia, manteniendo siempre su individualidad y evitando ser identificado con cualquier estilo o escuela concreta.

Mingus y Max Roach

Su energía le llevó a embarcarse en diversas actividades durante los años cincuenta, además de componer y mantener su reputación como uno de los más grandes contrabajistas de todos los tiempos. Disgustado por el injusto trato que recibían los músicos por parte de las grandes compañías discográficas, fundó junto a Max Roach el sello Debut Records en 1952 y su primera grabación fue formando parte de un quinteto con Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell y Max Roach en el concierto de 1953 en el Massey Hall de Toronto, considerado como el canto del cisne del bebop.

Asimismo en 1954 fundó su propio Taller de Jazz, donde dictaba cada línea compuesta a cada intérprete para que se captaran todos los matices pretendidos por el autor. Mingus sostenía que la notación tradicional no era suficiente para describir su estilo de composición. Muchas de sus composiciones están consideradas -incluso por los mejores músicos- extremadamente difíciles de interpretar. En 1956 su suite en cuatro partes 'Pithecantropus Erectus' confirmó su fama de compositor de estéticas extravagantes.

Añadió nuevos hitos al jazz moderno como 'The Clown' (1957), 'A Modern Jazz Symposium Of Music And Poetry' (19567), 'Blues And Roots', 'Ah Um' (1959) y 'Mingus Dynasty' (1960)
Otro de sus talentos, el de formar combos únicos y sacar lo mejor de sus músicos se hizo patente también durante estos años. J.J. Johnson, Kai Winding y Thad Jones fueron algunos de los que florecieron bajo su dirección. Al final de la década, sus continuas frustraciones con la industria discográfica le llevaron a fundar la efímera Asociación de Artistas de Jazz y a promover conciertos.

A comienzos de los años sesenta, Mingus experimentó con el free jazz y compuso algunas de sus piezas de mayor complejidad rítmica y ricas texturas como en 'The Black Saint and the Sinner Lady' y 'Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus' (1963). Su influencia en los bajistas contemporáneos fue inestimable pero, irónicamente dejó de tocar el contrabajo y en su lugar, eligió el piano ('Mingus Plays Piano'), con el que -según el crítico Whitney Balliet se asemejaba a un "lacrimoso Thelonious Monk".

Tanto su gira junto a Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond como su aparición en el Festival de Monterey en 1964 ('Mingus at Monterey') fueron muy celebrados. Sin embargo, a continuación, el comportamiento de Mingus se tornó errático. Ignoraba frecuentemente los contratos, terminaba antes de tiempo sus conciertos o pasaba más tiempo quejándose de la ignorancia y falta de atención de su público que tocando su música. Los miembros de su banda eran abroncados e incluso atacados físicamente cuando cometían un error o no mostraban la actitud adecuada. Afectado por sus profundos problemas psicológicos, Mingus se retiró de la escena musical y se concentró en escribir su autobiografía.

En 1968 fue desahuciado de su apartamento neoyorquino y en este episodio perdió numerosas partituras que había escrito. Tuvo que volver a la música (y al contrabajo) por motivos económicos y ante su sorpresa, su retorno fue celebrado por el mundo del jazz que lo consideraba una leyenda viva. Su autobiografía, 'Beneath the Underdog' se publicó en 1971 y el mismo año recibió una beca Guggenheim de composición. Impartió clases en la Universidad del estado de Nueva York en Buffalo, compuso música para películas y realizó numerosas giras con su taller de músicos.

En 1974 Mingus organizó lo que fue definido por el crítico y autor Leroy Ostransky como "la más grande jam session desde que se inventó el término", grabada y publicada como 'Mingus at Carnegie Hall'. En 1977 enfermó de gravedad y sus últimos álbumes, 'Three or Four Shades Of A Blues' (1978) y 'Me, Myself and Eye' (1979) los tuvo que supervisar desde la silla de ruedas. El 5 de enero de 1979 Charles Mingus murió a los 56 años.

Su viuda formó el grupo Mingus Dynasty con formaciones cambiantes y que solían incluir sidemen habituales del contrabajista con el fin de mantener viva su música. En 1989, diez años después de su muerte, se celebró el estreno en el Lincoln Center de Nueva York de 'Epitaph', una obra que fue descubierta tras su fallecimiento. "Es la composición de jazz más larga y la más rica en texturas", escribió el colaborador de Time John Elson, añadiendo que la pieza era "una suite de 18 secciones, comprendiendo cerca de 4.000 compases de música, con una duración de más de dos horas". El compositor Ghunther Schuller, que dirigió la orquesta de 31 músicos que interpretó 'Epitaph', describió la obra como "un resumen musical de uno de los más grandes compositores de jazz del siglo XX que abarca desde el Mingus dulce y amable hasta el Mingus rabioso y enfadado"

Giuseppe Torelli

El 22 de abril de 1658 nació en Verona el compositor, violinista y maestro de música italiano del Barroco, Giuseppe Torelli, que destacó por sus múltiples dotes como violista, violinista, pedagogo y compositor, y tuvo entre sus discípulos más reconocidos a Francesco Manfredini. Aunque se desconocen los nombres de sus primeros maestros de violín, se especula que fue alumno de Leonardo Brugnoli o Bartolomeo Laurenti, aunque sí está comprobado que estudió composición con Giacomo Antonio Perti. Los primeros estudios musicales los recibió en su ciudad natal con el maestro Giuliano Massaroti. 

Jorge Federico II

En 1684 se trasladó a Bolonia para estudiar con Giacomo Antonio Perti y en junio de 1684, a los 26 años, Torelli se incorporó a la prestigiosa Accademia Filarmonica en calidad de “suonatore di violino” (violinista). Y fue tan productivo su desempeño en la agrupación y acumuló tanta experiencia en la misma, que en el año 1697 había ascendido a la categoría de “maestro di concerto” en la corte de Jorge Federico II, Margrave de Brandenburgo-Ansbach, donde estuvo al frente de la orquesta en un acontecimiento histórico: la interpretación de “Le pazzie d’amore e dell’interesse” (“La locura del amor y el interés”) (Dixie Lacuesta, soprano & Mikhail Lastrilla, pianista), idea dramática compuesta por el maestro de capilla de la orquesta, el castrato Francesco Antonio Pistocchi.

Tu lo sai

Tu lo sai quanto t'amai,

Tu lo sai, lo sai crudel!

Io non bramo altra mercè,

Ma ricordati di me,

E poi sprezza un infedel.

En 1698 publicó en Augsburgo sus Conciertos musicales, opus 6: “Concierto Nº 3 Opus 6” en Si menor (Charivari Agréable / Kah-Ming Ng) y al poco tiempo viajó a Viena en 1700 para presentar un oratorio. Aunque Torelli permaneció por algún tiempo en Viena, decidió regresar a Boloña en 1701. Sus biógrafos atribuyen la brevedad de sus estancias en el extranjero a una hipocondría progresiva, que se agudizaba enormemente cada vez que viajaba. Su regreso a Boloña implicó su incorporación a la capilla musical de San Petronio, que acababa de reformarse a iniciativa de su antiguo maestro, Giacomo Antonio Perti, y donde trabajó hasta su fallecimiento. A principios de 1700 organizó numerosos conciertos junto a Francesco Antonio Pistocchi, que les reportaron apreciables ingresos a ambos músicos.

Al igual que ocurre con los primeros años de su carrera, poco se sabe acerca de Torelli durante la última parte de su vida, con la excepción de que, debido probablemente al recrudecimiento de su dolencia, su creación fue limitada.

Su única obra significativa en esta década fueron los “Doce conciertos grossos Opus 8 con una Pastoral” (Collegium Musicum 90 & dir. Simon Standage), los cuales cuentan con una de las piezas que le hicieron merecedor de gran popularidad: el “Concierto de Navidad Nº 6”. Giuseppe Torelli fue el promotor de los conciertos de solista como ya se adivina en algunas piezas pertenecientes al Opus 6. En estas obras ya se advierte un cierto tratamiento virtuosístico del violín y adoptan una escritura de tipo modulante, buscando efectos de color y dinámica sonora. El conjunto de su obra resulta muy valioso por su riqueza inventiva, la expresividad de sus tiempos lentos y la vivacidad de los rápidos.

Torelli dejó a su muerte siete colecciones de conciertos, sinfonías y sonatas en estricto orden cronológico, obras entre las que se destacan sus treinta conciertos para trompeta, otro de los rasgos distintivos que lo caracterizan como el compositor barroco más prolífico de piezas para este instrumento. Gracias a esa cronología se puede seguir su transición del estilo bastante convencional de sus primeros conciertos y sonatas, orientados hacia el formato de cámara, a los esfuerzos más amplios y sólidos que florecieron finalmente en los “12 Concerti musicali”, compuestos con mayor virtuosismo y habilidad que los anteriores, otorgándole a los ritornellos un sitio más prominente; y los “12 Concerti grossi con una pastorale”, mencionados anteriormente, donde Torelli logra un absoluto dominio de la estructura, y el equilibrio crucial del papel de los solistas y de la orquesta. Y precisamente en las dos obras anteriores reside parte del principal aporte de Torelli a la historia de la música barroca: el concierto con solista y el concerto grosso tienen en él a uno de sus principales artífices.

• 10 Sonatas con bajo continuo, opus 1 (1686, Bolonia)
“Sonata para trompeta” G 1 y otros instrumentos (Thomas Hammes trompeta & European Chamber Soloists)
“Sonata para trompeta en Re mayor” Parte 1 Andante  Parte 2 Allegro  Parte 3 Grave  Parte 4 Allegro (Nikkas Eklund, Trumpet & The Drottningholm Baroque Ensemble Trumpet)
• 12 Conciertos de cámara, para violines y bajo, opus 2 (1686, Bolonia)
- Concierto para cuatro violines en La menor (Música Antique Koln, dir. Reinhard Goebel)

• 12 Sinfonías a dos, tres y cuatro instrumentos, opus 3 (1687, Bolonia)
- “Sinfonía para Trompetas, cuerdas y bajo continuo G 33” (Orchestra della Cappella Musicale di San Petronio & dir. Sergio Vartolo)
- “Sinfonía con Trompeta” G 11 (Thomas Hammes: trompeta & European Chamber Soloists)
- “Sinfonía con Trompeta” G 9  (Thomas Hammes, trompeta & European Chamber Soloists)

• 12 Sinfonías a tres y concierto a cuatro, opus 5 (1692, Bolonia)
- "Sinfonía prima" para dos violines, violonchelo y bajo continuo en La menor Opus 5 (Insieme Strumentale di Roma, dir. Giorgio Sasso)

• “12 Conciertos musicales a cuatro, opus 6” (1698, Augusta).
Esta colección apareció por primera vez en Augsburgo en 1698 y consta de doce conciertos que suponen una serie de transición entre las colecciones que van del Opus 1 al Opus 8:
- Concierto Nº 1 para cuerdas y bajo continuo en Sol mayor
- Concierto Nº 3 para cuerdas y bajo continuo en Si menor
- Concierto Nº 4 para dos violines, cuerdas y bajo continuo en Re mayor
- Concierto Nº 7 para dos violines, cuerdas y bajo continuo  (Charivari Agréable & Kah-Ming Ng)

• 12 Concerti grossi, opus 8 formados por:
Seis conciertos para 2 violines y Seis conciertos para un violín :
- Concierto Nº 5 en sol mayor (Croatian Baroque Ensemble)
- Concierto Nº 6 a cuatro en forma de Pastoral por el Santo Natale en Sol menor (St James Baroque Players & dir. Ivor Bolton)
- Concierto Nº 8 (Sydney Camerata, violín solista Liz Gormley).
• 30 Conciertos para 1, 2 o 4 trompetas y orquesta (sinfonía para trompeta)
- Concierto para trompeta, cuerdas y bajo continuo en Re menor (St James Baroque Players & dir. Ivor Bolton).