Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 25 de julio de 1980 se publicó 'Back in Black', el sexto álbum internacional de la banda australiana AC/DC. Debutó en él el cantante Brian Johnson que sustituía a Bon Scott, fallecido unos meses antes. Pese al nerviosismo que supuso este cambio repentino y las dudas que reinaron durante la grabación, el álbum no solo fue nº1 en Inglaterra; es hasta la fecha el álbum de la banda que más ventas ha registrado (uno de los más vendidos de la historia junto con 'Thriller y 'Dark Side of the Moon') y el que supuso su conquista definitiva del mercado norteamericano que se había mostrado reacio hasta entonces.
Brian Johnson
Johnson, que procedía de la banda británica de hard rock Geordie, había sido elegido tras una audición en la que cantó dos canciones: 'Whole lotta Rosie' y 'Nutbush city limits'. Fue suficiente para que a partir del 1 de abril de 1980 fuera anunciado oficialmente como el nuevo cantante de la banda. Una semana antes había recibido un billete de avión con destino Nassau donde se reunió con el resto de la banda para acometer la grabación del nuevo álbum en los estudios Compass Point. La producción corrió a cargo de John 'Mutt' Lange, que ya había trabajado con los hermanos Young en su anterior trabajo, 'Highway to Hell'.
AC/DC en 1980
El álbum, cuya cubierta y portada del álbum se editaron en negro, en claro homenaje a Bon Scott, fue nº1 en el Reino Unido, igualando la gesta de los Beatles de tener cuatro álbumes simultáneamente en el Top100 británico. En Estados Unidos alcanzó el nº4 y el single 'You shook me all night long' fue su primer Top40 en el Hot100. En la crítica que Rolling Stone publicó se podía leer: "...el primer LP desde 'Led Zeppelin II' que captura toda la sangre, sudor y arrogancia del género heavy metal."
El 20 de julio de 1965 se publicó en Estados Unidos el single 'Like a rolling stone' de Bob Dylan. Cuando a mediados de junio de 1965 el cantautor vuelve de su visita a Inglaterra, llega a los estudios Columbia con varias canciones nuevas para su nuevo álbum, 'Highway 61 Revisited'. Una de ellas, que estaba destinada a ser uno de los grandes temas de la historia del rock, la había escrito con la intención de que fuera un poema, como él mismo le contó al periodista Jules Siegel: "Lo escribí nada más volver de Inglaterra. Ocupaba diez páginas y carecía de título. Allí se concentró todo el odio que llegué a acumular en cierto momento en el que no podía más. Una vez escrito, el odio, o mejor dicho sed de venganza, desapareció. Nunca contemplé el poema como una canción, hasta que un día, sentado al piano, comenzé a canturrear: 'How does it feel...?. A una velocidad ultralenta, como si te encontraras flotando en una gran masa de lava volcánica, me fue llegando la melodía".
Dylan y Tom Wilson
Contrariamente a lo que afirmó Al Kooper en su autobiografía 'Backstage Passes' donde sostiene que el arreglo de la canción y su grabación surgió en unos minutos de una manera "muy punk e improvisada", realmente las sesiones y la gestación de la versión definitiva de 'Like a rolling stone' se tomaron dos días completos de estudio. Las expectativas de cómo debía sonar el tema y cuáles eran los músicos idóneos para tal fin fueron motivo de varias discusiones entre Dylan y su productor Tom Wilson el cual, poco después, marcharía al sello Verve para ocuparse de músicos como Frank Zappa y Velvet Undergroound. Pero su último trabajo con Dylan entraría en la historia del rock. Aunque sus seis minutos de duración rompían todos los esquemas de lo que se consideraba un disco 'radiable' (no más de tres minutos) el tema escaló las listas de medio mundo y alcanzó el nº2 del Hot100 americano. La compañía se había mostrado reacia a publicarlo, pero cuando una copia pirata comenzó a emitirse con insistencia por las emisoras de radio, no tuvieron más remedio.
Dylan y Mike Bloomfield
Una de las características principales del éxito del tema fue la combinación de los sonidos del órgano de Al Kooper y la guitarra solista de Mike Bloomfield, el cual había acompañado a Dylan junto con su banda -Paul Butterfid Blues Band- en el famoso Festival de Newport en el que el cantautor rompió con su pasado folk acústico para abrazar el rock and roll. Bloomfield participó asimismo como guitarrista de sesión en 'Highway 61 Revisited' demostrando su enorme potencial que, exceptuando su 'Super Session' con Kooper, se quedaría por demostrar debido a su prematura muerte a los 36 años.
Al Kooper y Dylan
Al Kooper, por su parte, fue invitado a la grabación como observador, aunque él albergaba la esperanza de contribuir con su guitarra a la grabación, por lo que la sacó de su estuche y comenzó a afinarla. Tras escuchar en los ensayos previos a Mike Bloomfield, el guitarrista contratado para la sesión, comprendió que Mike era mejor guitarrista que él, así que volvió a guardar discretamente la guitarra y se refugió en la sala de control.
Al Kooper al Hammond
En un momento de la grabación, el teclista Paul Griffin, que estaba tocando el órgano Hammond se cambió al piano. Kooper aprovechó la ocasión para participar y le dijo al productor Tom Wilson que tenía "una gran idea para incluir el Hammond" (más tarde confesaría que fue un farol en toda regla) a lo que Wilson le respondió: "Al, tú eres guitarrista, no organista". Antes de concluir las tomas, Wilson recibió una llamada y tuvo que ausentarse de la sala, momento que usó Kooper para sentarse al órgano, sin apenas experiencia. Cuando volvió el productor, comprobó disgustado que ya se habían hecho varias tomas con el órgano registrado en ellas. A la hora de las mezclas, cuando se le preguntó a Dylan qué hacer, exclamó: "¡Sube ese órgano!".
En el especial Rolling Stone de 2005 '50 años de Rock, 'Like a rolling stone' fue elegido el nº1 de la lista de los 'mejores temas de rock & roll de todos los tiempos'. Dejando a un lado la opinión que nos merezcan estas listas, es sin lugar a dudas uno de los mejores temas de Dylan y fue una poderosa declaración de independencia frente a los clichés compositivos de aquella época que hoy, casi cincuenta años después, sigue sonando fresco, sin perder un ápice de su fuerza y energía originales. Entre los numerosos artistas que han versionado la canción se encuentran nombres como Cher, Judy Collins, Jimi Hendrix, Rolling Stones, Johnny Winter, The Turtles, Mick Ronson, Four Seasons, Rascals, Al Stewart, Green Day, David Bowie y Johnny Thunders.
El 13 de julio de 1973 se publicó en el Reino Unido 'A Passion Play', sexto álbum de la banda de rock progresivo británica Jethro Tull. Tal como el que le precedió ('Thick as a Brick'), se trató de un álbum conceptual con un único tema (dividido en dos en la edición de vinilo) que gira alrededor del viaje espiritual a la ultratumba de un hombre llamado Ronnie Pilgrim, el cual, tras ver el más allá, sigue prefiriendo su vida terrenal e imperfecta a la eternidad en el paraíso.
Aunque alcanzó con facilidad el nº1 en Estados Unidos (en Inglaterra no pasó del puesto 13) las críticas fueron demoledoras y únicamente destacaron el virtuosismo instrumental de la banda que se encontraba en su mejor momento. La obra de Anderson fue tachada de pretenciosa, además de complicada y poco clara, ya que la historia dejaba demasiadas lagunas sujetas a interpretaciones subjetivas.
La grabación del álbum resultó accidentada desde el principio. Las sesiones iniciales tuvieron lugar en el Chateau D'Herouvillle en Francia. Tras seis semanas de trabajo la grabación fue suspendida debido a problemas técnicos y sobre todo de salud, ya que no se completó una semana de grabación sin que uno de los componentes se encontrara con gastroenteritis en la cama. "La comida y el servicio de catering no era aquello a lo que estábamos acostumbrados..."
De nuevo en Inglaterra, empezaron de cero. Anderson lo recordaba así en Guitar World: "Acabé reescribiendo prácticamente todo el material con el que trabajmos en Francia y de ahí salió 'A Passion Play'. El concepto surgió de las posibles opciones que a uno le surgirían en la otra vida. Fue un álbum oscuro -esa era nuestra intención- pero quizás fuimos demasiado lejos tomándonoslo en serio y al álbum le faltaba algo de la variedad. el humor y la autoparodia que contenía 'Thick as a Brick'. Las críticas nos destrozaron. Chris Welch de Melody Maker y Bob Hilburn del Los Angeles Times escribieron reseñas muy negativas que todo el mundo asumió como las correctas, basando sus propias opiniones en ellas. Aquello se convirtió en una bola de nieve que nos afectó profundamente. Ciertamente no es uno de mis favoritos, aunque con el tiempo se ha convertido en álbum de culto para muchos de nuestros seguidores. Fue un intento de llevar el rock y el pop un poco más allá en aspectos compositivo y complejidad musical".
Entre los actos 3º y 4º se incluyó una fábula surrealista que cuenta la historia de un conejo que ha perdido sus gafas. Numerosos animales del bosque se afanan en ayudarle a buscarlas, hasta que el conejo cae en la cuenta de que tiene otras de repuesto. La narración la llevó a cabo Jeffrey Hammond sobre un fondo de música orquestal.
Ian Anderson – voz, flauta, guitarra acústica, saxos
Martin Barre – guitarra eléctrica
John Evan – piano, órgano, sintetizadores, voces
Jeffrey Hammond – bajo, narrador en 'The Story of the Hare Who Lost His Spectacles'
El 11 de julio de 1975 se publicó en Estados Unidos el décimo álbum de la banda angloamericana Fleetwood Mac. Fue su segundo trabajo que recibía el nombre del grupo (el primero se publicó en 1968 con la formación original) y el primero en el que contaban con la pareja de músicos y compositores norteamericanos Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, tras la marcha de su anterior guitarrista, Bob Welch. Tardó más de un año en escalar las listas hasta el nº1 y el éxito del álbum (vendió más de 5 millones de copias) pilló a todos por sorpresa. La nueva formación de Fleetwood Mac marcó el inicio de la época más comercial del grupo y adelantaba éxitos internacionales como 'Rumours' y 'Tusk' con los que afianzaron el soft rock californiano que dominó el mundo pop anglosajón el resto de la década.
Fleetwood Mac en 1975
Cuando Bob Welch, harto de giras, dejó la banda para seguir en solitario, Mick Fleetwood se lanzó a la búsqueda de un nuevo guitarrista. Pero fue por casualidad como dio con Buckingham. El ingeniero de grabación Keith Olsen, interesado en que Fleetwood Mac grabara un álbum en su nuevo estudio le mostró a Mick algunas grabaciones con las que pretendía mostrar las excelencias técnicas de sus instalaciones. A Mick le impresionó el sonido, pero le impresionó más la guitarra que se oía en la grabación. Identificado el guitarrista, Fleetwood le hizo una oferta para ingresar en la banda. Buckingham accedió bajo una condición: que se incluyera en el lote a su pareja, la cantautora Stevie Nicks. La Nochevieja de 1974 se oficializó el acuerdo.
Stevie Nicks y Lindsey Buckingham
El dúo, que ya había publicado un álbum en el sello Polydor, transformó por completo la identidad de la antigua banda de blues-rock y, además de insuflar nueva vida a Fleetwood Mac, la exuberante creatividad y dinamismo que desplegaba Buckingham, animó a la pianista Christine McVie a cambiar de registro y componer temas más orientados al nuevo soft rock californiano que producían. En febrero entraron en los Sound City Studios de Olsen en Van Nuys (California) y grabaron los once temas que componen el álbum en tres meses, un tiempo irrisorio comparado con el que se tomarían para trabajos futuros.
Christine, Lindsey y Stevie
Buckingham abre el disco con el tema 'Monday morning' que suponía toda una declaración de principios de la música que el grupo iba a realizar en el futuro. Pero el peso de las composiciones (7 de 11) recayó en las dos cantautoras de la banda, Christine McVie y Stevie Nicks que aportaron los temas más conocidos: 'Over my head', 'Rhiannon' y 'Say you love me' que fueron editados en single, alcanzando los dos últimos el puesto 11 del Hot100. Pese al gran éxito en Estados Unidos, el álbum pasó desapercibido en el Reino Unido, donde no veían con buenos ojos la 'americanización' de la banda. La cosa cambió radicalmente tras el descomunal éxito internacional que supuso 'Rumours' en 1977 y en 1978, 'Fleetwood Mac' se reeditó de nuevo en Inglaterra junto con el single 'Rhiannon'.
El sábado 5 de julio de 1969 se celebró en el Hyde Park londinense un concierto gratuito cuyo cartel encabezaban los Rolling Stones. Además participaban otros grupos británicos como Third Ear Band, King Crimson, Screw, Family y Alexis Korner's New Curch. Era la primera actuación en vivo de los Stones en más de dos años y se preparó para presentar al nuevo guitarrista de la banda, Mick Taylor. Sin embargo, la muerte dos días antes de Brian Jones, cambió por completo el sentido del concierto, convirtiéndose en un homenaje al ex Stone desaparecido.
La noche del viernes ya se habían congregado cientos de fans con velas encendidas y a la mañana siguiente, sobre las once, las estimaciones de la policía cifraban en 20.000 los asistentes. En total, llegaron a reunirse alrededor de 300.000 personas de las cuales, únicamente 75.000 pudieron ver a los músicos en el escenario.
Hacía calor ese día y muchos acabaron refrescándose en el lago Serpentine. Asimismo se vendieron todos los helados y bebidas de los puestos ambulantes. La gente tocaba guitarras y tam-tams mientras se arremolinaban en el parque ataviados con collares, brazaletes y joyas; un auténtico paraíso hippy.
Antes de comenzar su actuación, Mick Jagger rogó unos minutos de silencio en memoria de Brian Jones y recitó en su honor unas estrofas del poema Adonais de Percy Shelley, que éste escribió en su día con motivo del fallecimiento de John Keats. A continuación, a una señal de Jagger, se liberaron unas 3.500 mariposas al tiempo que Jagger daba un salto y daba comienzo su show con el tema 'I'm yours'.
Aunque se recuerda el concierto como un hecho memorable de la historia del rock, también existe unanimidad en considerar la actuación de los Stones de aquella tarde una de las peores de su carrera. Las guitarras estaban desafinadas y se notaban los dos años que la banda llevaba sin tocar en directo. Keith Richards: "Tocamos bastante mal ya que llevábamos años sin hacerlo juntos en un escenario. Pero a nadie le importó porque lo que quería la gente era vernos tocar de nuevo".
La actuación de los Stones se grabó por el canal Granada Television y se encuentra editada en DVD y Blu-ray. Al finalizar el concierto se le ofreció a los que recogieran tres sacos de basura una copia gratis del nuevo single de los Rolling Stones, 'Honky tonk women', publicado el día anterior. Aquel sábado, acabado el festival, Hyde Park terminó más limpio de lo habitual.
El 5 de julio de 1954 se realizó en los estudios Sun de Sam Phillips, la grabación del primer single comercial de Elvis Presley, 'That's alright mama', un momento que muchos historiadores señalan como el verdadero origen del rock & roll.
Sun Records
La secuencia de hechos que condujeron a este momento arranca cuando un joven camionero llamado Elvis Presley entró cierto sábado del verano de 1953 en las oficinas de Sun Records y pagó 3,98$ por una grabación en acetato de una canción que le iba a regalar a su madre. Grabó dos temas: 'My happiness' y 'That's when your heartaches begin'. Algo vería en él la socia de Sam Phillips, Marion Kreisler, que apuntó en los datos del artista: "A tener en cuenta. Buen cantante de baladas" y se encargó durante los meses siguientes de recordarle a Sam el nombre del joven y tímido camionero para que le hiciera una prueba en serio. Por fin, Phillips mandó llamar a Elvis y el 5 de julio de 1954 concertó una sesión de grabación con dos de sus músicos habituales de sesión, el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black. Quizás era éste el 'cantante blanco con voz de negro' que Sam andaba buscando desde hacía un tiempo.
Elvis, Bill, Scotty y Sam Phillips
Sin embargo, las primeras horas de la sesión, en las que Elvis cantó 'Harbor lights' y 'I love you because', no convencieron a Phillips. Las interpretaciones del cantante le parecieron poco inspiradas y sin personalidad. Tras numerosas tomas, decidió dar un descanso de unos minutos. Elvis, en vez de salir al exterior a respirar aire fresco, agarró una guitarra y comenzó a cantar un tema que Arthur 'Big Boy' Crudup grabó en 1946: 'That's alright, mama' en una versión bastante más acelerada que la original. Black se le unió al contrabajo y Scotty no tardó en acompañarles con su guitarra. De repente, Phillips exclamó: "¡¡¿Qué estáis haciendo?!!", a lo que Scotty respondió sorprendido: "No sé...le acompañábamos". "Pues ya estáis buscando un sitio donde comenzar y hacedlo de nuevo desde el principìo". Sam sabía que estaba capturando un momento mágico. Se grabó en una sola toma, sin batería. Siguió grabando temas con Elvis los dos días siguientes, entre ellos, el que sería la cara B del single 'Blue moon of Kentucky', pero la chispa de aquel 5 de julio no volvió a repetirse.
Arthur 'Big Boy' Crudup
El single, acreditado a Elvis Presley, Scotty and Bill, se publicó oficialmente dos semanas después, el 19 de julio de 1954. Con unas ventas de alrededor de 20.000 copias no logró entrar en las listas nacionales pero fue un top5 en las listas locales de Memphis. Aunque Crudup figuraba como autor en los créditos, éste no recibió lo que le correspondía por sus derechos -unos 60.000$- hasta varios años después.
Elvis en 1954
El año 2004, tanto 'That's alright' como 'Rock around the clock' de Bill Haley cumplían 50 años. En la revista Rolling Stone aprovecharon el momento para reivindicar 'That's alright' como la "primera grabación de rock & roll", aunque el tema suscita muchas controversias. Hay quien opina que la falta de batería y piano en la grabación de Elvis la invalida como canción de rock & roll y otros argumentan que otro tema de Bill Haley, 'Shake, rattle and roll' llevaba semanas en las listas de R&B estadounidenses cuando 'That's alright' salió a la venta. El mismo Presley dijo en una ocasión: "Muchos piensan que yo inicié todo esto, pero el rock & roll ya llevaba existiendo mucho tiempo antes de que yo llegara".
El 4 de julio de 1934 nació en Madrid la compositora cantante, actriz y pintora española Carmen Santonja, que junto con su amiga Gloria Van Aerssen formó durante más de tres décadas Vainica Doble, uno de los dúos más originales del panorama musical español, en el que ejercieron con sus canciones una considerable influencia. Sus cuidadas letras y armonías vocales, los magníficos arreglos con instrumentos inusuales en la época como la slide guitar o el sitar, además de su actitud independiente, al margen de los grandes sellos discográficos, fueron modelo de numerosos músicos de la nueva ola nacional como Carlos Berlanga y Fernando Márquez en los ochenta o Los Planetas en los noventa.
Carmen y Gloria se conocieron en su época universitaria. Santonja estudió en el conservatorio y Gloria cursó Bellas Artes. Carmen colaboraba además en programas infantiles que realizaba su cuñado, el realizador Jaime de Armiñán para la joven TVE. Fue Gloria la que introdujo a Carmen en el rock a través de Beatles, Rolling Stones y Traffic y pronto ambas colaboraban juntas componiendo canciones. Gloria lo recordaba así: "Lo de componer canciones surgió un día viendo en la televisión el Festival de Benidorm. Era tan churro, tan petardo que, inocentes nosotras, pensamos que el asunto sería pan comido y nos pusimos a escribir canciones para otros artistas. Enseguida nos dimos cuenta de que no iba a ser tan fácil como pensábamos..."
Pero Armiñán, que tenía un nuevo proyecto televisivo, 'Fábulas', les encarga la sintonía y varias canciones para la serie. "Carmen se encargaba de escribir las letras y la música la componíamos a medias. Casi siempre yo llevaba la voz principal mientras Carmen se encargaba de cantar la segunda voz. Siempre trabajamos a fondo las armonías vocales: cuartas, quintas... y otros intervalos que pocos hacían por entonces."
Otro de sus primeros temas, 'El afinador de cítaras' es grabado por el grupo Nuevos Horizontes y el disco logra entrar en los 40 Principales. Esto llama la atención de Pepe Nieto (ex Pekenikes), que las convence para editar sus propias canciones como solistas y tras elegir el nombre Vainica Doble les produce en 1970 su primer single para el sello Columbia con los temas 'La bruja' y 'Un metro cuadrado'. En un ambiente de total libertad creativa, los arreglos psicodélicos y el uso que hacen Carmen y Gloria de las armonías de los cantos gregorianos suponen una revolución en el pop español y los mejores músicos del país se sienten encantados de trabajar con ellas.
El guitarrista y autor Salvador Domínguez lo recuerda en su libro 'Los Hijos del Rock' : "Todos los músicos las adorábamos y respetábamos. Además, a pesar de ser de lo más sanas, parecían tener más rollo y estar más voladas que muchos músicos de la drogota hornada underground del momento..." A partir de su primer sencillo, quedó marcada la pauta que seguirían a lo largo de su carrera: su obra iría 'por libre', desmarcándose de las corrientes principales del panorama musical, anticipándose en la mayoría de los casos a lo que años más tarde se convertiría en moda.
En 1971 aparece su primer álbum 'Vainica Doble' bajo el sello Ópalo, con nuevas canciones entre las que se encuentra '¿Quién le pone el cascabel al gato?', tema con el que tienen problemas con la censura franquista que entendía que hacían referencia al general Franco. Otras canciones destacables de su disco debut fueron 'Díme Felix', 'Fulgencio Pimentel', 'Caramelo de limón' y 'La cigarra y la hormiga'.
Dos años después firman con Ariola (los constantes cambios de sello discográfico se convertirían en una costumbre) y graban, también con arreglos de Pepe Nieto, el álbum 'Heliotropo' siguiendo la línea de su predecesor con letras que a primera vista resultan inocentes pero en una segunda lectura revelan una carga irónica que a veces puede resultar cruel, cantadas sobre una amalgama musical de rock, blues, jazz, folk y copla española. Destacan 'A la sombra de un banano', 'Habanera del primer amor' y 'Coplas de un iconoclasta enamorado'.
En 1975 José Luis Borau les pide la banda sonora de su película 'Furtivos'. Firman con la discográfica Gong y graban su siguiente disco, 'Contracorriente', en el verano de 1976, que supondrá su segundo encuentro frontal con la censura. La publicación se retuvo cierto tiempo a causa de la letra de la canción 'Que no', que fue escrutada detenidamente por los censores de la extinta dictadura. Además Carmen y Gloria, descontentas con la producción y promoción, discuten con los responsables del sello y esto supondrá un silencio discográfico de casi cinco años.
1979 supondrá su vuelta al vinilo, firman contrato con Guimbarda y bajo producción de José Manuel Yanes graban 'El Eslabón Perdido' (1980) que incluía canciones nuevas y otras antiguas, como 'La niña precoz' perteneciente al trabajo realizado para la serie de televisión 'Suspiros de España'. Otra, 'Coloniales y ultramarinos', incorporaba frases de un viejo tema de la serie de TV 'Las doce caras de Eva'. El álbum iba a ser en principio un doble LP conceptual de temática ecológica que iba a llevar por título 'Doñana'. Uno de los discos hablaría del mar y otro de la tierra, pero "con el boom ecológico se nos quitaron las ganas".
Con el mismo equipo de producción y excepcionalmente bajo el mismo sello, publican en 1981 'El Tigre del Guadarrama' con temas como 'El rey de la casa' y 'Madre no hay más que una', rescatada de la banda sonora de 'Furtivos'. En esta época Ángel Casas consigue que graben un monográfico para su programa Musical Exprés, quizá la única actuación grabada en directo de la pareja.
En 1984 graban junto a Joaquín Sabina el tema del programa de TVE 'Con las manos en la masa', presentado por Elena Santonja, hermana de Carmen, y vuelven a los estudios con el sello Nuevos Medios.
Producido por Mario Pacheco y bajo la dirección musical del Maestro Reverendo, se publica el doble álbum 'Taquicardia', tras el cual sigue un largo silencio discográfico del dúo únicamente interrumpido por la publicación en 1991 de '1970', un disco grabado en los estudios de RNE que contenía regrabaciones de sus canciones de los setenta respetando los arreglos originales. En 1988 su cuñado Jaime de Armiñán dirige la serie 'Juncal' en TV y vuelve a encargarles el tema musical.
Los años noventa y el auge del CD provoca que se rescaten muchas de sus antiguas grabaciones en vinilo y en 1997 se publica su primera recopilación 'Coser y Cantar'. El mismo año bajo contrato con Polygram y producción de Miguel Ángel Arenas, las Vainica graban su octavo álbum, 'Carbono 14', en el que la discográfica pecó de intervencionismo, intentando encauzar al dúo hacia un público masivo mediante la inclusión de colaboradores con tirón comercial pero con poca o ninguna relación con la música y la estética de Vainica Doble."El disco 'Carbono14' es como si no fuese nuestro. No tenía nada que ver con nosotras en absoluto. Miguel Ángel se empeñó en invitar a muchos artistas famosos, sin ton ni son. Miguel Bosé estuvo un momentito y grabó unos coros, y Alejandro Sanz..." (Gloria Van Aersen). A pesar de ser el trabajo de Vainica menos apreciado por sus seguidores, el disco resultó ser su disco más vendido.
El año 2000, sin presiones comerciales ni interferencias, el dúo se despidió con el álbum 'En Familia', publicado en el sello independiente Elefant. En él colaboraron los hijos y nietos de las cantantes e incluía la magnífica balada 'Dices que soy'. Ese mismo año, el 23 de julio, Carmen falleció a los 66 años de edad.
El 2 de julio de 1982 se publicó en el Reino Unido 'Imperial Bedroom', séptimo álbum del británico Elvis Costello. Bajo producción del antiguo ingeniero de sonido de los Beatles, Geoff Emerick, es una de sus obras más valoradas. Aparece en el puesto 166 en la lista de Rolling Stone de 'los 500 mejores álbumes de la historia' y en su día, la revista lo calificó como 'la obra cumbre de Costello'. Sin embargo, las ventas fueron decepcionantes y los dos singles extraídos, 'You little fool' y 'Man out of time' ni siquiera visitaron las listas.
Se grabó en los estudios AIR de Londres en la primavera de 1982 al mismo tiempo que Paul McCartney ponía los toques finales en un estudio contiguo a 'Tug Of War', en el que asimismo participaba Emerick como ingeniero. Todas las canciones de 'Imperial Bedroom' y sus exuberantes y a veces extravagantes arreglos surgieron durante las doce semanas que duraron las sesiones.
Costello se demostró a sí mismo que además de compositor de canciones de rock & roll, era capaz de dirigir la grabación y producir un magnífico y ambicioso disco de temas pop que hoy, más de treinta años después, sigue fascinando por su extraña belleza. La portada, obra del diseñador gráfico Barney Bubbles (aquí firmó con el seudónimo de Sal Forlenza) era un pastiche picassiano llamado 'Encantador de serpientes y pulpo recostado'.
El 1 de julio de 1968 se publicó en Estados Unidos el álbum debut de The Band, 'Music From Big Pink'. En 1966 habían acompañado como The Hawks a Bob Dylan en su gira europea y tras el accidente de motocicleta que sufrió el cantautor, se encerraron con él en el sótano de la casa que había alquilado Rick Danko en West Saugerties (New York) y que llamaron 'Big Pink'. La mayoría de estas grabaciones se recogerían en el doble álbum publicado en 1975 'The Basement Tapes'.
The Band en 'Big Pink'
Fue en 'Big Pink', tal como reza el título, donde surgieron también la mayoría de los temas del álbum, una amalgama sonora de country, folk, soul y R&B americanos que significó una sorpresa para unos y una revelación para otros. Eric Clapton lo cita como el álbum que le convenció para disolver Cream y experimentar otros estilos con Blind Faith, Delaney & Bonnie y Derek and the Dominos. Roger Waters asimismo lo cita como "el segundo álbum más influyente del rock tras 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band'" y como un trabajo que influyó poderosamente en Pink Floyd.
The Band en el sótano de 'Big Pink'
Además de los tres temas que firma Dylan, 'I shall be released, 'Tears of rage' y 'This wheel's on fire', estas dos últimas en colaboración con Richard Manuel y Rick Danko, respectivamente, el tema que destacó fue 'The weight', de Robbie Robertson que fue más popular en Canadá y el Reino Unido que en Estados Unidos donde, a pesar de las excelentes críticas recibidas (una de ellas, firmada por Al Kooper en Rolling Stone), las ventas del álbum fueron más bien escasas.
William Ruhlmann escribió para Allmusic: "Con el tiempo, Music from Big Pink será recordado como una obra clave en la historia del rock, al introducir nuevos matices y enfoques para un género en constante evolución". En la misma línea, el álbum recibió la máxima puntuación en reseñas publicadas por revistas musicales especializadas y figura en un elevado número de listas de los mejores álbumes de la historia del rock. Así, por ejemplo, la revista Rolling Stone situó a 'Music from Big Pink' en el puesto 34 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en 2003, y figura en la quinta posición de la lista de los 100 mejores álbumes debut de la revista Uncut.
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